Downbeat | Electronica | Leftfield 6986 Artikel

Joji ist ein in Japan geborener US-amerikanischer Sänger und Produzent. Seine Musik bewegt sich zwischen Pop, Trip-Hop und Lo-Fi, wobei auch immer wieder Elemente von Trap, Folk, Elektronik und R&B durchschimmern. „Smithereens“ ist Jojis erstes komplettes Album seit „Nectar“ im Jahr 2020. In Tracks wie "Die For You", einer nüchternen, morgendlichen Erinnerung an eine frühere Liebe, liefert er seinen charakteristisch melancholischen und doch kraftvollen Gesang. Der Track wird von einem Video begleitet, das vom Kreativstudio Actual Objects produziert wurde und komplett aus Archivmaterial besteht.

Seite A des Albums läutet mit wehmütigen und nachdenklichen Balladen eine reifere klangliche Richtung für Joji ein, begleitet von einer üppigen Produktion, die in jedem Song aufblüht. Seite B, die größtenteils von Joji selbst produziert wurde, geht tiefer in die Lo-Fi und schrägen Sounds, die auf seine experimentellen Anfänge als Künstler zurückgehen. Nachdem Joji dieses Jahr u.a. sein Livedebüt beim Coachella Valley Music and Arts Festival, beim Governors Ball Music Festival (nyc) und Hard Summer Music Festival gab, geht er im September auf Tour durch Nordamerika.

Joji ist ein in Japan geborener US-amerikanischer Sänger und Produzent. Seine Musik bewegt sich zwischen Popp, Trip-Hop und Lo-Fi, wobei auch immer wieder Elemente von Trap, Folk, Elektronik und R&B durchschimmern. „Smithereens“ ist Jojis erstes komplettes Album seit „Nectar“ im Jahr 2020. In Tracks wie "Die For You", einer nüchternen, morgendlichen Erinnerung an eine frühere Liebe, liefert er seinen charakteristisch melancholischen und doch kraftvollen Gesang. Der Track wird von einem Video begleitet, das vom Kreativstudio Actual Objects produziert wurde und komplett aus Archivmaterial besteht.

Seite A des Albums läutet mit wehmütigen und nachdenklichen Balladen eine reifere klangliche Richtung für Joji ein, begleitet von einer üppigen Produktion, die in jedem Song aufblüht. Seite B, die größtenteils von Joji selbst produziert wurde, geht tiefer in die Lo-Fi und schrägen Sounds, die auf seine experimentellen Anfänge als Künstler zurückgehen. Nachdem Joji dieses Jahr u.a. sein Livedebüt beim Coachella Valley Music and Arts Festival, beim Governors Ball Music Festival (nyc) und Hard Summer Music Festival gab, geht er im September auf Tour durch Nordamerika.

Wer heute zum ersten Mal dieses Album hört, wird sich verwundert die Ohren reiben: Was soll an den 13 Tracks Ambient sein? Im Wesentlichen ist "Selected Ambient Works 85-92" ein freigeistiges, vielschichtiges, emotionales, atmosphärisch dichtes und vor allem mächtiges Techno-Album, das dezente IDM-, Electronica- und Beatz-Elemente enthält und an frühe Plastikman-Tracks erinnert. Ambient wird es nur unter den Maßstäben von Rave und Hardcore und damit den Sounds, die zwischen Sheffield, Leeds, London und Cornwall, von wo Richard D. James (Jahrgang 1972) alias AFX oder Aphex Twin stammte, die britische Jugend bewegten. Rückblickend markiert "Selected Ambient Works 85-92" nicht nur den Startschuss für James' Karriere, sondern auch einen "Wendepunkt der Ambientmusik" (allmusic.de). 2003 belegte "SAW 85-92" Platz 92 in der "NME's 100 Best Albums"-Liste. Auch im Buch "1001 Albums You Must Hear Before You Die" wird das Meisterwerk erwähnt. Wie das Original erscheint die Neuauflage von "Selected Ambient Works 85-92" als Doppel-LP bei Apollo, einem Sublabel von R&S Records. Die remasterte Nachpressung wurde auf Grundlage der originalen DAT-Tapes von Matt Colton angefertigt.

