Indierock | Alternative 7602 Artikel

"Serpentine Prison" ist die erste Solo-Platte des mit einem GRAMMY-Award ausgezeichneten Künstlers Matt Berninger - Frontmann der international gefeierten Gruppe The National. Das Album, das von dem renommierten, aus Memphis stammenden Multiinstrumentalisten Booker T. Jones (von Booker T. & The MG's fame) produziert wurde, erscheint über Book Records, ein neues Imprint, das von Berninger und Jones in Zusammenarbeit mit Concord Records gegründet wurde.

"Serpentine Prison" enthält Beiträge von einer Vielzahl namhafter Künstler, darunter Matt Barrick (The Walkmen, Jonathan Fire*Eater), Andrew Bird, Mike Brewer, Hayden Desser, Scott Devendorf (The National), Gail Ann Dorsey (David Bowie, Lenny Kravitz), Booker T. Jones, und vielen weiteren.

Nach einer Reihe eigenständiger Singles und einer Veröffentlichung unter dem Namen EL VY (mit Brent Knopf von Menomena) ist "Serpentine Prison"

die erste Sammlung zutiefst persönlicher Songs, die in Bookers unverkennbaren Memphis-Sound getaucht sind und sich perfekt mit Berningers unverwechselbarem Bariton mischen. Auch ohne eine angemessene Ankündigung wurde der Longplayer als eines der meist erwarteten Alben des Jahres von Kritikern wie dem Rolling Stone, Pitchfork, Consequence of Sound, BBC 6, Albumism, WXRT und vielen weiteren gelistet.

Aufgenommen und produziert von Frontmann/Gitarrist Greg Gonzalez und gemischt von Craig Silvey (Arcade Fire, Yeah Yeah Yeahs), verbindet "Cry", das neue, zweite Album der Band, die sinnliche Unaufdringlichkeit des Debüts mit wärmeren Farben. Die Songs auf dem Album sind für Gonzalez unweigerlich mit der Location verbunden, dem Ort an dem die Songs entstanden sind: einer Finca auf der Insel Mallorca. Doch dienten auch die Filme von Éric Rohmer und die Songs von Selena und Shania Twain als Inspiration für seine Texte. Romantik, Schönheit und Sexualität. Die Liebe, in all ihren komplexen Facetten. Davon handelt "Cry". Vom sich treffen, wollen, brauchen, verlieren.

Am 23.10 veröffentlicht Adrianne Lenker gleich zwei neue Album mit „songs“ und „instrumentals“ als Doppel-Vinyl sowie Doppel-CD via 4AD. „songs“ sind introvertierte Stücke, die in nahezu kompletter Isolation entstanden und so einen noch klareren Einblick in Lenkers Seele geben. „instrumentals“ ist eine Collage aus Jam-Sessions, die ebenfalls in der abgeschiedenen Bergwelt Massachusetts entstanden sind. Beide Alben sind miteinander verwoben und stehen dennoch für sich selbst.

Mit ihrer Band „Big Thief“ gelang Adrianne Lenker 2019 der große Durchbruch. Die Band veröffentlichte mit „U.F.O.F“ und „Two Hands“ binnen eines Jahres gleich zwei Alben, die es in nahezu alle Jahresbestenlisten schafften. Im Februar und März 2020 spielten Big Thief ihre bis dato größte Europa-Tour in restlos ausverkauften Hallen. Der Erfolg wurde nach der Show in Berlin jäh von der Corona-Pandemie unterbrochen und zwang die Band zur Absage der restlichen Termine. Zurück in den U.S.A. zog sich Adrianne Lenker in eine winzige und abgeschiedene Hütte in den Bergen im Westen von Massachusetts zurück. “I grew really connected to the space itself,” sagt Lenker. “The one room cabin felt like the inside of an acoustic guitar -- it was such a joy to hear the notes reverberate in the space.” Während Adrianne Lenker in der Hütte lebte und neue Songs schrieb, suchte Ihr Soundengineer Philip Weinrobe die Einöde nach alten Tape-Maschinen und ein paar XLR-Kabeln ab. Nach etwa 3 Wochen wurde aus der Hütte ein halbwegs funktionstüchtiges Studio, das jedoch ein kleines Problem hatte: das einzig wirklich heile Aufnahmegerät war der analoge und batteriebetriebene Sony Walkman von Phil. Die Idee, sämtliche Songs auf diesem Tape-Rekorder aufzunehmen, wurde schnell wieder verworfen, nachdem ein Freund eine Otari 8-Spur-Maschine in einer Garage aufspürte und den beiden zur Verfügung stellte. Sämtliche Aufnahmen auf „songs“ und „instrumentals“ sind 100% analog-analog-analog. Es wurden keinerlei digitale Recording-Prozesse genutzt.

