Bureau B Indierock | Alternative 64 Artikel

Exklusive Farbe, nur bei HHV.

Ja, Panik sind zurück! Während das letzte, experimentellforschende und in viele Richtungen mäandernde Pop-Album "Die Gruppe Ja, Panik" (2021) ihr überraschendes Comeback nach siebenjähriger Kreativpause markierte, ist "Don"t play with the rich kids" nun so etwas wie ihre Rückkehr als Rock- Band. Als die Gang aus dem Burgenland, die sich spätestens seit "The Angst And The Money" (2009) in unser aller Herzen gespielt hat. Wir sehen Stefan Pabst, Sebastian Janata, Laura Landergott und Andreas Spechtl auf dem Cover-Foto sanft umhüllt von einem Tuch am Strand von Nirgendwo. Es hält die Band nach innen zusammen und weist gleichzeitig eine klare Grenze nach außen: Wir sind hier, und Du bist da! Und es scheint nahezu unmöglich, in diesen inner circle hineinzukommen. Eleganter lässt sich das weltweit grassierende Klassismus-Problem wohl kaum darstellen. wohl auch irgendwann einmal mit auf den Weg gegeben. Während Ja, Panik früher das System immer wieder von innen heraus zerstören wollten, mit sehr viel Glam und lustvoll vorgetragener Autoaggression, haben sie ihre Marke noch einmal gründlich relaunched, um es im Werbe-Sprech der 90er-Jahre zu formulieren. Ihr Nihilismus made in Austria als Grundgefühl ist immer noch wichtiger Markenkern, aber er wird nun wesentlich reflektierter vorgetragen. Und das inzwischen ganz selbstverständliche Mitverhandeln der eigenen Privilegien scheint die Band in ihren neuen Songs regelrecht zu beflügeln. Denn diese Rich Kids sind schließlich auch sie selbst. Davon lässt sich selbstbewusst erzählen. Wobei das natürlich unbedingt im globalen Maßstab zu sehen ist. Wir alle wissen, was eine vierköpfige, linkspolitische Indie-Rock-Band zwischen Berlin und Wien mit ihrer Musik so verdient. Und auch wenn laut Spechtl nach wie vor "1.000 Kämpfe in seinem Körper kämpfen", von denen er nach eigener Feststellung keinen einzigen je gewinnen kann, scheint ihm seine neue Rolle als Zen-Rocker und selbsternannter Kung-Fu-Fighter umgeben von seinen alten Bandkolleg:innen in ausgezeichneter Form sehr gut zu tun. Tja, viele Menschen in ihrem Alter besitzen inzwischen ein Haus in Brandenburg oder eine Eigentumswohnung in Berlin, aber wer kann sich schon Mitglied der Gruppe Ja, Panik nennen? Kulturelles Kapital, von dem viele Menschen nicht mal zu träumen wagen.

Christoph Dallach, Andreas Dorau und Daniel Jahn stellen mit Echo Neuklang eine Compilation vor, die der Frage auf den Grund geht, wie der Krautrock nachgewachsene Musikergenerationen geprägt hat. Der durchaus umstrittene Begrifft steht für eine letztlich ungreifbare Musik, deren einzige verbindende Gemeinsamkeit eine Geisteshaltung, eine Suche nach dem Neuen ist. Diese Zusammenstellung beginnt 1981 und reicht bis ins Jahr 2023. Die darauf versammelte Musik demonstriert, wie die Idee von dem, was in den 1970er Jahren als Krautrock beschrieben wurde, in den Folgejahrzehnten von verschiedenen Künstler:innen mit unterschiedlichsten Ansätzen neu und divers verhandelt wurde und ohne sich irgendwelchen Genre-Formalien zu unterwerfen.

There's something perversely fabulous about the thought of this warped masterwork wandering into 60,000 unsuspecting British homes in 1973. Faust's second-and-a-half album hit the shops to celebrate their signing to the nascent Virgin Records, who were looking to take advantage of the zeitgeist for German music at that time. Undeterred by the fact the band's unwillingness to engage with the commercial landscape had seen them dropped from Polydor, Branson and co cooked up a suitably spectacular marketing strategy, selling the LP for 49p, the bargain price of a single. Shoppers flocked in their thousands to grab a copy, raced home and then spent the next forty five minutes checking their tracking, banging the speakers and blowing the needle, all to no avail. Do not adjust your set - This is Faust.

Auf 400 Stück limitierte Edition, die auf weißem Vinyl, mit Bonus 12", alternativem Artwork und Inner Sleeve kommt.

In einem Jahr des Mondes produziert Kreidler das Album Spells AND Daubs. In einem Jahr des Mondes, und in einem Jahr mit 13 Monden, und das sind bekanntermaßen nicht die gemütlichsten Jahre.

