Rock & Indie 30432 Artikel

Das HHV Records Universum in 13 hochwertigen Siebdruck-Stickern schwarzweiß auf einem A4-Bogen. So einfach kann es sein.
Good Stuff Carefully Composed in 14 stickers.

Auf dem Bogen:
• HHV Logo-Sticker, eckig
• KEATS Logo-Sticker, eckig
• Beat Jazz International Logo-Sticker, eckig
• For the RECORD Logo-Sticker, rund
• PMC Schriftzug-Sticker, rund
• PMC Logo-Sticker, rund
• HHV mag Logo-Sticker, eckig
• HHV Boombap 45's Logo-Sticker, rund
• 90's Tapes Logo-Sticker, rund
• For The CULTURE Logo-Sticker, rund
• Vinyl Diggers Logo-Sticker, rund
• DIGGIN IS A SCIENCE Logo-Sticker, rund
• 20 Years HHV Logo-Sticker, rund

HHV-Exklusivausgabe, limitiert auf 500 Exemplare.

Am 9. Juni 2023 wird Capitane Records das 20-jährige Jubiläum von Adam Greens "Friends of Mine" wiederveröffentlichen. Für Fans von Green und seiner Band The Moldy Peaches mag es schwer zu glauben sein, dass es schon zwanzig Jahre her ist, dass die Indie-Rock-Welt Anfang der 2000er Jahre von einer neuen Generation von Künstlern, Komponisten und Songwritern in Brand gesetzt wurde. Innerhalb von gefühlt nur wenigen Monaten boten Bands wie The Strokes, The White Stripes, The Libertines und The Moldy Peaches dem Indie-Publikum neue Interpretationen des Rock'n'Roll-Kanons, Zu den Einflüssen gehörten sowohl Klassiker wie The Velvet Underground, Television, The Stones, The Doors, The Stooges, Leonard Cohen, The Modern Lovers und Bob Dylan, als auch neuere Künstler wie Beck, Daniel Johnston, Nirvana, Sonic Youth, Will Oldham, Pavement und The Silver Jews. Die Ergebnisse variierten zwischen geradlinigem Rock'n'Roll und Punkrock mit einem vom Folk inspirierten Songwriting-Bewusstsein. Die zerrissenen Jeans und Flanellhemden von früher waren verschwunden. Enge Hosen und Lederjacken waren jetzt angesagt.

Nach dem Erfolg seiner Band The Moldy Peaches (die 2001 zusammen mit The Strokes bei Rough Trade Records unter Vertrag genommen wurde und anschließend mit ihnen auf Tournee ging) schrieb und nahm Adam Green Friends of Mine auf, das bahnbrechende Album, das seiner Karriere eine neue Richtung geben sollte. In Abkehr von den selbst aufgenommenen 8-Spur-Analogaufnahmen seiner vorherigen Alben, wählte Green einen Sound, der für damalige Verhältnisse eindeutig als Hi-Fidelity-Sound bezeichnet werden konnte, komplett mit einer kompletten Band, singendem Gesang und einer Streichergruppe (mit Arrangements von Jane Scarpentoni). Friends of Mine lehnte sich an die Werke von Serge Gainsbourg, Scott Walker und Frank Sinatra an, während der lyrische Inhalt wie von der symbolistischen Poesie und dem Surrealismus von Brecht und Dylan abgeleitet schien. Das Ergebnis war etwas völlig Neues, eine Platte, die sowohl rührend traurig als auch sardonisch, satirisch, lässig und sogar laut lachend sein konnte. Songs wie "Jessica" wurden zu Hymnen für eine neue Generation junger Indie-Rock-Fans in den Vereinigten Staaten und Europa.

Capitane ist stolz darauf, Friends of Mine als Doppel-LP zu veröffentlichen, mit einer zweiten Disc mit Outtakes, B-Seiten und Live-Versionen. Diese Deluxe-Edition enthält Anmerkungen zu den Songs von Green, einen Text, der neue Einblicke in seine oft kryptische lyrische Methodik gewährt, sowie Anekdoten aus der Zeit, in der die Songs entstanden sind. Außerdem ist ein Gespräch zwischen Green und Dan Myers (Produzent), Steven Mertens (Bassist), Matt Ramono (Schlagzeuger) und Larissa Brown White (Adams damalige Managerin) enthalten. Die fünf alten Freunde tauchen tief in die Produktion von Friends of Mine ein und reflektieren über diese vergangene Ära. Die 2023er-Ausgabe von Friends of Mine ist ein Zeugnis für einen Künstler und ein Album, das den Test der Zeit überdauert hat.

Limitiert auf 500 Exemplare. Nur bei HHV und im Webshop der Band erhältlich.

Das erste, was dich an Altin Güns neuem Album packt, ist die Energie. Mit Ask wendet sich das Sextett aus Amsterdam von dem elektronischen, synthiegetränkten Sound ihrer Alben Alem und Yol aus dem Jahr 2021 ab. Während diese beiden Alben, die während der Pandemie entstanden sind, eine Hommage an den elektronischen Pop der 80er und frühen 90er Jahre waren, markiert Ask eine überschwängliche Rückkehr zum anatolischen Folk-Rock-Sound der 70er Jahre, der die ersten beiden Alben von Altin Gün, On (2018) und Gece (2019), geprägt hat. Aber auch hier gibt es eine Entwicklung. Ask kommt der ansteckenden Energie ihrer Live-Auftritte bisher am nächsten. "Es hat definitiv mehr mit einem Live-Sound zu tun - fast wie ein Live-Album", sagt Bassist Jasper Verhulst. "Wir sind als Band einfach zusammen in einen Proberaum gegangen und haben gemeinsam Musik gemacht, anstatt zu Hause ein Demo aufzunehmen." "Wir haben es nicht so aufgenommen wie das letzte Album", stimmt Sängerin Merve Dasdemir zu. "Das haben wir wegen der Pandemie praktisch zu Hause produziert. Jetzt sind wir wieder dazu übergegangen, live auf Band aufzunehmen." Wie viele Welten besuchen Altin Gün auf dieser fröhlichen Expedition noch? "Rakiya Su Katamam" ist glühender Space Rock, als hätte Gong einen Zwischenstopp am Bosporus eingelegt. "Canim Oy" ist ein psychedelischer Freak-Beat-Stomper aus einer Welt, in der Istanbuls Stadtteil Kadiköy die Carnaby Street des Ostens war. "Güzelligin On Para Etmez" ist eine verträumte Acid-Folk-Hymne. Und das Finale, "Doktor Civanim", ist ein unwiderstehliches Stück Sci-Fi-Disco-Camp mit Lavalampen-Synthie-Schnörkeln, das neben Baris Manços "Ben Bilirim" nicht fehl am Platz wäre. Frisch und doch zeitlos. Verwurzelt in der Antike und doch voller Sehnsucht nach einer himmlischen Zukunft. Ask will dich an andere Orte bringen.