Wir müssen hier raus - Eine Hommage an Ton Steine Scherben und Rio Reiser ist die bis jetzt gelungenste der Compilations, die sich mit dem Erbe einer der wichtigsten, einflussreichsten, deutschen Bands beschäftigt. Die poetischen Songs mit politischer Schlagkraft wurden von Bands aus den Genres Indie & Post-Punk & Pop ins neue Jahrtausend überführt.

Mit dabei ist die Creme de la Creme der politischen Popkultur: Die Sterne, Fettes Brot, Beatsteaks, Fehlfarben, Gisbert zu Knyphausen, Die Höchste Eisenbahn, Rocko Schamoni, Bosse, Neufundland, Jan Delay, Erregung öffentlicher Erregung, Schrottgrenze, Das Bierbeben, Wir sind Helden, Slime und viele mehr.

Ton Steine Scherben war eine der, wenn nicht DIE wichtigste und einflussreichste deutschen Rockgruppe der 1970er und frühen 1980er Jahre, die vor allem sozialkritische, deutschsprachige Texte in der Rockmusik verwendete. Die Lieder waren politisch, gingen aber vom Individuum aus, von subjektiven Erfahrungen der Unterdrückung und Frustration, ebenso vom Wunsch nach Gemeinschaft und Freiheit. Die Scherben-Songs waren der Soundtrack zur Revolte einer ganzen Generation.

Sänger Rio Reiser war eine charismatische Person und seine Texte haben sicherlich bis heute Inhalt und Haltung von Bands wie Tocotronic, Die Sterne, Fehlfarben oder Annenmaykantereit beeinflusst.

Diese Band hat den Soundtrack der linken Bewegung (Rio Reiser), der 68er, geschrieben, ohne ihn dieser auf - und unterzugehen. Authentische Texte, die auf dem schmalen Grat zwischen Politik, Anarchie und Poesie zumeist mühelos tanz(t)en, (zu-)packende Rockmusik, die z.B. den Punk schon vorweg nimmt, das politische Lied in eine neue Dimension hebt und das Liebeslied wieder aufregend macht. Dazu Rio Reiser mit einer unvergleichlichen Stimme und Energie.

Ton Steine Scherben und ihr Sänger Rio Reiser schafften etwas, was bis dahin unmöglich schien: Gute, authentische Rockmusik mit deutschen Texten zu machen, die nicht peinlich klangen, sondern ganz natürlich. Die Lieder waren politisch, doch sie gingen vom Individuum aus, von subjektiven Erfahrungen der Unterdrückung und Frustration sowie vom Wunsch nach Gemeinschaft und Freiheit. Kurz: Die Stücke hatten eine Botschaft.

Damit avancierten die Scherben-Songs zum Soundtrack zur Revolte. 1985 lösten sich Ton Steine Scherben auf. Was blieb? Neben einer nicht eingelösten Utopie, viele unfassbar bewegende Songs für die Ewigkeit.

Wir müssen hier raus zelebriert generationsübergreifend eine Hommage an 50 Jahre Ton Steine Scherben und 70 Jahre Rio Reiser. Mit spannenden Interpretationen von gestandenen und jungen, frischen Künstlern und Künstlerinnen aus Deutschland, die von den Werken der Scherben beeinflusst sind. Mehr als die Hälfte der Songs wurden im Sommer 2020 extra für dieses Projekt aufgenommen. Und einige der Tracks sind zum ersten Mal auf Vinyl und Streaming verfügbar.

Die liebevoll gestaltete Veröffentlichung erscheint auf farbigem 180g-Doppel-Vinyl (+ CD-Beilage), CD im Digipak, sowie als Download und Stream. Dazu gibt es ein umfangreiches Booklet mit einem Vorwort von Frank Spilker, einen exklusiven Text zur Geschichte der Scherben von dem Journalisten Michael Sontheimer, sowie Gedanken zu Rio Reiser von Judith Holofernes.