Kreidler hatte sich im September 2020 in Düsseldorf getroffen. In den Räumen des Kabawil Theaters, für erstes Zusammenspielen, für erste Aufnahmen – das hat schon eine gewisse Tradition. Flankiert von einem einsamen Auftritt in der (ehemaligen) Philipshalle. In einem Jahr, das einem auf einen selbst zurückwarf. Über den Winter arbeitete die Band getrennt in Berlin und Düsseldorf, sie siebten das Material, arrangierten Stücke, fügten Texturen und Konturen hinzu, und trafen sich erneut im Frühjahr 2021 für weitere Aufnahmen in Hilden im Uhrwerk Orange Studio – auch das in gewisser Tradition. Aus fünfzehn Titeln filterten sie zehn heraus. Und hielten ein Album in den Händen. Und – und das ist neu – trugen dieses nach London, zu Peter Walsh, damit dieser die Stücke mische.

Diese Edition ist limitiert auf 150 Stück und nur bei HHV erhältlich.

Neuzeitliche Bodenbeläge ist das Projekt der beiden Musiker Niklas Wandt und Joshua Gottmanns. Nach Veröffentlichung der Single „Ich verliebe mich nie“ (2018) und der EP „Leben“ (2019) beim Düsseldorfer Label Themes For Great Cities legt das Berliner Duo mit „Der große Preis“ nun sein lang erwartetes Albumdebüt vor. Der zu 7 Tracks destillierte, unverkennbare NB-Sound zwischen samtigen Synthpop und kristallinem Digidub, mit seinen Basslinien wie Würfel aus Glas und Snares wie Peitschenhiebe erfüllt genau das, was der Albumtitel verspricht. Adventure time, wilde Romanze und Kleinkriminalität – all das wartet hier auf Dich.

Aufgenommen im Frühjahr 2019, ebenso wie die Vorgänger-EP außersaisonal in einem Hotel am Bodensee, geführt vom bandeigenen Energiecoach Ali Europa. Zwischen eingemottetem Frühstücksbuffet und dunklem Holz, bei strahlender Wintersonne und in verlassener Nacht lassen Wandt und Gottmanns ihre Rauchschwaden aufsteigen.

Wie schon das Projekt selbst im Berliner Kneipenunteruntergrund ins Leben gerufen wurde, so zieht es die beiden Protagonisten bei dieser Produktion immer wieder in die widersprüchlichsten Lokalitäten des örtlichen Nachtlebens. Beim täglichen Besuch des lokalen Wasserlochs, die Playlist "Keine Probleme“, Teile 1 bis 5 aus der Musikbox dröhnend und an den Multifunktionsspielgeräten am Kopfende mit den halbanonymen Spielern in das Rattern und Flackern der Zahlen und Früchte versinkend, wurden nicht nur blanke Euros verzockt, es sickerte auch jenes Konzentrat durch aus dem jene neuen Stücke erwachsen sollten. Diese Mischung aus dunkelbraunem Kunstlederpolster und grauer BRD, Dekor und Synthetik, Gemütlichkeit und Bahnhofsgegend, schwerem Kopf und Aufregung.

Die Magie vollzieht sich letztendlich in der umfunktionierten Studiosuite; ein Haufen analoger Synthesizer und Rhythmusmaschinen, ein Studer-Pult, ein Rechner, die Gesangskabine in der Dusche. Die Arbeitszeiten unregelmäßig, gegensätzliche Tagesroutinen führen mitunter zu stärkeren Reibungen und teils separierten Arbeitsprozessen. Umso erhebender die Momente, wenn auf Höhe des Widerspruchs eins zum anderen kommt und wie von alleine geschieht. Champagnerkorken, Averna und arabischer Mokka.

Die Veredlung findet dann ein ereignisreiches Jahr später in 1070 Wien statt: Februar 2020, in Sam Irls Heimstudio und dem International Major Label Studio direkt um die Ecke entsteht das Stück „Gelb's Groove“ aus dem rauchschwangeren Nichts. Overdubs, Raffination und Gesänge werden aufgezeichnet. Das Produkt in Form gebracht. Mit Daniel Meuzard am raumschiffartigen EMS-Synthesizer entsteht anschließend Titel- und Eröffnungstrack „Der große Preis“, dessen aufgeladener Text bereits eine Zeit lang umherschwirrt. Als sich dann einen Monat später der Kulturbetrieb einmottet haben Neuzeitliche Bodenbeläge ein Debütalbum in ihrem Koffer wie ein großes Versprechen. Klänge wie der Duft von einstmals und jung wie heute, Erzählungen langer Nächte und die Hitze am Vormittag, auf dem Marktplatz und lederbezogenen Autositzen, alles in allem frisch wie übermorgen und jeder Szene längst entwachsen. Alles pulsiert, ein jedes atmet, die Expansion der Gegenwart.

