Buback Vinyl, CD & Tape 26 Artikel

Das Meisterwerk von Eißfeldt, Denyo & Mad.

Die legendäre Münchener HipHop-Kultband Main Concept meldet sich zum 30-jährigen Jubiläum zurück. Drei Dekaden, drei Köpfe: MC und Frontmann DavidPe, Beatproducer Glam und DJ Explizit. Anlass genug, das Ganze mit einem neuen Album gebührend zu zelebrieren: Main Concept 3.0. Dabei machen sie ihrem Legendenstatus alle Ehre und liefern, souverän wie immer: lässig pumpende Boombap-Beats voller Seele, virtuose DJAction mit elegant platzierten Cuts und dazu eine lyrische, top aktuelle Gesellschaftsanalyse mit Witz und Verstand verpackt in pointierte Rhyme-Kaskaden. Main Concept in Bestform. Als Featuregäste sind die verehrten und geschätzten Münchner Homies Vier Zu Eins, Boshisan, Waseem sowie aus Bonn das fulminante female Flowtalent Die P am Start. Ein besonderes Schmankerl erwartet alle Fans der Freestyle-Kunst: eine Live-Session mit DavidPe's langjährigeren Cypher-Partnern Samy Deluxe und Roger Rekless. Der Pandemie geschuldet, kommt das Album erst im Frühjahr 2021. Doch um das Jubiläumsjahr nicht tatenlos verstreichen zu lassen, erscheint bereits im Dezember die erste Single mit dem gleichnamigen Titel "3.0".

Endlich wieder als Vinyl erhältlich! Inclusive einer Bonus 12" mit vier Remixe u.a. von DJ Koze a.k.a. Adolf Noise. Alle Tracks Remastered!
Erschienen im August 1998 auf dem britischen Label Cooking Vinyl wagen die Goldenen Zitronen den Schritt den individuellen, improvisierten Ausdruck zugunsten einer gewissen Loophaftigkeit weichen zu lassen, was nicht auf ungeteilte Begeisterung stösst. Auch scheint das Beharren auf der Konkretheit politischer Aussagen manchen der einstigen Pop-und-Politik-Propagandisten übel aufzustossen.
Trotzdem gab es auch begeisterte Stimmen, so schrieb die DeBug damals: "Solider Marxismus für den Dancefloor. Generelles Einverständnis erst mal vorausgesetzt. Angebrochene scharfe Rhythmen, Stakkatobreaks, Verzerrung wo Verzerrung sein muß, und viel Sampler um es so klingen lassen, wie es klingen soll...."
Und weiter: "Schorsch Kamerun versucht sich nach wie vor als der beste deutsche Rapper der Sozialwissenschaften, diesmal aber mit viel Unterstützung (u.a. Chicks On Speed). Irgendwie erinnert mich alles an dieser CD, mehr jedenfalls als an coole moderne Elektronik, an Leute wie Gang Of Four, Honeymoon Killers oder den Kosmonautentraum, an den heißesten Scheiß der Jahrzehntewende 70/80".

Die Stadt niederbrennen, das Land verlassen, in den Untergrund gehen, viel mehr blieb
eigentlich nicht übrig. Wie macht man weiter nach dem völlig plausiblen Größenwahn von
„Pop & Tod I + II“, einer 20-Lieder-Grandezza, dem bis dato größten Wurf von Die
Heiterkeit? Natürlich mit einem noch größeren Wurf. „Was Passiert Ist“ versammelt 11
Lieder über Einsamkeit, Desillusionierung und Orientierungslosigkeit – und begegnet
diesen düsteren Themen mit solch strahlend heller Souveränität und gelassener Größe,
wie sie im deutschen Pop noch nicht zu hören waren.

CAVA mögen Schaumwein, Garage und Punk. Dreckige Gitarrenriffs, viel Feedback und melodische Vocals dürfen dabei nicht fehlen. Doch so rough ihre Musik auch klingen mag - hinter der harten Hülle steckt ein weicher Kern.Das Garage-Duo veröffentlicht im März 2023, knapp zwei Jahre nach seiner Gründung, das Debüt-Album "Damage Control". Wie der Titel schon vermuten lässt, geht es dabei um nichts Geringeres, als sich so unversehrt wie eben möglich durch das Leben und seine alltäglichen Hürden zu schlagen. In den zwölf Songs setzen sich die beiden mit Themen wie der Suche nach Zuneigung, mit Schmerz, Depressionen und dem Leben (und Tod) im Kapitalismus auseinander. Sie verdeutlichen dabei, wie eine Gesellschaft, die unfähig oder nicht bereit ist, außerhalb bestehender Kategorien zu denken, sich auf das eigene Wohlbefinden als auch auf zwischenmenschliche Beziehungen auswirkt. CAVA - und darum machen sie keinen Hehl - träumen von einer besseren Welt.