Rio Reiser - der Bob Dylan Deutschlands, wenn es einen solchen gibt - hatte verstanden, was einen guten Popsong ausmacht. (Michael Sontheimer, Gründer und ehemaliger Chefredakteur der TAZ, Redakteur Die Zeit und Spiegel)

Ton Steine Scherben hätten den gleichen Erfolg verdient, den die anderen herausragenden Bands ihrer Dekade hatten. Aber während Can und Kraftwerk auch im Ausland gefeiert wurden, verhinderte die deutsche Sprache der TSS Songs, dass die Einzigartigkeit dieser Band, die Kombination von Sound, Songwriting und Persönlichkeit außerhalb Deutschlands wahrgenommen wurde. im Grunde war er (Rio) der deutsche John Lennon. (Frank Spilker, Die Sterne)

Als ich Rio Reiser zum ersten Mal gehört habe, war ich auch zum ersten Mal überhaupt tief berührt von deutschsprachigem Songwriting. Ich habe viel Dylan, Elvis Costello und David Bowie gehört, aber wenig Deutschsprachiges. Bis ich irgendwann Ton Steine Scherben und Rio entdeckte. Es hat mich total mitgenommen, dass man auf Deutsch so schreiben kann. (Judith Holofernes, Wir sind Helden)

Ton Steine Scherben hatte die Platte Keine Macht für niemand herausgebracht, die Initialzündung für die deutsche Rockmusik.

Ton Steine Scherben waren die beste Alternative zu einem schlechten Tag, sie spendeten Kraft und Identität. (Blixa Bargeld, Einstürzende Neubauten)

Diese Edition ist limitiert auf 150 Stück und nur bei HHV erhältlich.

Neuzeitliche Bodenbeläge ist das Projekt der beiden Musiker Niklas Wandt und Joshua Gottmanns. Nach Veröffentlichung der Single „Ich verliebe mich nie“ (2018) und der EP „Leben“ (2019) beim Düsseldorfer Label Themes For Great Cities legt das Berliner Duo mit „Der große Preis“ nun sein lang erwartetes Albumdebüt vor. Der zu 7 Tracks destillierte, unverkennbare NB-Sound zwischen samtigen Synthpop und kristallinem Digidub, mit seinen Basslinien wie Würfel aus Glas und Snares wie Peitschenhiebe erfüllt genau das, was der Albumtitel verspricht. Adventure time, wilde Romanze und Kleinkriminalität – all das wartet hier auf Dich.

Aufgenommen im Frühjahr 2019, ebenso wie die Vorgänger-EP außersaisonal in einem Hotel am Bodensee, geführt vom bandeigenen Energiecoach Ali Europa. Zwischen eingemottetem Frühstücksbuffet und dunklem Holz, bei strahlender Wintersonne und in verlassener Nacht lassen Wandt und Gottmanns ihre Rauchschwaden aufsteigen.

Wie schon das Projekt selbst im Berliner Kneipenunteruntergrund ins Leben gerufen wurde, so zieht es die beiden Protagonisten bei dieser Produktion immer wieder in die widersprüchlichsten Lokalitäten des örtlichen Nachtlebens. Beim täglichen Besuch des lokalen Wasserlochs, die Playlist "Keine Probleme“, Teile 1 bis 5 aus der Musikbox dröhnend und an den Multifunktionsspielgeräten am Kopfende mit den halbanonymen Spielern in das Rattern und Flackern der Zahlen und Früchte versinkend, wurden nicht nur blanke Euros verzockt, es sickerte auch jenes Konzentrat durch aus dem jene neuen Stücke erwachsen sollten. Diese Mischung aus dunkelbraunem Kunstlederpolster und grauer BRD, Dekor und Synthetik, Gemütlichkeit und Bahnhofsgegend, schwerem Kopf und Aufregung.

Die Magie vollzieht sich letztendlich in der umfunktionierten Studiosuite; ein Haufen analoger Synthesizer und Rhythmusmaschinen, ein Studer-Pult, ein Rechner, die Gesangskabine in der Dusche. Die Arbeitszeiten unregelmäßig, gegensätzliche Tagesroutinen führen mitunter zu stärkeren Reibungen und teils separierten Arbeitsprozessen. Umso erhebender die Momente, wenn auf Höhe des Widerspruchs eins zum anderen kommt und wie von alleine geschieht. Champagnerkorken, Averna und arabischer Mokka.

Die Veredlung findet dann ein ereignisreiches Jahr später in 1070 Wien statt: Februar 2020, in Sam Irls Heimstudio und dem International Major Label Studio direkt um die Ecke entsteht das Stück „Gelb's Groove“ aus dem rauchschwangeren Nichts. Overdubs, Raffination und Gesänge werden aufgezeichnet. Das Produkt in Form gebracht. Mit Daniel Meuzard am raumschiffartigen EMS-Synthesizer entsteht anschließend Titel- und Eröffnungstrack „Der große Preis“, dessen aufgeladener Text bereits eine Zeit lang umherschwirrt. Als sich dann einen Monat später der Kulturbetrieb einmottet haben Neuzeitliche Bodenbeläge ein Debütalbum in ihrem Koffer wie ein großes Versprechen. Klänge wie der Duft von einstmals und jung wie heute, Erzählungen langer Nächte und die Hitze am Vormittag, auf dem Marktplatz und lederbezogenen Autositzen, alles in allem frisch wie übermorgen und jeder Szene längst entwachsen. Alles pulsiert, ein jedes atmet, die Expansion der Gegenwart.

