One Little Indian 61 Artikel

Army of Me: Remixes and Covers erschien am 2. Mai 2005 über One Little Independent und nimmt innerhalb von Björks Diskografie eine besondere Stellung ein. Anders als ihre früheren Remixveröffentlichungen entstand dieses Projekt als Benefizalbum zugunsten der Opfer des verheerenden Tsunamis im Indischen Ozean 2004. Björk rief Musikerinnen und Musiker aus aller Welt dazu auf, eigene Interpretationen ihres 1995 veröffentlichten Songs „Army of Me“ einzureichen. Sämtliche Einnahmen aus dem Album wurden an UNICEF gespendet, um Hilfsprojekte für Kinder in den vom Tsunami betroffenen Regionen zu unterstützen. Insgesamt gingen mehr als 600 Remixe und Coverversionen ein, aus denen Björk gemeinsam mit ihrem langjährigen Weggefährten Graham Massey die endgültige Auswahl traf. Bis Anfang 2006 konnten durch das Projekt rund 250.000 Pfund für UNICEF gesammelt werden.

Army of Me: Remixes and Covers erschien ausschließlich auf CD und als digitaler Download; eine Vinylveröffentlichung existiert nicht. Das Album umfasst 20 Titel, die den Song „Army of Me“ auf völlig unterschiedliche Weise neu interpretieren. Anstatt ausschließlich bekannte Produzenten zu beauftragen, öffnete Björk den Wettbewerb bewusst für Musiker aller Erfahrungsstufen. Dadurch entstand eine außergewöhnlich vielfältige Sammlung, die sowohl Beiträge unabhängiger Künstler als auch Arbeiten etablierter Musiker vereint und Björks langjähriges Interesse an kreativer Zusammenarbeit und künstlerischem Austausch widerspiegelt.

Musikalisch deckt das Album ein bemerkenswert breites Spektrum ab. Die Neuinterpretationen reichen von Industrial Rock, Electronica und Drum & Bass über experimentellen Pop und Ambient bis hin zu Avantgarde-Kompositionen und ungewöhnlichen akustischen Arrangements. Zu den beteiligten Künstlern zählen unter anderem Patrick Wolf, dessen „Army of Klaus Remix“ eine Hommage an den Avantgarde-Künstler Klaus Nomi darstellt, sowie Martin White, Mikhail Karikis, Interzone, Lunamoth, Atoi, Tor Bruce und viele weitere internationale Musiker. Anstatt den Originalsong lediglich neu abzumischen, entwickeln viele Beiträge völlig eigenständige Kompositionen und zeigen die außergewöhnliche Vielseitigkeit von Björks Songwriting.

Gleichzeitig verdeutlicht das Album die kulturelle Bedeutung von „Army of Me“, einer der bekanntesten und kraftvollsten Kompositionen Björks. Seit seiner Veröffentlichung als erste Single aus Post im Jahr 1995 gilt der Song mit seinem markanten Bassriff, den treibenden Rhythmen und seiner selbstbewussten Botschaft als einer der prägendsten Titel ihrer Karriere. Army of Me: Remixes and Covers würdigt dieses Vermächtnis, indem zwanzig vollkommen unterschiedliche Perspektiven auf dieselbe Komposition präsentiert werden, von denen jede neue emotionale und musikalische Facetten des Originals offenbart.

Obwohl das Album nie auf Vinyl veröffentlicht wurde, zählt es heute zu den außergewöhnlichsten CD-Veröffentlichungen in Björks Gesamtwerk. Es unterscheidet sich grundlegend von klassischen Remixalben, da es nicht nur musikalische Neuinterpretationen versammelt, sondern zugleich ein internationales Gemeinschaftsprojekt und eine Benefizinitiative darstellt. Die Veröffentlichung unterstreicht Björks Offenheit für kreative Zusammenarbeit und zeigt eindrucksvoll, wie ein einzelner Song Künstler aus unterschiedlichsten Ländern und Stilrichtungen inspirieren kann.

Heute gilt Army of Me: Remixes and Covers als eine der ungewöhnlichsten Veröffentlichungen in Björks Karriere. Die Verbindung aus sozialem Engagement, künstlerischer Offenheit und musikalischer Experimentierfreude macht das Album zu einem einzigartigen Dokument ihrer Arbeit und zu einer eindrucksvollen Hommage an einen ihrer bedeutendsten Songs.

Ásgeir macht Musik, die unter die Haut geht. Mit seinem isländischen Debüt Dýrð í dauðaþögn erzielte er in seiner Heimat einen Sensationserfolg ( 30.000 verkaufte Einheiten bei 320.000 Einwohnern ) und eroberte sich dann mit der englischsprachigen Fassung In The Silence ein noch breiteres Publikum. Bury the Moon, das neuste Werk des Künstlers, der Fans durch seine Bandbreite, Aufrichtigkeit und Emotionalität begeistert, geht einen mutigen Schritt weiter und hinterlässt bleibenden Eindruck. Die Geschichte, die Ásgeir mit Bury The Moon (im isländischen Original Sátt) erzählt, beginnt mit einem gebrochenen Herzen und einem Rückzug. Nach dem Auseinanderbrechen einer langen Beziehung wollte der Musiker allem entfliehen und sich in den Weiten der isländischen Landschaft verlieren. Er zog sich in eines der typischen, bei den Isländern beliebten Sommerhäuschen zurück und verbrachte dort den Winter damit, Lieder zu schreiben allein mit seiner Gitarre und Gedanken, die um Liebe und Verlust kreisten. Schmerz und Einsamkeit sind auf Bury The Moon streckenweise deutlich spürbar. Die Songs lassen die grenzenlose Isolation ahnen, der sich Ásgeir in dem abgelegenen Sommerhaus aussetzte. Ich habe nur meine Gitarre, ein kleines Keyboard und ein einfaches Aufnahmegerät mitgenommen, mehr nicht , erzählt er. Aus der Grenzerfahrung und der Begegnung mit den eigenen Schwächen ist Ásgeirs bisher bemerkenswertestes Album hervorgegangen.

