Bureau B Downbeat | Electronica | Leftfield 68 Artikel

Limitiert auf 100 Stück.

Dumbo Tracks kehrt zurück mit seinem zweiten Album Move With Intention. Seit dem selbstbetitelten Debütalbum in 2022 ist viel passiert; Philipp Janzen hat groß eingeladen ins Kölner Dumbo-Studio. Dabei entstand eine Sammlung von neun freidrehenden, wandernden Kraut-Dance Grooves, die von Vocals von Portable, Ada, Marker Starling, Rubee Fegan und nothhingspecial begleitet werden.
In Abgrenzung zur ersten Platte - und in Anlehnung an seine eigene musikalische Sozialisation - bewegt Philipp Janzen sich auf diesem Album mehr Richtung Live-Band. Geblieben ist der kollaborative Leitgedanke von Dumbo Tracks, neu dazu kommen eine verstärkte Bereitschaft zur Eklektik und Experimentierfreiheit.
Ursprung des Albums war eine gemeinsame Italien-Reise: In mehreren Synthesizer-Jams skizzierten Philipp & KoProduzent Julian Stelter die Ideen, die zur Grundlage des Albums werden sollten. Zurück in Köln lud Philipp Freund:innen ins Studio ein, um die Tracks in Live-Dynamik weiter zu entwickeln. Für die finale Phase des Albums kamen schließlich Smile-Frontfrau Rubee Fegan, der kanadische Singer-Songwriter Marker Starling, der HouseRomantiker Portable, die Bonner Haunted-Pop-Künstlerin nothhingspecial und die Hamburger Techno-Visionärin
Ada hinzu.
Rubee Fegans lakonisch-anekdotische Beobachtungen begleiten vier der Songs. „Sip on the wave of her“, singt sie im ersten Track immer wieder, und lädt uns ein ins Album. So einen Gesangsstil hat Philipp schon lange gesucht und bei Rubee endlich gefunden. Der langjährige Mitstreiter Christopher Cummings (alias Marker Starling) leiht seinen Tenor "Slow Despair", einem beschwingten Workout von Drum-Machine und Orgel. Track drei - „What If“ mischt alles einmal auf, wenn oszillierende Acid-Basslines in Manchester-Warehouse-Attitüde sich mit verträumten Gitarrenriffs und poppigem Gesang rangeln. Wenig später nimmt uns Sängerin und Produzentin nothhingspecial mit in einen Teppich aus Herzschmerz und Erwartung. Im Titeltrack verlangsamt sich das Tempo und es entsteht eine melasseartige Traumlandschaft, ein schleifender
Groove, mitgezogen vom Gesang des in Paris lebenden Künstler Portable. Inmitten von gefilterten Hi-Hats und Widescreen-Sequenzern ist Portables gefühlvolle Stimme das Geleit für diesen Aufruf zur Achtsamkeit. „Mica“ fährt dann auf Kosmische Landpartie mit Synthesizer, Drumcomputer, Flöten und Adas Gesang. Auf „A Naked Star“ spannt Rubee ein sphärisches Voiceover, unter dem Orgeln in rollende Drums und Dub-Reverb übergehen. Das Album schließt mit "My Eyes Won't Close“; nothingspecial nimmt uns mit auf einen modularen Abstieg in die Verzweiflung.
Das alles ergibt ein herrlich eklektisches Album, eine anarchische Pop-Platte, die ihren eigenen Regeln folgt. Move With Intention ist sowohl elektronisch als auch lebendig, motorisch und pastoral, gefüllt mit Dancefloor-Grooves und Krautrock-Swaggern. In diesem Sinne ist die Absicht klar: das Regelwerk respektvoll zu zerreißen und sich weiterzuentwickeln.

Christoph Dallach, Andreas Dorau und Daniel Jahn stellen mit Echo Neuklang eine Compilation vor, die der Frage auf den Grund geht, wie der Krautrock nachgewachsene Musikergenerationen geprägt hat. Der durchaus umstrittene Begrifft steht für eine letztlich ungreifbare Musik, deren einzige verbindende Gemeinsamkeit eine Geisteshaltung, eine Suche nach dem Neuen ist. Diese Zusammenstellung beginnt 1981 und reicht bis ins Jahr 2023. Die darauf versammelte Musik demonstriert, wie die Idee von dem, was in den 1970er Jahren als Krautrock beschrieben wurde, in den Folgejahrzehnten von verschiedenen Künstler:innen mit unterschiedlichsten Ansätzen neu und divers verhandelt wurde und ohne sich irgendwelchen Genre-Formalien zu unterwerfen.