Du wusstest, dass sie auch neu aufgelegt werden würden, oder? Hier sind sie also, die Instrumentals in der Opaque-Red-Vinyl-Edition. Nur solange der Vorrat reicht, denn wir werden keine weiteren Exemplare mehr bekommen.

"Lovage", zu Deutsch Liebstöckel, wird definiert als "ein Kraut, dem nachgesagt wird, dass es Bauchschmerzen aufgrund von Magen-Darm-Blähungen lindert ... und auch Blähungen reduziert, wenn es als Tee getrunken wird."
In den Händen von Dan "The Automator" Nakamura, der unter dem Namen Nathaniel Merriweather aufnimmt, entsteht ein Konzeptalbum mit "Musik, zu der du mit deiner Frau Liebe machen kannst".

Limitiert auf 1000 Exemplare auf durchsichtigem Vinyl zum 20. Geburtstag von HHV.

20 Jahre HHV: Unser Team hat aus jedem dieser Jahre ein Album ausgewählt, das für uns besonders relevant und wertvoll ist. Jeden Monat veröffentlichen wir in Zusammenarbeit mit einigen unserer Lieblingslabels exklusive und limitierte Pressungen dieser Platten.

Nur eine pro Kunde!

Re-Release eines absoluten Warp-Katalog-Highlights: das legendäre "The Other People Place" Album (2001) von James Stinson, eine Hälfte der Detroiter Formation Drexciya, der kurz nach Veröffentlichung verstarb. "Lifestyles Of The Laptop Café" mit seiner atemberaubender Schönheit, Wärme und Emotionalität gehört zu den beeindruckendsten Meilensteinen des Detroit Techno-Genres, und inspirierte spätere Deep House-Werke von Omar S, Jus-Ed und Moodyman und moderne UK/US Bass-Künstler wie Actress und Kyle Hall. Schwarzes Doppel-Vinyl mit Download-Code.

The Cinematic Orchestra haben anlässlich des 20-jährigen Jubiläums die erste Reissue ihres Klassikers, „Every Day“, angekündigt. Auf 3 LPs auf transparentem rotem Vinyl finden sich die Bonustracks „Oregon“ und „Horizon“ (feat. Niara Scarlett) sowie die beiden bisher unveröffentlichten Tracks „Semblance“ und „Flite“ (Original Version). Die Veröffentlichung enthält ein neues Artwork vom Designer des ursprünglichen Artworks von „Every Day“, Openmind, und eine Klapphülle mit Gilles Petersons Original-Linernotes. Außerdem wird eine Auswahl von bisher unveröffentlichten Fotos auf einer 12“-Karte präsentiert, darunter die Band im Rivoli Ballroom in London (fotografiert von Carl Fox) und J. Swinscoe mit Fontella Bass in der Nähe des Genfer Sees in der Schweiz (von Peter Williams). In den zwei Jahrzehnten seit der bahnbrechenden Veröffentlichung des Albums ist der Einfluss der Band unüberhörbar geworden; Jazz ist überall um uns herum, mit gefeierten Künstler:innen, von Kamasi Washington über Tau5 und Koma Saxo bis hin zu Sons of Kemet und unzähligen mehr, London, Berlin und L.A. haben in letzter Zeit eine Szene hervorgebracht, die produktiver ist, als irgendjemand erwartet hätte. Badbadnotgood haben Jazz-Soundtracks zu großen Modeschauen geliefert, und Kendrick Lamar hat - über den Rap-Umweg - das Genre an die Spitze der Charts gebracht. Die Art und Weise, wie sich The Cinematic Orchestra über ihre anfänglichen Jazz-Einflüsse hinaus zu einer Art transzendentaler Orchestrierung entwickelt hat, kombiniert mit der zeitgenössischen eleganten Elektronik, die heute von Künstler:innen wie Ólafur Arnalds und Floating Points verwendet wird - Künstler:innen, denen sie geholfen haben, den Weg zu ebnen - begann mit der Veröffentlichung von „Every Day“ wirklich Früchte zu tragen. Auf den sieben makellosen, schwebenden Tracks nimmt die Gruppe (angeführt von Gründungsmitglied J. Swinscoe und seinem langjährigen musikalischen Mitarbeiter Dominic Smith) die Hörer mit auf eine Reise durch klassischen Soul, Jazz, Chorsätze, versinkenden Horn-Riffs, pochenden Harfen-Linien, Minimalismus und vieles mehr - mit einer Seele, die tiefer als der Ozean ist. Und mit Gästen vom Kaliber eines Fontella Bass (Autor und Interpret des 60er-Jahre-Soul-Meisterwerks, „Rescue Me“ und Mitglied der Free-Jazz-Abtrünnigen, Art Ensemble of Chicago) und der britischen Rap-Legende Roots Manuva (dessen hochfliegender, philosophischer Beitrag zu „All Things To All Men“ ein absoluter Fan-Favorit ist) weiß man, dass man sich auf etwas Besonderes freuen darf. Pitchfork stimmte dem seinerzeit zu und bewertete das Album bei Veröffentlichung mit 8,6 von möglichen 10 Punkten.

