Bureau B Vinyl, CD & Tape 218 Artikel

Lapre war das gemeinsame Projekt von Rudolf Langer (ehemals Tyndal) und Peter Preuß, die sich 1983 in West-Berlin zusammenschlossen, um ihre Klangexperimente - Langer am Synthesizer, Preuß an der Gitarre - in nächtlichen Proberaumsessions auf Tonband zu bannen. Neben einer einzigen Single und einigen, in Kleinstauflagen herausgebrachten Kassetten, gab es zur aktiven Zeit von Lapre keine weiteren Tonträgerveröffentlichung. Erst 2018 erschien auf Bureau B mit "Auferstehung" eine Werkschau, die Material aus den Jahren 1983 und 1984 versammelte und erstmalig einer breiten Hörerschaft zugänglich machte. Mit "Banzai" folgt nun die zweite Lapre-Kollektion, auf der sich Aufnahmen aus dem Schaffenszeitraum zwischen 1985 und 1987 wiederfinden. War diese Musik zum Zeitpunkt ihrer Entstehung kaum mehr als ein Geheimtipp, der über die Grenzen der Berliner Untergrundszene hinaus nur wenig Aufmerksamkeit erlangen konnte, freuen wir uns umso mehr, diese Stücke nach über 30 Jahren endlich wieder verfügbar zu machen.

Berliner Schule der zweiten Generation: Vielseitige Kompilation eines
ungewöhnlichen Duos.
1983 schlossen sich der Elektronikmusiker Rudolf Langer, der soeben das Duo Tyndall verlassen hatte, und
der Gitarrist Peter Preuß zu Lapre (= LAnger + PREuß) zusammen. In unzähligen Sessions erarbeiteten die
beiden zahlreiche Stücke, die sie auf den Tapes "Tedan" (1983) und "Flokati" (1984) in Auflagen von je 50
Stück vervielfältigen ließen, um sie bei Konzerten zu verkaufen. 1984 schickte Lapre die Maxi "Oeso"
hinterher. Die Kompilation "Auferstehung" versammelt die besten Tracks dieser drei Veröffentlichungen; sie
sind somit alle erstmals auf CD erhältlich. "Auferstehung" präsentiert extrem vielseitige Sounds, die von
repetitiven Sequenzer-Patterns über verspielt-fröhlichen Synthiepop bis hin zu atmosphärischen,
hypnotischen Mollflächen reichen. Obwohl auf jedem Stück Gitarre gespielt wird, kann man Lapre der Berliner
Schule zuzurechnen - sowohl was die eingesetzten Synthesizer angeht als auch musikalisch steht das Duo
hörbar in der Tradition von Tangerine Dream und Klaus Schulze. Rückblickend lässt sich festhalten: Mit ihrem
Mix aus analogen Synthesizern, Akustikgitarre und Drum Computer hatten Lapre zu Beginn der Achtziger
eine Nische in der elektronischen Musik gefunden, die vorher noch nicht gefüllt war.

Kreidlers siebte Langspielplatte für Bureau B ist eine Affaire elektronischer Popmusik genährt in Jetztzeit-Clubs und wurzelnd in rheinischem Kraut, britischem Post-Punk (mit einem Hauch NYC und Brüssel) und internationaler Polyrhythmik. Im dreißigsten Jahr der Bandgeschichte hat "Düsseldorfs zweitberühmteste Band" (Boomkat) auf Twists (a visitor arrives) auf vier von neun Stücken mit den Gästen Khan Of Finland, Maxim Bosch, Natalie Beridze und Timuçin Dündar zusammengearbeitet; die Covergestaltung legten sie in die Hände von Fette Sans.

Auf 400 Stück limitierte Edition, die auf weißem Vinyl, mit Bonus 12", alternativem Artwork und Inner Sleeve kommt.