Limitiert auf 150 Exemplare. Gelbe Doppel-LP-Edition.

'Destiny Waiving' schließt eine gemeinsame Trilogie ab, die 2011 mit 'Underrated Silence' begann und 2013 mit 'Tomorrow Is Another Day' fortgesetzt wurde (zu dieser Zeit wurde Schnauss auch ein Vollzeitmitglied von Engineers). Die ersten Sessions begannen Anfang 2017 in Ulrichs Heimstudio im Osten Londons, und die Endabmischung wurde dort Ende 2020 abgeschlossen. Trotz der langwierigen Konzeption wurden die meisten Tracks im Laufe des Jahres 2017 fertiggestellt, teilweise beeinflusst durch Improvisationssets in London, Dublin und der St James' Church in Birmingham (als Teil des Seventh Wave Electronica Festivals).

Erhältlich als LP/CD/Digital sowie als limitierte Edition mit einer Bonus-Disc mit alternativen Versionen mit zusätzlichen Live-Schlagzeugen des Von Spar-Schlagzeugers Jan-Phillip Janzen.

Achtung: Wir haben auch die gelbe Tour-Edition im Angebot!
Ganz am Anfang, um das Jahr 2012, war die Berliner Combo Camera als Krautrock-Guerilla unterwegs.
Lange wurde sie vor allem als Spielgefährte von Bands wie NEU! oder La Düsseldorf wahrgenommen. Doch
das Krautrock-Etikett, so nett und eingängig es auch gewesen sein mag, hat ausgedient. Mittlerweile ist klar,
dass die Band ihren ganz eigenen Weg gesucht und gefunden hat. Nichts macht das deutlicher als
"Emotional Detox", das bereits vierte Album von Camera. Während die Vorgänger noch in Trio- bzw. Duo-Formation entstanden sind, arbeiteten sich auf "Emotional Detox" fünf Musiker zu: Steffen Kahles, Michael Drummer, Michel Collet, Andreas Miranda und Timm Brockmann. Einzige Konstante in allen vier Bandphasen ist Michael Drummer, seines Zeichens tatsächlich Schlagzeuger. Nach dem maschinell anmutenden Debüt "Radiate!" (2012) und "Remember I Was Carbon Dioxide", der Verbeugung vor William Burroughs in 2014, war bei "Phantom Of Liberty" (2016) eine verspielte C64-Atmosphäre zu spüren. "Emotional Detox" wiederum ist von einer übersprudelnden Experimentierfreude geprägt. Die Band hat einen selbstbewussten Schritt in
Richtung Pop getan, ohne die Verbindung zu dem verzweigten Wurzelgeflecht im Camera-Fundament zu
kappen.

"Oui Bitte", das elfte Studioalbum von Station 17, wurde in intensiver Arbeit und nicht selten bis spät in die norddeutsche Nacht auf dem Forellenhof in Nordhastedt produziert. Mit müden Augen saß das Musikerkollektiv so für gewöhnlich zu vorgerückter Stunde beisammen und hörte die Takes durch, die das Tagwerk hervorgebracht hatte. Ist der zwingende Rhythmus als Königsdisziplin der 1989 gegründeten Band in ihrem Werk immer schon angelegt, ergab sich spätestens beim housigen "Hausmann" kollektiv der Wunsch: hier muss ein Remix her! Der Wunsch wuchs und legte sich über das gesamte Album ... Remixalben haben dabei in der über 30 Jahre währenden Geschichte des Kollektivs bereits Tradition: 2001 erschien beim legendären Label Mute Records, das nicht nur Depeche Mode zu Ruhm verholfen hatte, das Album "Mikroprofessor" mit Remixen von etwa DJ Koze, Thomas Fehlmann, Justus Köhncke oder To Rococo Rot. Im Jahr 2011 folgten die "Goldstein Variationen Remixes", darunter Versionen von Erobique, Tobias Thomas, aber auch von Ada und Mense Reents, die uns auch hier wiederbegegnen. Zaghaft fing die Band also an, ihre Lieblingsproduzent/innen anzufragen, die ohne Umschweife komplett zusagten. So stand schon bald ein hochkarätiges Remixalbum mit dem Who-is-Who der hiesigen Landschaft elektronischer Musik im Raum. Und auch, wenn die Grundlagen der Stücke wiedererkennbar sind, ist hier ein gänzlich neues Hörerlebnis entstanden, das durch die Versiertheit der Beteiligten und ihre Expertise zu einem eigenständigen Werk gewachsen ist, das sich auch losgelöst vom Ausgangsmaterial genießen lässt. Wie von Zauberhand entsteht ein zugleich stringenter und abwechslungsreicher Vibe, der "Oui Mixe" zu mehr macht als nur eine Ergänzung zu "Oui Bitte".