Im Juni 2020 spielte Nick Cave ein Solokonzert im berühmten Londoner Alexandra Palace, ganz ohne Publikum. Gut einen Monat später, am 23. Juli, konnte man die Performance im Stream sehen, allerdings nur zu einer festen Zeit. Danach war es vorbei, ganz so wie ein richtiges Konzert.

Zur Freude seiner Fans kommt nun aber auch noch das Konzertalbum: »Idiot Prayer: Nick Cave Alone At Alexandra Palace«.

Es war eine ganz besondere Atmosphäre: nur Nick Cave, sein Flügel und eine Reihe von Songs, denen der australische Musiker eine völlig neue, reduzierte Interpretation verpasste, darunter Stücke von seinem 2019er-Album »Ghosteen«, Bad-Seeds- und Grinderman-Songs.

Festgehalten wurde das Ganze von Kameramann Robbie Ryan (»Marriage Story«, »American Honey«) und seinem Team.

Pisse sind zurück. Nach "Mit Schinken durch die Menopause" gibt es Nachschlag in Form einer 2-teiligen Singlereihe. Et voilà: "Kohlrübenwinter" #1 und #2. Warum? Deshalb! Fakten und Informationen: 8 Lieder auf 2 7" Singles aufgeteilt. Aufgenommen 2016 von Duckface im Dong Xuan Center Berlin / Lichtenberg. Besetzung: Schlagzeug / Gitarre / Bass / Theremin / Synth. Songs: Armes Schwein, Vernissage, Schwätzer, Dienstleistungsgesellschaft. Punk.

Pisse sind zurück. Nach "Mit Schinken durch die Menopause" gibt es Nachschlag in Form einer 2-teiligen Singlereihe. Et voilà: "Kohlrübenwinter" #1 und #2. Warum? Deshalb! Fakten und Informationen: 8 Lieder auf 2 7" Singles aufgeteilt. Aufgenommen 2016 von Duckface im Dong Xuan Center Berlin / Lichtenberg. Besetzung: Schlagzeug / Gitarre / Bass / Theremin / Synth. Songs: Armes Schwein, Vernissage, Schwätzer, Dienstleistungsgesellschaft. Punk.

Limitierte 7“ Vinyl (300 Stück). Exklusiv bei HHV! Der gesamte Ertrag kommt dem Club Cassiopeia zu Gute.

Ob Punk, Hip-Hop oder Pop. Das Cassiopeia meistert den Spagat gekonnt und mit sehr viel Liebe. Auf der limitierten Vinyl 7inch für das Cassiopeia spiegelt sich genau all das wider. Auf der A-Seite gibt es knallharten Deutschrap von Pöbel MC im Remix-Kleid von Pavel und auch auf der B-Seite geht es nicht weniger rund. Die Hardcore-Band Final Prayer stellte zusammen mit den großartigen Feature-Gästen Bernd (Beatsteaks) und Nico (WFAHM) ihre legendäre »Berlin«-Hymne dem Cassiopeia zur Verfügung.

»HHV For The Culture« unser kleiner Beitrag zur Unterstützung der Berliner Clubszene. Save your club!

Die zehn eindringlichen Songs auf Phoebe Bridgers Debütalbum
"Stranger In The Alps" wurden von Tony Berg und Ethan Gruska
produziert und präsentieren die einzigartige Stimme der 22-
jährigen Sängerin perfekt. Auf ihrem Album herrscht eine fragile
Balance. Ein Tanz zwischen verborgenen Geschichten und
ehrlichen Emotionen, zwischen flüstern und schreien. Phoebe
Bridgers betrachtet und reflektiert auf dem Album ihre
persönlichen Erfahrungen durch ihre einzigartige Songwriter
Perspektive: Da sind offenkundige Referenzen von verlorenen
Idolen, kanonische Popsongs und tatsächliche Ereignisse. Aber
ihre Geschichten entfalten sich durch die spezifische,
atmosphärische Bildsprache, gesungen in ihrem zarten,
konfessionellen Stil. Laut Bridgers ist alles was man auf dem
Album hört eine Sache des Gefühls; ihre Musik kommt zu ihr,
wenn sie am ehrlichsten ist, ohne einen speziellen Plan, sie
möchte in ihren Songs die Person sein, die sie auch in der Welt
ist. "I wasn't trying to be too lo-fi, too hi-fi, too self-serious, too
disingenuous.I feel pretty confident that I'm finding my voice," sagt
Bridgers. "I wanted the album to completely represent who I am
and these songs are representative of what I set out to do." Vor
"Stranger In The Alps" hat Phoebe Bridgers bereits drei Songs
veröffentlicht, die von Ryan Adams in seinem Studio in L.A.
produziert wurden und auf seinem Label erschienen. Seit 2016 ist
sie mit Julian Baker, Conor Oberst, Ryan Adams und anderen auf
Tour gewesen. BRIGHT EYES Mastermind Oberst ist auf
"Stranger In The Alps" auch als Gastsänger in dem Song "Would
You Rather" zu hören.