Derya Yildirim ist so vieles: Begnadete Sängerin, Baglama-Virtuosin, Underground-Star, Botschafterin des reichen musikalischen Erbes in der Türkei, Erneuerin und Bewahrerin dieser Musiktradition und einfach eine verdammt gute Interpretin. Sie hat Groove, sie ist mit der Anadolu-Soul-Band Grup Simsek genauso großartig wie mit dem Kammermusik-Orchester Ensemble Resonanz. Sie bringt den Saal zum Toben, egal ob es die Elbphilharmonie oder ein kleiner Club ist. Gemeinsam mit dem französischen Keyboarder und Produzenten Graham Mushnik hat sie ein Kinderalbum gemacht: Hey Dostum, Çak! übersetzt: "Give me five!" Was für eine tolle Idee! Viele der Lieder kennt die Hamburgerin Derya Yildirim aus ihrer Kindheit: Es sind Wiegenlieder, Volkslieder, die ihr Vater auf der Baglama gespielt, oder die sie im Türkischunterricht gesungen hat, die auf Kassetten ihrer Großeltern zu hören waren, oder die der Baglama Lehrer ihr beigebracht, der sie und andere türkischsprachige Kids im Stadtteilladen in Hamburg-Veddel unterrichtet hat.

Hundeleben, eine kafkaeske Tierfabel, die über menschliches Bewusstsein, gefangen in einem Hund, reflektiert. Eine Fabel, die Herrschaftsstrukturen und Angst spiegelt, musikalisch mit einem tänzelnd schrägen Klavier umfasst, das weder den Boden findet noch euphorisch schweben kann, sondern irgendwo in der Mitte kleben bleibt. Eine Geschichte, die sich erst im zweiten und dritten Umfahren des Gedankenkarussells eröffnet und die vom stetigen Wandel der Perspektive erst lebendig wird."An der Tanke, viertel nach 10, zweimal Kippen und einmal Benzin" - erzählen die ersten Zeilen dieser gemächlichen Ode an die Freiheit. Die Szenerie ist unauffällig, wirkt bescheiden und möchte keinesfalls besonders sein. So sehen es jedenfalls die schönbraunen Augen eines Hundes, dem es im seltenen Rausch der Freiheitslust gelingt, über das Gefängnis seiner Berufung hinaus ein Bewusstsein für die Wunder dieser Welt zu reflektieren. "Und du denkst, dass Hunde keine Träume haben, doch du irrst dich, auch Hunde denken nach!"Und so blicken wir auf den Hund, das Geschöpf, das in seinem irdischen Auftrag beschränkt ist. Und treten wir keinen Schritt zurück, fällt uns gar nicht auf, dass wir uns zum Zeitpunkt der Verurteilung selbst als Hund entlarvten.

Northeast Florida sing-songwriter rickoLus digs deep on a roots trip with his new album, "Bones". In the 20 years since he formed and fronted raucous garage poppers Julius Airwave, rickoLus (AKA Rick Colado) has released nine well-received EPs and full-length records. rickoLus crafts songs that can seem informed by artists as disparate as Sebadoh and early Springsteen; albeit if the Boss recorded his entire body of work in a small shed in his beach-town backyard. DIY to the core, rickoLus produces all of his albums, playing the bulk of the instruments as well. Collaborations with notable peers like Radical Face, Ceschi Ramos, and Bleubird, along with solo U.S. and European tours, have kept the 40-year-old musician constantly on record and perpetually on the road.Now rickoLus is turning that forward momentum to take a look behind, with what might be his most personal album to date. "Bones" chronicles his days of growing up in Jacksonville Beach, Florida - and the myriad relationships with the people, places, and things that shaped him. It's also a homage to a world that doesn't exist anymore and deals with the bitter sweet predicament of getting old," explains rickoLus. Produced by David Barbe (Sugar, Drive-By Truckers) at his Chase Park Transduction studio in Athens, Georgia, over the course of "Bones'" ten tracks, rickoLus excavates his youth: the landscape ("Beach Town," "Dirt Road", "All Night Diner", "Keep Dancing") his family ("Mary Manhattan, "Jasper"), finding his lo-fi muse ("4-Track Love Song") and "Shivering", a somber meditation on addiction and those who didn't survive that same town. "Out Here" wraps up his sonic reverie, celebrating the person he's become. From his signature languid ballads to whip-sharp power pop, "Bones" finds rickoLus at the peak of powers, looking deep into the past while moving straight ahead.