Schwarzes Doppelvinyl (140g) inklusive Downloadcode.

Mit „Fragments“ veröffentlicht Bonobo alias Simon Green die emotional intensivste Platte die er je produziert hat - keine Überraschung also, dass er es auch als sein Opus Magnum betrachtet. Auf dem Album sind Jamila Woods, Joji, Kadhja Bonet, Jordan Rakei, O'Flynn und Miguel Atwood-Ferguson zu hören. Das Album entstand zunächst aus Ideenfragmenten und Experimenten und wurde schließlich in einem Ausbruch von Kreativität zusammengefügt, der sowohl durch Zusammenarbeit als auch durch Greens Flucht in die Wildnis befeuert wurde.

Als einer der größten Namen in der Dance-Musik kann Green auf drei Grammy-Nominierungen und 2 Millionen verkaufte Tickets für die Tour zu seinem 2017er Album, „Migration“, zurückblicken. „Migration“ war ein Top-Ten-Album in mehreren Ländern, ein Top-Five-Album in Großbritannien, erreichte Platz 11 der deutschen Albumcharts und war Billboards Dance-Album Nummer eins in den USA. Außerdem ist er ein beliebter Mainstage-Performer bei den größten Musikfestivals der Welt.

„Fragments“ ist eine Serie von zwölf klanglichen Bekenntnissen, die einige der härtesten und tanzbarsten Grooves enthalten, die Green je geschaffen hat. Die Balladen sind perfekt platziert. sie fangen eine Welt im Wandel ein und glühen vor Hoffnung. Die Ideen herauszukitzeln, erforderte anfangs einige harte Arbeit. Der ständig auf Tournee befindliche Green arbeitet am besten, wenn er in Bewegung ist, folglich zwang ihn der weltweite Stillstand zum persönlichen Stillstand.

Endlich wieder auf Vinyl zu bekommen. HHV und Too Good präsentieren eine auf 1000 Stück limitierte, opaque rote Variante des lange vergriffenen Tommy Guerrero Albums von 2014. Zudem könnt Ihr in der Bonus Ecke unseres Shops das Poster mit dem Artwork abgreifen.

Tommy Guerrero machte zunächst als Skater bei der legendären Bones Brigade der Skateboard Marke Powell Peralta neben Größen wie Tony Hawk, Steve Caballero oder Rodney Mullen in den 80ern auf sich aufmerksam. Nach Ende seiner aktiven Profikarriere als Skater stieg Tommy Guerrero Mitte der 90er ins Musikgeschäft ein. Er wurde Bassist bei Free Beer und Jet Black Crayon, hatte als Solokünstler jedoch mehr Erfolg. Sein Debütalbum wurde 1997 auf Galaxia veröffentlicht und von Kritikern gefeiert. Er veröffentlichte bis zur Auflösung 2004 bei Mo Wax und kollaborierte mit verschiedensten Künstlern wie Lyrics Born, Jack Johnson, Curumin, Bing Ji Ling oder Prefuse 73. Gemeinsam mit dem Beastie Boys-Keyboarder Money Mark und Shawn Lee trat er als Lord Newborn & The Magic Skulls auf Ubiquity in Erscheinung. 2002 stellte er ein Album in der populären "Another Late Night" Serie zusammen. "No Man's Land" ist sein siebtes Album und bietet den nächsten Schritt seiner Entwicklung, Jazz, Blues, Hip Hop, Soul und psychedelische Elemente spannend miteinander zu verknüpfen.