Sehr limitiert. Besser nicht lange warten.

Zur Feier des 10-jährigen Jubiläums der Veröffentlichung seines Debütalbums "InnerSpeaker" präsentiert Tame Impala eine luxuriöse 4LP-Neuauflage. "InnerSpeaker", das 2009 in Westaustralien aufgenommen wurde, ist eine psychedelische Rock-Explosion, die die

Pompös, monumental, sphärisch, sogartig, melancholisch, verletzlich, hier und da ironisch - vieles, was die Beschaffenheit von Andere beschreibt, diese Stimmung, die aufsaugt und nach Albumende längst nicht wieder loslässt, fängt schon beim ersten Hören ein. Gleich zu Beginn setzt Max Rieger in Halte Mich die Grundstimmung für die folgenden Geschichten auf dem zweiten Album seines Soloprojekts all diese gewalt. "Nichts kommt mir zu nah / Zweifel immer da / du weißt alles ist wahr / alles ist Fassade / alles ist Versteck / halte mich bedeckt." Anders als Welt IN Klammern, der deutlich konzeptionellere Vorgänger, in dem kein Stück hätte fehlen oder ergänzt werden können, stehen die elf Songs aus Andere zwar in Kontakt, können aber auch zu jeder Zeit einzeln stattfinden. Obschon die Eröffnung Halte Mich und der abschließende Titelsong Andere das Album umfassen und eine sichernde Umhüllung bilden, herrscht hier große Song-Autarkie. Der Entstehungsweg unterscheidet sich von den früheren, was laut Rieger auch an der Länge des Arbeitsprozesses von über vier Jahren liegt. "In den ersten zwei Jahren gab es in der Arbeit an Andere keinen roten Faden. Ich habe ihn erst auf den letzten Schritten gefunden." Und noch etwas hat sich gewandelt. Die Texte bestechen in einer Schlichtheit, die erst in der Durchdringung und Verdichtung von Geschriebenem entsteht. "Ich bin deutlich konkreter geworden und immer mehr abgeschreckt von verwaschenen Aussagen. Die Vorstellung, man müsse Sprache in Musik poetisieren, finde ich nicht treffend und ich finde es nicht mehr zeitgemäß, sich abzuheben und elitär zu sein." Umso geräumiger und flächiger darf der Sound daherkommen, wie ein vielschichtiger Teppich oder eine sich steigernde Beat-Schraube. In Erfolgreiche Life unterstreicht ein anschwellender Jahrmarktsound die Ironie des Erzählten "erfolgreiche Life / nie mehr verlieren / erfolgreiche Life / alles funktioniert / erfolgreiche Life / uh ungeniert / erfolgreiche Life / extrovertiert". In Grenzen findet sich die Geschichte in den Klang einer New Wave Gitarre gebettet - "Netze zwischen Räumen / die Angst neutraler Leute / vor gestern morgen heute", in Gift wiederum lässt einen die anfängliche Klangkühle fast frösteln und mündet schließlich in etwas Drohendem, Aggressivem: "Was soll ich damit / was aus der Tiefe aus mir spricht / das hier war niemals ich / nein das bin ich wirklich nicht / wenn doch dann bin ich nicht ich / wenn doch dann will ich das nicht". Sich zeigen macht verletzlich und Rieger beschreibt den größten Unterschied zwischen Bandleben und Soloprojekt: "Bei Die Nerven haben wir kollektive Gedanken und teilen jede Reaktion durch drei. Dort bin ich viel angriffslustiger und deutlich weniger verletzlich. Bei all diese gewalt entscheide ich allein, stehe aber auch allein in der Verantwortung." Wer einmal tiefen Schmerz, manifeste Einsamkeit, für den Moment endgültige Verlassenheit gefühlt hat, kann auf Andere hören, dass Riegers Musik diese Tiefe besitzt, die nicht an jeder Ecke hörbar, sichtbar, spürbar wird und die nicht auf der verzweifelten Suche nach der vielbeschworenen Authentizität plötzlich vor die Füße fällt