In einem Jahr des Mondes produziert Kreidler das Album Spells AND Daubs. In einem Jahr des Mondes, und in einem Jahr mit 13 Monden, und das sind bekanntermaßen nicht die gemütlichsten Jahre.

Kreidler hatte sich im September 2020 in Düsseldorf getroffen. In den Räumen des Kabawil Theaters, für erstes Zusammenspielen, für erste Aufnahmen – das hat schon eine gewisse Tradition. Flankiert von einem einsamen Auftritt in der (ehemaligen) Philipshalle. In einem Jahr, das einem auf einen selbst zurückwarf. Über den Winter arbeitete die Band getrennt in Berlin und Düsseldorf, sie siebten das Material, arrangierten Stücke, fügten Texturen und Konturen hinzu, und trafen sich erneut im Frühjahr 2021 für weitere Aufnahmen in Hilden im Uhrwerk Orange Studio – auch das in gewisser Tradition. Aus fünfzehn Titeln filterten sie zehn heraus. Und hielten ein Album in den Händen. Und – und das ist neu – trugen dieses nach London, zu Peter Walsh, damit dieser die Stücke mische.

In einem Jahr des Mondes produziert Kreidler das Album Spells AND Daubs. In einem Jahr des Mondes, und in einem Jahr mit 13 Monden, und das sind bekanntermaßen nicht die gemütlichsten Jahre.

Kreidler hatte sich im September 2020 in Düsseldorf getroffen. In den Räumen des Kabawil Theaters, für erstes Zusammenspielen, für erste Aufnahmen – das hat schon eine gewisse Tradition. Flankiert von einem einsamen Auftritt in der (ehemaligen) Philipshalle. In einem Jahr, das einem auf einen selbst zurückwarf. Über den Winter arbeitete die Band getrennt in Berlin und Düsseldorf, sie siebten das Material, arrangierten Stücke, fügten Texturen und Konturen hinzu, und trafen sich erneut im Frühjahr 2021 für weitere Aufnahmen in Hilden im Uhrwerk Orange Studio – auch das in gewisser Tradition. Aus fünfzehn Titeln filterten sie zehn heraus. Und hielten ein Album in den Händen. Und – und das ist neu – trugen dieses nach London, zu Peter Walsh, damit dieser die Stücke mische.

Robert Wienes Stummfilmklassiker von 1920 in neuem Klanggewand, komponiert von ex-Kraftwerk-Musiker Karl Bartos.Die Filmzeitschrift Licht-Bild-Bühne hatte damals nicht mit Superlativen gegeizt: "Das Cabinet des Dr. Caligari" sei nichts Geringeres als "der modernste, aktuellste, gewagteste Film, den die Welt je gesehen hat", schrieb das Magazin 1920 und damit kurz nach der Premiere über den ersten Psychothriller der Filmgeschichte.Einer, der sich besonders intensiv mit diesem Meilenstein der Geschichte des expressionistischen Films auseinandergesetzt hat, ist der Komponist und Musiker Karl Bartos - vielen gut bekannt als langjähriges Bandmitglied und Co-Komponist vonKraftwerk, jenen Pionieren der Elektronischen Musik, die in ihrem Bereich mindestens ebenso "modern, aktuell, gewagt" waren. Seit fast 20 Jahren hegt der ursprünglich klassisch ausgebildete Musiker eine Leidenschaft für diesen wohl einflussreichsten deutschen Stummfilm aller Zeiten und arbeitet daran, dem experimentellen Film ein ebenso experimentelles Klanggewand zu schneidern.Mit kristallklaren Bildern, die von der Friedrich-Wilhelm-Murnau-Stiftung digital restauriert wurden, ist der Film nun in der besten Qualität zu sehen, die es je gab, und mit Bartos" Soundtrack gibt es nun auch einen beeindruckenden Sound zu der eindringlichen Vision.