The National veröffentlichen ihr neuntes Studioalbums ”First Two Pages of Frankenstein“ am 28. April 2023 auf 4AD. “First Two Pages of Frankenstein“ ist ein spannendes neues Kapitel in der belebten Diskografie der Band. Die 11 Songs wurden von The National in den Long Pond Studios in Upstate New York produziert und beinhalten Gastauftritte von Taylor Swift, Phoebe Bridgers und Sufjan Stevens.

Du. Ich. Der da drüben. Die da oben. They/Them da unten. Alle „tied up in... Wohlstandsverwahrlosung“. Wer den Zeigefinger nicht mag, muss den Mittelfinger ertragen. Soll heißen: AUGN ist schmerzhaft ehrlich. Oder „ekelhaft“, wie Ingrid in den Youtube-Kommentaren ungefragt mitteilt. Aber keine Angst: Kaum ein Track ist länger als drei Minuten. Alles snackable Content, selbstverständlich Reel-kompatibel. Schluss jetzt. Wir müssen noch Story machen, in der Küche piept der Thermomix und nachher ist „Tatort-Watchparty“ im Start-up deiner Mudder. Glückwunsch, wir sind am Arsch. Willkommen in der Generation Degeneration. Lasst mal ein Like da.

Zur Kenntnisnahme: Das Album wird sich verschieben, aber das neue Datum ist noch nicht bekannt.

Das neue Album nach dem experimentellen Pop-Meisterwerk PANG aus dem Jahr 2019, mit dem sie sich als Generationstalent etablierte. Seitdem ist ihr Bekanntheitsgrad exponentiell gewachsen - sie hat es überall hin geschafft, vom direkten Opening Spot auf Dua Lipas 2022 North American Future Nostalgia Tour, Coachella, Lollapalooza, Glastonbury, Primavera, All Points East, Governors Ball, Pitchfork Music Festival und Outside Lands, sowie Kampagnen und Shows für Loewe, Dior, Eckhaus Latta und Chloé, bis hin zu Late Night Auftritten bei Jimmy Kimmel Live! und der Late Night Show mit James Corden. Aufsehen erregende virale Tracks wie "So Hot You're Hurting My Feelings" haben dazu beigetragen, dass das 175 Millionen Streams weltweit beigetragen und einen Tanztrend auf TikTok ausgelöst.

Nach dem hochgelobten letzten Beach House Album 'Once Twice Melody' (VÖ 2022) folgen nun 5 neue Tracks des amerikanisch-französischen Duos bestehend aus Victoria Legrand und Alex Scally.

Die Detroiter Post-Punk-Band Protomartyr kündigt heute ihr neues Album "Formal Growth In The Desert" für den 2. Juni bei Domino an und präsentiert die erste Single 'Make Way'.

Protomartyr, bestehend aus dem Sänger Joe Casey, dem Gitarristen Greg Ahee, dem Schlagzeuger Alex Leonard und dem Bassisten Scott Davidson, sind zu einem Synonym für bissige, impressionistische Assemblagen aus Politik und Poesie, Wahrem und Schrägem geworden. Casey beschreibt das zugrundeliegende Thema von "Formal Growth In The Desert" als ein 12-Song-Testament über das "Weitermachen mit dem Leben", selbst wenn es sich unmöglich hart anfühlt. Die stimmungsvolle Lead-Single/Video "Make Way" ist gleichzeitig der Eröffnungstrack von "Formal Growth In The Desert", in dem sich Casey zu Beginn des Albums direkt mit der Tragödie auseinandersetzt: “Welcome to the haunted earth // The living after life // Where we chose to forget // the years of the Hungry Knife.” Das begleitende Video, bei dem Trevor Naud Regie führte, ist eine beeindruckende filmische Meisterleistung. Über das Video sagt Naud: "Es gibt eine bewusste Verbindungslinie zwischen den Videos zu "Make Way" und 2020's "Worm In Heaven". Die beiden Songs fühlen sich zusammengehörig an. Deshalb wollte ich, dass die Videos sich so anfühlen, als würden sie in der gleichen Welt existieren. Es gibt verschiedene Ebenen von Experimenten, die alle in einer geschlossenen Umgebung stattfinden. Wir wissen nicht, was mit der Welt da draußen passiert ist, aber es gibt einen Unterton, dass irgendwas nicht stimmt."