Schorsch Kamerun, PC Nackt, Mense Reents und diverse Gäste haben aus Flow und Ansagen, musikalischem Flirren und beim Worte zu nehmender Intervention ein Klang-Manifest produziert, welches alle Genregrenzen austrickst und dabei magisch gemeinsam aufspielt. Für ein: Schwärmen und Sichwehren / Solidarisieren und Ausprobieren / Aufpassen und Loslassen / Druckmachen, Abfahren und Handhalten / Besiegen von Kriegen / Teilhaben und Zusagen / Reisen und Kreisen / Auf unseren Giften miteinander Driften. Gegen: Das Vergessen. Und alle Machtinteressen. Diktatoren, Zahlen und Uhren. Musik kann Alles! Strategie = Phantasie! Raison, Hamburg und Berlin (2021/22)

Drei Jahre nach "Lenin" senden die Goldenen Zitronen ein neues musikalisches Lebenszeichen. Drei Jahre, in denen sie sich über den Kapitalismus, der sich seit seinem Nervenzusammenbruch immer ungenierter gibt, noch mehr als sonst geärgert haben. Doch statt sich zu verdunkeln, liefern sie einen souveränen, von tütender Elektronik und Drohkulissen durchzogenen Kunstvorfall. "Die Entstehung der Nacht" ist weder Wiederholungen von Kritik, noch stellen sich die Goldenen Zitronen über die Verhältnisse. Lieber lassen sie als Kenner der Konsumgesellschaft ihren Reflexen freien Lauf. Aufgetürmt durch manches Instrument (darunter Gebläseorgel, präpariertes Klavier, Bongos, Flöten, Kontrabass) und maschinelle Druckmittel (häufig analoge Synthesizer statt Schlagzeug) schafft sich "Die Entstehung der Nacht" seine eigenen Verhältnisse zwischen Krautrockanleihen und technoaffiner Aufnahmetechnik. Der Text bleibt dabei selbstredend erstes Instrument. Mit dabei: Michaela Mélian (F.S.K.), Melissa Logan (Chicks on Speed), Jakobus Siebels (JaKönigJa) und Mark Steward.

Das (unter anderem von ihm selbst) langerwartete Soloalbum von Joachim Franz Büchner ist endlich da und das Who-Is-Who der Indieszene hat sich eingefunden, um ihn dabei zu unterstützen.Mit dabei: Philipp Wulf (Messer, Station 17, ehemals Die Heiterkeit), Pola Lia Schulten (Jens Friebe, Zucker, Pola X) und Christian Heerdt (Botschaft, Scharping). Joachim selbst spielt schon seit Jahr und Tag in einer Band.Der Exil-Pinneberger, interdisziplinäre Autodidakt und bunte Hund der Hamburger Musikszene ist ein Teamplayer. Ob bei Bessere Zeiten, Erneuerbare Energien oder dem Bürgermeister der Nacht: Immer findet man ihn Seite an Seite mit anderen starken kreativen Persönlichkeiten. Die Idee zu einem Soloalbum war jedoch schon vor allen anderen Projekten da.Jetzt ist es endlich Wirklichkeit geworden. Und obwohl es ein Soloalbum ist - noch dazu selbst produziert -, handelt es sich auch dieses Mal um eine Teamarbeit. Nur jetzt eben mit Joachim Franz Büchner als Songschreiber und Sänger im Mittelpunkt eines ganzen bunten Zirkus drumherum.Die Zusammensetzung der Joachim Franz Büchner Band ist ebenso vielfältig wie die verschiedenen Einflüsse, die dazu beigetragen haben, dass sein Debüt so klingt, wie es klingt. Da hat sich was aufgestaut: Reggae, Bossa Nova, Classic Rock, Pop, 80ies, Kraut, Crooner-Chansons. Man kann es auch so sagen: DasvAlbum lebt nicht gerade von stilistischer Limitierung.Es ist eine große Sammlung von Gehörtem und Erlebtem, in der sich die eigene Musik mit der eigenen Biografie verbindet und so ihren Ausdruck findet.