Robert Wienes Stummfilmklassiker von 1920 in neuem Klanggewand, komponiert von ex-Kraftwerk-Musiker Karl Bartos.Die Filmzeitschrift Licht-Bild-Bühne hatte damals nicht mit Superlativen gegeizt: "Das Cabinet des Dr. Caligari" sei nichts Geringeres als "der modernste, aktuellste, gewagteste Film, den die Welt je gesehen hat", schrieb das Magazin 1920 und damit kurz nach der Premiere über den ersten Psychothriller der Filmgeschichte.Einer, der sich besonders intensiv mit diesem Meilenstein der Geschichte des expressionistischen Films auseinandergesetzt hat, ist der Komponist und Musiker Karl Bartos - vielen gut bekannt als langjähriges Bandmitglied und Co-Komponist vonKraftwerk, jenen Pionieren der Elektronischen Musik, die in ihrem Bereich mindestens ebenso "modern, aktuell, gewagt" waren. Seit fast 20 Jahren hegt der ursprünglich klassisch ausgebildete Musiker eine Leidenschaft für diesen wohl einflussreichsten deutschen Stummfilm aller Zeiten und arbeitet daran, dem experimentellen Film ein ebenso experimentelles Klanggewand zu schneidern.Mit kristallklaren Bildern, die von der Friedrich-Wilhelm-Murnau-Stiftung digital restauriert wurden, ist der Film nun in der besten Qualität zu sehen, die es je gab, und mit Bartos" Soundtrack gibt es nun auch einen beeindruckenden Sound zu der eindringlichen Vision.

Nach über 20 Jahren Kammerflimmer Kollektief und zehn Alben der Karlsruher Formation ist es Zeit für eine
Reise. Sie führt uns in sieben Stationen in eine unergründliche Terra Incognita, in der sich an der Schnittstelle
zwischen Improvisation und Komposition ein Hör-Raum auftut, der unablässig zwischen Präzision und
Freiheit tönend und wütend mäandert - und der sich auflöst, sobald wir glauben, ihn kartographieren zu
können. Das macht "There Are Actions Which We Have Neglected And Which Never Cease To Call Us" zu
einem Album für Furchtlose. Die verwunschenen Orte - zum Beispiel mexikanisches Hochland, Hamburg,
Ostseeküste in Mecklenburg, oberrheinische Tiefebene, südkalifornischer Küstenstreifen am Pazifik -, von
denen es wortlos, aber dafür in umso reicheren Tönen erzählt, tragen beides in sich: den Zauber, der uns
ergreift, ebenso wie die quälende Sorge, uns möglicherweise nie mehr von ihm befreien zu können. Bei aller
Aufregung, die uns auf dieser kurzen, aber endlosen Reise erwartet, gilt indessen auch: So, wie der
Schamane am Morgen die magischen Wurzeln zum Trocknen raushängt, um die routinierte Ekstase für den
Abend vorzubereiten, so gibt auch das Kammerflimmer Kollektief seinen Ritualen etwas Alltägliches mit. Es
besteht demnach kein Grund, sich zu fürchten.

Mit Sähkömies veröffentlichte Jimi Tenor 1994 sein legendäres Solo-Debüt auf Puu, einem Ableger des 1993 von Tommi Grönlund und Mika Vainio gegründeten finnischen Labels Sähkö Recordings. Aufgenommen in Tenors ehemaligem Zuhause in New York, bietet das Album eine bisher ungehörte Mischung aus Drum-Machine-getriebenen, elektronischen Klängen und Sun Ra-inspiriertem Jazz. Die Stücke wurden komplett von Tenor in seiner Wohnung geschrieben, aufgenommen und produziert und haben bis heute nichts von ihrem spontanen, rauen Charme verloren.Die Platte kombiniert Lo-Fi-Elektronik mit Jimi Tenors typisch rauchigem Saxophonspiel und bietet ein faszinierendes Hörerlebnis, das einen Künstler voller Neugierde und Experimentierfreude dokumentiert.