Nachdem seine intime Underplay-Show-Tour "shhh" im März binnen Sekunden ausverkauft war, kündigt Archy Marshall sein mittlerweile viertes Studioalbum "Space Heavy" als King Krule an. Erscheinen wird es am 9. Juni bei XL Recordings. Zehn Jahre nach der Veröffentlichung seines umjubelten Debütalbums "6 Feet Beneath the Moon" zeigen die 15 neuen Songs den britischen Songwriter auf der Höhe seines Schaffens. Entstanden ist das Album zwischen 2020 und 2022, als Archy Marshall sowohl London als auch Liverpool seine Heimat nannte und viel Zeit auf den Reisen von einem zum anderen Ort verbrachte. Während diesen Trips entstand seine Faszination für "the space between", wie er es nennt: die Orte, die von Träumen voller Liebe verfolgt werden, während sich Archy in seinen Texten mit persönlichen Verlusten befasst. Nachdem die Texte fertig waren, entstand die Musik gemeinsam mit dem Produzenten Dilip Harris sowie seiner langjährigen Band, bestehend aus Ignacio Salvadores (Saxophone), George Bass (Schlagzeug), James Wilson (Bass) und Jack Towell (Gitarre). In den 15 Songs von "Space Heavy" verbinden sich viele Elemente seiner bisherigen Karriere mit dem klanglichen Kosmos, der ihm das Attribut als eine der Stimmen seiner Generation einbrachte. Die dichten Lyrics seines Debüts, die Verschiebung seines Sounds bei "The Ooz" (2017), die Ursprünglichkeit von "Man Alive!" und die rohe Verletzlichkeit, die er auf "You Heat Me Up, You Cool Me Down" zeigte, fließen in den Sound seines neuen Albums ein. Mit der Albumankündigung erscheint die erste Single "Seaforth" mitsamt Video, bei dem seine regelmäßige Kollaborateurin und Visual Artist Jocelyn Anquetil Regie geführt hat.

2022 markierte den 10. Jahrestag von "Lonerism". Zur Feier des Tages präsentieren Tame Impala ihren Fans eine Deluxe-3LP-Neuauflage des Albums, die bisher unveröffentlichte Demos aus dieser Ära enthält.

"Lonerism", das zwischen 2010 und 2012 in Westaustralien und Paris aufgenommen wurde, verhalf Tame Impala zum großen Durchbruch. Es wurde von Kritikern wie Pitchfork und NME gelobt und gilt als eines der besten Alben des Jahres 2012.

Diese erweiterte Deluxe-Edition des Albums enthält die Singles "Feels Like We Only Go Backwards" und "Elephant" neben der Original-Trackliste des Albums, plus:

2 bisher unveröffentlichte Demos Eine ganze Seite mit Album-Demos Ein 24-seitiges Deluxe-Booklet

Es ist nur passend, dass Khruangbins allererste offizielle Live-Veröffentlichungen Alben sind, die sie mit ihren Tourkollegen zusammenbringen: Künstler, deren Musik sie lieben und bewundern, Freunde, die auf ihrem Weg zur Familie geworden sind. Die "Live At"-Live-LP-Reihe von Khruangbin zeigt nur einen kleinen Ausschnitt aus dem Flugplan der Band im Laufe der Jahre: Es ist ein Vorgeschmack auf einige ihrer beliebtesten Städte, Bühnen und Nächte. Vor allem aber entfacht die "Live at"-Serie von Khruangbin beide Seiten der Magie der Band: das warme, prismatische Gefühl ihrer Alben und die betörende Energie ihrer Auftritte.

Rancid - die legendären Punkrocker aus der Bay Area sind zurück mit ihrem 10. Studioalbum Tomorrow Never Comes auf Epitaph Records. Aus den blauen Sümpfen von Berkeley, Kalifornien stammend, sind Rancid nun schon seit über einem Vierteljahrhundert eine lebendige, atmende Punkrockband. 1991, nach dem Ende ihrer geliebten und immer noch einflussreichen ersten Band Operation Ivy, beschlossen die Gründungsmitglieder Tim Armstrong (Gesang, Gitarre) und Matt Freeman (Bass, Gesang), das Unmögliche möglich zu machen - eine noch bessere Band zu gründen. So entstand Rancid. Die Band unterschrieb bei Epitaph Records und veröffentlichte 1993 ihr erstes Album "Rancid". Kurz darauf stieg Lars Frederiksen (Gesang, Gitarre) in die Band ein, und sie brachten unglaubliche Alben heraus, von "Let's Go" (1994) bis zu ihrem mit Platin ausgezeichneten Klassiker "..And Out Come The Wolves." (1995). Schlagzeuger Branden Steineckert stieß 2003 zur Band und zementierte das Line-up, das bis heute rockt. Rancid live zu sehen, ist eine lebensverändernde Erfahrung, und für 2023 ist ständiges touren geplant. Die Band wird im Juni durch Europa touren und bald darauf durch den Rest der Welt. Bei all dem sind Rancid sehr unabhängig geblieben und haben nie ihre Loyalität zur Gemeinschaft oder zueinander verloren. Ihre Musik setzt sich mit politischen und sozialen Themen auseinander, während sie persönliche Geschichten von Liebe, Verlust und Herzschmerz mit Haltung ausbalancieren. Rancid bieten ihren Zuhörern eine Gemeinschaft, in der jeder dazugehören kann. Indem sie die Traditionen und den Geist der ursprünglichen Punkrock-Bands vor ihnen fortführen, sind Rancid zu einer Legende geworden und inspirieren die Punkbands, die nach ihnen gekommen sind. Sie sind die lebende Verkörperung des East Bay Punk. Und wenn du das alles noch nicht weißt – spielst du ihre Musik nicht laut genug!

1998. die ärzte sind jetzt ihre eigene Plattenfirma und veröffentlichen ihr … äh … je nach Zählweise 13., 8. oder auch – wie Die Beste Band der Welt selbst meint, 14. Album. Das heißt natürlich „13“. Ist das nicht irgendwie verboten?



„13“ ist im wahrlich nicht dünn bestückten die ärzte-Kosmos so etwas wie ein Über-Album. Mit mehr als einem halben Dutzend Live-Klassiker, unfassbar vielen Fan-Favoriten, dem endgültigen Rod-Song und einem bis heute nicht totzuschlagenden Monster-Hit.



„Der Graf“ ist Bela Bs immergültiges Schwarzromantik-Œuvre, Farin Urlaubs „Rebell“ bedient die Teenage Befindlichkeit aller Fan-Generationen. „½ Lovesong“ ist Rodrigo González’ ewiger Herz-Schmerz-Klassiker. Irre viel Spaß macht das exzessive „Meine Freunde“, mit „Goldenes Handwerk“ gelingt die ultimative Drummer-Hymne, „Punk ist …“, „Party stinkt“ und „Grotesksong“ sind die erklärten Fan-Insider-Hits. „Ein Lied für dich“ sagt einfach mal Danke!.



die ärzte: Jetzt mit Acht-an-abl-ah, „Zünd den Knaller!“, Lara Croft und Internetseite. Mit „Bullenschweine“-Zitat sowie spannender Beschreibung homosexueller Praktiken. Und mit „Mä-“ … naja, ihr wisst schon.