Achtung: Wir haben auch die gelbe Tour-Edition im Angebot!
Ganz am Anfang, um das Jahr 2012, war die Berliner Combo Camera als Krautrock-Guerilla unterwegs.
Lange wurde sie vor allem als Spielgefährte von Bands wie NEU! oder La Düsseldorf wahrgenommen. Doch
das Krautrock-Etikett, so nett und eingängig es auch gewesen sein mag, hat ausgedient. Mittlerweile ist klar,
dass die Band ihren ganz eigenen Weg gesucht und gefunden hat. Nichts macht das deutlicher als
"Emotional Detox", das bereits vierte Album von Camera. Während die Vorgänger noch in Trio- bzw. Duo-Formation entstanden sind, arbeiteten sich auf "Emotional Detox" fünf Musiker zu: Steffen Kahles, Michael Drummer, Michel Collet, Andreas Miranda und Timm Brockmann. Einzige Konstante in allen vier Bandphasen ist Michael Drummer, seines Zeichens tatsächlich Schlagzeuger. Nach dem maschinell anmutenden Debüt "Radiate!" (2012) und "Remember I Was Carbon Dioxide", der Verbeugung vor William Burroughs in 2014, war bei "Phantom Of Liberty" (2016) eine verspielte C64-Atmosphäre zu spüren. "Emotional Detox" wiederum ist von einer übersprudelnden Experimentierfreude geprägt. Die Band hat einen selbstbewussten Schritt in
Richtung Pop getan, ohne die Verbindung zu dem verzweigten Wurzelgeflecht im Camera-Fundament zu
kappen.

"Oui Bitte", das elfte Studioalbum von Station 17, wurde in intensiver Arbeit und nicht selten bis spät in die norddeutsche Nacht auf dem Forellenhof in Nordhastedt produziert. Mit müden Augen saß das Musikerkollektiv so für gewöhnlich zu vorgerückter Stunde beisammen und hörte die Takes durch, die das Tagwerk hervorgebracht hatte. Ist der zwingende Rhythmus als Königsdisziplin der 1989 gegründeten Band in ihrem Werk immer schon angelegt, ergab sich spätestens beim housigen "Hausmann" kollektiv der Wunsch: hier muss ein Remix her! Der Wunsch wuchs und legte sich über das gesamte Album ... Remixalben haben dabei in der über 30 Jahre währenden Geschichte des Kollektivs bereits Tradition: 2001 erschien beim legendären Label Mute Records, das nicht nur Depeche Mode zu Ruhm verholfen hatte, das Album "Mikroprofessor" mit Remixen von etwa DJ Koze, Thomas Fehlmann, Justus Köhncke oder To Rococo Rot. Im Jahr 2011 folgten die "Goldstein Variationen Remixes", darunter Versionen von Erobique, Tobias Thomas, aber auch von Ada und Mense Reents, die uns auch hier wiederbegegnen. Zaghaft fing die Band also an, ihre Lieblingsproduzent/innen anzufragen, die ohne Umschweife komplett zusagten. So stand schon bald ein hochkarätiges Remixalbum mit dem Who-is-Who der hiesigen Landschaft elektronischer Musik im Raum. Und auch, wenn die Grundlagen der Stücke wiedererkennbar sind, ist hier ein gänzlich neues Hörerlebnis entstanden, das durch die Versiertheit der Beteiligten und ihre Expertise zu einem eigenständigen Werk gewachsen ist, das sich auch losgelöst vom Ausgangsmaterial genießen lässt. Wie von Zauberhand entsteht ein zugleich stringenter und abwechslungsreicher Vibe, der "Oui Mixe" zu mehr macht als nur eine Ergänzung zu "Oui Bitte".

Im Schatten von Neo-Kraut und Diskurs-Pop wuchs in den letzten 10 Jahren im Unterholz deutscher Klangtopographien fast unbemerkt ein sonderbares Myzel aus dem Boden. Aus diesem unterirdischen Geflecht treten eine Handvoll Projekte mit so geheimnisvollen und poetischen Namen wie Brannten Schnüre, Baldruin, Kirschstein, Freundliche Kreisel und Balint Brösel hervor. Die Compilation "Gespensterland" archiviert und anthologisiert erstmalig ihre magischen Arbeiten, die an der Grenze zwischen Folklore, experimenteller Elektronik und (Alb-)Traum operieren und besitzt als Zeitdokument schon jetzt das Potential, die Strahlkraft von Kultsamplern wie etwa Pordenones "The Great Complotto" zu entwickeln

Seit mittlerweile 8 Jahren bewegt sich Sebastian Lee Philipp mit seinem Projekt Die Wilde Jagd im Spannungsfeld zwischen kontemporärer elektronischer Musik und Avant-Pop. So entstanden zwischen 2015 und 2020 drei Studioalben als Dokumente von Philipps schier ungebrochener musikalischer Schaffenskraft. Zuletzt erschien 2022 mit "Atem" eine Kompositionsarbeit für das niederländische Roadburn Festival, die nochmal eine weitere, experimentellere Seite des Projektes dokumentierte. Auf dem neuen, mit Spannung erwartetem vierten Album werden all diese facettenreichen Welten auf beeindruckende Weise zusammengeführt.