Eine jahrelange Freundschaft bildet das Fundament: Auf ihrem ersten gemeinsamen Album, »--------«, führen Peter Kruder und Roberto Di Gioia ein scheinbar intimes Gespräch, in das wir als Zuhörende indes soghaft hineingezogen werden. Eine wundervoll zauberhafte Musik, in der man sich verlieren, vor allem aber: finden und neu zusammendenken kann.

Irgendwann wollte Peter Kruder auch mal wieder mit den Freunden Boot fahren können, ohne permanent auf dieses ominöse Album angesprochen zu werden. Vor Jahren bereits hatte er den Fehler gemacht, ihnen auf den jährlichen gemeinsamen Bootstouren die Musik vorzuspielen, die er gemeinsam mit dem Münchner Pianisten und Produzenten Roberto Di Gioia aufgenommen hatte, seither gab es Jahr für Jahr immer wieder dieselbe Frage: »Peter, wann kommt denn nun endlich das Album?«

Bevor wir aber jetzt das Happy End verkünden, das die Veröffentlichung von »-------« natürlich darstellt, müssen wir noch ein Stück weiter zurück gehen, bis ins Jahr 2005, um genau zu sein. Die Geschichte dieses Albums lässt sich nämlich schlecht erzählen ohne die Geschichte der Freundschaft seiner Urheber, Peter Kruder und Roberto Di Gioia.

Auf den ersten Blick scheint die beiden Musiker nicht viel zu verbinden: Der gelernte Friseur Peter Kruder hat mit Kruder & Dorfmeister Downbeat revolutioniert – manche würden sagen: erfunden –, das Label G-Stone Recordings gegründet und mit Alben wie »DJ-Kicks« und »The K & D Sessions« von Wien aus die Welt erobert. Kruder & Dorfmeister haben den Sound der Neunziger geprägt, Remixe für Depeche Mode, Madonna und zahlreiche andere angefertigt und nicht zuletzt den Wiener Schmäh in die elektronische Musik eingeführt, während sie Grenzregionen von Ambient, Hip-Hop, Jazz und Trip-Hop ausgelotet haben.

Roberto Di Gioia wiederum – Kruder nennt ihn Bobby Eleven Fingers – spielt seit seinem vierten Lebensjahr Klavier und hat bereits als Kind die Beatles auf der Orgel nachgespielt. Die Gioia reifte zu einem der versiertesten deutschen Jazzmusiker heran, spielte mit amerikanischen Legenden wie Art Farmer, James Moody, Woody Shaw und Johnny Griffin sowie in Klaus Doldingers Band Passport. Außerdem hat der Multiinstrumentalist und Produzent mit so unterschiedlichen Künstlern wie Udo Lindenberg, Charlie Watts und The Notwist gearbeitet, gemeinsam mit Max Herre und Samon Kawamura bildet er das Produzententrio KaHeDi.

Kennen gelernt haben die auf den ersten Blick so unterschiedlichen Musiker sich 2005 in München, als Peter Kruder mit Fauna Flash ein Album seines Projekts Voom: Voom produzierte und Di Gioia auf dem Stück »Best Friend« spielte. »Das ist damals alles an einem einzigen Abend passiert«, erinnert sich Kruder. Wenige Wochen darauf fuhr Di Gioia gemeinsam mit dem Münchner Produzenten Christian Prommer nach Wien, um mit Kruder das erste Marsmobil-Album zu produzieren.