Volta erschien am 1. Mai 2007 über One Little Indian und ist Björks sechstes Studioalbum. Nach dem vokal geprägten und experimentellen Medúlla markierte Volta eine Rückkehr zu einem rhythmischeren, energiegeladenen Sound, der elektronische Musik mit Einflüssen aus Weltmusik, Brass, Tribal-Percussion und avantgardistischem Pop verbindet. Für das Album arbeitete Björk mit einer außergewöhnlich vielfältigen Gruppe internationaler Musiker und Produzenten zusammen, darunter Timbaland, Danja, Mark Bell, Antony Hegarty (heute Anohni), Toumani Diabaté, Min Xiao-Fen, Konono No. 1 sowie den isländischen Dichter Sjón.

Musikalisch zählt Volta zu Björks dynamischsten und extrovertiertesten Werken. Das Album verbindet kraftvolle elektronische Beats mit monumentalen Bläserarrangements, afrikanischen Rhythmen und traditionellen Instrumenten aus unterschiedlichen Kulturen. Songs wie „Earth Intruders“, „Wanderlust“, „Innocence“, „Declare Independence“ und „Hope“ zeigen Björks Interesse an globalen Musiktraditionen ebenso wie ihre Begeisterung für moderne Hip-Hop-Produktionen. Gleichzeitig finden sich mit „Pneumonia“, „I See Who You Are“ und „My Juvenile“ ruhigere, introspektive Stücke, die dem Album zusätzliche emotionale Tiefe verleihen.

Auch visuell gehört Volta zu den markantesten Veröffentlichungen in Björks Diskografie. Das ikonische Cover entstand in Zusammenarbeit mit Bernhard Willhelm, M/M (Paris) und dem Fotografen Nick Knight. Es zeigt Björk in einem farbenfrohen skulpturalen Kostüm, das Elemente von Natur, Folklore und futuristischem Design miteinander verbindet und die lebendige, globale Ausrichtung des Albums widerspiegelt. Das Artwork wurde später sogar für einen Brit Insurance Design Award nominiert und gilt bis heute als eines der bekanntesten Albumcover ihrer Karriere.

Heute nimmt Volta einen besonderen Platz innerhalb von Björks Werk ein. Das Album verbindet experimentellen Pop mit weltmusikalischen Einflüssen und einer außergewöhnlichen Vielfalt an musikalischen Kollaborationen. Zusammen mit den zahlreichen Singles, Remix-Veröffentlichungen und dem Liveprojekt Voltaïc bildet Volta eines der facettenreichsten Kapitel in Björks umfangreicher Diskografie.

Medúlla erschien am 30. August 2004 über One Little Indian und ist Björks fünftes Studioalbum. Es gilt als eines der mutigsten und experimentellsten Werke ihrer Karriere. Nach den filigranen elektronischen Klanglandschaften von Vespertine entschied sich Björk bewusst dafür, nahezu alle traditionellen Instrumente aus ihrer Musik zu entfernen und stattdessen die menschliche Stimme zum zentralen Ausdrucksmittel des Albums zu machen. Der Titel Medúlla leitet sich vom lateinischen Wort medulla („Mark“, etwa Knochenmark) ab und verweist auf Björks Idee, Musik auf ihren elementarsten Kern zu reduzieren.

Musikalisch ist Medúlla nahezu vollständig aus Gesang und menschlichen Stimmen aufgebaut. Anstelle klassischer Instrumentierung arbeitete Björk mit einer außergewöhnlichen Gruppe von Vokalkünstlern zusammen, darunter Mike Patton (Faith No More), Beatbox-Legende Rahzel, der japanische Beatboxer Dokaka, die Inuit-Kehlkopfsängerin Tanya Tagaq, Robert Wyatt sowie mehrere Chöre aus Island und London. Nur vereinzelt kommen Instrumente zum Einsatz – etwa ein Klavier in „Ancestors“, ein Bass-Synthesizer in „Who Is It“ oder ein Gong in „Pleasure Is All Mine“. Die menschliche Stimme bleibt jedoch während des gesamten Albums das zentrale Instrument.

Zu den bekanntesten Songs des Albums zählen „Pleasure Is All Mine“, „Who Is It“, „Desired Constellation“, „Oceania“, „Mouth's Cradle“ und „Triumph of a Heart“. Internationale Aufmerksamkeit erhielt insbesondere „Oceania“, das Björk bei der Eröffnungsfeier der Olympischen Spiele 2004 in Athen aufführte. „Triumph of a Heart“ wurde vor allem durch sein surrealistisches Musikvideo unter der Regie von Spike Jonze bekannt, in dem Björk gemeinsam mit einer anthropomorphen Katze auftritt.