„13“ erscheint ausschließlich als Vinylalbum (inklusive Downloadcode) am 28. April 2023

Vor fünf Jahren erschien das letzte Album von Feine Sahne Fischfilet, mit dem es die Gruppe aus Mecklenburg-Vorpommern erstmals weit nach vorne auf Platz 3 in die Charts schaffte und im Anschluss das, was man landläufig den „großen Durchbruch“ nennt. Das war ungewöhnlich für eine Band, die 2004 von ein paar Schulfreunden in der Provinz gegründet wurde, um in erster Linie in ihrem direkten Umfeld was loszumachen, nicht zu lamentieren und zu warten, dass andere etwas für einen tun, sondern sich selber in jeder Hinsicht gerade zu machen, privat, politisch und auch sonst. Die darauffolgenden Jahre waren sie konstant auf Tour, erst in den Jugendhäusern ihrer Heimatregion, dann quer durch sämtliche Clubs und autonome Zentren des Landes und wurden schließlich zu Stammgästen der wichtigsten Festivals im deutschsprachigen Raum. Auch bei ihren eigenen Konzerten wurden die Hallen und Open Airs immer größer. Feine Sahne Fischfilet nahmen ihre Hörerinnen und Hörer in den Arm, wenn es brenzlig wurde. Und es brannte eigentlich immer. Alles war dabei: Ernüchterung, Suff, Spaß, Agitation, Vernunft, Randale und Exzess. Und weil sich die Band auch immer wieder politisch einmischte und aneckte, ist Ärger bis heute vorprogrammiert und vielfach Dauerzustand. Nazis, AfD und auch lokale und überregionale Rechtsausleger jeglicher Couleur legten der Band immer wieder Steine in den Weg. „Alles auf Rausch“ hieß eine der Konzertreisen in dieser Phase und genauso waren Feine Sahne Fischfilet unterwegs, bis sie sich Ende 2019 in eine längere Pause verabschiedeten. Mal sind sie geflogen, mal hart auf die Fresse gefallen. Doch nach jedem Rausch folgt auch der Kater… Um all diesen Wahnsinn, all diese Ambivalenzen, all die guten und all die schlechten Tage geht es in den Liedern ihres neuen Albums „Alles glänzt“, große Songs zwischen Gefühl und Härte. Und auch eine der besonderen Stärken von Feine Sahne Fischfilet kommt auf dem neuen Werk voll zur Geltung: Immer wieder überqueren sie musikalische Grenzen und machen so ihren Uptempo-Punkrock zu einem facettenreichen Hörvergnügen, das nicht nur die Beine, sondern auch die Herzen ihrer Fans bewegen wird. Produziert hat die 12 neuen Lieder von „Alles glänzt“ Philipp „Philsen“ Hoppen, der u.a. für seine Produzententätigkeiten für Die Ärzte, Kraftklub und K.I.Z bekannt und gefeiert wurde.

In den letzten fünfzehn Jahren haben Beach Fossils ihren Status als eine der definitivsten und beständigsten Bands des New Yorker Undergrounds der 2010er Jahre stetig ausgebaut und neue Hörer erreicht, während sich ihr Sound vom DIY-Soloprojekt von Dustin Payseur zu einer einflussreichen vierköpfigen Dream-Pop-Band entwickelt hat, die selbst produziert, selbst gemanagt und selbst veröffentlicht wird. Bunny steht für Stärke durch Verletzlichkeit. "Bunny" setzt die atemberaubende Entwicklung des Beach Fossils-Sounds fort, indem es Elemente aus der jangligen Melancholie der „What a Pleasure“ EP (2011), den düsteren, Post-Punk-inspirierten Tracks von „Clash the Truth“ (2013) und den üppigen Arrangements von „Somersault“ (2017) aufgreift und ihren "Dream-Pop-Instinkt mit jeder weiteren Veröffentlichung schärft" (interview). Inspiriert vom Psych-Pop der frühen Verve- und Spiritualized-Alben sowie von Einflüssen wie The Cure, Wire, den Byrds und Velvet Underground wurde "Bunny" von Payseur selbst produziert und aufgenommen, wobei Lars Stalfors (St. Vincent, Soccer Mommy, Lil Peep) als Mixer fungierte. Payseur merkt an, dass bei der Entstehung dieses Albums mehr Wert auf eine stärkere Ausrichtung auf Popstrukturen gelegt wurde. "Als ich die erste Platte schrieb, gab es keine Refrains, sondern nur instrumentale Gitarrenparts zwischen den Strophen. Dies ist die erste Platte, bei der ich bewusst darüber nachgedacht habe, einen Refrain zu schreiben." Unterstützt wird er dabei von den Bandmitgliedern Tommy Davidson (Gitarre), Jack Doyle Smith (Bass) und Anton Hochheim (Schlagzeug). "Bunny" ist das bisher lebendigste und persönlichste Werk der Band. Die Songs handeln von Depressionen, Liebe, Abenteuern, Verlusten, Fehlern, New York City, Freundschaften, die kommen und gehen - eine Melange aus körnigen Stücken im Prozess der Selbstfindung. Payseurs collageartige Texte kommunizieren durch Ton und Stimmung ebenso wie durch Erzählungen; New Yorker Dichter wie Frank O'Hara, Ted Berrigan und Anne Waldman sind Einflüsse, ebenso wie das Tao Te Ching.

boygenius kehren mit neuer Musik zurück! Die Indie-Supergroup aus Phoebe Bridgers, Julien Baker und Lucy Dacus veröffentlicht am 31.03.2023 ihr neues Album „the record“. Es ist das erste Full-Length-Album des Trios, das mit gefühlvollen Stimmen, intelligenten Texten und zarten Harmonien für Begeisterung sorgt. Seit 2018 war es überwiegend still um das Bandprojekt, nachdem die selbstbetitelte EP es bis auf Platz 24 der US Alternative Charts schaffte und die Top 100 der UK Verkaufs-Charts knackte. Im Frühjahr erscheint „the record“ auf CD und Vinyl.

