Erased Tapes Electronic & Dance 77 Artikel

Ein einzigartiger Künstler an einem legendären Ort: Tripping with Nils Frahm dokumentiert seine transzendentalen Liveshows in der geschichtsträchtigen Kulisse des Funkhaus Berlin. Gleich vier Shows im Funkhaus Berlin gaben den Auftakt zu Nils Frahms ambitionierter All Melody Tournee Anfang 2018, die sein gleichnamiges und allseits gepriesenes Studioalbum in den nächsten zwei Jahren auf die Bühnen dieser Welt brachte. In den folgenden über 180 ausverkauften Shows war der Ausnahmekünstler unter anderem im Sydney Opera House, in der Disney Hall in Los Angeles, im Barbican in London, in der Elbphilharmonie sowie auf zahlreichen großen Festivalbühnen zu Gast. Dennoch blieben Frahm die Konzerte im ehrwürdigen und für seine großartige Akustik gerühmten Saal 1 im Funkhaus Berlin in,mm besonderer Erinnerung.

Als Frahm ein knappes Jahr später zu vier weiteren Konzerten im Funkhaus einlud, waren die Tickets binnen Stunden vergriffen. Frahms langjähriger Freund und Filmemacher Benoit Toulemonde, der unter bereits für die Film-Konzertserie La Blogothèque mit zahlreichen weltbekannten Künstler-innen und Bands zusammenarbeitete, hielt die Abende an diesem geschichtsträchtigen Ort mit einem siebenköpfigen Kamera-Team fest.

Tripping with Nils Frahm ist ein Dokument Frahms vielfach gepriesener Fähigkeiten als Komponist und passionierter Live- Musiker sowie der besonderen Stimmung und Atmosphäre seiner legendären Funkhaus-Shows. Ein außergewöhnlicher musikalischer Trip — exklusiv und intim, roh und direkt.

"It was about time to document my concerts in picture and sound, trying to freeze a moment of this period where my team and I were nomads, using any method of travel to play yet another show the next day. Maybe tonight is the night where everything works out perfectly and things fall into place? Normally things go wrong with concerts, but by combining our favorite moments of four performances, we were able to achieve what I was trying to do in these two years of touring: getting it right! When you hear the applause on the end of the film you should know that I was smiling happily, being a tad proud and feeling blessed to share these moments with you.

Much love, Nils"

re-release.
In den letzten beiden Jahren war Nils Frahm damit beschäftigt, hinter den majestätischen Wänden des historischen Berliner Funkhauses ein neues Studio zu bauen: den Saal 3. Damit erfüllte sich Frahm einen Kindheitstraum, den er hegte, seit er das erste Mal das beeindruckende Tonstudio eines Familienfreundes erleben durfte. Bei der Renovierung wurden nicht nur sämtliche Kabel, Leitungen und Vertäfelungen neu montiert. Auch eine Orgel und ein komplettes Mischpult, die er in Eigenregie mit Hilfe von Freunden konstruiert hatte, fanden im Saal 3 ihren Platz. So entstand ein Ort, an dem Musik wachsen kann und wo Ideen kultiviert werden können. Das heißt ein Raum, in dem Frahm seine Musik so gestalten und präsentieren kann, dass sie seinen eigenen Vorstellungen so nah wie möglich kommt. In diesem Kreativreich an der Spree entstand aus den immensen Freiräumen und Möglichkeiten heraus "All Melody", Frahms siebtes Studioalbum. Es ist der wohlklingende Beweis dafür, dass Musik wirklich keine Grenzen kennt. Dass sie zeitlos ist. Und dass Frahm einen sehr langen Weg zurückgelegt hat - vom staunenden Kind bis zu einem Künstler, der die Parameter der Musik im eigenen Studio komplett selbst steuern kann.

Zur Feier des fünften Piano Days erscheint Nils Frahms All Encores Serie als 3-LP Set. Lag der Fokus von Encores 1 vor allem auf akustischen Klangwelten - Soloklavier und Harmonium standen hier im Mittelpunkt -, woraufhin Frahm für Encores 2 verstärkt auf Ambient-Texturen setzte, konzentriert er sich mit Encores 3 in erster Linie auf die rhythmischen und elektronischen Aspekte seiner Musik. "Die Idee zu All Encores hatten wir genau genommen schon vor All Melody: Nämlich drei Veröffentlichungen zu machen, von denen jede ihren eigenen musikalischen Stil hat und ihr eigenes Thema. Wir hatten daher zunächst sogar an ein Triple-Album gedacht. Doch dann wurde All Melody immer größer und verdrängte diese ersten Konzeptideen", kommentiert Frahm die Entstehung. "Ich denke, die Idee von All Encores ist gewissermaßen mit klanglichen Inseln zu vergleichen, die All Melody einrahmen."