Mit Sähkömies veröffentlichte Jimi Tenor 1994 sein legendäres Solo-Debüt auf Puu, einem Ableger des 1993 von Tommi Grönlund und Mika Vainio gegründeten finnischen Labels Sähkö Recordings. Aufgenommen in Tenors ehemaligem Zuhause in New York, bietet das Album eine bisher ungehörte Mischung aus Drum-Machine-getriebenen, elektronischen Klängen und Sun Ra-inspiriertem Jazz. Die Stücke wurden komplett von Tenor in seiner Wohnung geschrieben, aufgenommen und produziert und haben bis heute nichts von ihrem spontanen, rauen Charme verloren.Die Platte kombiniert Lo-Fi-Elektronik mit Jimi Tenors typisch rauchigem Saxophonspiel und bietet ein faszinierendes Hörerlebnis, das einen Künstler voller Neugierde und Experimentierfreude dokumentiert.

Jimi Tenor war schon immer so etwas wie ein Renaissance man. Bereits als er seine Heimat Finnland zu Beginn der 1990er Jahre verließ, um zunächst nach New York zu gehen und später quer durch Europa zu ziehen, entdeckte er schnell das, was er als sein Ikigai bezeichnet, seine große Freude im Leben: Musik in DIY-Manier aufzunehmen und zuhause mit einfachen Mitteln zu produzieren, spontan und intuitiv. Daran hat Tenor über die inzwischen mehr als 30 Jahre seiner musikalischen Karriere hinweg stets festgehalten, ganz egal ob auf Solopfaden seiner frühen elektronischen Alben in den 90er Jahren oder später in den unterschiedlichsten Besetzungen und Kollaboration (u.a. Tony Allen, Kabu Kabu oder Abdissa Assefa). "Multiversum" ist nun sein drittes Album beim Hamburger Label Bureau B. Die Zusammenarbeit zwischen Jimi Tenor und Bureau B begann mit der Veröffentlichung der Werkschau "NY, Hel, Barca" im Jahr 2020 und setzte sich im Frühjahr 2021 mit Herausgabe der Raritäten-Sammlung "Deep Sound Learning" fort. Während Tenor in den vergangenen 20 Jahren vor allem Jazz und Afrobeat Platten aufnahm, kehrte er auf der Bühne weiterhin oft zu seinen minimalistischen Wurzeln zurück. Begeistert von dieser Space Musik, die Jimi Tenor nur mit Synthesizer, Flöte und Saxophon ausgestattet während seiner Solo Auftritte erschafft, lud Bureau B ihn ein, endlich auch eine Platte mit diesem einfachen, aber erstaunlich wirkungsvollen Setup aufzunehmen. Nur wenige Monate später schickte Tenor eine beachtliche Sammlung neuer Stücke an Bureau B; allesamt in kurzer Zeit in seinem Heimstudio in Helsinki entstanden. Unter dem Titel "Multiversum" erscheinen diese Tracks nun als Album und beweisen einmal mehr Jimi Tenors Vielseitigkeit. Basierend auf Drum-Machine-Beats und Synthesizer-Loops, nimmt Tenor den Hörer mit hinaus in eine offene, schier unendliche Weite, in die man sich nur fallenzulassen braucht. Dabei ergeht er sich nie in Standards - Jimi Tenor ist ein Meister des Unvorhersehbaren und macht nun auf zwölf neuen Stücken Intuition und Spielfreude hörbar. "Multiversum" ist eine Liebeserklärung an den DIY-Geist, irgendwo zwischen Bedroom Jazz und Deviant Techno. Parallel zum neuen Album erscheint das Buch "Omniverse" als eine der ersten Veröffentlichungen in der neuen Kollaboration zwischen Bureau B/Tapete Records mit dem Mainzer Buchverlag Ventil. Ein beeindruckendes Künstlerportrait in Form von Fotos und Geschichten, die sich quer durch Jimi Tenors Musikkarriere und Lebensstationen ziehen.