Der Beginn einer wunderbaren Freundschaft: »Wir haben schnell festgestellt, dass man gar nicht unbedingt so viel reden muss, wenn man ja zusammen Musik machen kann«, sagt Di Gioia. »Peter und ich sind seitdem ›zwei Deppen, ein Gedanke‹. Der eine weiß immer schon vorher genau, was der jeweils andere denkt.«

Wann immer sich Roberto Di Gioia und Peter Kruder in den kommenden Jahren trafen, machten sie automatisch Musik zusammen. Sie spielten bei diesen Gelegenheiten

offene Jam-Sessions, die von einem blinden musikalischen Verständnis lebten und aus denen sich irgendwann automatisch der Stil von »-------« entwickelte. Das ist das Besondere an diesem Album: seine Entstehungsweise war lange nicht so konzeptuell, wie die Musik nun vielleicht klingen mag.

»-------« ist ein wunderbar elegisches Pianoalbum. Mit einer gewissen Berechtigung könnte man diese Musik als Neo-Klassik bezeichnen, die eher verkitschten Regionen des Genres meiden Di Gioia und Kruder indes. »Das ist ein naheliegender Einfluss für diese Art von Musik, Kunst entsteht ja nie im luftleeren Raum«, sagt Kruder. »Aber ehrlich gesagt weiß ich gar nicht, was aktuell in dieser Richtung so passiert, da fehlt mir der Überblick.«

Die beiden spielen eine Ambient-, Downtempo- und Minimal-informierte Musik, die wehmütig, elegisch, stellenweise gar klaustrophobisch ist. Die Weite von Stanley Kubricks »A Space Odyssee« verbinden Tracks wie »Falling Down« mit einem Klagegesang über die Schönheit des sterbenden Planeten Erde und überhaupt einer irrsinnigen visuellen Kraft: Immer wieder denkt man an große Momente der Filmgeschichte, an die Bahnhofszene aus »Once Upon a Time in the West« bei »Bella Arp«, an die nächtliche Fahrt durch die Hollywood Hills in David Lynchs »Mullholland Drive«, bei »Kusine Limusene« und bei »Lonely Jupiter« kommt einem Rutger Hauers »Tears in the rain«-Monolog aus »Blade Runner« in den Sinn.

Es ist Musik, die keinen Text und keine Stimme braucht, die in der Verschränkung von Roberto Di Gioias wehmütigem Spiel und Peter Kruders visionärem Soundverständnis eine inhaltliche Tiefe und Reichhaltigkeit findet, die durch zusätzliche Ebenen automatisch limitiert worden wäre. Das hochmelodische, sprechende Klavier von Roberto Di Gioia korrespondiert auf eine Weise mit der Electronica von Peter Kruder, die einen an die Psychedelic der Siebzigerjahre und die großen Neutöner denken lässt, in ihrem genuinen Umgang mit Repetition und Dynamik ist »-------« frei von akademischen Erwägungen und unbelastet von jeglichem konzeptuellen Überbau.

Aufgenommen hatten Kruder und Di Gioia »-------« schließlich innerhalb von nur einer einzigen Woche in Kruders Wiener Studio, aktuell arbeiten sie an einer geplanten Live-Umsetzung für einige Konzerte im exklusiven Rahmen im Frühjahr 2023. »Ich habe das Gefühl, zwischen uns beiden beginnt es überhaupt erst jetzt«, sagt Di Gioia. »Wenn ich in die Peter-Welt komme, spielt er auf einem neuen Synthesizer genau zwei Töne, und ich erstarre vor Ehrfurcht, weil es einfach niemanden gibt, bei dem diese Töne so klingen würden wir bei ihm. Peter hat eine einmalige, ganz spezielle künstlerische Vision.«

Kruder ergänzt: »Zwischen uns ist es bei Sessions ein sehr gezieltes, bewusstes Spielen, beinahe Zen-mäßig. Es lässt sich nicht planen oder konzipieren, aber es passieren in unserem Zusammenspiel Momente, die den anderen jeweils automatisch inspirieren, das richtige zu tun, eine ständige Rückkopplung, wenn man so will.«

Bald ist wieder Frühling, und danach kommt der Sommer. Peter Kruder wird seine Freunde treffen, mit ihnen auf das Boot steigen und allen eine Kopie von »-------« in die Hand drücken. Es ist vollbracht.