Der Komponist und Konzeptkünstler Conrad Schnitzler (1937-2011) war eine der bedeutendsten Figuren der elektronischen Avantgarde in Deutschland. 1967/68 gründete der Joseph-Beuys-Schüler das Zodiak Free Arts Lab, das zu einem Tummelplatz der Berliner Subkultur avancierte. Neben zahlreichen Soloveröffentlichungen war der umtriebige Schnitzler Teil diverser Formationen, darunter Tangerine Dream und Kluster. Eine weitere seiner musikalischen Stationen ist das vorliegende "Consequenz II", hervorgegangen aus der Zusammenarbeit mit Wolfgang Seidel alias Wolf Sequenza. Auf dem Folgeprojekt von "Consequenz", einer low-budget-Produktion mit dem Ansatz, die Musik im Beuys'schen Sinne aus ihren elitären Zirkeln zu befreien, kehrten die beiden mit elektronischen Apparaturen zurück, die den Sound zwar professionalisierten, aber keineswegs zu einem Mangel an humoristischer Experimentierfreude führten.

Der Komponist und Konzeptkünstler Conrad Schnitzler (1937-2011) war eine der bedeutendsten Figuren der elektronischen Avantgarde in Deutschland. 1967/68 gründete der Joseph-Beuys-Schüler das Zodiak Free Arts Lab, das zu einem Tummelplatz der Berliner Subkultur avancierte. Neben vielen weiteren musikalischen Stationen war der umtriebige Schnitzler Mitglied bei den Kraut-Elektronik-Formationen Tangerine Dream und Kluster. Zahlreiche Soloalben runden sein umfangreiches Oeuvre ab. So auch "Con 84", sein wohl durchkomponiertestes Werk, auf dem er die Traditionen der E-Musik herausfordert. Ergebnis ist ein komplexes elektronisches Soundgebilde, das im subversiven Flirt mit dem Traditionalismus einen Bruch mit dem bisher Dagewesenen von Schnitzler markiert.

In einem Jahr des Mondes produziert Kreidler das Album Spells AND Daubs. In einem Jahr des Mondes, und in einem Jahr mit 13 Monden, und das sind bekanntermaßen nicht die gemütlichsten Jahre.

Kreidler hatte sich im September 2020 in Düsseldorf getroffen. In den Räumen des Kabawil Theaters, für erstes Zusammenspielen, für erste Aufnahmen – das hat schon eine gewisse Tradition. Flankiert von einem einsamen Auftritt in der (ehemaligen) Philipshalle. In einem Jahr, das einem auf einen selbst zurückwarf. Über den Winter arbeitete die Band getrennt in Berlin und Düsseldorf, sie siebten das Material, arrangierten Stücke, fügten Texturen und Konturen hinzu, und trafen sich erneut im Frühjahr 2021 für weitere Aufnahmen in Hilden im Uhrwerk Orange Studio – auch das in gewisser Tradition. Aus fünfzehn Titeln filterten sie zehn heraus. Und hielten ein Album in den Händen. Und – und das ist neu – trugen dieses nach London, zu Peter Walsh, damit dieser die Stücke mische.

Wir freuen uns eine ganz besondere Veröffentlichung ankündigen zu dürfen. Mit "Kisoque Of Arrows 2" hat Detlef Weinrich aka Tolouse Low Trax für Bureau B seine erste Compilation zusammenstellt. Ganz im Geiste der legendären Sampler von Les Disques Du Crépuscule oder Made To Measure ist ein Journal entstanden, das nicht nur ungewöhnliche Musikstücke zwischen raren, ungedeckten Perlen aus dem experimentellen Untergrund der frühen 1980er Jahre bis hin zu zeitgenössischen, unveröffentlichten Aufnahmen zu einem hybriden Ganzen verbindet, sondern vor allem eine sensible Collage von Cut Ups aus Beobachtungen, Erinnerungen und der nie endenden Suche nach einer nicht erklärbaren Schönheit ist. Die 11 Tracks bilden eine Sammlung eigenartiger Pop-Fusionen, zwischen Umwegen und Beiläufigkeit, zwischen der Abenteuerlust einer Nacht und der Sehnsuchtsschwere schwüler Nachmittagshitze, uneben und fragil, die sowohl eine Art Standortbestimmung von Tolouse Low Trax als Künstler und Kurator ist als auch den Geist vieler Nächte aus dem Düsseldorfer Salon des Amateurs atmet.

