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Endlich wieder auf Vinyl zu bekommen. HHV und Too Good präsentieren eine auf 1000 Stück limitierte, opaque rote Variante des lange vergriffenen Tommy Guerrero Albums von 2014. Zudem könnt Ihr in der Bonus Ecke unseres Shops das Poster mit dem Artwork abgreifen.

Tommy Guerrero machte zunächst als Skater bei der legendären Bones Brigade der Skateboard Marke Powell Peralta neben Größen wie Tony Hawk, Steve Caballero oder Rodney Mullen in den 80ern auf sich aufmerksam. Nach Ende seiner aktiven Profikarriere als Skater stieg Tommy Guerrero Mitte der 90er ins Musikgeschäft ein. Er wurde Bassist bei Free Beer und Jet Black Crayon, hatte als Solokünstler jedoch mehr Erfolg. Sein Debütalbum wurde 1997 auf Galaxia veröffentlicht und von Kritikern gefeiert. Er veröffentlichte bis zur Auflösung 2004 bei Mo Wax und kollaborierte mit verschiedensten Künstlern wie Lyrics Born, Jack Johnson, Curumin, Bing Ji Ling oder Prefuse 73. Gemeinsam mit dem Beastie Boys-Keyboarder Money Mark und Shawn Lee trat er als Lord Newborn & The Magic Skulls auf Ubiquity in Erscheinung. 2002 stellte er ein Album in der populären "Another Late Night" Serie zusammen. "No Man's Land" ist sein siebtes Album und bietet den nächsten Schritt seiner Entwicklung, Jazz, Blues, Hip Hop, Soul und psychedelische Elemente spannend miteinander zu verknüpfen.

Joji ist ein in Japan geborener US-amerikanischer Sänger und Produzent. Seine Musik bewegt sich zwischen Pop, Trip-Hop und Lo-Fi, wobei auch immer wieder Elemente von Trap, Folk, Elektronik und R&B durchschimmern. „Smithereens“ ist Jojis erstes komplettes Album seit „Nectar“ im Jahr 2020. In Tracks wie "Die For You", einer nüchternen, morgendlichen Erinnerung an eine frühere Liebe, liefert er seinen charakteristisch melancholischen und doch kraftvollen Gesang. Der Track wird von einem Video begleitet, das vom Kreativstudio Actual Objects produziert wurde und komplett aus Archivmaterial besteht.

Seite A des Albums läutet mit wehmütigen und nachdenklichen Balladen eine reifere klangliche Richtung für Joji ein, begleitet von einer üppigen Produktion, die in jedem Song aufblüht. Seite B, die größtenteils von Joji selbst produziert wurde, geht tiefer in die Lo-Fi und schrägen Sounds, die auf seine experimentellen Anfänge als Künstler zurückgehen. Nachdem Joji dieses Jahr u.a. sein Livedebüt beim Coachella Valley Music and Arts Festival, beim Governors Ball Music Festival (nyc) und Hard Summer Music Festival gab, geht er im September auf Tour durch Nordamerika.

Eine weitere exklusive Farbvariante, die nur bei HHV Records in Deutschland erhältlich ist. Limitiert auf 530 Exemplare.