Ghost lassen ihrem letztjährigen internationalen Chartstürmer Impera wie geplant Phantomime folgen, eine vielfältige und fesselnde Kostprobe der musikalischen DNA der GRAMMY-prämierten Band. Mit Covers von Klassikern von Television, Genesis, The Stranglers, Iron Maiden und Tina Turner zollt Phantomime diesen unwahrscheinlichen Einflüssen Tribut und drückt ihnen allen den unverkennbaren Ghost-Sound auf.

Obwohl Squid ihre modernen Ängste immer noch in elektrisierende Songs verpackt, ist O Monolith eine raffiniertere Erfahrung, die tief in Gedanken versunken ist und dennoch in einer frischen Post-Isolation-Welt schwirrt.

Kreisende Synthesizer-Arpeggios und pendelnde Gitarrenlicks eröffnen den Song "Swing (In A Dream)". Subtil und doch hektisch setzt ein treibender Beat ein und Ollie Judge singt "I worry in my sleep" zu rechtwinkligen Riffs, die sich hin und her drehen. Themen wie Verdrängung und Reibung ziehen sich durch die ganze Platte: Häuslichkeit und Umwelt, die sich aneinander reiben, unsere Beziehung zu Gewalt und die Tatsache, dass wir Zeugen endloser Ströme von Gewalt sind.

In "Devil's Den" pirschen sich die Gitarren verdächtig an eine barocke Kulisse aus Bläsern und Hörnern heran, bis sich theatralische Thrashs einschleichen. Siphon Song" entwickelt sich zu einer sanften, an Jazz angelehnten Vocoder-Ballade, in der sich die faszinierenden Gesangseinlagen verdichten und unter der Schwerkraft zusammenbrechen. Undergrowth" beginnt mit einem Post-Punk-Funk-Groove, bei dem die Gitarren die Bünde hinunterkritzeln und die Reinkarnation und den Animismus im Alltäglichen erforschen, während die Musik alles andere als das ist. Schwere Schritte stampfen in "After The Flash", Judge sinniert "Wie schwer kann es sein, ein normales Leben zu führen?", bevor er in den unendlichen Aufstieg des Tracks stürzt.

Seit der Veröffentlichung von Bright Green Field im Jahr 2021 ist die Welt nicht weniger turbulent geworden. Das Debüt von Squid war ein definitiver Aufschrei in einer hyperpolitischen Ära: Punk im wahrsten Sinne des Wortes, mit einer geistreichen Auflehnung gegen die Gegenwart, die sich in einem rockigen Thrill-Ride entlud und einen wilden Experimentalismus mit abwechslungsreichen Instrumenten und Non-Sequitur-Strukturen hervorbrachte. Es dauerte nicht lange, bis die Band mit der Formulierung ihres Nachfolgers begann. Nur zwei Wochen nach der Veröffentlichung ihres Debüts erschien ihr zweites Album O Monolith, das noch weiter nach links abdriftete.

Mit O Monolith haben Squid wieder einmal einen Volltreffer gelandet, der zwar im Post-Punk verwurzelt ist, aber dennoch etwas völlig Neues bietet.

180g Heavyweight 1LP in gatefold sleeve

Metallica melden sich mit einem Knall zurück!

Die achtfachen GRAMMY-Gewinner veröffentlichen ihr langersehntes 12tes Studioalbum mit dem Titel „72 Seasons“.

Das Album beinhaltet 12 brandneue Songs, produziert von James Hetfield, Lars Ulrich und der Rock-Produzenten-Ikone Greg Fidelman (U2, Slipknot, Johnny Cash, Slayer, Red Hot Chili Peppers, uvm.) Als Vorgeschmack auf das Gesamtwerk dient der bereits veröffentlichte Song „Lux Æterna“. Mit 77 abwechslungsreichen Minuten bietet das Album darüber hinaus jedem Fan die Möglichkeit, sich vollkommen in das Werk fallenzulassen.

Den Titel erklärt James Hetfield wie folgt: „72 seasons. The first 18 years of our lives that form our true or false selves. The concept that we were told ‘who we are’ by our parents. […] Prisoners of childhood or breaking free of those bondages we carry.”



Zusatzinfo:

Zeitgleich mit der Bekanntgabe des Albums und dem Release von „Lux Æterna“ kündigen Metallica auch ihre M72 Welt-Tournee an, die sich über die Jahre 2023 und 2024 erstrecken wird. Im Zuge dessen werden jeweils 2 Shows in Hamburg und München gespielt, jede davon mit einer gänzlich anderen Setlist und Support-Acts.

"Wir präsentieren unser erstes 'Untitled'-Album, um einen Moment zu markieren, in dem wir als Black People (...) um unser Leben kämpfen. RIP George Floyd und all jene, die unter Polizeibrutalität und systemischem Rassismus gelitten haben. Veränderung findet statt... Wir sind fokussiert." - Sault

Gepresst bei Optimal.

Inhalt: Meteora (lp), Live in Texas (2lp), Live in Nottingham (2lp), Meteora (cd), LPU Rarities 2.0 (cd), Live Rarities 2003-2004 (cd), Lost Demos (cd), The Making of Meteora/The Art of Meteora/Work In Progress (dvd), Veteran’s Stadium (2003), Live in Seoul (2003) (dvd), Live in Manila (2004), Live in Denver – Projekt Revolution 2004 (dvd), Book, Poster, Litho, Sticker Sheet, Stencil. Meteora, das bahnbrechende zweite Album von Linkin Park, wurde im März 2003 veröffentlicht und enthält die weltweit erfolgreichen Singles "Somewhere I Belong", "Faint", "Numb", "Breaking The Habit" und "From The Inside". Es hat sich in den USA über 8 Millionen Mal verkauft und wurde in 15 Ländern mit Mehrfach-Platin, Platin oder Gold ausgezeichnet.