Die Gruppe Ja, Panik bringt ein neues Album heraus, es heißt „Die Gruppe Ja, Panik“, wie sie selbst, und da fragen die ersten natürlich gleich: Wann? Wieso? Wie bitte? Warum jetzt? Das ist alles in Ordnung und wird zu klären sein, aber wäre die viel bessere Frage nicht: Woher?

Denn darin hat es ja seit jeher Streitigkeiten unter den Weisen gegeben, also was die kulturelle Biologie betrifft, die besagt, wo die Musik wohl ihren Ursprung hat. Im Kopf, behaupten manche. Im Bauch, glauben die nächsten. Andere meinen: in den Geschlechtsteilen. Es geht bunt durcheinander.

Nichts davon trifft auf „Die Gruppe Ja, Panik“ zu. Und wenn es nicht schon wieder so furchtbar akademisch klänge, was eigentlich nicht sein muss, dann würde man jetzt mit Sprungfederschuhen zur These aufhüpfen: Dieses Album handelt sogar davon, dass die Musik (und die gesamte Kunst, meinetwegen) nur wirklich ganz selten aus einer simplen, punkt- oder organförmigen Verortung herausblubbert. Sondern aus dem Wechsel zwischen den Welten, dem Übergang von einem erkenntnispraktischen Aggregatszustand zum anderen. Dem Glitsch zwischen den gegeneinanderkantenden Dimensionen, der ab und zu Geräusche macht, und die klingen dann so.

„Im Gegenteil:/ Wir steigen aus/ wir steigen ein/ denn wer zu lange Gespenst spielt/ wird bald selber eins sein“, das waren die Worte, mit denen Andreas Spechtl, Sänger, Gitarrist und Songautor von Ja, Panik, das 2016 in der Gruppe erstellte Buch „Futur II“ beschloss. Auch hier ging es darum, wie Dichtung, Performance und Pop immer nur im manchmal grausamen Wechselspiel von Widersprüchen entstehen können, zwischen Bewusstsein und Rausch, Kollektiv und Einzelnen, Kommerz und politischer Mission. Die Verse aus dem Buch könnte man der neuen Platte als Motto voranstellen. Sie erzählt genau an der Stelle weiter. Oder rückwärts in sie hinein.

Und das Gespenst, von dem die Rede war: Gewissermaßen ist es die fahle, aber umso freundlichere Reiseführerin oder der Reiseführer durch „Die Gruppe Ja, Panik“. Ein Album voller Wunder und Schrecken, Rätsel und Leuchtfeuer, Gewebe und Löcher, fließender Geschichten und Slogans, die man sich auf die Stirn stempeln will. Vor allem: ein Werk, wie man es in der an Höhepunkten nun wirklich nicht geizigen Diskografie von Ja, Panik noch nicht gehört hat, nicht ansatzweise.

Aber kurz zu den Fragen vom Anfang, den anderen. Ja, Panik bestehen 2021 aus Andreas Spechtl, Stefan Pabst (Bass), Laura Landergott (Keyboards) und Sebastian Janata (Schlagzeug). Als Gast ist hier Rabea Erradi dabei, die offiziell nicht zur Besetzung gehört, als Saxophonistin für die neue Musik jedoch eine absolut tragende Rolle spielt. Die elf Stücke wurden 2019 fertiggeschrieben, die Demos entstanden im Frühjahr 2020 in Tunesien, die Pandemie verzögerte dann die eigentlichen Aufnahmen im Burgenländischen Heimstudio bis in den Herbst hinein. „Die Gruppe Ja, Panik“, das nach „Libertatia“ von 2014 insgesamt sechste Album, ist zudem das erste überhaupt, das Andreas Spechtl ganz ohne fremde Hilfe produziert hat.

Damit könnte es zu tun haben, dass diese Platte vom ersten Song „Enter.Exit“ bis zum finalen, seit seiner Veröffentlichung an Neujahr bereits bekannten „Apocalypse or Revolution“ einen komplett originären Hallraum eröffnet. Einen Soundkanal der fantastischen Zwischenzustände, eine geradezu begehbare Installation, in der Geräusche durch die Luft schwirren, surren und fräsen. Wo nichts wirklich so klingt, wie es scheint, wo die Phrasen, Gebilde und Echos, die einem dann doch vertraut vorkommen, allerhöchstens kleine Kuschelkissen sind, auf denen man den Kopf ablegen und nach oben gucken kann. Ins seltsam gefärbte Himmelszelt, an dem eine sich daherschlängelnde Schnuppe ebenso gut eine innerstädtische Free-Jazz-Linie wie eine Kalahari-Wüstenoboe sein könnte.