Jimi Tenor war schon immer so etwas wie ein Renaissance man. Bereits als er seine Heimat Finnland zu Beginn der 1990er Jahre verließ, um zunächst nach New York zu gehen und später quer durch Europa zu ziehen, entdeckte er schnell das, was er als sein Ikigai bezeichnet, seine große Freude im Leben: Musik in DIY-Manier aufzunehmen und zuhause mit einfachen Mitteln zu produzieren, spontan und intuitiv. Daran hat Tenor über die inzwischen mehr als 30 Jahre seiner musikalischen Karriere hinweg stets festgehalten, ganz egal ob auf Solopfaden seiner frühen elektronischen Alben in den 90er Jahren oder später in den unterschiedlichsten Besetzungen und Kollaboration (u.a. Tony Allen, Kabu Kabu oder Abdissa Assefa). "Multiversum" ist nun sein drittes Album beim Hamburger Label Bureau B. Die Zusammenarbeit zwischen Jimi Tenor und Bureau B begann mit der Veröffentlichung der Werkschau "NY, Hel, Barca" im Jahr 2020 und setzte sich im Frühjahr 2021 mit Herausgabe der Raritäten-Sammlung "Deep Sound Learning" fort. Während Tenor in den vergangenen 20 Jahren vor allem Jazz und Afrobeat Platten aufnahm, kehrte er auf der Bühne weiterhin oft zu seinen minimalistischen Wurzeln zurück. Begeistert von dieser Space Musik, die Jimi Tenor nur mit Synthesizer, Flöte und Saxophon ausgestattet während seiner Solo Auftritte erschafft, lud Bureau B ihn ein, endlich auch eine Platte mit diesem einfachen, aber erstaunlich wirkungsvollen Setup aufzunehmen. Nur wenige Monate später schickte Tenor eine beachtliche Sammlung neuer Stücke an Bureau B; allesamt in kurzer Zeit in seinem Heimstudio in Helsinki entstanden. Unter dem Titel "Multiversum" erscheinen diese Tracks nun als Album und beweisen einmal mehr Jimi Tenors Vielseitigkeit. Basierend auf Drum-Machine-Beats und Synthesizer-Loops, nimmt Tenor den Hörer mit hinaus in eine offene, schier unendliche Weite, in die man sich nur fallenzulassen braucht. Dabei ergeht er sich nie in Standards - Jimi Tenor ist ein Meister des Unvorhersehbaren und macht nun auf zwölf neuen Stücken Intuition und Spielfreude hörbar. "Multiversum" ist eine Liebeserklärung an den DIY-Geist, irgendwo zwischen Bedroom Jazz und Deviant Techno. Parallel zum neuen Album erscheint das Buch "Omniverse" als eine der ersten Veröffentlichungen in der neuen Kollaboration zwischen Bureau B/Tapete Records mit dem Mainzer Buchverlag Ventil. Ein beeindruckendes Künstlerportrait in Form von Fotos und Geschichten, die sich quer durch Jimi Tenors Musikkarriere und Lebensstationen ziehen.