Der irische Künstler, Regisseur und Spieleentwickler David O'Reilly hat mit "Everything" ein Game erschaffen,
in dessen interaktiver Welt jeder alles sein kann. Ob man sich entscheidet, in die Rolle einer Mikrobe zu
schlüpfen, die Teil einer Wüstenpflanze ist, oder als Stern einer weit entfernten Galaxie zu starten, jede
einzelne Ebene des Spiels ist von einer eigenen Atmosphäre umhüllt, die die Simulation nur noch weiter in
die grenzenlose Weite jener Welten trägt. Die in Berlin ansässigen Komponisten Ben Lukas Boysen und
Sebastian Plano haben diese Erfahrung mit einer verschachtelten, vierstündigen Klanglandschaft mitgeformt.
Dabei werden sie von der durchgehenden Erzählung des Philosophen Alan Watts begleitet. Obwohl der
Soundtrack hauptsächlich dafür gedacht war, die Atmosphäre des Spiels zu steigern, kann er auch als
eigenständiges Album bestehen - sorgfältig auf eine Auswahl von zehn Titeln durch Erased-Tapes-
Labelgründer Robert Raths reduziert. Die Musik hat eine spürbar therapeutische Wirkung, die dem Hörer die
Möglichkeit bietet, sich in einen meditativen Zustand gleiten zu lassen. Das Cover zeigt eine Vielzahl von
Komponenten aus dem "Everything"-Universum, akribisch von David O’Reilly in Kooperation mit dem
Designer Torsten Posselt von FELD zusammengestellt.

Der musikalische Werdegang der japanischen Gesangskünstlerin Hatis Noit begann einst unter ganz besonderen Vorzeichen. Nun mündet diese Reise in die Veröffentlichung ihres ersten Longplayers. Das acht Stücke umfassende Debüt ist die perfekte Eintrittskarte in ihre unvergleichliche Klangwelt. Genau genommen begann die Reise mit einem Initiationserlebnis , einem musikalischen Erweckungsmoment im zarten Alter von 16 Jahren, als die Japanerin gerade pilgernd zu Buddhas Geburtsstätte in Neapel unterwegs war. Sie hatte die Nacht in einem Frauentempel verbracht und vernahm am nächsten Morgen den Sologesang einer buddhistischen Nonne: Das Jenseitige in diesen Gesängen berührte sie so sehr, dass ihr schlagartig die unvergleichbare Kraft der menschlichen Stimme bewusst wurde. Was sie da hörte, war ein wirklich ursprüngliches, auf uralten Instinkten basierendes Instrument, das uns unweigerlich mit dem Kern des Menschseins, unserer Umwelt und unserem Universum verbindet. Ab diesem Moment wusste sie, dass das Singen ihre Berufung ist. Der Albumtitel Aura ist vom Werk des Philosophen Walter Benjamin inspiriert, der darin die Essenz der Kunst erkannte, da für ihn die Aura eines Werks unter anderem durch Echtheit und Einmaligkeit geprägt war. Hatis teilt diese Auffassung, denn sie musste feststellen, dass sie "während der Pandemie wirklich sehr zu kämpfen" hatte. "Als Sängerin bin ich einfach nicht besonders gut darin, am Computer zu arbeiten. Ich ziehe Live-Auftritte in wirklichen Räumen vor. Mit anderen Menschen zusammen zu sein, denselben Raum mit ihnen zu teilen und die einzigartige Energie und Atmosphäre des jeweiligen Moments zu spüren - das ist etwas, das mich immer wieder inspiriert. Für mich bedeutet Kunst tatsächlich genau das: dieser geteilte Augenblick."