Anlässlich des 20-jährigen Jubiläums dieser bahnbrechenden Veröffentlichung wird sie in mehreren Formaten neu aufgelegt: Super Deluxe Edition Box Set, 4 LP Deluxe Vinyl Box, 3-Disc Deluxe CD und digital: alle enthalten eine Fülle von bisher unveröffentlichten oder seltenen Tracks. Unter den unveröffentlichten Tracks befinden sich einige Perlen, die Linkin Park-Fans noch nicht kannten, darunter "Lost" - ein vollständig realisierter Track aus den Aufnahmesessions des Albums von 2002 mit dem umwerfenden Gesang von Chester Bennington. Die 4-LP-Deluxe-Vinyl-Box enthält Meteora sowie LPU Rarities 2.0 und Live Rarities 2003-2004 (die sonst nicht auf Vinyl erhältlich sind).

Rancid - die legendären Punkrocker aus der Bay Area sind zurück mit ihrem 10. Studioalbum Tomorrow Never Comes auf Epitaph Records. Aus den blauen Sümpfen von Berkeley, Kalifornien stammend, sind Rancid nun schon seit über einem Vierteljahrhundert eine lebendige, atmende Punkrockband. 1991, nach dem Ende ihrer geliebten und immer noch einflussreichen ersten Band Operation Ivy, beschlossen die Gründungsmitglieder Tim Armstrong (Gesang, Gitarre) und Matt Freeman (Bass, Gesang), das Unmögliche möglich zu machen - eine noch bessere Band zu gründen. So entstand Rancid. Die Band unterschrieb bei Epitaph Records und veröffentlichte 1993 ihr erstes Album "Rancid". Kurz darauf stieg Lars Frederiksen (Gesang, Gitarre) in die Band ein, und sie brachten unglaubliche Alben heraus, von "Let's Go" (1994) bis zu ihrem mit Platin ausgezeichneten Klassiker "..And Out Come The Wolves." (1995). Schlagzeuger Branden Steineckert stieß 2003 zur Band und zementierte das Line-up, das bis heute rockt. Rancid live zu sehen, ist eine lebensverändernde Erfahrung, und für 2023 ist ständiges touren geplant. Die Band wird im Juni durch Europa touren und bald darauf durch den Rest der Welt. Bei all dem sind Rancid sehr unabhängig geblieben und haben nie ihre Loyalität zur Gemeinschaft oder zueinander verloren. Ihre Musik setzt sich mit politischen und sozialen Themen auseinander, während sie persönliche Geschichten von Liebe, Verlust und Herzschmerz mit Haltung ausbalancieren. Rancid bieten ihren Zuhörern eine Gemeinschaft, in der jeder dazugehören kann. Indem sie die Traditionen und den Geist der ursprünglichen Punkrock-Bands vor ihnen fortführen, sind Rancid zu einer Legende geworden und inspirieren die Punkbands, die nach ihnen gekommen sind. Sie sind die lebende Verkörperung des East Bay Punk. Und wenn du das alles noch nicht weißt – spielst du ihre Musik nicht laut genug!

Tolle Nachpressung von Optimal.
Die unanfechtbare Nummer 1 der HHV Supreme 100 Liste.

»Untitled war diesen Sommer der Schlag aus dem Nichts, die unmittelbare Umwandlung der Wut in Trotz und Stolz, die Black Lives Matter in angemessener Weise würdigte. Im Herbst gehen Sault mit *»Untitled (Rise)«** über dieses Unmittelbare hinaus: Sie zelebrieren Hoffnung und Lebendigkeit, wo alles von Hass zersetzt scheint. Damit schlägt die anonyme Gruppe einen Bogen in die frühen Siebziger, als schwarzes Empowerment zuletzt von einem so universellen und mitreißenden Vibe begleitet wurde. Steffen Kolberg

Nach der Veröffentlichung des von der Kritik hochgelobten Konzertfilms, „Live At Bush Hall“, haben Black Country, New Road heute das entsprechende Live-Album zum Konzert angekündigt, das das Set ihrer drei aufeinanderfolgenden, ausverkauften Shows in der historischen Bush Hall im Dezember 2022 enthält. Anfang 2022 veröffentlichten Black Country, New Road ihr chartsstürmendes neues Album, „Ants From Up There“, das in Deutschland sensationell auf #10 der Albumcharts und in England sogar auf #3 (ihre zweites Top-5Album Veröffentlichung in UK innerhalb von 12 Monaten, nach ihrem für den Mercury Prize nominierten Debüt „For The First Time“), das von Fans und Kritiker:innen gleichermaßen gelobt wurde, zahlreiche 5-Sterne-Rezensionen erhielt und auf Jahresendlisten auf der ganzen Welt auftauchte, einschließlich der Wahl zur Nummer 1 durch Fans auf r/indieheads, Rate Your Music und Nummer 3 durch Pitchfork-Leser:innen. Und das, obwohl das Album nur wenige Tage nach der Bekanntgabe des Ausstiegs von Frontmann Isaac Wood aus der Band veröffentlicht wurde. Nach dem Erfolg von „Ants From Up There“ und mit einem vollen Tourneeplan im Jahr 2023 vor Augen, beschlossen die verbliebenen Mitglieder Lewis Evans, May Kershaw, Georgia Ellery, Luke Mark, Tyler Hyde und Charlie Wayne, die nun zu sechst sind, komplett neues Material zu schreiben und aufzuführen. Sie spielten auf Festivals vor großen Zuschauer:innenzahlen, darunter triumphale Auftritte auf dem Primavera, dem Green Man und dem Fuji Rock, und traten in eine neue musikalische Phase ein, in der sie Songs, die erst wenige Wochen alt waren, weiterentwickelten. Außerdem tourten sie mit Black Midi durch die USA und spielten zwei ausverkaufte Konzerte in New York. Die Band hat sich dafür entschieden, die Idee einer Frontperson komplett aufzugeben und teilt sich stattdessen die Gesangsaufgaben mit Tyler Hyde, die bei einer Reihe von Tracks den Gesang übernimmt, darunter „Up Song“, der die Freundschaft und den Erfolg der Band mit dem Text „Look at what we did together, BC,NR friends forever“ feiert. An anderer Stelle übernimmt May den Gesang bei „The Boy“ und „Turbines/ Pigs“, einem umgehenden Fan-Liebling und einem der verletzlichsten Stücke der Band bis heute. Lewis hingegen singt bei „Across The Pond Friend“ und „The Wrong Trousers“. Mit diesem Schritt hat sich der Sound der Band weiter verändert, so dass weitere Einflüsse und Vielfalt in ihr Songwriting einfließen konnten. Als sich die Songs während des stetigen Tourens weiterentwickelten, beschlossen sie, konventionelle nächste Schritte zu vermeiden. Die Leute, die auf neues Material warten, bekommen acht neue, hervorragende Songs zu hören, aber nicht so, wie sie es vielleicht erwartet hätten. „Wir wollten kein Studioalbum machen.“, sagt BC, NR-Pianistin May Kershaw. „Wir haben die neuen Stücke speziell für Live-Auftritte geschrieben und dachten, es wäre eine gute Idee, eine Performance zu veröffentlichen.“ Das Ergebnis ist eine gefilmte und aufgenommene Live-Performance, bei der Greg Barnes Regie führte und John Parish, ein langjähriger Kollaborateur von PJ Harvey, die Musik abmischte, die an drei Abenden in der Londoner Bush Hall stattfand. „Es geht darum, den Moment einzufangen.“, sagt der Saxophonist und jetzige Teilzeit-Sänger Lewis Evans. „Eine kleine Zeitkapsel dieser acht Monate, in denen wir diese Songs auf Tour gespielt haben.“