Das zehnjährige Bandjubiläum vor Augen, veröffentlichen Camera im Februar 2021 mit „Prosthuman“ ihr fünftes Studioalbum. Passend zu einer Gegenwart, in der sich Realitäten plötzlich tagtäglich wandeln, wird auch die Berliner Combo um Schlagzeuger Michael Drummer nicht müde, sich zu verändern – personell wie musikalisch. „Neue Methoden verändern die Erfahrung, und neue Erfahrungen verändern den Menschen“ – dem Prinzip von Karlheinz Stockhausen folgend, überraschen Camera auf „Prosthuman“ erneut mit einer weiter gefassten Idee ihrer selbst, ohne dabei die über eine Dekade aufgebaute eigene Note zu verlieren. Dabei verwundert es kaum, dass Camera in manchen Plattenläden bereits ihr eigenes Fach neben Krautrock-Pionieren wie NEU!, Can oder La Düsseldorf belegen. War das Vorgänger-Album „Emotional Detox“ hörbar geprägt vom Aufeinandertreffen gleich zwei virtuoser Tasteninstrumentalisten (Steffen Kahles und dem Camera-Gründungsmitglied Timm Brockmann), musste für „Prosthuman“ Ersatz für beide gefunden werden. „Ein schwieriger Prozess“, wie Michael Drummer betont, zählte er die Keyboarder doch – zu jeweils unterschiedlichen Schaffensphasen – zum Rückgrat des ansonsten fluktuierenden Bandgefüges. Ein entscheidender Input kam schließlich von unerwarteter Seite: Tim Schroeder, der Camera seit einer gemeinsamen, sechswöchigen Tournee durch die USA im Jahr 2017 als Performance- und Videokünstler unterstützt, etablierte sich während zahlreicher Jams und Aufnahmesessions gewinnbringend an den Synthesizern. An der Gitarre vervollständigt wurde die Dreierformation durch den ebenso brillanten, wie experimentierfreudigen Musiker und Komponisten Alex Kozmidi, wobei auch Michael Drummer an manchen Stellen selbst Gitarrenriffs beisteuerte. Dass Veränderung und Reibung zwei nützliche Freunde der Kreativität sind, daran hat sich Drummer als einziges ständiges Mitglied von Camera gewöhnt. Auch mit den Freuden und Ärgernissen der Isolation – zu Pandemiezeiten plötzlich ein Massenphänomen – kennt sich der Quasi-Frontmann der Band aus, verbringt er doch seit Jahren – mal allein, mal mit den jeweiligen Mitmusikern – viel Zeit im bandeigenen Studio, das im Keller eines ehemaligen Fabrikgeländes im nicht ganz so hippen Süden von Berlin einquartiert ist. Das mitten im Aufnahmeprozess, der sich von Juni 2019 bis Juni 2020 erstreckte, aufkommende, virusbedingte Isolations-Gebot stellte insofern keine allzu große Herausforderung dar. Viel Engagement, viel Enthusiasmus und – offensichtlich – sehr viel Zeit seien dennoch notwendig gewesen, sagt Drummer, um das musikalische Raster für „Prosthuman“ zu finden. Das beeindruckt insofern, als dass einem dieses zehn Stücke umfassende Album in vielen Teilen – trotz verändertem instrumentalen Fokus – wie eine konsequent weitergesponnene Fortsetzungsgeschichte erscheint. Die Platte wirkt nicht wie ein Anfang, nicht wie ein Ende – eher wie ein Mittendrin, das keines der Vorgängeralben direkt referenziert, aber das zu jeder Zeit an die mit „Radiate!“ (2012), „Remember I Was Carbone Dioxide“ (2014), „Phantom Of Liberty“ (2016) und „Emotional Detox“ (2018) zurück gelegte Strecke erinnert. Das weithin als Konstante agnoszierte Schlagzeugspiel von Michael Drummer erweist sich dabei in fortschreitendem Maß als das entscheidende und verbindende Element. Egal, ob er seine Schläge mit präzis ausgespielter Aggression platziert wie im umstandslos voran galoppierenden Eröffnungstrack „Kartoffelstampf“ oder mit beschwingter Lässigkeit in den versöhnlichsten Stücken der Platte „Freundschaft“ und „Chords4 / Kurz Vor“. Julian Cope verglich die in den 1960ern und 1970ern losgetretene Krautrock-Bewegung einmal sehr treffend mit „Dr. Whos Zeitmaschine. Man geht durch ein enges Portal und kommt dann in einen gigantischen, dynamischen Raum.“ Camera haben das in der deutschen Musikgeschichte lange als verschüttet gegoltene Portal zu Beginn der 2010er für sich entdeckt und es, ohne zu fragen, ob sie das dürfen, forsch durchschritten. Wegen ihrer DIY-Konzerte in U-Bahn-Schächten und auf Straßenkreuzungen, damals noch mit Camera–Gründungsmitglied und Gitarrist Franz Bargmann, der heute mit Timm Brockmann das Ambient-Duo Brockmann // Bargmann betreibt und fester Bestandteil der Live-Band von Michael Rother (neu!, Harmonia) ist, erhielten sie von Außenstehenden die Bezeichnung „Krautrock-Guerilla“. Fünf Alben später ist es offensichtlich, dass jedweder Epigonen-Stempel für das Projekt Camera zu kurz greift, zu vereinnahmend bewegt sich Michael Drummers Kollektiv innerhalb des „gigantischen, dynamischen Raums“, wobei besagtes Portal mittlerweile weit aufgestoßen scheint und länderübergreifend immer neue Wellen an Krautrock-Inspirierten hereintreten. Hat man erst einmal den Eingang gefunden, ist ja auch genug Platz da – für alle und alles.