Jimi Tenor blickt auf eine beinahe 30 jährige Karriere und mittlerweile über 20 veröffentliche Alben auf den renommiertesten Labels wie Warp Records, Sähkö oder Kitty-Yo zurück. Dennoch gibt sich der finnischen Komponist und Multiinstrumentalist niemals mit der Rolle des renommierten Popkünstlers zufrieden, sondern ist auch heute noch ungebrochen aktiv und immer auf der Suche nach neuen Möglichkeiten, seinen ureigenen Sound aus Jazz, Afrobeats und experimenteller elektronischer Musik fortzuschreiben. Nach Veröffentlichung der Compilation "NY, Hel, Barca" im vergangenen Jahr, die sich Tenors Frühwerken und ausgewählten Stücken seiner ersten sechs Alben widmete, erscheint mit "Deep Sound Learning" nun eine Zusammenstellung unveröffentlichter Tracks aus den Jahren 1993 bis 2000. Tenors kreatives Output in dieser Zeit war derart enorm, dass er unzählige DAT-Tapes mit Aufnahmen an sein damaliges Label Warp Records schickte, das diese in einem Tresor in seinem Büro sammelte. Einige der auf diesen Tapes enthaltenen Stücke fanden ihren Weg auf Tenors LPs - andere blieben bis heute unveröffentlicht. Gemeinsam mit Jimi Tenor hat Bureau B dieses beeindruckende, bisher ungehörte Material nun geborgen und daraus eine Doppel-LP/-CD zusammengestellt, das weitaus mehr ist als eine Archivschau. Die 19 Tracks der Compilation führen die Hörer hinaus auf eine unendlich weite Spielwiese, auf der sich rudimentäre polyrhythmische Drum-Machine-Tracks neben ungestümen 303-gesteuerten Minimal-House-Skizzen ebenso versammeln wie Tenors ureigene Future-Jazz-Kompositionen und in sich versunkene DowntempoArrangements. "Deep Sound Learning" dokumentiert die unbändige Experimentierfreude eines Künstlers, der innerhalb von nur sieben Jahren seines Wirkens so viel Facettenreichtum offenbart, wie es andere über Dekaden hinweg nicht vermögen. Jimi Tenor zeigt sich als unermüdlich Suchender und Forschender, dessen Neugierde und Schaffenskraft keinen Anfang und kein Ende zu kennen scheinen.

Ja, Panik sind zurück! Während das letzte, experimentellforschende und in viele Richtungen mäandernde Pop-Album "Die Gruppe Ja, Panik" (2021) ihr überraschendes Comeback nach siebenjähriger Kreativpause markierte, ist "Don"t play with the rich kids" nun so etwas wie ihre Rückkehr als Rock- Band. Als die Gang aus dem Burgenland, die sich spätestens seit "The Angst And The Money" (2009) in unser aller Herzen gespielt hat. Wir sehen Stefan Pabst, Sebastian Janata, Laura Landergott und Andreas Spechtl auf dem Cover-Foto sanft umhüllt von einem Tuch am Strand von Nirgendwo. Es hält die Band nach innen zusammen und weist gleichzeitig eine klare Grenze nach außen: Wir sind hier, und Du bist da! Und es scheint nahezu unmöglich, in diesen inner circle hineinzukommen. Eleganter lässt sich das weltweit grassierende Klassismus-Problem wohl kaum darstellen. wohl auch irgendwann einmal mit auf den Weg gegeben. Während Ja, Panik früher das System immer wieder von innen heraus zerstören wollten, mit sehr viel Glam und lustvoll vorgetragener Autoaggression, haben sie ihre Marke noch einmal gründlich relaunched, um es im Werbe-Sprech der 90er-Jahre zu formulieren. Ihr Nihilismus made in Austria als Grundgefühl ist immer noch wichtiger Markenkern, aber er wird nun wesentlich reflektierter vorgetragen. Und das inzwischen ganz selbstverständliche Mitverhandeln der eigenen Privilegien scheint die Band in ihren neuen Songs regelrecht zu beflügeln. Denn diese Rich Kids sind schließlich auch sie selbst. Davon lässt sich selbstbewusst erzählen. Wobei das natürlich unbedingt im globalen Maßstab zu sehen ist. Wir alle wissen, was eine vierköpfige, linkspolitische Indie-Rock-Band zwischen Berlin und Wien mit ihrer Musik so verdient. Und auch wenn laut Spechtl nach wie vor "1.000 Kämpfe in seinem Körper kämpfen", von denen er nach eigener Feststellung keinen einzigen je gewinnen kann, scheint ihm seine neue Rolle als Zen-Rocker und selbsternannter Kung-Fu-Fighter umgeben von seinen alten Bandkolleg:innen in ausgezeichneter Form sehr gut zu tun. Tja, viele Menschen in ihrem Alter besitzen inzwischen ein Haus in Brandenburg oder eine Eigentumswohnung in Berlin, aber wer kann sich schon Mitglied der Gruppe Ja, Panik nennen? Kulturelles Kapital, von dem viele Menschen nicht mal zu träumen wagen.