Auch visuell zählt Medúlla zu den markantesten Veröffentlichungen Björks. Das Cover entstand in Zusammenarbeit mit M/M (Paris) sowie den Fotografen Inez van Lamsweerde & Vinoodh Matadin und zeigt Björk mit einer skulptural wirkenden Frisur aus geflochtenem Haar und organischen Formen. Die Gestaltung greift die zentralen Themen des Albums – Körperlichkeit, Instinkt und den ursprünglichen Charakter der menschlichen Stimme – auf und zählt zu den bekanntesten Artworks ihrer Diskografie. Das kompromisslose Konzept, die außergewöhnlichen Gesangsleistungen und die nahezu instrumentenlose Produktion machen das Album zu einer einzigartigen Veröffentlichung der modernen Popmusik. Originalpressungen sind entsprechend begehrt, während spätere Reissues das Album einem neuen Publikum zugänglich gemacht haben. Mehr als zwanzig Jahre nach seiner Veröffentlichung gilt Medúlla als eines der radikalsten und innovativsten Werke Björks – ein Album, das die Ausdrucksmöglichkeiten der menschlichen Stimme auf unvergleichliche Weise auslotet und bis heute als Meilenstein experimenteller Musik gilt.

Homogenic erschien am 22. September 1997 über One Little Indian und gilt als eines der bedeutendsten und einflussreichsten Alben in Björks Karriere. Mit ihrem dritten Studioalbum vollzog sie einen deutlichen stilistischen Wandel: Nach der stilistischen Vielfalt von Debut und Post verfolgte sie erstmals ein geschlossenes musikalisches Konzept. Björk wollte, wie sie selbst sagte, ein Album mit „nur einem Geschmack“ schaffen – inspiriert von ihrer Heimat Island und geprägt von der Verbindung aus kraftvollen elektronischen Beats und monumentalen Streicherarrangements. Produziert wurde das Album von Björk, Mark Bell, Howie B., Guy Sigsworth und Markus Dravs, wobei insbesondere die Zusammenarbeit mit Mark Bell den charakteristischen Klang von Homogenic entscheidend prägte.

Musikalisch verbindet Homogenic elektronische Produktionen mit opulenten Streicherarrangements des brasilianischen Komponisten Eumir Deodato, die vom Icelandic String Octet eingespielt wurden. Björk bezeichnete den Sound des Albums selbst als „volcanic beats“ – eine Verschmelzung aus harten, unregelmäßigen elektronischen Rhythmen und weit ausladenden orchestralen Klangflächen. Inhaltlich kreisen die Songs um Liebe, Identität, emotionale Verletzlichkeit und die raue Schönheit der isländischen Landschaft. Stücke wie „Hunter“, „Jóga“, „Unravel“, „Bachelorette“, „All Neon Like“, „Pluto“ und „All Is Full of Love“ zählen heute zu den wichtigsten Kompositionen ihrer Karriere und gelten als Meilensteine des modernen Art-Pop.

Auch visuell markierte Homogenic einen Wendepunkt. Das ikonische Cover entstand in Zusammenarbeit mit dem Fotografen Nick Knight, dem Designer Alexander McQueen und dem Kreativstudio Me Company. Es zeigt Björk in einem futuristisch interpretierten Kimono, der traditionelle japanische Elemente mit moderner Mode verbindet und sie als eine beinahe mythische Figur inszeniert. Das Cover zählt heute zu den bekanntesten Albumgestaltungen der Popgeschichte und unterstreicht den konzeptionellen Anspruch des Albums.

Mit den Singles „Jóga“, „Bachelorette“, „Hunter“, „Alarm Call“ und „All Is Full of Love“ brachte Homogenic einige der bekanntesten Songs Björks hervor. Besonders die Musikvideos – darunter Chris Cunninghams visionäres Video zu „All Is Full of Love“ und Michel Gondrys aufwendig inszeniertes „Bachelorette“ – gelten als Meilensteine der Musikvideokunst und trugen wesentlich zum legendären Status des Albums bei. Gleichzeitig wurde „Unravel“ von Thom Yorke als einer der schönsten Songs bezeichnet, die je geschrieben wurden – ein Kompliment, das die außergewöhnliche Wertschätzung des Albums unter Musikern unterstreicht.

Heute wird Homogenic als eines der größten Art-Pop-Alben aller Zeiten angesehen. Die kompromisslose Verbindung aus elektronischer Musik, orchestralen Arrangements und emotionaler Intensität beeinflusste zahlreiche Künstler aus den Bereichen Pop, Electronica und Alternative Music.

Biophilia erschien am 10. Oktober 2011 über One Little Indian und ist Björks siebtes Studioalbum sowie eines der ambitioniertesten Multimedia-Projekte der modernen Musikgeschichte. Das Album versteht sich als künstlerische Auseinandersetzung mit den Zusammenhängen von Natur, Wissenschaft, Technologie und Musik und wurde von Beginn an als Gesamtkonzept entwickelt. Neben dem Album entstanden eine interaktive App-Sammlung, Bildungsprogramme, Ausstellungen und eine aufwendig inszenierte Konzertreihe. Jeder der zehn Songs basiert auf einem Naturphänomen – etwa Kristallen, Viren, Mondzyklen oder tektonischen Bewegungen – und verbindet wissenschaftliche Themen mit Björks unverwechselbarer Klangsprache.