"Auf dem schwarzen Kanal" ist eine der herausstechendsten und gesuchtesten Veröffentlichungen in Conrad Schnitzlers umfangreichem Katalog. 1980 als einzige von Schnitzlers Platten bei einem Majorlabel veröffentlicht, war diese Maxi und insbesondere das Titelstück ein Flirt mit dem zeitgleich aufkommenden experimentellen New Wave und klang dennoch so eigenwillig wie keine andere Musik zu jener Zeit.Die zusammen mit Wolfgang Seidel entstandenen und in Peter Baumanns Berliner Paragon Studio aufgenommen vier Tracks sind ein bissiger, dissonante Mutant Disco Trip, der bis heute nichts von seiner Faszination eingebüßt hat. Bureau B freut sich dieses lange vergriffene Werk endlich wieder verfügbar zu machen!

Limitiert auf 159Stück. Nur bei HHV,

TLTs viertes Soloalbum "Jumping Dead Leafs" ist eine sinnliche Illusion geheimnisvoller Kräfte… 38 Minuten purer Exorzismus, romantisch-dionysische Sexyness, angeheizt aus mechanischen Beschwörungsformeln, gemischt mitvspektralen Stimmen vergessener imaginärer Menschenstämme, „Divina Commedia“ Poesie einer Physikerinv(„Incomprehensible Image”) und weiteren mystischen Atemzügen… fordernde Musik… für Körper und Seele ...vEin Meister der Irritation, der sein Talent bis hin zu Album-, Tracktiteln und weiteren Komponenten offenbart (wervwürde schon „Milk in Water“ gießen?). Repetitive, minimalistische Musik kann manche Seele nervös machen, doch es scheint besser zu sein, im Falle von „Jumping Dead Leafs“ primitive Musik ins Gespräch zu bringen - trotz eines gewaltfreien Anarchismus... Aber das sind alles nur aussichtslose Versuche, TLT einer stilistischen Regionoder Familie zuzuordnen. Auch die Last des Erbes der klassischen europäischen Musik, die in der Popmusik mündete, scheint seinen wilden Verstand nicht zu beeinträchtigen. Obwohl es nicht verwunderlich wäre, die süßen Spuren eines J.S. Bach in deutscher elektronischer Musik zu spüren, gibt es bei TLT die klare Aussage, nicht ins sirupartige Gefängnis der Tradition hinabzusteigen. D.W. ist ein Zauberer ... einer, der empirisch gelernt hat, die verschleierte Sprache der Trance zu sprechen… jahrelang war er auf Tournee und experimentierte mit allen Arten von Publikum und Veranstaltungsorten - von Clubs bis zu Museen, von der Mongolei bis nach Brasilien, von seinen Auftritten mit seinen Bands Kreidler oder Toresch bis hin zu Soloshows, unterstützt von einem begrenzten Setup, das er ebenso bei seinen Aufnahmen verwendet: eine MPC, rudimentäre Synthesizer, wenige Effekte und ein Mixer. Kein Toningenieur steht ihm bei, denn nur D.W. kennt jene intime geheime Sprache, die nur er zu äußern weiß. Ohne Vorwarnung wirken die Zauberkräfte seines jüngsten Albums… von den ersten Sekunden bis zur letzten Epiphanie von „Sales Pitch“ …. Roher Dub-Zauber, der sich auch dem HipHop zuwendet und eine deutliche Distanzierung von seinen früheren Industrial-Inspirationen markiert...
Ferner nutzt TLT sein Wissen über Techno, der Psychedelic („Inverted Sea“), des UK-Bass („Jumping Dead Leafs“) und wischt es ungeniert gegen den Strich. Wir alle neigen dazu, Sklaven zu sein, ohne uns dessen
bewusst zu sein. Aber es sollte ein Gleichgewicht zwischen sklavischem Sein und selbstbewusster Existenz
bestehen. TLTs musikalische Antworten darauf sind irritierend, denn sie propagieren in einer Welt des SchwarzWeiß-Denkens und der politischen Korrektheit den kühnen Aufruf, die Balance des Sklavischen und Individuellen neu zu vermessen … in der Musik gibt es schließlich keine Moral ... sein jüngstes Werk enthüllt nichts anderes, als eine unerklärlich befreiende, unmittelbare Erfahrung. Musik, die sich in der Vergangenheit umschaut und zugleich weit in der Zukunft schwebt... Von seiner intuitiven Aufnahmetechnik, die sich hauptsächlich auf die Kunst des „One-Take“ stützt, seiner Verehrung des Fehlers und dem in sich drehenden Kern der repetitiven Musik: „Jumping Dead Leafs" atmet all dies aus und bleibt stets pure Gegenwart.