Wenn du 1976 eine Schlangenpflanze, einen Spargelfarn oder eine Friedenslilie bei Mother Earth in der Melrose Avenue in Los Angeles gekauft hast (oder eine Simmons-Matratze bei Sears), hast du auch Plantasia mitgenommen, ein Album, das speziell für Pflanzen aufgenommen wurde. Es trug den Untertitel "warm earth music for plants_and the people that love them" und war voll von bukolischen, charmanten, kifferfreundlichen und ausgesprochen unwissenschaftlichen Melodien, die auf einem neumodischen Gerät namens Moog eingespielt wurden. Bevor Brian Eno es tat, machte Mort Garson diskrete Musik. Der an der Julliard School ausgebildete und in der Nachkriegszeit als Studiomusiker tätige Garson schrieb Lounge-Hits, schrieb die Musik zur Mondlandung 1969 und plüschige Arrangements für Doris Day und schmückte Glen Campbells "By the Time I Get to Phoenix" mit weinerlichen countrypolitischen Streichern. Aber wie sich seine Tochter Day Darmet erinnert: "Als mein Vater den Synthesizer entdeckte, wurde ihm klar, dass er keine Popmusik mehr machen wollte." Garson begegnete Robert Moog und seinem neuen Gerät 1967 auf dem Kongress der Audio Engineering Society an der Westküste und begann sofort, an dem Gerät herumzubasteln. "Meine Mutter hatte eine Menge Pflanzen", sagt Darmet. "Sie glaubte nicht an organisierte Religion, sie glaubte, dass die Erde das Beste auf der ganzen Welt ist. Was auch immer uns erschaffen hat, war unglaublich." Und sie wusste auch, wann ihr Mann einen guten Song hatte. So neu es auch klingen mag, Plantasia ist einfach voll von guten Liedern. Diese Veröffentlichung ist die erste offizielle Neuauflage des lang ersehnten Kultklassikers. Wenn man Plantasia im 21. Jahrhundert hört, scheint es weniger eine Ode von Garson an unsere photosynthetisierenden Freunde zu sein als vielmehr eine Hommage an seine Frau, die mit dem grünen Daumen, der alles um ihn herum zum Blühen brachte. "Mein Vater wäre total begeistert, dass sich die Leute wirklich für diese Musik interessieren, die zu dieser Zeit keine Popularität hatte", sagt Darmet über die neue Renaissance von Plantasia. "Er wäre fasziniert davon, dass die Leute endlich diesen Teil seiner musikalischen Karriere verstehen und schätzen, für den er damals keine Bewunderung empfand." Garson scheint wieder überall zu sein, auch wenn er nicht wirklich wahrgenommen wird, so wie eine Zimmerpflanze.

Wer heute zum ersten Mal dieses Album hört, wird sich verwundert die Ohren reiben: Was soll an den 13 Tracks Ambient sein? Im Wesentlichen ist "Selected Ambient Works 85-92" ein freigeistiges, vielschichtiges, emotionales, atmosphärisch dichtes und vor allem mächtiges Techno-Album, das dezente IDM-, Electronica- und Beatz-Elemente enthält und an frühe Plastikman-Tracks erinnert. Ambient wird es nur unter den Maßstäben von Rave und Hardcore und damit den Sounds, die zwischen Sheffield, Leeds, London und Cornwall, von wo Richard D. James (Jahrgang 1972) alias AFX oder Aphex Twin stammte, die britische Jugend bewegten. Rückblickend markiert "Selected Ambient Works 85-92" nicht nur den Startschuss für James' Karriere, sondern auch einen "Wendepunkt der Ambientmusik" (allmusic.de). 2003 belegte "SAW 85-92" Platz 92 in der "NME's 100 Best Albums"-Liste. Auch im Buch "1001 Albums You Must Hear Before You Die" wird das Meisterwerk erwähnt. Wie das Original erscheint die Neuauflage von "Selected Ambient Works 85-92" als Doppel-LP bei Apollo, einem Sublabel von R&S Records. Die remasterte Nachpressung wurde auf Grundlage der originalen DAT-Tapes von Matt Colton angefertigt.

Ninja Tune veröffentlicht eine neue Vinyl 12” von Sam Shepherd aka Floating Points. Diese beinhaltet neben der aktuellen Single ’Someone Close’ drei weitere Tracks, die er dieses Jahr digital veröffentlicht hat: „Grammar“, „Vocoder“ und die jüngste und mit einem sensationellen und unfassbar aufwändigen Musikvideo ausgestattete „Problems“. "Grammar“, „Vocoder“ und „Problems“ wurden von vielen Seiten gelobt, unter anderem von Pitchfork als „Best New Track“ und Shepherd selbst wurde von Resident Advisor als einer der „unbestrittenen MVPs der elektronischen Musik“ bezeichnet. „Someone Close“ wechselt komplett die Spur - etwas, das Floating Points in seiner gesamten Karriere immer wieder mühelos geschafft hat - und bildet den Abschluss einer Reihe von Veröffentlichungen, die die vielen Facetten seines Schaffens gezeigt haben und dennoch nahtlos zusammenhalten. Nach einem Sommer mit Festivalauftritten in Glastonbury, Coachella und Field Day und einem legendären Auftritt im altehrwürdigen Funkhaus Nalepastraße in Berlin, ehemals die Hauptzentrale des Rundfunks der DDR, wird sich Shepherd diesen Herbst und Winter wieder nach drinnen verziehen, um die schallisolierenden Wände zahlloser Clubs an ihre absoluten Grenzen zu bringen. Nach einer bevorstehenden Show mit unglaublichem Lineup im Warehouse Project in London wird er am Neujahrstag 2023 in Londons brandneuem, 25.000 Quadratmeter großen Club Here ein Marathonset zum Besten geben.