Geboren 1970 in Tokio, verbrachte Jonathan Meese seine frühe Kindheit in Japan, und kam mit drei Jahren 1973 gemeinsam mit seiner Mutter zurück nach Deutschland. Als Kind sprach er nur japanisch und englisch. 1995-1998 Studium an der HfbK in Hamburg, 1998 Durchbruch als bildender Künstler auf der Berlin Biennale. In seinen Gemälden, Performances und Aktionen thematisiert Meese immer wieder die Rolle Deutschlands und deutsche Mythen. Eine ursprünglich beauftragte Meese-Inszenierung des Parsifal 2016 in Bayreuth wurde 2014 wegen angeblicher Unfinanzierbarkeit gekündigt. Der Münchener Techno- und House-Produzent Hell ist seit zwei Jahrzehnten ein Bewunderer Meeses. Als Hell vor zwei Jahren bei Jonathan Meese anfragte, ob dieser das Cover für Hells neues, kürzlich erschienenes Album House Music Box gestalten wolle, sagte dieser sofort zu. Die Wertschätzung entpuppte sich als gegenseitig. Man verabredete eine experimentelle Studiosession, um auszuloten, ob die polarisierenden Sprachperformances von Jonathan Meese in Verbindung mit Musik von Hell eine eigene Qualität entwickeln würden. 2019 nahmen Hell und Meese zum ersten Mal gemeinsam auf. Meese steuerte Textideen auf Papier bei, Hell hatte Instrumentals vorbereitet, die sowohl Hells stilistische Interessen, als auch Meeses musikalische Vorbilder - von DAF über Sisters of Mercy bis hin zu Kraftwerk - berücksichtigten. Hell: Mir wurde in vielen gemeinsamen Gesprächen klar, wie musikaffin er eigentlich ist und wie viel unterschiedliche Musik er kennt. Und vor allem: Wie sehr die Musik ihm auch in seiner Kunst als Inspirationsquelle dient.ë Die Sessions - insgesamt drei, davon zwei gemeinsam mit Meeses 91-jähriger Mutter Brigitte - fanden im Trixx-Studio am Berliner Moritzplatz statt. Meese assoziierte Freestyle über Beats und Loops von Hell. Hell: Ich bewundere Jonathan Meese nicht zuletzt als performativen Künstler - und gerade auch seinen stimmlichen Vortrag. Im Studio sang, sprach oder flüsterte er dann seine improvisierten Texte über die Tracks, die ich vorbereitet hatte.

Die Sauna - so schön wie jetzt war es noch nie. So schön wie jetzt war es noch nie? Diesen Albumtitel kann man nur als Affront auffassen. Die Welt geht gerade den Bach runter und hier kommt ein Spruch, abgeschmackter als jene altbekannte Bierwerbung, in der an einem "schönen Tag" die Welt stehen bleibt. Kaum einer der Generation, die mit Die Sauna zur Sprache kommt, dürfte sich noch an diese Werbebilder erinnern, in denen Altbier trinkende, selbstverliebte Yuppies noch als Rollenmodell dienen konnten. Die vernetzte Welt wartet indes mit überkomplexen Problemen auf und der Anforderungskatalog der Leistungsgesellschaft fordert seinen Tribut: Noch mehr Selbstverwirklichung, noch intensiveres Erleben, noch mehr unvergleichliche Momente. Der Glücksimperativ hängt einem regelrecht zum Halse raus. Das Album verhält sich zu seinem Titel wie das Individuum zum Zwang der Selbstrealisierung: Distanziert, zweifelnd. Nicht Weltpolitik wird hier verhandelt, sondern wie sich Leistungs- und Spaßgesellschaft im Privaten anfühlt. Wo ist noch das Glück? Was bleibt nach dem Exzess und was soll das vergebliche Klammern an Glücksmomente, die vergänglicher kaum sein könnten? Die Sauna sind die Band, die man am wenigsten erwartet hat. Wo im bayrischen Oberland eben noch die real existierende Folklore herrschte, spielt eine Gruppe junger Männer unerbittlich gegen den Bierkampf und alle Klischees, die einem durch den Kopf gehen mögen, an. Schafften es die sechs Freigeister mit ihrer Anfang 2017 erschienenen EP âÇÜELEKTRA' bereits ins Vorprogramm einiger großer deutschsprachiger Musikformationen (Wanda, Tocotronic), wird nun mit dem kommendem Debütalbum konsequent auf die weltweiten Charts und Stadien gezielt.