Musikalisch verbindet Biophilia elektronische Produktionen mit Chorarrangements, Kammermusik und eigens entwickelten Instrumenten. Für die Aufnahmen kamen unter anderem eine als Musikinstrument eingesetzte Tesla-Spule, eine schwerkraftbetriebene Harfe, Pendelinstallationen, speziell angefertigte Orgeln sowie weitere experimentelle Klangobjekte zum Einsatz. Songs wie „Crystalline“, „Thunderbolt“, „Virus“, „Mutual Core“ und „Cosmogony“ verdeutlichen, wie Björk wissenschaftliche Konzepte mit emotionalem Songwriting und innovativem Sounddesign verbindet.

Heute gilt Biophilia als Meilenstein der modernen Vinylkultur und als eines der innovativsten Alben des 21. Jahrhunderts. Durch die Verbindung von Musik, Kunst, Wissenschaft, Technologie und hochwertiger physischer Gestaltung entstand ein Gesamtkunstwerk, das weit über die Grenzen eines klassischen Studioalbums hinausgeht und bis heute als eine der außergewöhnlichsten Veröffentlichungen in Björks Diskografie angesehen wird.

Björks *Vespertine*: ein Album als Oper. Popmusik ist theatralisch; sie lebt von Geschichten und erschafft ständig neue Charaktere. Zudem hat kein anderer Stil die Musikrezeption so nachhaltig geprägt und verändert wie die Popmusik. Die meisten Menschen können biografische Bezüge zur Popmusik herstellen. Es ist also an der Zeit, die Türen der Oper für ein neues Publikum zu öffnen. Mit seinen sinfonischen Elementen, dramatischen Gesangslinien und ätherischen Chorklängen erweist sich *Vespertine* als das perfekte Vorbild für dieses komplexe Projekt – eine zeitgenössische Koproduktion des Nationaltheaters Mannheim und von Hotel Pro Forma.

Mit einer Crossover-Mischung aus Funk und Metal, die ihre Vorbilder in Black Sabbath, Sly & the Family
Stone und Living Colour hatte, und politisch expliziten, das heißt feministischen und antirassistischen Texten
mischte das multiethnische, 1994 von der kahlköpfigen Frontfrau Deborah Anne Dyer ("Skin") in London
gegründete Quartett Skunk Anansie ab Mitte der Neunziger den Popmarkt auf. Am 21. September 1995
veröffentlichte die Band ihr Debüt "Paranoid & Sunburnt", das vor allem in Europa mit großer Begeisterung
aufgenommen wurde und in den UK-Charts bis auf Platz 8 vorstieß, was nicht nur Edelmetall bedeutete,
sondern auch die Verleihung verschiedener Preise nach sich zog. Den absoluten Durchbruch feierten die
charismatische Frontfrau, Martin Ivor Kent (Gitarre), Richard Keith Lewis (Bass) und Mark Richardson
(Schlagzeug) mit ihrem zweiten Langspieler "Stoosh" sowie der als Single ausgekoppelten Ballade
"Hedonism (Weak As I Am)". Diese folgte den beiden vorangegangenen Auskopplungen "All I Want" und
"Twisted (Everyday Hurts)", welche allerdings noch nicht so richtig zündeten. Rückblickend wird überdeutlich,
dass "Hedonism" eindeutig ein Wendepunkt in der Karriere von Skunk Anansie war.

Mit ihren experimentellen Miniaturen bewegt sich die britische Musikerin (Piano, Violine), Komponistin und
Produzentin Poppy Ackroyd in Gefilden, die auch schon Hauschka, Nils Frahm, Philipp Glass, Ludovico
Einaudi, Silvain Chauveau und Max Richter bereisten. Dabei gelingt es Ackroyd jedoch vortrefflich, einen
ganz eigenen Ton zu finden. Typischerweise spielt sie ihre Instrumente, zu denen auch Clavichord, Cembalo,
Spinett und Harmonium gehören, nicht nur, sondern bearbeitet diese unkonventionell durch Zupfen, Klopfen,
Streichen oder Kratzen, zum Beispiel mit Hilfe von Drumsticks, eines Plektrums oder E-Bows. Aufgelockert
werden die rein instrumentalen, von Ackroyd digital manipulierten und neu arrangierten Soundkulissen durch
Field Recordings wie Vogelstimmen. Obwohl Ackroyd in jeder Beziehung eine höchst versierte Solo-
Künstlerin ist, die neben ihren eigenen Stücken auch Musik für Tanz-Performances, Theater, Film und Radio
schreibt, hat sie sich für "Resolve" - erstmals - fremde Hilfe herangezogen: Manu Delago (Björk, Cinematic
Orchestra, Anoushka Shankar) spielte das Hang, Mike Lesirge (Bonobo, Andreya Triana) wirkte an der
Klarinette und Flöte mit, Jo Quail strich das Cello.