Wie gesagt erzählt „Die Gruppe Ja, Panik“ aber auch Geschichten, die hängengeblieben sind zwischen Traum und Wachsein. Fragmente vom Erlebnis der autobiografischen Digitalisierung, vom Riss in der Welt, der plötzlich durch ein gecracktes Smartphone-Display aufplatzt, vom popkulturell kodierten Topos des Arztbesuches und, beinahe selbstverständlich bei Ja, Panik, vom Kapitalismus. „The only cure from capitalism is more capitalism“, singt der Gruppenchor in „The Cure“, immer wieder, zum Auswendiglernen – und bevor wir jetzt erklären, was das soll, weisen wir lieber darauf hin, dass das Wort „Band“ in diesem Text noch kein einziges Mal vorgekommen ist.

Warum? Weil Ja, Panik auf diesem in vielerlei Hinsicht außergewöhnlichen neuen Album eben gerade nicht so klingen oder strategisch agieren, wie es sich seit den 50ern und 60ern, seit der Erfindung von Teenager- und Popkultur, ins Prinzip der Band eingeschliffen hat. Die Gruppe Ja, Panik ist „Die Gruppe Ja, Panik“. Oder, wie Andreas Spechtl es hier kurz vor dem großen Finale singt: „Secret groups/ secret gangs/ organise inside my head.“

Leute, bildet Gruppen! Und hört diese Musik dabei. Und davor. Und danach. Unbedingt.

(Joachim Hentschel)

Das zehnjährige Bandjubiläum vor Augen, veröffentlichen Camera im Februar 2021 mit „Prosthuman“ ihr fünftes Studioalbum. Passend zu einer Gegenwart, in der sich Realitäten plötzlich tagtäglich wandeln, wird auch die Berliner Combo um Schlagzeuger Michael Drummer nicht müde, sich zu verändern – personell wie musikalisch. „Neue Methoden verändern die Erfahrung, und neue Erfahrungen verändern den Menschen“ – dem Prinzip von Karlheinz Stockhausen folgend, überraschen Camera auf „Prosthuman“ erneut mit einer weiter gefassten Idee ihrer selbst, ohne dabei die über eine Dekade aufgebaute eigene Note zu verlieren. Dabei verwundert es kaum, dass Camera in manchen Plattenläden bereits ihr eigenes Fach neben Krautrock-Pionieren wie NEU!, Can oder La Düsseldorf belegen. War das Vorgänger-Album „Emotional Detox“ hörbar geprägt vom Aufeinandertreffen gleich zwei virtuoser Tasteninstrumentalisten (Steffen Kahles und dem Camera-Gründungsmitglied Timm Brockmann), musste für „Prosthuman“ Ersatz für beide gefunden werden. „Ein schwieriger Prozess“, wie Michael Drummer betont, zählte er die Keyboarder doch – zu jeweils unterschiedlichen Schaffensphasen – zum Rückgrat des ansonsten fluktuierenden Bandgefüges. Ein entscheidender Input kam schließlich von unerwarteter Seite: Tim Schroeder, der Camera seit einer gemeinsamen, sechswöchigen Tournee durch die USA im Jahr 2017 als Performance- und Videokünstler unterstützt, etablierte sich während zahlreicher Jams und Aufnahmesessions gewinnbringend an den Synthesizern. An der Gitarre vervollständigt wurde die Dreierformation durch den ebenso brillanten, wie experimentierfreudigen Musiker und Komponisten Alex Kozmidi, wobei auch Michael Drummer an manchen Stellen selbst Gitarrenriffs beisteuerte. Dass Veränderung und Reibung zwei nützliche Freunde der Kreativität sind, daran hat sich Drummer als einziges ständiges Mitglied von Camera gewöhnt. Auch mit den Freuden und Ärgernissen der Isolation – zu Pandemiezeiten plötzlich ein Massenphänomen – kennt sich der Quasi-Frontmann der Band aus, verbringt er doch seit Jahren – mal allein, mal mit den jeweiligen Mitmusikern – viel Zeit im bandeigenen Studio, das im Keller eines ehemaligen Fabrikgeländes im nicht ganz so hippen Süden von Berlin einquartiert ist. Das mitten im Aufnahmeprozess, der sich von Juni 2019 bis Juni 2020 erstreckte, aufkommende, virusbedingte Isolations-Gebot stellte insofern keine allzu große Herausforderung dar. Viel Engagement, viel Enthusiasmus und – offensichtlich – sehr viel Zeit seien dennoch notwendig gewesen, sagt Drummer, um das musikalische Raster für „Prosthuman“ zu finden. Das beeindruckt insofern, als dass einem dieses zehn Stücke umfassende Album in vielen Teilen – trotz verändertem instrumentalen Fokus – wie eine konsequent weitergesponnene Fortsetzungsgeschichte erscheint. Die Platte wirkt nicht wie ein Anfang, nicht wie ein Ende – eher wie ein Mittendrin, das keines der Vorgängeralben direkt referenziert, aber das zu jeder Zeit an die mit „Radiate!“ (2012), „Remember I Was Carbone Dioxide“ (2014), „Phantom Of Liberty“ (2016) und „Emotional Detox“ (2018) zurück gelegte Strecke erinnert. Das weithin als Konstante agnoszierte Schlagzeugspiel von Michael Drummer erweist sich dabei in fortschreitendem Maß als das entscheidende und verbindende Element. Egal, ob er seine Schläge mit präzis ausgespielter Aggression platziert wie im umstandslos voran galoppierenden Eröffnungstrack „Kartoffelstampf“ oder mit beschwingter Lässigkeit in den versöhnlichsten Stücken der Platte „Freundschaft“ und „Chords4 / Kurz Vor“. Julian Cope verglich die in den 1960ern und 1970ern losgetretene Krautrock-Bewegung einmal sehr treffend mit „Dr. Whos Zeitmaschine. Man geht durch ein enges Portal und kommt dann in einen gigantischen, dynamischen Raum.“ Camera haben das in der deutschen Musikgeschichte lange als verschüttet gegoltene Portal zu Beginn der 2010er für sich entdeckt und es, ohne zu fragen, ob sie das dürfen, forsch durchschritten. Wegen ihrer DIY-Konzerte in U-Bahn-Schächten und auf Straßenkreuzungen, damals noch mit Camera–Gründungsmitglied und Gitarrist Franz Bargmann, der heute mit Timm Brockmann das Ambient-Duo Brockmann // Bargmann betreibt und fester Bestandteil der Live-Band von Michael Rother (neu!, Harmonia) ist, erhielten sie von Außenstehenden die Bezeichnung „Krautrock-Guerilla“. Fünf Alben später ist es offensichtlich, dass jedweder Epigonen-Stempel für das Projekt Camera zu kurz greift, zu vereinnahmend bewegt sich Michael Drummers Kollektiv innerhalb des „gigantischen, dynamischen Raums“, wobei besagtes Portal mittlerweile weit aufgestoßen scheint und länderübergreifend immer neue Wellen an Krautrock-Inspirierten hereintreten. Hat man erst einmal den Eingang gefunden, ist ja auch genug Platz da – für alle und alles.