Stella Sommer (Die Heiterkeit) und Max Gruber (Drangsal) sind Die Mausis. Mit ihren Akustikgitarren sind sie
ausgezogen, die Welt ein kleines bisschen grauer zu gestalten. Im Gepäck haben sie ihre erste EP "Die
Mausis". Die 10’’ erscheint bei Buback Tonträger und enthält vier Lieder aus dem erweiterten Themenbereich
Maus: "Was kann ein Mausi dafür?", "Die Farbe Grau", "Mausis mögen keine Katzen" und "Everything Turns
Grey". Beim letztgenannten Song handelt es sich um eine Coverversion von Agent Orange. Wer glaubt, das
Ganze sei ein Witz, täuscht sich. "Die Mausis EP" wurde an einem Tag von Max Rieger (Die Nerven, All diese
Gewalt) aufgenommen, gemischt und gemastert. Stella Sommer und Max Gruber singen und spielen Gitarre.
Dabei präsentieren sie wunderschöne, mit einfachsten Mitteln arrangierte Lieder mit hohem
Identifikationspotenzial für die dunkelsten Stunden des Lebens.

Es gibt wahrscheinlich einfachere Bereiche, um Sexismus und fehlende geschlechtliche und sexuelle Diversität zu diskutieren, als die deutsche Hip Hop Szene. Sookee tut es trotzdem—und das nicht erst seit gestern. Seit 2003 ist die Berlinerin als Rapperin unterwegs und spricht über linke Politik und Queerfeminismus, statt sich in festgefahrenen Rollenbildern und kapitalistischen Statussymbolen zu suhlen. Patriarchalische Strukturen gibt es zwar überall, im Rap werden sie nur eben besonders deutlich. Mit ihrem neuen Album „Mortem & Makeup“ möchte sie jetzt bewusst auch Leute außerhalb der linken Filterbubble ansprechen. Rein in die Köpfe derer, die sich sonst eher weniger Gedanken um soziale Ungerechtigkeit machen. Die erreichen, die bisher nicht zuhören wollten.

Die grundlegende Message ist dieselbe geblieben. Sookee ist nach wie vor lieber unbequem als oberflächlich. Nicht nur als Aktivistin für feministische Bündnisse wie #ausnahmslos, sondern eben auch als Vertreterin einer Szene, in deren heteronormative Übermaskulinität Frauen oft genug auf „drei Löcher“ reduziert werden. Inhaltlich ist sie auf „Mortem & Makeup“ aber breiter gefächert als je zuvor und nähert sich den angesprochenen Problemen aus unterschiedlichen Perspektiven. Bewusst weniger durchexerzierte Thementracks mit politischem Auftrag. Nahbar, menschlich, „weniger Soziologievortrag“ sagt sie selbst.