Nach "Escapement" aus dem Jahr 2012 war "Feathers" 2014 das zweite Album der britischen Klangkünstlerin
und ausgebildeten Violinen- und Klaviervirtuosin Poppy Ackroyd. Basierte "Escapement" noch allein auf
Blüthner-Flügel, Violine und Field Recordings, kamen bei "Feathers" noch über ein Dutzende weitere
Tasteninstrumente aus der Zeit zwischen dem 16. und 19. Jahrhundert wie zum Beispiel Clavichord,
Cembalo, Spinett und Harmonium hinzu. Diese wurden ihr im Keyboard-Museum in Edinburgh zur Verfügung
gestellt. Unverändert blieb jedoch auch bei der zweiten Veröffentlichung Ackroyds unkonventioneller Ansatz,
Instrumente nicht nur zu spielen, sondern zudem Klänge durch Klopfen, Bürsten, Zupfen oder Streicheln zu
erzeugen. Saiten der Instrumente strich sie zum Beispiel mit Federkielen. Hinzu kamen Aufnahmen von
Pedal-Geräuschen oder die Betätigung der Register beim Cembalo. Teilweise kroch Ackroyd geradezu in die
Instrumente hinein, um an die gewünschten Geräusche zu kommen. Aus diesem Sammelsurium bastelte
Ackroyd acht träumerische, wohl klingende und angenehm fließende Miniaturen zusammen, die eine
atmosphärische Brücke zwischen neoklassischer Klaviermusik und analogem Ambient schlagen.

"Escapement" war das erste Solo-Album der klassisch ausgebildeten Musikerin und Komponistin Poppy
Ackroyd (Klavier, Geige). Es erschien 2012, das Mastering übernahm seinerzeit Nils Frahm. Sicher nicht
grundlos, denn ihre beiden rein instrumentalen musikalischen Entwürfe stehen sich recht nahe. Auf den
sieben Stücken von "Escapement" spielt Ackroyd nicht nur vor dem Hintergrund sparsam eingesetzter Field
Recordings - auf den Äußeren Hebriden und im Norden von Schottland aufgenommene Vogelstimmen -
Violine und Klavier, vielmehr streichelt, zupft, klopft und kratzt sie diese unkonventionell mithilfe eines
Plektrums oder E-Bows und entlockt so den beiden Instrumenten ganz ungewohnte Klänge. Bei dieser recht
experimentellen Klangerzeugung entstehen jedoch keine harschen Geräuschkulissen, sondern eher
wehmütig-freundliche, asketisch-filigrane und sich sanft entfaltende und überlagernde Soundlandschaften mit
meditativem Touch. Teilweise erinnert das an die Neoklassik und Minimal Music eines Max Richter,
Hauschka, Silvain Chauveau oder eben Nils Frahm.

Nachdem der 1968 in Atlanta geborene Cody Chesnutt 2002 zuerst sein vielgelobtes Debütalbum "The
Headphone Masterpiece" veröffentlicht und im Jahr darauf mit dem Titel "The Seed (2.0)", einer Kollaboration
mit der Hip-Hop-Formation The Roots, seinen kommerziellen Durchbruch gefeiert hatte, tat der Musiker etwas
ziemlich Ungewöhnliches: er nahm Abschied von der Öffentlichkeit und Superstartum, um sich stattdessen
privaten Dingen zu widmen, vorrangig der Familie, aber auch Hobbys wie der Fotografie und dem
Gemüsegarten. Erst 2012 kehrte der vielseitige Autodidakt ins Rampenlicht zurück und legte mit "Landing On
A Hundred" sein zweites Album vor. Es erschien, wie auch dessen Vorgänger, beim Londoner Indielabel One
Little Indian. Akustisch hatte sich - erfreulicherweise! - nicht sonderlich viel geändert. Abgesehen davon, dass
die Aufnahmen für "Landing On A Hundred" nicht mehr wie beim Debüt alleine im Schlafzimmer, sondern mit
einer zehnköpfigen Band im Studio in Memphis stattfanden, und es daher zum einen weniger knisterte und
zum anderen nun ein kompakter Bandsound dominierte, stand nach wie vor der Siebzigerjahre-Soul Pate.
Garniert wurden die an Marvin Gaye, Al Green, Curtis Mayfield, Buddy Guy und Ike & Tina Turner
gemahnenden Songs mit diversen Zutaten aus Funk, Blues und Rock.

Die Biophilia Remix Series erschien im Jahr 2012 über One Little Independent und zählt zu den außergewöhnlichsten Vinylprojekten in Björks Diskografie. Anstatt ein klassisches Remixalbum zu veröffentlichen, wurde das Projekt als achtteilige Serie von 12-Inch-Maxis realisiert, die über einen Zeitraum von mehreren Monaten veröffentlicht wurden. Jede Ausgabe widmet sich Neuinterpretationen von Songs aus dem Album Biophilia und stellt unterschiedliche Produzenten und musikalische Ansätze in den Mittelpunkt. Neben den Vinylversionen erschienen auch CD-Ausgaben, während limitierte Deluxe-Editionen mit hochwertiger Gestaltung von M/M Paris, geprägten Folienelementen und strukturiertem Papier das anspruchsvolle Designkonzept der Serie unterstrichen.