Es ist endlich soweit: Nach 250 weltweit ausverkauften Live-Shows, mit über 1 Millionen verkauften Tickets, veröffentlichen Greta Van Fleet ihr drittes Album "Starcatcher".

Die Grammy Gewinner aus Michigan, deren erste beide Alben "Anthem Of The Peaceful Army" und "The Battle At Garden's Gate" jeweils auf #3 der deutschen Albumcharts debütierten, greifen diesmal auch schon beim Albumtitel nach den Sternen. Ein starker Vorbote ist die erste Single "Meeting The Master", die sich von einem zarten Akustik Intro zu einem Rock-Monster entwickelt. Zehn Songs enthält das neue Album, die sich mit der Dualität zwischen Fantasie / Realität und dem Kontrast zwischen Licht und Dunkelheit, befassen.

Das Album wurde von der Band geschrieben und von Grammy-Gewinner Dave Cobb (Chris Stapleton, Brandi Carlile) produziert. Die Aufnahmen fanden in den legendären RCA Studios in Nashville statt.

Elena Tonra ist zwar keine passionierte Schwimmerin, aber der Sound auf dem neuen Daughter Album "Stereo Mind Game" klingt wie ein Ozean, in den man eintauchen möchte. Das dritte Album der britischen Band, gleichzeitig das erste Studioalbum seit sieben Jahren, setzt sich damit auseinander, was es bedeutet, von geliebten Menschen und auch von sich selbst getrennt zu sein - ein komplexes Thema. Daughter, das Trio bestehend aus Elena Tonra, Igor Haefeli und Remi Aguilella - wurde 2010 gegründet. Nach der Veröffentlichung von zwei Studioalben, "If You Leave" (2013) und "Not to Disappear" (2016), und dem Videospiel-Soundtrack Music "From Before the Storm" (2017), beschlossen sie, eine Auszeit voneinander zu nehmen. Kurz zuvor jammten sie allerdings noch gemeinsam in Los Angeles, zwischen einer Support-Tour für The National und ihren ersten Headline-Shows in Südamerika. Hier begann die Arbeit am neuen Album. Danach herrschte erst einmal Stille - als Band und untereinander. In den nächsten Jahren, in denen die Mitglieder an ihren eigenen Projekten arbeiteten, darunter auch Tonras Soloplatte als Ex:Re, trafen sich Daughter gelegentlich zum gemeinsamen Schreiben in Studios in London, Portland und San Diego, wo Haefeli 2019 für sechs Monate lebte. Die zentrale romantische Figur der Platte ist jemand, den Tonra dort kennengelernt hat, als sie aus London zu Besuch kam. Sie teilten eine bedeutende Verbindung, aber sie wusste, dass der Atlantik zwischen ihnen liegt. Daughter begann 2021 konkret mit den Aufnahmen für die zwölf Songs des Albums. Haefeli, der in Bristol lebt, traf sich mit Tonra in den Middle Farm Studios in Devon. Aguilella, der in Portland, Oregon, lebt, nahm seine Schlagzeugparts im Bocce Studio in Vancouver, Washington, auf. Haefeli produzierte eine Reihe der Songs, während Tonra "Junkmail" produzierte. Den Rest haben sie gemeinsam produziert. Die Sehnsucht, physische Entfernungen zu überwinden, ein Gefühl, das sich während der Pandemie noch verstärkt hat, ist in viele dieser Stücke eingeflossen. Auf "Wish I Could Cross the Sea" hören wir Sprachnotizen von Tonras junger Nichte und ihrem Neffen, die in Italien leben. "(Missed Calls)" enthält eine weitere Sprachnotiz, in der ein Freund einen Traum beschreibt. Gefüttert mit einigen modularen Effekten, klingt er geisterhaft eindringlich. Diese Nachrichten, Versuche einer Verbindung von geliebten Menschen, die man nicht sehen kann, "können einen aus dem Brunnen ziehen", sagt Tonra - aber nur, wenn man den Hörer abnimmt. Wenn man andere hereinlässt, kann Schönheit entstehen. Tiefes Gefühl kommt von den Bögen des 12 Ensemble, dem in London ansässigen Streichorchester, das bei vielen Stücken des Albums zu hören ist. Die von Haefeli und Tonra arrangierten und von Josephine Stephenson orchestrierten Stücke wurden, passenderweise, im The Pool aufgenommen, einem Raum in Bermondsey im Süden Londons, der eine ehemalige Badeanstalt war. Ein Blechbläserquartett verleiht auch "Neptune" und "To Rage" eine wohlig klangliche Wärme. Während Daughters frühere Arbeiten ihre Kraft in ihrer entwaffneten und emotionalen Ehrlichkeit fanden, handelt "Stereo Mind Game" von gegensätzlichen Gefühlen. "Es geht darum, nicht in absoluten Kategorien zu arbeiten", sagt Haefeli. Nach mehr als einem Jahrzehnt, in dem sie die dunkelsten Emotionen darstellten, haben Daughter ihr bisher optimistischstes und ein fast schon strahlendes Album aufgenommen.