Wir haben wirklich Glück mit Schnipo Schranke. Dass in einer Zeit, in der alles Gestörte, Neurotische entweder zu riesigen Funmonstern aufgeblasen oder unter den Teppich gekehrt wird, plötzlich diese beiden Songwriterinnen um die Ecke
gekommen sind. Als vor anderthalb Jahren das Debüt von Daniela Reis und Fritzi
Ernst alias Schnipo Schranke herauskam, war man irgendwie irritiert bis
begeistert: Dass diese beiden jungen Frauen so derbe Sachen zu so
entzückenden Melodien singen. Sie haben nicht locker gelassen und weiter
getextet und komponiert, immer weiter: Auch um klar zu machen, dass die
wirklich derben Sachen nichts mit "Pimmel" oder "Pisse" singen zu tun haben. Sondern mit Liebe, Tod, Vergangenheit, zum Beispiel. Sie können sich die Augen und die Ohren reiben: Wie schaffen die das wohl? Daniela Reis und Fritzi Ernst, haben im ersten Jahr ihrer Starwerdung so viel um die Ohren gehabt: Ihr Debütalbum haben sie in die Welt getragen, ständig
Konzerte gespielt, Termine, Termine. Und währenddessen haben sie noch ein
solches zweites Album produziert.
"Stars hängen an der Wand / Ich hänge in den Seilen" heißt es in dem Song
"Stars". Das zweite Album hätte auch "Sick" heißen können, denn Schnipo
Schranke sind voll gestört und darin sehr ehrlich. Sie hängen oft in den Seilen,
sind aber total fleißig (sie würden sagen: streberhaft). Und diese Mischung ist
selten, um nicht zu sagen: Rare. Außerdem kann rare noch blutig heißen und
indifferent, dünn, blau, halbgar, rar, kaum und nicht zuletzt eigentümlich.
Sie haben sich das DIY-Konzept nicht ausreden lassen. Keine Streicher, keine
Gastmusiker, die ihre tollen Melodien umspielen. Wieder hat Ted Gaier (Die
Goldenen Zitronen) das Album produziert, diesmal sind die drei nach Reichenow
gefahren, in die ehemalige Scheune einer LPG des kommunistischen
Deutschlands. "Wir wussten, was wir anders und besser machen wollten", sagt
Daniela Reis. Ausgefuchster ist es geworden, rhythmisch und soundmäßig
interessanter, düsterer, wilder.
"Singer/Songwriter" im deutschen Kontext, da denken wir alle an Männer mit
Bart und Hut, die Stadien füllen, in dem sie sentimental von Heimat oder Früher
singen. Aber Früher und Heimat sind nicht sentimental und Liebe ist nicht dieses
Schmusegefühl. Heimat sind auch die Schatten der Vergangenheit und Liebe ist
auch einsam auf dem Baum sitzen und warten, bis du endlich mal lüftest.
Fassungslos dem Tod ins Gesicht schauen. Von all dem handeln die Songs von
Schnipo Schranke. Dass man durch Pipi, Sperma und Eiter reiten muss, es geht
um's Sich-Aushalten-Müssen, ums Eingeliefertwerden, um Dope, auf Tour sein,
down sein, eine von den Geilen sein und dabei ist "Rare" auch immer wieder
schrecklich lustig. Allzeit likebereit, das höchste der Gefuhle. Danke Schnipo.
Autor: Christoph Twickel

Gegründet 1980 in München, spielt die Band noch immer in Original-Besetzung: Justin Hoffman, Thomas Meinecke, Michaela Melián und Wilfried Petzi. Seit 1990 gibt es als fünftes festes Mitglied den Schlagzeuger Carl Oesterhelt. Von Anfang an verstand sich die Band in der Tradition von Art School Bands: nicht Virtuosität, sondern Haltung spielt die zentrale Rolle. F.S.K. machen Musik über Musik, was sowohl ihre eigenen Stücke als auch zahlreiche Cover-Versionen betrifft, die besonders seit dem häufigen Auftreten und Aufnehmen in U.K. (für John Peel) und U.S.A. (mit David Lowery) in den 1980ern und 1990ern ins Programm genommen wurden. Das neue Studio Album, Topsy-turvy, greift in mancherlei Hinsicht auf Arbeitsweisen aus vergangenen Band-Perioden zurück. So gibt es, wie auf den ersten Alben, Streicher- und Bläser-Overdubs, die mitunter ins spätromantisch Orchestrale lappen, aber auch improvisatorischer Natur sind (Cello, vierhändiges Klavier, Trompete). Die acht Stücke wurden in dem von der befreundeten Band The Notwist zur Verfügung gestellten Alien Research Center in Live Takes produziert und von Mario Thaler gemischt.

Klang ihre erste EP Piccolo Family noch wie ein Schrei der Ermächtigung, so haben Bipolar Feminin sich seither durch ihre mitreißenden Live-Gigs eine leidenschaftliche Anhänger*innenschaft erspielt, sind tatsächlich zu einer Art Macht geworden. "Wir spüren jetzt eine andere Form von Verantwortung", sagt die Band, "Durch die veränderte Reichweite ist es für uns wichtiger geworden, uns intensiver mit der Musik und dem Texten auseinanderzusetzen. Die Arbeit ist bewusster und reflektierter geworden. Ein immer fortlaufender Prozess." Um dabei nicht im eigenen Saft zu braten, haben Frontfrau Leni Ulrich, Jakob Brejcha (Gitarre), Samuel Reisenbichler (Schlagzeug) und Max Ulrich (Bass) sich mit Produzent Fazo666fazo (u.a. Baits, Deathdeathdeath) zusammengetan. Ein fragiles System enthält zehn hochgradig mitsingbare Konfrontationen mit der Bipolarität von Wut und Liebe.