Die Remix-Reihe spiegelt den experimentellen Charakter von Biophilia wider und versammelt einige der innovativsten Produzenten der elektronischen Musikszene. Zu den beteiligten Künstlern zählen unter anderem Current Value, Death Grips, El Guincho, Hudson Mohawke, King Cannibal, Alva Noto, Matthew Herbert, 16bit, These New Puritans und The Slips. Ihre Neuinterpretationen reichen von Drum & Bass und Industrial Hip-Hop über IDM bis hin zu minimalistischer Elektronik und experimentellen Klanglandschaften. Viele der Remixe gehen dabei weit über klassische Dance-Versionen hinaus und verwandeln die Originalkompositionen in eigenständige Werke, ohne die naturwissenschaftlichen und organischen Themen von Biophilia aus den Augen zu verlieren.

Die acht Teile der Serie erschienen zwischen April und November 2012. Die meisten 12-Inch-Veröffentlichungen enthalten jeweils zwei Remixe, während Part VI mit drei Neuinterpretationen von Matthew Herbert eine Ausnahme bildet. Ein Teil der Remixe wurde später neu gemastert und auf dem Remixalbum Bastards (2012) zusammengefasst. Allerdings enthält diese Compilation nicht sämtliche Titel der ursprünglichen Vinylserie, weshalb die vollständige Biophilia Remix Series bis heute die einzige Möglichkeit bietet, alle veröffentlichten Remixe in ihrer ursprünglichen Form zu besitzen.

Zu den bekanntesten Beiträgen zählen die kompromisslosen Remixe von Death Grips zu „Sacrifice“ und „Thunderbolt“, die Björks Gesang mit der rauen Energie des Industrial Hip-Hop verbinden. Ebenso gelten die Drum-&-Bass-Versionen von Current Value, die minimalistischen Bearbeitungen von Alva Noto, die energiegeladene Interpretation von Hudson Mohawke sowie die detailreichen und experimentellen Remixe von Matthew Herbert als Höhepunkte der Serie.

Heute gilt die Biophilia Remix Series als eine der begehrtesten Veröffentlichungen in Björks Vinylkatalog. Während Bastards einen guten Überblick über das Projekt bietet, schätzen Sammler insbesondere die vollständige achtteilige Vinylserie, da sie sämtliche Remixe, das originale Artwork und das konzeptionelle Veröffentlichungsformat bewahrt. Damit ist die Serie nicht nur eine Sammlung außergewöhnlicher Remixe, sondern auch eine konsequente Erweiterung des Biophilia-Universums, in dem Musik, Gestaltung und physisches Medium zu einem Gesamtkunstwerk verschmelzen.

Die 2008 erschienene 200-Gramm-Direct-Metal-Mastering-(DMM)-Edition von Jóga zählt zu den hochwertigsten und begehrtesten Wiederveröffentlichungen in Björks Vinylkatalog. Sie wurde von One Little Indian im Rahmen einer audiophilen Reissue-Serie veröffentlicht und direkt von den originalen analogen Masterbändern im Direct-Metal-Mastering-Verfahren (DMM) neu gemastert. Die Pressung erfolgte auf 200-Gramm-Schwergewichtsvinyl und war auf 1.000 einzeln nummerierte Exemplare limitiert. Aufgrund ihrer hohen Fertigungsqualität und der vergleichsweise kleinen Auflage gilt sie heute als eines der begehrtesten Sammlerstücke unter Björks Singles.

Im Gegensatz zur ursprünglichen britischen 12-Inch-Single von 1997 wurde die DMM-Ausgabe als Doppel-12-Inch veröffentlicht und vereint nahezu sämtliches Material der damaligen CD-Singles auf einer Edition. Auf vier Plattenseiten finden sich die Albumversion von „Jóga“, Howie B's Main Mix, der String & Vocal Mix, der Buzz Water Mix sowie die B-Seiten „Sod Off“, „Immature“ und „So Broken“. Ergänzt wird die Sammlung durch „All Is Full of Love (Choice Mix)“ sowie alle drei Alec-Empire-Remixe, darunter die beiden kompromisslosen Digital-Hardcore-Versionen. Damit stellt die DMM-Ausgabe die vollständigste Vinylveröffentlichung rund um die Single Jóga dar.

Der Song selbst erschien ursprünglich im September 1997 als erste Single aus dem Album Homogenic und zählt zu den bekanntesten Kompositionen Björks. Benannt wurde er nach Jóhanna „Jóga“ Jóhannsdóttir, einer engen Freundin und langjährigen Tour-Masseurin der Sängerin. Gemeinsam mit dem isländischen Schriftsteller Sjón schrieb Björk einen Text, der persönliche Freundschaft mit ihrer tiefen Verbundenheit zur isländischen Landschaft verbindet. Musikalisch verschmelzen die opulenten Streicherarrangements von Eumir Deodato mit der elektronischen Produktion von Mark Bell und Howie B zu jenem charakteristischen Klangbild, das Homogenic bis heute prägt.

Aus audiophiler Sicht genießt die DMM-Edition einen hervorragenden Ruf. Das Direct-Metal-Mastering-Verfahren sorgt für eine außergewöhnlich detailreiche Wiedergabe, geringe Nebengeräusche und eine hohe Dynamik. Besonders die kraftvollen Streicher des Icelandic String Octet sowie die tiefen elektronischen Klangstrukturen profitieren von der präzisen Pressung und entfalten auf dem 200-Gramm-Vinyl eine beeindruckende räumliche Wirkung. Innerhalb der 2008er-DMM-Serie zählt Jóga deshalb zu den klanglich am höchsten bewerteten Veröffentlichungen.