It's the terror of knowing what this world is about“, sang David Bowie 1981. Ihm gelang das Kunststück, ein Lied mit einer solchen Zeile – und mit Queen als Backing-Band – zu einem Hit zu machen. Von Spars „Under Pressure“ weiß auch, worum es in dieser Welt geht, mit ihren Drohkulissen, verschärftem sozialen Wettbewerb und dem Verdrängungskampf im Übergang zum Überwachungskapitalismus. Vom ersten Beat an spürt man die Dringlichkeit dieser Musik. Trotzdem wirkt sie frei, fast schwebend und schafft Raum für Reflektion und Selbstbefragung.Von Spar verstehen das, was andere „Band“ nennen, als modulares System. Die Kreativgemeinschaft von Sebastian Blume, Jan Philipp Janzen, Christopher Marquez und Phillip Tielsch befindet sich in einem
Zustand konstanter Neukonfiguration. Von Spar sind eine Schnittstelle, ein Interface, das Zugang schafft zum Wieder-Entdecken und Neu-Erleben von nur scheinbar Bekanntem. „Under Pressure“ ist ihr fünftes Album, sofern man in der Zählung die live eingespielte Can-Hommage gemeinsam mit Stephen Malkmus unterschlägt. 15 Jahre sind seit ihrem Debüt „Die uneingeschränkte Freiheit der privaten Initiative“ vergangen, fünf Jahre seit dem Album „Streetlife“. Betrachtet man ihre Diskografie, bekommen Von Spar etwas Chamäleonhaftes. Ihre Platten sind Ergebnisse einer steten Wandlung, sie öffnen Wurmlöcher zu Postpunk, zu Krautrock oder zum Kunstpop der Achtzigerjahre. Die Konstanten: rhythmische Raffinesse und harmonische Quantensprünge, das An- und Abschwellen von Synthesizer-Arpeggi, rückwärts abgespielte Gitarren, die nichts von Rückwärtsgewandtheit haben. Die acht Songs auf „Under Pressure“ wurden in Von Spars Dumbo Studio in Köln aufgenommen. Entscheidende Beiträge stammen von Gästen aus Toronto, Tokio, New York, London und Nashville. Die prägende Stimme ist, wie schon bei „Streetlife“, die von Chris A. Cummings alias Marker Starling. Er legt sein unverkennbares Falsett über die Hälfte der Songs und will wissen: „Is there a cure for this / Unhappiness, happiness?“ Im Eröffnungsstück erkundet Cummings gemeinsam mit Eiko Ishibashi (u.a. Kafka's Ibiki, Jim O'Rourke, Merzbow) in einer japanischen Traumsequenz, wohin die Reise gehen kann, wenn man die Fesseln des Fleisches abstreift. Punk- und Reggae-Professorin Vivien Goldman (The Flying Lizards) greift den Gedanken auf und befreit sich in „Boyfriends (Dead Or Alive)“ von den Gespenstern der Vergangenheit. Lætitia Sadier (Stereolab) singt auf dem Kraut-Pop-Hit des Albums, „Extend The Song“, der mit seinem Motorik-Schwung ewig weiterlaufen könnte: „If someone would ask me / Could I go on?“ Antworten, mehr Fragen – das ist das große Leitmotiv dieser Songs. Eine entscheidende stellt der Low-Fi-Eigenbrötler und 400-Alben-Mann R. Stevie Moore auf „Falsetto Giuseppe“: „Should I Worry?“ Natürlich!
Arno Raffeiner