Hin und wieder erreicht man im Leben einen Punkt, an dem man einfach loslassen, sich abwenden und Erreichtes - zumindest temporär - hinter sich lassen muss. Warum? Um sich nicht die Chance zu verbauen, irgendwann einmal an das anknüpfen zu können, was war. Man muss dann zunächst andere Wege beschreiten, andere Erfahrungen sammeln und Neues ausprobieren. So kann man schließlich das, was man zurückgelassen hat, wieder mit neuen Augen sehen. Eine derartige Rückkehr zu den Wurzeln, die mit einem neuen Blickwinkel auf die eigene Vergangenheit verbunden ist, das ist der zentrale Ansatz und die Essenz von "Going Going Going", dem zehnten Album von Tosca, dem gemeinsamen Projekt von Richard Dorfmeister und Rupert Huber. "Es fühlt sich einfach richtig gut an, zu unserem ursprünglichen Sound zurückzukehren", äußerte sich Huber über die Platte. "Nachdem wir auf dem letzten Album - "Outta Here" aus dem Jahr 2014 - mehr mit Songstrukturen und Gesangsgästen experimentiert haben, dachten wir über den logischen nächsten Schritt nach. Und da fiel uns auf, dass unsere eigentliche Stärke gerade in den Wurzeln von Tosca liegt: Wir mussten bloß ein Update zu diesem Sound kreieren. Ein Update, das im Jahr 2017 funktioniert."

Eine weitere exklusive Farbvariante, die nur bei HHV Records in Deutschland erhältlich ist. Limitiert auf 530 Exemplare.

Wenn du 1976 eine Schlangenpflanze, einen Spargelfarn oder eine Friedenslilie bei Mother Earth in der Melrose Avenue in Los Angeles gekauft hast (oder eine Simmons-Matratze bei Sears), hast du auch Plantasia mitgenommen, ein Album, das speziell für Pflanzen aufgenommen wurde. Es trug den Untertitel "warm earth music for plants_and the people that love them" und war voll von bukolischen, charmanten, kifferfreundlichen und ausgesprochen unwissenschaftlichen Melodien, die auf einem neumodischen Gerät namens Moog eingespielt wurden. Bevor Brian Eno es tat, machte Mort Garson diskrete Musik. Der an der Julliard School ausgebildete und in der Nachkriegszeit als Studiomusiker tätige Garson schrieb Lounge-Hits, schrieb die Musik zur Mondlandung 1969 und plüschige Arrangements für Doris Day und schmückte Glen Campbells "By the Time I Get to Phoenix" mit weinerlichen countrypolitischen Streichern. Aber wie sich seine Tochter Day Darmet erinnert: "Als mein Vater den Synthesizer entdeckte, wurde ihm klar, dass er keine Popmusik mehr machen wollte." Garson begegnete Robert Moog und seinem neuen Gerät 1967 auf dem Kongress der Audio Engineering Society an der Westküste und begann sofort, an dem Gerät herumzubasteln. "Meine Mutter hatte eine Menge Pflanzen", sagt Darmet. "Sie glaubte nicht an organisierte Religion, sie glaubte, dass die Erde das Beste auf der ganzen Welt ist. Was auch immer uns erschaffen hat, war unglaublich." Und sie wusste auch, wann ihr Mann einen guten Song hatte. So neu es auch klingen mag, Plantasia ist einfach voll von guten Liedern. Diese Veröffentlichung ist die erste offizielle Neuauflage des lang ersehnten Kultklassikers. Wenn man Plantasia im 21. Jahrhundert hört, scheint es weniger eine Ode von Garson an unsere photosynthetisierenden Freunde zu sein als vielmehr eine Hommage an seine Frau, die mit dem grünen Daumen, der alles um ihn herum zum Blühen brachte. "Mein Vater wäre total begeistert, dass sich die Leute wirklich für diese Musik interessieren, die zu dieser Zeit keine Popularität hatte", sagt Darmet über die neue Renaissance von Plantasia. "Er wäre fasziniert davon, dass die Leute endlich diesen Teil seiner musikalischen Karriere verstehen und schätzen, für den er damals keine Bewunderung empfand." Garson scheint wieder überall zu sein, auch wenn er nicht wirklich wahrgenommen wird, so wie eine Zimmerpflanze.