The Cinematic Orchestra haben anlässlich des 20-jährigen Jubiläums die erste Reissue ihres Klassikers, „Every Day“, angekündigt. Auf 3 LPs auf transparentem rotem Vinyl finden sich die Bonustracks „Oregon“ und „Horizon“ (feat. Niara Scarlett) sowie die beiden bisher unveröffentlichten Tracks „Semblance“ und „Flite“ (Original Version). Die Veröffentlichung enthält ein neues Artwork vom Designer des ursprünglichen Artworks von „Every Day“, Openmind, und eine Klapphülle mit Gilles Petersons Original-Linernotes. Außerdem wird eine Auswahl von bisher unveröffentlichten Fotos auf einer 12“-Karte präsentiert, darunter die Band im Rivoli Ballroom in London (fotografiert von Carl Fox) und J. Swinscoe mit Fontella Bass in der Nähe des Genfer Sees in der Schweiz (von Peter Williams). In den zwei Jahrzehnten seit der bahnbrechenden Veröffentlichung des Albums ist der Einfluss der Band unüberhörbar geworden; Jazz ist überall um uns herum, mit gefeierten Künstler:innen, von Kamasi Washington über Tau5 und Koma Saxo bis hin zu Sons of Kemet und unzähligen mehr, London, Berlin und L.A. haben in letzter Zeit eine Szene hervorgebracht, die produktiver ist, als irgendjemand erwartet hätte. Badbadnotgood haben Jazz-Soundtracks zu großen Modeschauen geliefert, und Kendrick Lamar hat - über den Rap-Umweg - das Genre an die Spitze der Charts gebracht. Die Art und Weise, wie sich The Cinematic Orchestra über ihre anfänglichen Jazz-Einflüsse hinaus zu einer Art transzendentaler Orchestrierung entwickelt hat, kombiniert mit der zeitgenössischen eleganten Elektronik, die heute von Künstler:innen wie Ólafur Arnalds und Floating Points verwendet wird - Künstler:innen, denen sie geholfen haben, den Weg zu ebnen - begann mit der Veröffentlichung von „Every Day“ wirklich Früchte zu tragen. Auf den sieben makellosen, schwebenden Tracks nimmt die Gruppe (angeführt von Gründungsmitglied J. Swinscoe und seinem langjährigen musikalischen Mitarbeiter Dominic Smith) die Hörer mit auf eine Reise durch klassischen Soul, Jazz, Chorsätze, versinkenden Horn-Riffs, pochenden Harfen-Linien, Minimalismus und vieles mehr - mit einer Seele, die tiefer als der Ozean ist. Und mit Gästen vom Kaliber eines Fontella Bass (Autor und Interpret des 60er-Jahre-Soul-Meisterwerks, „Rescue Me“ und Mitglied der Free-Jazz-Abtrünnigen, Art Ensemble of Chicago) und der britischen Rap-Legende Roots Manuva (dessen hochfliegender, philosophischer Beitrag zu „All Things To All Men“ ein absoluter Fan-Favorit ist) weiß man, dass man sich auf etwas Besonderes freuen darf. Pitchfork stimmte dem seinerzeit zu und bewertete das Album bei Veröffentlichung mit 8,6 von möglichen 10 Punkten.

Joji ist ein in Japan geborener US-amerikanischer Sänger und Produzent. Seine Musik bewegt sich zwischen Popp, Trip-Hop und Lo-Fi, wobei auch immer wieder Elemente von Trap, Folk, Elektronik und R&B durchschimmern. „Smithereens“ ist Jojis erstes komplettes Album seit „Nectar“ im Jahr 2020. In Tracks wie "Die For You", einer nüchternen, morgendlichen Erinnerung an eine frühere Liebe, liefert er seinen charakteristisch melancholischen und doch kraftvollen Gesang. Der Track wird von einem Video begleitet, das vom Kreativstudio Actual Objects produziert wurde und komplett aus Archivmaterial besteht.

Seite A des Albums läutet mit wehmütigen und nachdenklichen Balladen eine reifere klangliche Richtung für Joji ein, begleitet von einer üppigen Produktion, die in jedem Song aufblüht. Seite B, die größtenteils von Joji selbst produziert wurde, geht tiefer in die Lo-Fi und schrägen Sounds, die auf seine experimentellen Anfänge als Künstler zurückgehen. Nachdem Joji dieses Jahr u.a. sein Livedebüt beim Coachella Valley Music and Arts Festival, beim Governors Ball Music Festival (nyc) und Hard Summer Music Festival gab, geht er im September auf Tour durch Nordamerika.