Limited to 100 copies as HHV Exclusive pink colored vinyl edition.

„It's the terror of knowing what this world is about“, sang David Bowie 1981. Ihm gelang das Kunststück, ein Lied mit einer solchen Zeile – und mit Queen als Backing-Band – zu einem Hit zu machen. Von Spars „Under Pressure“ weiß auch, worum es in dieser Welt geht, mit ihren Drohkulissen, verschärftem sozialen Wettbewerb und dem Verdrängungskampf im Übergang zum Überwachungskapitalismus. Vom ersten Beat an spürt man die Dringlichkeit dieser Musik. Trotzdem wirkt sie frei, fast schwebend und schafft Raum für Reflektion und Selbstbefragung.Von Spar verstehen das, was andere „Band“ nennen, als modulares System. Die Kreativgemeinschaft von Sebastian Blume, Jan Philipp Janzen, Christopher Marquez und Phillip Tielsch befindet sich in einem
Zustand konstanter Neukonfiguration. Von Spar sind eine Schnittstelle, ein Interface, das Zugang schafft zum Wieder-Entdecken und Neu-Erleben von nur scheinbar Bekanntem. „Under Pressure“ ist ihr fünftes Album, sofern man in der Zählung die live eingespielte Can-Hommage gemeinsam mit Stephen Malkmus unterschlägt. 15 Jahre sind seit ihrem Debüt „Die uneingeschränkte Freiheit der privaten Initiative“ vergangen, fünf Jahre seit dem Album „Streetlife“. Betrachtet man ihre Diskografie, bekommen Von Spar etwas Chamäleonhaftes. Ihre Platten sind Ergebnisse einer steten Wandlung, sie öffnen Wurmlöcher zu Postpunk, zu Krautrock oder zum Kunstpop der Achtzigerjahre. Die Konstanten: rhythmische Raffinesse und harmonische Quantensprünge, das An- und Abschwellen von Synthesizer-Arpeggi, rückwärts abgespielte Gitarren, die nichts von Rückwärtsgewandtheit haben. Die acht Songs auf „Under Pressure“ wurden in Von Spars Dumbo Studio in Köln aufgenommen. Entscheidende Beiträge stammen von Gästen aus Toronto, Tokio, New York, London und Nashville. Die prägende Stimme ist, wie schon bei „Streetlife“, die von Chris A. Cummings alias Marker Starling. Er legt sein unverkennbares Falsett über die Hälfte der Songs und will wissen: „Is there a cure for this / Unhappiness, happiness?“ Im Eröffnungsstück erkundet Cummings gemeinsam mit Eiko Ishibashi (u.a. Kafka's Ibiki, Jim O'Rourke, Merzbow) in einer japanischen Traumsequenz, wohin die Reise gehen kann, wenn man die Fesseln des Fleisches abstreift. Punk- und Reggae-Professorin Vivien Goldman (The Flying Lizards) greift den Gedanken auf und befreit sich in „Boyfriends (Dead Or Alive)“ von den Gespenstern der Vergangenheit. Lætitia Sadier (Stereolab) singt auf dem Kraut-Pop-Hit des Albums, „Extend The Song“, der mit seinem Motorik-Schwung ewig weiterlaufen könnte: „If someone would ask me / Could I go on?“ Antworten, mehr Fragen – das ist das große Leitmotiv dieser Songs. Eine entscheidende stellt der Low-Fi-Eigenbrötler und 400-Alben-Mann R. Stevie Moore auf „Falsetto Giuseppe“: „Should I Worry?“ Natürlich!
Arno Raffeiner