Lapre war das gemeinsame Projekt von Rudolf Langer (ehemals Tyndal) und Peter Preuß, die sich 1983 in West-Berlin zusammenschlossen, um ihre Klangexperimente - Langer am Synthesizer, Preuß an der Gitarre - in nächtlichen Proberaumsessions auf Tonband zu bannen. Neben einer einzigen Single und einigen, in Kleinstauflagen herausgebrachten Kassetten, gab es zur aktiven Zeit von Lapre keine weiteren Tonträgerveröffentlichung. Erst 2018 erschien auf Bureau B mit "Auferstehung" eine Werkschau, die Material aus den Jahren 1983 und 1984 versammelte und erstmalig einer breiten Hörerschaft zugänglich machte. Mit "Banzai" folgt nun die zweite Lapre-Kollektion, auf der sich Aufnahmen aus dem Schaffenszeitraum zwischen 1985 und 1987 wiederfinden. War diese Musik zum Zeitpunkt ihrer Entstehung kaum mehr als ein Geheimtipp, der über die Grenzen der Berliner Untergrundszene hinaus nur wenig Aufmerksamkeit erlangen konnte, freuen wir uns umso mehr, diese Stücke nach über 30 Jahren endlich wieder verfügbar zu machen.

Prog-Rock goes Pop: Der umstrittene Major-Release aus dem Jahr 1980, neu aufgelegt.
Nach "Rhizosphere", "Chronolyse" und "Iceland" war "East West" das vierte Soloalbum des französischen
Electro-Space-Rockers Richard Pinhas. Es kam 1980 beim Major CBS auf den Markt, was dem Musiker
zeitgeisttypisch eine Menge Kommerzvorwürfe einbrachte. Der jedoch sah darin vielmehr die Möglichkeit,
seine Kreativität freier umsetzen zu können. "Signing to CBS was a blessing. It gave me the tools for better
production", so Pinhas. Und weiter: "I don’t see any virtue in remaining underground. You try to do what’s best
for the music at each moment in your life. Always. The best for the music." Verglichen mit anderen
Pinhas-Werken klingt "East West" noch stärker von der Elektronik der Berliner Schule (Tangerine Dream,
Klaus Schulze, Michael Hoenig) dominiert und dadurch etwas glatter und einfacher, gewissermaßen
poppiger. Auch Elemente von Kraftwerk und Brian Eno lassen sich nicht verhehlen. Das Album wird von zwei
Teilen des Stücks "Houston 69" eingerahmt. Dabei gingen ihm Bandkollegen von Heldon - Didier Batard,
François Auger, Patrick Gauthier - zur Hand. Die Vocoderstimme steuerte der SF-Autor Norman Spinrad bei,
von dessen Roman "The Iron Dream" sich Heldon einst den Namen borgte.

Reissue von 1978: Durch Klaus Schulze und King Crimson beeinflusstes zweites Album des Electro-Space-Rockers.
Die LP "Chronolyse" kam zwar 1978 und nach "Rhizosphere" auf den Markt, doch eigentlich ist sie Richard
Pinhas' erstes Soloalbum, da die Aufnahmen schon 1976 entstanden. Zu dieser Zeit war Pinhas stark von Frank Herberts Roman "Dune" beeindruckt, was zum Beispiel Songtitel wie "Duncan Idaho" erklärt. Es handelt sich hier um den Namen einer der Romanfiguren. Musikalisch ist "Chronolyse" streng zweigeteilt. Die erste rein elektronische und hörbar von Klaus Schulze inspirierte Hälfte, eine Reihe skizzenhafter Stücke mit repetitiven Sequenzer-Mustern, wurde von Pinhas live im Studio auf zwei Moog-Synthesizern improvisiert. Die zweite rockigere Hälfte, ein knapp 30 Minuten langes Stück mit dem Titel "Paul Atreides", ist ein ausgedehnter Prog-Jam, in dem Pinhas seine Synthesizer-Experimente um Gitarre, Mellotron, Bass und Schlagzeug ergänzt. Hier zeigt sich deutlich der Einfluss von King Crimson im Allgemeinen und Robert Fripp
im Besonderen.