Auch gestalterisch orientiert sich die Neuauflage eng am Original. Das ikonische Artwork der Single wurde originalgetreu übernommen und durch die hochwertige Ausstattung der DMM-Serie ergänzt. Jede Ausgabe wurde einzeln nummeriert und in einer transparenten PVC-Schutzhülle ausgeliefert. Viele Sammler empfehlen jedoch, die Schallplatte langfristig in eine archivfeste Innen- oder Außenhülle aus Polyethylen oder Polypropylen umzulegen, da PVC bei jahrzehntelanger Lagerung unter ungünstigen Bedingungen Weichmacher abgeben kann.

Heute gilt die 200g-DMM-Ausgabe von Jóga als eines der Glanzstücke in Björks Vinyl-Diskografie. Die Kombination aus audiophiler Klangqualität, vollständiger Titelauswahl, hochwertiger Verarbeitung und limitierter Auflage macht sie zur wohl besten Vinyledition einer ihrer ikonischsten Singles. Für Sammler und Liebhaber hochwertiger Analogpressungen zählt sie zu den begehrtesten Veröffentlichungen der gesamten 2008er-DMM-Reihe.

Achtung: Es ist eine 2x12"-Edition, obwohl auf der Rückseite das Tracklisting über sechs Seiten verteilt ist.

Die "Alarm Call Part 1" CD von Björk erscheint auf One Little Indian und fasst eine Auswahl von Bearbeitungen und Auskopplungen rund um den Titel "Alarm Call" zusammen. Als Single‑Veröffentlichung reiht sie sich in die Remix‑Serie zum Album "Homogenic" ein und richtet den Fokus auf unterschiedlich akzentuierte Versionen des Songs, die das ursprüngliche Material neu interpretieren.

Musikalisch verbindet "Alarm Call" markante Pop‑Melodien mit elektronischer Präzision: treibende Beats treffen auf vielschichtige, teils geschichtete Gesangslinien, wodurch ein kontrastreiches Spannungsfeld zwischen Intimität und maschineller Direktheit entsteht. Diese Balance zwischen organischen Melodien und gezielter Elektronik ist ein prägendes Merkmal der Homogenic‑Ära und prägt auch die Versionen auf der Single.

Für die Produktion zeichneten sich Björk und der elektronische Produzent Mark Bell verantwortlich, dessen Beitrag den rhythmischen Kern des Stücks schärft und die verschiedenen Remixe zur Folge hatte. Die auf der CD versammelten Fassungen zeigen unterschiedliche Herangehensweisen an Arrangement und Sounddesign und unterstreichen Björks Interesse an Variation und Kollaboration innerhalb ihres kompositorischen Universums.

Die "Alarm Call Part 3" CD von Björk erscheint auf One Little Indian und versammelt drei alternative Versionen des Titels, die als eigenständige Remix‑Episoden angelegt sind. Auf dem Compact Disc‑Einzel erschienenen Paket finden sich die Versionen "Phunk You", "Gangsta" und "Locked", die den Song in kompakter, kluborientierter Form neu zusammensetzen.

Der Grundsong stammt aus dem Album "Homogenic" und thematisiert das Wiedererwachen durch Musik; Björk selbst beschrieb "Alarm Call" als einen Aufruf an die Kraft der Musik. Die hier versammelten Remixe greifen diesen Gedanken auf, indem sie die melodische Kernidee in rhythmische Varianten überführen und den Gesang partienweise neu akzentuieren.

Musikalisch bewegen sich die Bearbeitungen im elektronischen Bereich mit klarer Ausrichtung auf Dance‑ und Clubformate, wobei die Produktionen markant mit perkussiven Elementen und bearbeiteten Soundtexturen arbeiten. Die Auswahl der Mixe auf dieser CD spiegelt Björks Zusammenarbeit mit Produzenten aus dem elektronischen Umfeld wider und bietet eine konzentrierte Perspektive auf die Anpassungsfähigkeit des Originals innerhalb verschiedener Remix‑Ansätze.

Die auf One Little Indian erschienene CD "Alarm Call Part 2" bündelt die Single‑Auskopplung aus Björks Homogenic‑Umfeld und stellt das Stück in Remix‑Versionen heraus, die den Song in verschiedene elektronische Richtungen transformieren.

Musikalisch greift die Veröffentlichung den charakteristischen Spannungsbogen von Björks Homogenic‑Periode auf: organisch wirkende Stimmführungen treffen auf präzise, elektronisch geformte Beats und sparsam eingesetzte Streichtexturen, wodurch melodische Wärme und rhythmische Kühle zugleich betont werden. Die Auswahl der Remixe unterstreicht diesen Kontrast und bietet Versionen, die sowohl für Club‑Sets als auch für konzentriertes Hören konzipiert wurden. Auf der CD finden sich unter anderem Bearbeitungen von Alan Braxe und Ben Diamond, die dem Titel eine kontemporäre House‑Färbung verleihen.