Das Wiener Duo Rupert Huber und Richard Dorfmeister, bekannt unter dem Namen Tosca, wird mit seinem neuen Album für eine Überraschung sorgen. Bislang war das Duo untrennbar mit üppigen Soundcollagen und zurückgelehnten Downbeat-Klängen verbunden. Der neue Stil von Tosca kombiniert Elemente aus Avantgarde, Pop, Soul, Jazz und Blues, während Earl Zinger und Cath Coffey skurrile Lyrics zu den Songs beisteuern. Huber: "Der Titel "Outta Here" steht für Veränderung, ein Wandel unseres bisherigen Konzeptes. Eine Veränderung in Punkto Energie und Dynamik. Wir waren immer eher bekannt für Ambient-Sounds. Die neuen Songs sind nun viel beat-orientierter und direkter, einfach sehr viel energetischer."

Zum 20-jährigen Jubiläum erscheint der Boozoo Bajou Klassikler "Satta" erstmalig seit der Originalpressung auf Stereo Deluxe wieder auf Vinyl! Remastered von dem ursprünglichen DMM-Master!

Im Jahre1997 trafen sich der Nürnberger Jazzmusiker und Studiobetreiber Peter Heider regelmäßig mit dem DJ und Nightlife-Aktivisten Florian Seyberth zu Studiosessions. Schnell war der Name „Boozoo Bajou“ für das neue gemeinsame Projekt gefunden. Durch musikalische Einflüsse wie Soul, Dub, Country oder brasilianische Exotica schufen sie ihren eigenen Trademark-Sound. Mit den ersten beiden Singles "Night over Manaus" und "Under my Sensi" wurden sie gefeierter Teil der weltweiten Downbeat-Szene, angeführt von Künstlern wie „Kruder & Dorfmeister“ oder „Nightmares on Wax“. 2001 schufen sie mit ihrem Debütalbum "Satta", das auf dem kultigen "Stereo Deluxe"-Label erschien, ein legendäres und vielbeachtetes Meisterwerk in diesem Genre. 20 Jahre später ist diese 60 Minuten lange Blaupause der Chill-Out-Szene, betitelt mit dem jamaikanischen Wort für „Relax“ wieder auf Doppel-Vinyl erhältlich, gepresst von den Original-Matrizen.

Schwarzes Vinyl im Gatefoldsleeve, mp3s sind dabei!

Sein letztes Werk "You're Dead" (2014) bescherte ihm eine Grammy-Nominierung, sein Brainfeeder-Label ist zu einem der innovativsten Klanglabors der Welt avanciert, er co-produzierte Kendrick Lamars mit fünf Grammies ausgezeichnetes Meisterwerk "To Pimp A Butterfly" (2015). Nun veröffentlicht Flying Lotus sein neues Album für Warp: "Flamagra" greift alle kreativen Quantensprünge und innovativen Elemente aus 12 Jahren FlyLo-Karriere auf und denkt sie weiter, größer, epischer und universeller: Hip-Hop, Funk, Soul, Jazz, Electro, IDM, die Ansätze der befreundeten Beatmaker aus L.A., Tribal-Elemente, Polyrhythmen. Aber selbst diese Liste reicht nicht aus, um "Flamagra" auch nur ansatzweise zu verorten, weil es immer wieder ausbricht aus diesem Koordinatensystem. Die Gästeliste liest sich wie ein Traum: Anderson .Paak, George Clinton, Little Dragon, Solange, Tierra Whack, Denzel Curry, Ishmael Butler (Shabazz Palaces), Toro Y Moi, sein musikalischer Stammesbruder Thundercat, ja selbst David Lynch ist zu hören. Der legendäre Regisseur steuert ein paar schaurige Worte bei, eine düstere Erzählpassage, mit der er uns eindringlich warnt: "Fire is coming". "Flamagra" ist die Essenz des letzten Jahrhunderts im Bereich der afroamerikanischen Musik, vollkommen neu und weitergedacht, kollektiv gefiltert und feingeschliffen. Auch wenn Flying Lotus ein Nachkomme seiner ehrwürdigen Großtante Alice Coltrane ist, die mit John verheiratet war (wobei auch Miles und Madlib, Dilla und DOOM als seine Vorfahren gelten dürfen), hat er inzwischen seinen eigenen Kult geschaffen: Eine Gefolgschaft, die alles Geniale aus der Vergangenheit absorbiert und in Bereiche überführt, die sich die genannten Vorfahren nicht mal im Traum hätten ausmalen können. Flying Lotus ist zurück. Fire is coming.