Phoebe Bridgers veröffentlichte ihr Debüt 2017 als relativ unbekannte Singer-Songwriterin aus Los Angeles. Etwas mehr als zwei Jahre später ist sie eine international anerkannte Musikerin mit drei renommierten Werken unter der Haube: ihr Solo-Debüt "Stranger In The Alps", die boygenius-EP mit Julien Baker und Lucy Dacus im Jahr 2018 und Better Oblivion Community Center - eine überraschende Zusammenarbeit mit Conor Oberst 2019. Bridgers ist ein bemerkenswertes Talent und zugleich eine Künstlerin, die sich selbst und ihre kometenhaft wachsende musikalische Karriere mit ausreichend Humor begegnet. Das neue Album "Punisher" wurde zwischen den Sommermonaten 2018 und Herbst 2019 geschrieben und aufgenommen - die Songs offenbaren dabei einmal mehr Bridgers als unwiderstehlich kluge und gefühlvoll produktive Songwriterin unserer Zeit. Erneut arbeitete Bridgers - die auch als Produzentin die boygenius EP und das Better Oblivion Community Center-Album ko-produzierte - für die neuen Songs, wie auch für `Stranger In The Alps', mit Tony Berg und Ethan Gruska zusammen. Dabei fanden sich auch ihre eng verbundenen Musikerfreunde im Studio wieder ein - inklusive Bridgers Band bestehend aus Marshall Vore (Drums), Harrison Whitford (Gitarre), Emily Restas (Bass) and Nick White (Klavier) sowie Performances von Conor Oberst ("Halloween", "I Know The End"), Lucy Dacus ("Graceland Too", "I Know The End"), Julien Baker ("Graceland Too", "I Know The End"), Blake Mills ("Halloween", "Savior Complex" and "I Know The End"), Jenny Lee Lindberg ("Kyoto", "icu"), Christian Lee Hutson ("Garden Song", "Halloween", "Savior Complex", "I Know The End"), Nick Zinner ("I Know The End"), den legendären Drummer Jim Keltner ("Halloween" and "Savior Complex") und Bright Eyes' Nathaniel Walcott an der Trompete ("Kyoto" and "I Know The End"). `Punisher' wurde wie zuvor auch `Stranger In The Alps' von Mike Mogis gemischt.

Die siebte Pressung mit neuem Cover.

Dass Future Islands eine außergewöhnliche Band ist, war ihren Fans der ersten Stunde schon lange klar. Aber es war dann ihr Auftritt in der „Late Night Show“ von David Letterman, der ihnen weltweite Aufmerksamkeit bescherte. Future Islands wurden binnen 4 Minuten und 12 Sekunden zu den neuen Darlings einer Szene, die bis eben nicht ihren Namen kannten. Die Single „Seasons“ wurde so für die Band zu einem gigantischen Erfolg.

Doch der Erfolg und die plötzliche Aufmerksamkeit brachte auch seine negativen Seiten mit sich: Burnout, Selbstzweifel, gesteigerte Erwartungshaltungen – Future Islands haben all diese Phasen bewältigt und mit ihrem neuen Album „As Long As You Are“ nun endgültig hinter sich gelassen, indem sie einem Album über Vertrauen und die Liebe geschrieben haben.

Gleichzeitig untermauert Frontmann Samuel T Herring seine Reputation als einer der interessantesten Songwriter seiner Generation. Und das Album zeigt wie gut eine Band inmitten des Scheinwerferlichts erwachsen werden kann und dabei sich selbst treu bleibt. “As an artist, you always have fears that you’re just gonna get old and then people won’t care,” sagt Herring, “but this is what we’re supposed to sound like and, to us, it’s the best we’ve ever sounded. As Long As You Are is another step in defining who Future Islands is, and that’s really important.”

"Serpentine Prison" ist die erste Solo-Platte des mit einem GRAMMY-Award ausgezeichneten Künstlers Matt Berninger - Frontmann der international gefeierten Gruppe The National. Das Album, das von dem renommierten, aus Memphis stammenden Multiinstrumentalisten Booker T. Jones (von Booker T. & The MG's fame) produziert wurde, erscheint über Book Records, ein neues Imprint, das von Berninger und Jones in Zusammenarbeit mit Concord Records gegründet wurde.

"Serpentine Prison" enthält Beiträge von einer Vielzahl namhafter Künstler, darunter Matt Barrick (The Walkmen, Jonathan Fire*Eater), Andrew Bird, Mike Brewer, Hayden Desser, Scott Devendorf (The National), Gail Ann Dorsey (David Bowie, Lenny Kravitz), Booker T. Jones, und vielen weiteren.