Erstmals auf Farbvinyl, limitiert auf 500 Kopien, exklusiv bei HHV erhältlich.

Diese Edition kommt in orange, limitiert auf 500 Stück, die es nur bei HHV gibt.
Dieses Jahr geht Tommy Guerrero auf Welttournee und HHV feiert dies zusammen mit ihm durch die Veröffentlichung von vier Alben auf limitiertem Farbvinyl.

Endlich wieder auf Vinyl zu bekommen. HHV und Too Good präsentieren eine auf 1000 Stück limitierte, opaque rote Variante des lange vergriffenen Tommy Guerrero Albums von 2014. Zudem könnt Ihr in der Bonus Ecke unseres Shops das Poster mit dem Artwork abgreifen.

Tommy Guerrero machte zunächst als Skater bei der legendären Bones Brigade der Skateboard Marke Powell Peralta neben Größen wie Tony Hawk, Steve Caballero oder Rodney Mullen in den 80ern auf sich aufmerksam. Nach Ende seiner aktiven Profikarriere als Skater stieg Tommy Guerrero Mitte der 90er ins Musikgeschäft ein. Er wurde Bassist bei Free Beer und Jet Black Crayon, hatte als Solokünstler jedoch mehr Erfolg. Sein Debütalbum wurde 1997 auf Galaxia veröffentlicht und von Kritikern gefeiert. Er veröffentlichte bis zur Auflösung 2004 bei Mo Wax und kollaborierte mit verschiedensten Künstlern wie Lyrics Born, Jack Johnson, Curumin, Bing Ji Ling oder Prefuse 73. Gemeinsam mit dem Beastie Boys-Keyboarder Money Mark und Shawn Lee trat er als Lord Newborn & The Magic Skulls auf Ubiquity in Erscheinung. 2002 stellte er ein Album in der populären "Another Late Night" Serie zusammen. "No Man's Land" ist sein siebtes Album und bietet den nächsten Schritt seiner Entwicklung, Jazz, Blues, Hip Hop, Soul und psychedelische Elemente spannend miteinander zu verknüpfen.

Als 2LP Version Remastered 2016 180g vinyl mit überarbeitetem Artwork und mehr.

Pisse sind zurück. Nach "Mit Schinken durch die Menopause" gibt es Nachschlag in Form einer 2-teiligen Singlereihe. Et voilà: "Kohlrübenwinter" #1 und #2. Warum? Deshalb! Fakten und Informationen: 8 Lieder auf 2 7" Singles aufgeteilt. Aufgenommen 2016 von Duckface im Dong Xuan Center Berlin / Lichtenberg. Besetzung: Schlagzeug / Gitarre / Bass / Theremin / Synth. Songs: Armes Schwein, Vernissage, Schwätzer, Dienstleistungsgesellschaft. Punk.

Es gibt Musik, die bleibt ewig jung. "Californication" von den Red Hot Chili Peppers ist so ein Fall. Würde irgendjemand hier die Stücke daraus wie "Otherside", "Scar Tissue" oder eben den Titeltrack als Oldie bezeichnen? Eben. Und doch feiert das Album in diesem Jahr, man höre und staune, sein 20. Jubiläum. Wie viel Spaß die Chili Peppers im Jahr 2019 immer noch auf der Bühne haben, konnte man jüngst beim weltweiten Livestream des Konzertes von den ägyptischen Pyramiden erleben.

Die Detroiter Post-Punk-Band Protomartyr kündigt heute ihr neues Album "Formal Growth In The Desert" für den 2. Juni bei Domino an und präsentiert die erste Single 'Make Way'.

Protomartyr, bestehend aus dem Sänger Joe Casey, dem Gitarristen Greg Ahee, dem Schlagzeuger Alex Leonard und dem Bassisten Scott Davidson, sind zu einem Synonym für bissige, impressionistische Assemblagen aus Politik und Poesie, Wahrem und Schrägem geworden. Casey beschreibt das zugrundeliegende Thema von "Formal Growth In The Desert" als ein 12-Song-Testament über das "Weitermachen mit dem Leben", selbst wenn es sich unmöglich hart anfühlt. Die stimmungsvolle Lead-Single/Video "Make Way" ist gleichzeitig der Eröffnungstrack von "Formal Growth In The Desert", in dem sich Casey zu Beginn des Albums direkt mit der Tragödie auseinandersetzt: “Welcome to the haunted earth // The living after life // Where we chose to forget // the years of the Hungry Knife.” Das begleitende Video, bei dem Trevor Naud Regie führte, ist eine beeindruckende filmische Meisterleistung. Über das Video sagt Naud: "Es gibt eine bewusste Verbindungslinie zwischen den Videos zu "Make Way" und 2020's "Worm In Heaven". Die beiden Songs fühlen sich zusammengehörig an. Deshalb wollte ich, dass die Videos sich so anfühlen, als würden sie in der gleichen Welt existieren. Es gibt verschiedene Ebenen von Experimenten, die alle in einer geschlossenen Umgebung stattfinden. Wir wissen nicht, was mit der Welt da draußen passiert ist, aber es gibt einen Unterton, dass irgendwas nicht stimmt."