Du wusstest, dass sie auch neu aufgelegt werden würden, oder? Hier sind sie also, die Instrumentals in der Opaque-Red-Vinyl-Edition. Nur solange der Vorrat reicht, denn wir werden keine weiteren Exemplare mehr bekommen.

"Lovage", zu Deutsch Liebstöckel, wird definiert als "ein Kraut, dem nachgesagt wird, dass es Bauchschmerzen aufgrund von Magen-Darm-Blähungen lindert ... und auch Blähungen reduziert, wenn es als Tee getrunken wird."
In den Händen von Dan "The Automator" Nakamura, der unter dem Namen Nathaniel Merriweather aufnimmt, entsteht ein Konzeptalbum mit "Musik, zu der du mit deiner Frau Liebe machen kannst".

Schwarzes Doppelvinyl (140g) inklusive Downloadcode.

Mit „Fragments“ veröffentlicht Bonobo alias Simon Green die emotional intensivste Platte die er je produziert hat - keine Überraschung also, dass er es auch als sein Opus Magnum betrachtet. Auf dem Album sind Jamila Woods, Joji, Kadhja Bonet, Jordan Rakei, O'Flynn und Miguel Atwood-Ferguson zu hören. Das Album entstand zunächst aus Ideenfragmenten und Experimenten und wurde schließlich in einem Ausbruch von Kreativität zusammengefügt, der sowohl durch Zusammenarbeit als auch durch Greens Flucht in die Wildnis befeuert wurde.

Als einer der größten Namen in der Dance-Musik kann Green auf drei Grammy-Nominierungen und 2 Millionen verkaufte Tickets für die Tour zu seinem 2017er Album, „Migration“, zurückblicken. „Migration“ war ein Top-Ten-Album in mehreren Ländern, ein Top-Five-Album in Großbritannien, erreichte Platz 11 der deutschen Albumcharts und war Billboards Dance-Album Nummer eins in den USA. Außerdem ist er ein beliebter Mainstage-Performer bei den größten Musikfestivals der Welt.

„Fragments“ ist eine Serie von zwölf klanglichen Bekenntnissen, die einige der härtesten und tanzbarsten Grooves enthalten, die Green je geschaffen hat. Die Balladen sind perfekt platziert. sie fangen eine Welt im Wandel ein und glühen vor Hoffnung. Die Ideen herauszukitzeln, erforderte anfangs einige harte Arbeit. Der ständig auf Tournee befindliche Green arbeitet am besten, wenn er in Bewegung ist, folglich zwang ihn der weltweite Stillstand zum persönlichen Stillstand.

Indie exclusive Edition! Leftfield, einer der angesehensten und innovativsten Dance-Acts Großbritanniens, kündigen ihr erstes Album seit sieben Jahren, "This Is What We Do", offiziell an und veröffentlichen einen neuen Track mit dem Titel "pulse". "This Is What We Do" ist Leftfields erstes Album mit neuer Musik seit dem gefeierten Album "Alternative Light Source" von 2015 und wird am 2. Dezember veröffentlicht werden. Das Album wurde zusammen mit dem langjährigen Studio- und Mischtechniker Adam Wren produziert und enthält Gastbeiträge von unter anderem Fontaines D.C. Frontmann Grian Chatten und Lemn Sissay.

"This Is What We Do" ist ein eklektischer Longplayer, der den optimistischen Grundgedanken des ikonischen Dance Music Acts verkörpert. Das Album, das Themen wie Liebe, Akzeptanz, Vielfalt und Heilung behandelt, wurde vor und nach zwei extrem herausfordernden und transformativen Phasen im Leben von Leftfields Neil Barnes geschrieben. Die globale Pandemie und seine persönliche Gesundheitskrise hatten beide einen direkten Einfluss auf den kreativen Prozess, wobei sein eigener Drang, ein Kindheitstrauma zu heilen, den Hintergrund bildete. Das Ergebnis ist ein reichhaltiger, lebendiger, positiver und potenter Cocktail aus aufrüttelnden Stücken, die Leftfields kompromisslose Herangehensweise an Tanzmusik verkörpern. "This Is What We Do" ist ein positives und kraftvolles Album, das sich mit persönlichen Themen befasst, die auch unsere aktuellen globalen Erfahrungen widerspiegeln.

Sein Meisterwerk.