Nach einer Reihe eigenständiger Singles und einer Veröffentlichung unter dem Namen EL VY (mit Brent Knopf von Menomena) ist "Serpentine Prison"

die erste Sammlung zutiefst persönlicher Songs, die in Bookers unverkennbaren Memphis-Sound getaucht sind und sich perfekt mit Berningers unverwechselbarem Bariton mischen. Auch ohne eine angemessene Ankündigung wurde der Longplayer als eines der meist erwarteten Alben des Jahres von Kritikern wie dem Rolling Stone, Pitchfork, Consequence of Sound, BBC 6, Albumism, WXRT und vielen weiteren gelistet.

Limitiert auf 300 Exemplare in dunklem rot. Nur bei HHV und Tapete.

Ein musikalischer Sommergruß aus der Stadt des ewigen Novembers! Hier die neue Single der Liga der gewöhnlichen Gentlemen. Und dann noch erhältlich auf einer richtigen 7“-Vinyl Single. Ist die Single nicht die Königin unter den Formaten? Singles sind fast, fun & action packed. Und genau so, fast, fun & action packed ist auch der 2020er Sound der fünf Gewöhnlichen. Orange Juice + Louis de Funès Sountrack+ ein bisschen Italo-Pop und Disco + logisch, Liga-Style = „Ferien für immer“. Der Song ist belebend wie eine eisgekühlte Fanta an der Croisette. Also, Fanta aus der Dose, wo an der Dose das Kondenswasser außen so richtig schön runterläuft. Ist euch auch schon mal aufgefallen, dass man hier in Norddeutschland eigentlich nirgends richtig gekühlte Getränkedosen bekommt? Sind meistens lauwarm bis mittelkalt. Wo waren wir? Ach so, die Single ist also belebend wie eine kalte Limonade in Cannes. Aber erheblich preiswerter. Also glauben wir. Wir waren ja noch nie in Cannes, würden aber gerne mal hin. „Ferien für immer“ ist eine Ode an die Sehnsucht, eine Ode an das schöne Leben. Und eine Ode an eisgekühlte Getränkedosen.
Die beiden Songs auf der B-Seite sind eigentlich zu schade für Songs auf der B-Seite. Aber was soll der Geiz? Hätten die gewöhnlichen Gentlemen einen Igel in der Tasche wären sie ja keine Gentlemen. Dann wären sie nur noch gewöhnlich, wäre ja Quatsch. Das Instrumental ist ähnlich wie Fridolin Kiesewetter aus „Tim & Struppi“ ein todsicheres Mittel gegen schlechte Laune. Könnte auch ein guter Soundtrack sein, etwa für die Verfolgungsjagdszene in „Was gibt’s Neues, Pussy?“. Des Weiteren, zum ersten Mal auf einem Tonträger erhältlich Ian Buttons toller Big Beat Remix von „Der letzte große Bohemien“. Das Original erschien ja bekanntlich auf dem letzten DLDGG-Album „Fuck Dance, let´s Art!“. Solltet ihr dieses Album noch nicht gekauft haben macht das bitte. Es ist nämlich sehr gut! Wenn das noch ca. 10 000 Leute machen fliegt die Liga nach Cannes. Von eurem Geld. Man muss auch gönnen können.
Wir jedenfalls gönnen euch Ferien für immer!

21 Songs + digitaler Download + digitales Bonuspaket (Demos, Rough Mixe, Outtakes, Live Recordings, Lagerfeuermusik) mit 30 Stücken

Ein Meilenstein deutscher Pop Geschichte und die wohl zugänglichste Mutter Platte, aber was heißt das schon? Totaler Bruch mit jedweder Erwartungserfüllung und dann doch wieder Bestärkung, dass Mutter Deutschlands wichtigste und härteste Band ist. Auch wenn das hier auf eine völlig andere Art hart ist als alles andere. Wiederauflage des 1994 erschienenen Albums.

Aufgenommen im bandeigenen Studio in Los Feliz, Kalifornien, übernahm Bandleader Mark Oliver Everett a.k.a. E bei ‘Earth to Dora’ auch die Rolle des Produzenten. Eingespielt wurde das neue Album von E selbst, Koool G Murder, The Chet und P-Boo. Mit Ausnahme von ‘Are We Alright Again’ - „kind of a quarantine daydream I desperately needed to have“ wie E selbst sagt - sind alle Songs noch vor Covid-19 entstanden. Bevor die Pandemie unser aller Leben verändert hat. ‘Earth to Dora’ ist nach ‘The Deconstruction’ von 2018 das 13te full-length Album der Eels.