Exklusive Farbe, nur bei HHV.

Ja, Panik sind zurück! Während das letzte, experimentellforschende und in viele Richtungen mäandernde Pop-Album "Die Gruppe Ja, Panik" (2021) ihr überraschendes Comeback nach siebenjähriger Kreativpause markierte, ist "Don"t play with the rich kids" nun so etwas wie ihre Rückkehr als Rock- Band. Als die Gang aus dem Burgenland, die sich spätestens seit "The Angst And The Money" (2009) in unser aller Herzen gespielt hat. Wir sehen Stefan Pabst, Sebastian Janata, Laura Landergott und Andreas Spechtl auf dem Cover-Foto sanft umhüllt von einem Tuch am Strand von Nirgendwo. Es hält die Band nach innen zusammen und weist gleichzeitig eine klare Grenze nach außen: Wir sind hier, und Du bist da! Und es scheint nahezu unmöglich, in diesen inner circle hineinzukommen. Eleganter lässt sich das weltweit grassierende Klassismus-Problem wohl kaum darstellen. wohl auch irgendwann einmal mit auf den Weg gegeben. Während Ja, Panik früher das System immer wieder von innen heraus zerstören wollten, mit sehr viel Glam und lustvoll vorgetragener Autoaggression, haben sie ihre Marke noch einmal gründlich relaunched, um es im Werbe-Sprech der 90er-Jahre zu formulieren. Ihr Nihilismus made in Austria als Grundgefühl ist immer noch wichtiger Markenkern, aber er wird nun wesentlich reflektierter vorgetragen. Und das inzwischen ganz selbstverständliche Mitverhandeln der eigenen Privilegien scheint die Band in ihren neuen Songs regelrecht zu beflügeln. Denn diese Rich Kids sind schließlich auch sie selbst. Davon lässt sich selbstbewusst erzählen. Wobei das natürlich unbedingt im globalen Maßstab zu sehen ist. Wir alle wissen, was eine vierköpfige, linkspolitische Indie-Rock-Band zwischen Berlin und Wien mit ihrer Musik so verdient. Und auch wenn laut Spechtl nach wie vor "1.000 Kämpfe in seinem Körper kämpfen", von denen er nach eigener Feststellung keinen einzigen je gewinnen kann, scheint ihm seine neue Rolle als Zen-Rocker und selbsternannter Kung-Fu-Fighter umgeben von seinen alten Bandkolleg:innen in ausgezeichneter Form sehr gut zu tun. Tja, viele Menschen in ihrem Alter besitzen inzwischen ein Haus in Brandenburg oder eine Eigentumswohnung in Berlin, aber wer kann sich schon Mitglied der Gruppe Ja, Panik nennen? Kulturelles Kapital, von dem viele Menschen nicht mal zu träumen wagen.