Als Ko‑Produzent war Mark Bell eine prägende Kraft jener Aufnahmen; sein Beitrag an Beats und Sounddesign ist integraler Bestandteil der Vorlage, die Björk mit ihrer unverwechselbaren Stimme und bildhaften Texten ausstattet. Die CD hebt damit nicht nur die Wandelbarkeit von "Alarm Call" hervor, sondern dokumentiert auch die enge Verknüpfung von Björks Songwriting mit elektronischer Experimentierfreude und Remix‑Kultur.

Die auf One Little Indian erschienene LP "Two Wolves" von Marry Waterson & David A. Jaycock präsentiert sich als zurückhaltende, poetische Folk-Aufnahme, die Stimme und Gitarre in den Mittelpunkt stellt. Marry Waterson singt in einem intimen, oft hauchigen Vortrag, während David A. Jaycock die Arrangements mit sparsamer, akustischer Gitarre trägt; gemeinsam entsteht ein ruhiges, erzählerisches Feld, das an die lyrische Dichte ihrer Mutter Lal Waterson anknüpft.

Die Produktion zeichnet sich durch dezente, wohlgesetzte Farbtupfer aus: Neill MacColl und Kate St John fungierten als Produzenten und steuerten neben der Produktion auch Instrumentierung bei, wobei St John Oboe, Klavier und Akkordeon einbringt. Ergänzt wird das Ensemble durch Gastbeiträge, etwa von Kami Thompson und Geigerin Alison Cotton; diese zurückhaltenden Ergänzungen öffnen die Arrangements, ohne die Duoposition zu verwässern.

Textlich bewegt sich "Two Wolves" zwischen surrealen Bildern und persönlicher Erinnerung; so basiert "The Honey & the Seaweed" auf einem hinterlassenen Text von Lal Waterson, und "Velvet Yeller" nimmt Bezug auf Familienerinnerungen. Die Platte wurde von Kritikern gelobt und brachte dem Duo Anerkennung innerhalb der britischen Folk-Szene. Die Veröffentlichung ist über das Label One Little Indian als LP mit der EAN 5016958997182 erhältlich.

Die "Love In The Time Of Science" von Emiliana Torrini liegt hier als LP vor und fasst das international beachtete Album in seiner warmen, filigranen Produktion zusammen. Die Platte verbindet sparsame Elektronik mit organischen Instrumentierungen, trägt eine deutliche Popmelodik und zeichnet sich durch reduzierte, oft jazz- und folknahe Arrangements aus; das Ergebnis ist ein zurückhaltendes, dennoch klares Klangbild, das den Vortrag in den Mittelpunkt stellt.

Emiliana Torrini, aus Island stammend, tritt auf diesem Werk als Sängerin und Songwriterin in den Vordergrund; ihre Stimme prägt das Klangbild durch feine Nuancierungen und eine klare Intimität. Der musikalische Background reicht von elektronischen Farben bis zu akustischen Details, wodurch sich Songs entwickeln, die zwischen Trip-Hop-Anklängen und anspruchsvollem Pop oszillieren. Die Veröffentlichung erfolgte über das Label One Little Indian, das die Platte international begleitete.

Für die Produktion zeichneten Roland Orzabal und Alan Griffiths verantwortlich; an den Aufnahmen wirkten zudem unter anderem Eg White, Jóhann Jóhannsson, Sigtryggur Baldursson und Mark Abis mit. Das Album wurde überwiegend in Orzabals Studio Neptune’s Kitchen aufgenommen und verbindet elektronische Details mit live eingespielter Begleitung, sodass Arrangements und Stimme ein präzises, ausgewogenes Gefüge bilden. Diese LP bietet damit eine dokumentierte Phase in Torrinis Werdegang, in der Songstruktur und Produktion eng aufeinander abgestimmt sind.

Die LP "Fingers & Thumbs" von Polly Paulusma erschien 2007 auf One Little Indian und versammelt zehn sorgfältig gesetzte Stücke mit einer Spielzeit von rund 48–49 Minuten. Die Produktion übernahm Ken Nelson, bekannt für seine Arbeit mit Coldplay und anderen Acts, wodurch die Aufnahmen einen deutlich volleren, produzierten Charakter erhielten als frühe, sparsam instrumentierte Veröffentlichungen.

Musikalisch bewegt sich das Album zwischen zeitgenössischem Singer‑Songwriting und britisch geprägten Folk-Elementen; es verbindet akustische Grundlagen mit elektrischen Schichten und rockigeren Momenten. Textlich ist die Platte sehr persönlich: mehrere Songs kreisen um Verlust, Neubeginn und Familienbezug, das Album wurde im Entstehungsprozess eng mit Paulusmas privatem Lebensweg verknüpft. Solche thematischen Züge knüpfen an die Tradition der Songwriterinnen der frühen Siebziger an.

Arrangement und Songarchitektur wechseln zwischen reduzierten Passagen und dichter besetzten Momenten; längere Stücke wie "All The Time" und der Titeltrack "Fingers And Thumbs" erlauben ausgedehnte Melodiebögen, während "The Woods" hervorgehobene Atmosphären nutzt. Die LP‑Fassung betont die Bandaufnahmen und die Produktionsarbeit Nelsons, ohne die zentrale Stimme und die erzählerische Kraft der Kompositionen in den Hintergrund zu drängen. Rezensionen hoben sowohl die handwerkliche Qualität der Songs als auch die klare Studiohandschrift hervor.