2LP (180g transparent-rotes Vinyl, Gatefoldhülle, bedruckte Innenhüllen, 2-seitiger Beileger), Lithographiedruck, Digisleeve CD mit Booklet, A5 Stickerbogen mit 4 Aufklebern, 2 Kühlschrankmagneten, 12" Antirutschmatte

Aufgenommen im bandeigenen Studio in Los Feliz, Kalifornien, übernahm Bandleader Mark Oliver Everett a.k.a. E bei ‘Earth to Dora’ auch die Rolle des Produzenten. Eingespielt wurde das neue Album von E selbst, Koool G Murder, The Chet und P-Boo. Mit Ausnahme von ‘Are We Alright Again’ - „kind of a quarantine daydream I desperately needed to have“ wie E selbst sagt - sind alle Songs noch vor Covid-19 entstanden. Bevor die Pandemie unser aller Leben verändert hat. ‘Earth to Dora’ ist nach ‘The Deconstruction’ von 2018 das 13te full-length Album der Eels.

TOUCHÉ AMORÉ has been burrowing through angst, alienation, cancer, and heartbreak throughout four adored studio albums. After over a decade of working through darkness, the band's gorgeously gruff fifth album, Lament, finds the light at the end of the tunnel. Through 11 songs, Touché Amoré looks back at its past and uses hard-won optimism to point its fans toward light, and love. For the follow up to the their critically acclaimed 2016 release, Stage Four, Touché Amoré have opted to get out of their comfort zone and work with a new producer, the famously demanding Ross Robinson (Slipknot, Korn, At the Drive-In). Both Robinson and Touché Amoré are known for their trademark intensity. "I believe there was an unspoken learning curve between Ross's methods and the understanding that I've poured myself into the words and mean every one of them," vocalist Jeremy Bolm says.Robinson agreed to a rare one-song "test recording" last summer, which resulted in the song "Deflector," released last fall. In the end, "Deflector" proved the producer/band combo was undoubtedly the right fit. Robinson made Bolm read out all of his confessional lyrics to his bandmates to make sure they understood their emotional content. Making Bolm read those lyrics turned out to be what helped make their emotions palpable in the final recording. With its ruminations on the draining human connection ("I'll test the water/I won't dive right in/That's too personal/I'm too delicate"), Lament's first helping is a sharp intro to the album's themes.Lament is their masterstroke. Its longer, structured songs soar with a ferocious but delicate musicality and powerful, gut-wrenching storytelling that smashes previous heights. Yet as much as the band has grown and matured via everything they've endured, it's perhaps equally impressive how they've managed to stay true to their core...

Die Wiener Formation Culk präsentiert im Oktober ihr zweites Album "Zerstreuen über Euch". Es ist eine Kampfansage an tieferverwurzelte patriarchale Strukturen. Die Gruppe rund um Sängerin & Multiinstrumentalistin Sophie Löw hat im letzten Jahr mit ihrem selbstbetiteltes Debütalbum einen "Suchtsound" (spiegel.de) zwischen Shoegaze und Postpunk kreiert, mit dem sie für großes Aufsehen gesorgt hat. Für das neue Material haben sich Culk mit dem Wiener Produzenten Wolfgang Möstl (Mile Me Deaf, Nino aus Wien, Voodoo Jürgens, Dives_) zusammengetan und gehen dabei den Weg des Debüts konsequent weiter. Allem voran die betörenden Vocals von Sophie Löw, die in ihren Texten die relevanten Themen anspricht und poetisch verhandelt: Das sture Unsichtbarmachen der Geschlechtervielfalt in der sprachlichen und gesellschaftlichen Realität ("Dichterin"). Die vielen Strategien, die sich Frauen für den nächtlichen Nachhauseweg über die Jahre zurechtgelegt haben, um möglichst unversehrt anzukommen ("Nacht"). Die dienende und untergeordnete Rolle, in die sie im Bett, im Alltag, in der Familie, Arbeit und Öffentlichkeit gedrängt werden ("Helle Kammer"). Die nachhaltigen Schäden, die diese Erfahrungen verursachen ("Jahre später") und die unzähligen wertlosen Rechtfertigungen und Erklärungen, die auf Kritik an den Geschlechterverhältnissen immer wieder folgen. All diese Themen behandelt die Wiener Band Culk auf ihrem zweiten Album "Zerstreuen über euch". Es sind gewichtige Themen, sie kreisen stets um Macht, Liebe und Widerstand. Ihre Dringlichkeit wird sofort spürbar. Textlich und musikalisch. Sophie Löw (Stimme, Texte, Gitarre, Synthesizer, Artwork), Johannes Blindhofer (Gitarre), Benjamin Steiger (Bass, Gitarre) und Christoph Kuhn (Schlagzeug) haben ihre politischen und persönlichen Kämpfe in ihre Kunst getragen. Mit den musikalischen Formen des Post-Punk, fesselndem Gesang und poetischer Lyrics. Die von Sophie Löw verfassten Texte...