Limitiert auf 159Stück. Nur bei HHV,

TLTs viertes Soloalbum "Jumping Dead Leafs" ist eine sinnliche Illusion geheimnisvoller Kräfte… 38 Minuten purer Exorzismus, romantisch-dionysische Sexyness, angeheizt aus mechanischen Beschwörungsformeln, gemischt mitvspektralen Stimmen vergessener imaginärer Menschenstämme, „Divina Commedia“ Poesie einer Physikerinv(„Incomprehensible Image”) und weiteren mystischen Atemzügen… fordernde Musik… für Körper und Seele ...vEin Meister der Irritation, der sein Talent bis hin zu Album-, Tracktiteln und weiteren Komponenten offenbart (wervwürde schon „Milk in Water“ gießen?). Repetitive, minimalistische Musik kann manche Seele nervös machen, doch es scheint besser zu sein, im Falle von „Jumping Dead Leafs“ primitive Musik ins Gespräch zu bringen - trotz eines gewaltfreien Anarchismus... Aber das sind alles nur aussichtslose Versuche, TLT einer stilistischen Regionoder Familie zuzuordnen. Auch die Last des Erbes der klassischen europäischen Musik, die in der Popmusik mündete, scheint seinen wilden Verstand nicht zu beeinträchtigen. Obwohl es nicht verwunderlich wäre, die süßen Spuren eines J.S. Bach in deutscher elektronischer Musik zu spüren, gibt es bei TLT die klare Aussage, nicht ins sirupartige Gefängnis der Tradition hinabzusteigen. D.W. ist ein Zauberer ... einer, der empirisch gelernt hat, die verschleierte Sprache der Trance zu sprechen… jahrelang war er auf Tournee und experimentierte mit allen Arten von Publikum und Veranstaltungsorten - von Clubs bis zu Museen, von der Mongolei bis nach Brasilien, von seinen Auftritten mit seinen Bands Kreidler oder Toresch bis hin zu Soloshows, unterstützt von einem begrenzten Setup, das er ebenso bei seinen Aufnahmen verwendet: eine MPC, rudimentäre Synthesizer, wenige Effekte und ein Mixer. Kein Toningenieur steht ihm bei, denn nur D.W. kennt jene intime geheime Sprache, die nur er zu äußern weiß. Ohne Vorwarnung wirken die Zauberkräfte seines jüngsten Albums… von den ersten Sekunden bis zur letzten Epiphanie von „Sales Pitch“ …. Roher Dub-Zauber, der sich auch dem HipHop zuwendet und eine deutliche Distanzierung von seinen früheren Industrial-Inspirationen markiert...
Ferner nutzt TLT sein Wissen über Techno, der Psychedelic („Inverted Sea“), des UK-Bass („Jumping Dead Leafs“) und wischt es ungeniert gegen den Strich. Wir alle neigen dazu, Sklaven zu sein, ohne uns dessen
bewusst zu sein. Aber es sollte ein Gleichgewicht zwischen sklavischem Sein und selbstbewusster Existenz
bestehen. TLTs musikalische Antworten darauf sind irritierend, denn sie propagieren in einer Welt des SchwarzWeiß-Denkens und der politischen Korrektheit den kühnen Aufruf, die Balance des Sklavischen und Individuellen neu zu vermessen … in der Musik gibt es schließlich keine Moral ... sein jüngstes Werk enthüllt nichts anderes, als eine unerklärlich befreiende, unmittelbare Erfahrung. Musik, die sich in der Vergangenheit umschaut und zugleich weit in der Zukunft schwebt... Von seiner intuitiven Aufnahmetechnik, die sich hauptsächlich auf die Kunst des „One-Take“ stützt, seiner Verehrung des Fehlers und dem in sich drehenden Kern der repetitiven Musik: „Jumping Dead Leafs" atmet all dies aus und bleibt stets pure Gegenwart.

Sein Meisterwerk.