Der Elektronikproduzent Carl Matthews stammt aus dem britischen Cumbria. Dort lebte er zu Beginn der
Achtzigerjahre in einem kleinen Haus mit großem Gerätepark und bastelte relativ isoliert von irgendwelchen
Szenen an seinen Synth-Sounds. Beeinflusst von deutschem Krautrock (Harmonia, Cluster, Neu!), DIY Kassettenkünstlern und insbesondere der Berliner Schule à la Tangerine Dream und Konsorten nahm er 1984 in seinem synthgepflasterten Heimstudio das ambientartige Elektronikalbum "Call For World Saviours" auf. Es erschien bei Mirage, einem Musikmagazin angeschlossenen Kassettenlabel in Bristol. Hier hatte Matthews zuvor schon die beiden Werke "East/West" (1982) und "Iridescence" (1983) herausgebracht. Inspiration für seine Aufnahmen fand Matthews in "New Jerusalem" von Tim Blake. Dass zu jener Zeit im Vereinigten Königreich ein poptechnisch völlig anderer Wind wehte, kümmerte den Musiker überhaupt nicht: "I was totally alone in doing this, as no one was interested in my musical taste at that time", so Matthews.
Kein Wunder, dass er von Zeitgenossen als "Edgar Froese of Cumbria" bezeichnet wurde.

Berliner Schule der zweiten Generation: Vielseitige Kompilation eines
ungewöhnlichen Duos.
1983 schlossen sich der Elektronikmusiker Rudolf Langer, der soeben das Duo Tyndall verlassen hatte, und
der Gitarrist Peter Preuß zu Lapre (= LAnger + PREuß) zusammen. In unzähligen Sessions erarbeiteten die
beiden zahlreiche Stücke, die sie auf den Tapes "Tedan" (1983) und "Flokati" (1984) in Auflagen von je 50
Stück vervielfältigen ließen, um sie bei Konzerten zu verkaufen. 1984 schickte Lapre die Maxi "Oeso"
hinterher. Die Kompilation "Auferstehung" versammelt die besten Tracks dieser drei Veröffentlichungen; sie
sind somit alle erstmals auf CD erhältlich. "Auferstehung" präsentiert extrem vielseitige Sounds, die von
repetitiven Sequenzer-Patterns über verspielt-fröhlichen Synthiepop bis hin zu atmosphärischen,
hypnotischen Mollflächen reichen. Obwohl auf jedem Stück Gitarre gespielt wird, kann man Lapre der Berliner
Schule zuzurechnen - sowohl was die eingesetzten Synthesizer angeht als auch musikalisch steht das Duo
hörbar in der Tradition von Tangerine Dream und Klaus Schulze. Rückblickend lässt sich festhalten: Mit ihrem
Mix aus analogen Synthesizern, Akustikgitarre und Drum Computer hatten Lapre zu Beginn der Achtziger
eine Nische in der elektronischen Musik gefunden, die vorher noch nicht gefüllt war.

Es ist fast ein wenig gespenstisch, was sich auf "It's Always Rock'n'Roll" abspielt. Zwar hat Richard Pinhas
nichts von seiner charakteristischen Angriffslust eingebüßt, und auch die aus den ersten beiden Heldon-
Alben bekannte sägende Gitarre ist neben den vertrauten Sphärenklängen seiner Synthesizer nach wie vor
vorhanden. Doch dazu pulsiert durch dieses Doppelalbum eine düstere Energie, eine fröstelige Aura, die
selbst den ruhigsten Stücken eine Art bebende Anspannung verleiht. "Zu diesem Zeitpunkt wollte ich aus
Heldon eine düstere Band machen", gesteht Pinhas. "Wobei düster für mich nichts Negatives bedeutet." Es
geht ihm auch gar nicht um die Düsternis an sich, sondern darum, das Verborgene zu erforschen und
Althergebrachtes zu hinterfragen, unter die glitzernde Oberfläche zu tauchen, um dort Geheimnisvolleres zu
entdecken. Was "It's Always Rock'n'Roll" vielleicht aus dem Repertoire von Heldon heraushebt, ist seine
Ausdehnung, sowohl was die Größe der Ideen als auch die Länge der Stücke angeht. Die meisten Tracks
sind jedenfalls über sieben Minuten lang, zwei Werke nehmen sogar eine ganze Plattenseite in Beschlag.

Auf ihrem vierten, erstmals 1976 veröffentlichten und gewohnt bewusstseinserweiternden Album loten
Richard Pinhas und seine wechselnden Mitmusiker das hypnotisierende Heldon-Klanguniversum weiter aus.
"Agneta Nilsson" beginnt mit einem Track, der eindrücklich beweist, dass Stillstand auch einen Puls besitzen
kann. "Perspective I" fräst sich zehn Minuten lang durch tektonische Klangschichten und erreicht dadurch
eine solche Intensität, dass der Song wie Treibsand auf das Gehirn wirkt. Es ist sicher eines der
beängstigendsten Werke von Heldon, wobei seine Schlichtheit es noch beeindruckender macht. Es besteht
allein aus zusammengeworfenen, verstärkten Klängen. Es sind die wesentlichen Elemente von Pinhas'
Zauberkraft, die hier mit maximalem Druck dargeboten werden. Wie gewohnt weichen die nachfolgenden
Tracks auch auf "Agneta Nilsson" stark von dieser Eröffnung ab. Die Stücke verweigern sich beinahe
rebellisch jeder Nachahmung - trotz der Tatsache, dass vier der fünf Tracks ebenfalls "Perspective" betitelt
sind, und dass sie Kapitel eines thematischen Ganzen sind.

Der Multiinstrumentalist Ivan Coaquette war um 1970 während eines Italien-Aufenthalts zum experimentellen
Künstlerkollektiv Musica Elettronica Viva gestoßen, deren erklärtes Ziel es war, Musik von jeglichen
Konventionen zu befreien. Zurück in Frankreich spielte er in verschiedenen Progrock-Bands wie Spacecraft
und Delired Cameleon Family. Seine Frau Anannka Raghel lernte bereits mit vier Jahren Klavier und wurde in
Musiktheorie unterrichtet. Später spielte sie bei Spacecraft, Pandemonium, Zed und Chantal Grimm mit. Zu
Beginn der 1980er-Jahre veröffentlichte das Musikerpaar unter dem Namen Fondation drei liebevoll
gestaltete Audio-Kassetten mit elektronischer Musik. Dass es keine LPs wurden, hatte sicher auch finanzielle
Gründe, doch die beiden begründeten die Wahl des Mediums auch mit der längeren Abspieldauer: alle drei
Tapes währten rund 60 Minuten. Fondation konzipierten und gestalteten darauf Klangcollagen, die von
Synthesizer, Orgel, Drumcomputer und Gitarre zusammengehalten wurden. Ihre Abrundung fanden die
repetitiven, meditativ-hypnotischen Stücke zwischen Ambient und Synth-Rock durch Geräuschsamples, Field
Recordings, diverse Perkussionsinstrumente und klagegesangsartige Beiträge. "Les Cassettes 1980-1983"
versammelt eine Auswahl der hörenswertesten Stücke.

Dieter Moebius (1944-2015), Teil des legendären Duos Cluster und Pate des Elektro-Krautrocks, war ein
Avantgardist der deutschen elektronischen Musik. Tim Story und Jon Leidecker sind zwei amerikanische
Elektronikmusiker, die unterschiedlicher kaum sein könnten: Story ist bekannt für seine warmen
Soundscapes, Leidecker hat sich unter dem Pseudonym Wobbly vor allem mit experimentellen
Klangforschungen einen Namen gemacht. Außerdem ist er Mitglied des Musik- und Kunstkollektivs
Negativland. Im September 2012 quartierten sich die Drei in den Bergen Montanas in Brett Allens
fantastischem Aufnahmestudio Snowghost ein, das hoch über dem Whitefish Lake inmitten der Rocky
Mountains thront. Dort verschmolzen die Tage ineinander und hatten weder Anfang noch Ende. Aus
Improvisationen entstand Musik, die erst im Moment des Klangs zu dem wurde, was sie war. Nach sieben
Tagen hatten die Musiker eine Festplatte voll mit Material gefüllt, aus dem später die Alben "Snowghost
Pieces" - das 2014 bei Bureau B veröffentlicht wurde - und "Familiar" entstehen sollten. Auf "Familiar"
scheinen explizite Anspielungen auf die Schönheit der umgebenden Natur nur schwer zu finden zu sein - das
Album enthält etliche der ruhelosesten und abstraktesten musikalischen Arbeiten des ganzen Aufenthalts.