Der musikalische Werdegang der japanischen Gesangskünstlerin Hatis Noit begann einst unter ganz besonderen Vorzeichen. Nun mündet diese Reise in die Veröffentlichung ihres ersten Longplayers. Das acht Stücke umfassende Debüt ist die perfekte Eintrittskarte in ihre unvergleichliche Klangwelt. Genau genommen begann die Reise mit einem Initiationserlebnis , einem musikalischen Erweckungsmoment im zarten Alter von 16 Jahren, als die Japanerin gerade pilgernd zu Buddhas Geburtsstätte in Neapel unterwegs war. Sie hatte die Nacht in einem Frauentempel verbracht und vernahm am nächsten Morgen den Sologesang einer buddhistischen Nonne: Das Jenseitige in diesen Gesängen berührte sie so sehr, dass ihr schlagartig die unvergleichbare Kraft der menschlichen Stimme bewusst wurde. Was sie da hörte, war ein wirklich ursprüngliches, auf uralten Instinkten basierendes Instrument, das uns unweigerlich mit dem Kern des Menschseins, unserer Umwelt und unserem Universum verbindet. Ab diesem Moment wusste sie, dass das Singen ihre Berufung ist. Der Albumtitel Aura ist vom Werk des Philosophen Walter Benjamin inspiriert, der darin die Essenz der Kunst erkannte, da für ihn die Aura eines Werks unter anderem durch Echtheit und Einmaligkeit geprägt war. Hatis teilt diese Auffassung, denn sie musste feststellen, dass sie "während der Pandemie wirklich sehr zu kämpfen" hatte. "Als Sängerin bin ich einfach nicht besonders gut darin, am Computer zu arbeiten. Ich ziehe Live-Auftritte in wirklichen Räumen vor. Mit anderen Menschen zusammen zu sein, denselben Raum mit ihnen zu teilen und die einzigartige Energie und Atmosphäre des jeweiligen Moments zu spüren - das ist etwas, das mich immer wieder inspiriert. Für mich bedeutet Kunst tatsächlich genau das: dieser geteilte Augenblick."

Penguin Cafe melden sich im Frühjahr mit einer exklusiven Jubiläumsedition zurück: Die liebevoll produzierte Neuauflage ihres 2011 veröffentlichten Debütalbums erscheint am 29. April unter dem Titel A Matter of Life... 2021. Komplett neu gemastert und zum 10. Jubiläum auch erstmals auf Vinyl erhältlich, besticht die Edition außerdem mit einer brandneuen Interpretation der Leadsingle Harry Piers, die Arthur Jeffes im vergangenen Jahr aufgenommen hat. Der Song ist seinem verstorbenem Vater Simon Jeffes gewidmet, der das Penguin Cafe Orchestra einst gegründet hatte. Das Debüt, an dessen Entstehung damals ganz unterschiedliche Persönlichkeiten mitwirken sollten - u.a. Neil Codling von Suede oder auch Gorillaz-Schlagzeuger Cass Browne -, basierte auf der ästhetischen Grundhaltung des ursprünglichen PCO und machte daraus einen selbstbewussten, neu definierten Sound: immer noch durch und durch Englisch, immer noch ähnlich verwurzelt, aber zugleich ganz anders, unterwegs zu etwas vollkommen Eigenem und Neuem... Auch das Original-Artwork des Debüts bekam ein Update: Zu sehen ist eine grandiose Aufnahme des angestammten britischen Fotografen Alex Kozobolis, der Arthur dafür in seiner zweiten Heimat in der Toskana besucht hat. Raths' visuelles Konzept bestand darin, nicht bloß das Originalgemälde von Emily Young mit fotografischen Mitteln nachzustellen, sondern zugleich den Generationswechsel auszudrücken, indem er Arthur und dessen kleine Tochter an die Stelle des kleinen Jungen und der Kaiserpinguinfigur setzt, die auf dem Originalcover Vater und Sohn darstellen. Die zum 10. Jubiläum erscheinende Remaster-Neuauflage A Matter of Life... 2021 ist ab dem 29. April 2022 digital, auf CD sowie erstmals auch auf Vinyl erhältlich.

Penguin Cafe melden sich im Frühjahr mit einer exklusiven Jubiläumsedition zurück: Die liebevoll produzierte Neuauflage ihres 2011 veröffentlichten Debütalbums erscheint am 29. April unter dem Titel A Matter of Life... 2021. Komplett neu gemastert und zum 10. Jubiläum auch erstmals auf Vinyl erhältlich, besticht die Edition außerdem mit einer brandneuen Interpretation der Leadsingle Harry Piers, die Arthur Jeffes im vergangenen Jahr aufgenommen hat. Der Song ist seinem verstorbenem Vater Simon Jeffes gewidmet, der das Penguin Cafe Orchestra einst gegründet hatte. Das Debüt, an dessen Entstehung damals ganz unterschiedliche Persönlichkeiten mitwirken sollten - u.a. Neil Codling von Suede oder auch Gorillaz-Schlagzeuger Cass Browne -, basierte auf der ästhetischen Grundhaltung des ursprünglichen PCO und machte daraus einen selbstbewussten, neu definierten Sound: immer noch durch und durch Englisch, immer noch ähnlich verwurzelt, aber zugleich ganz anders, unterwegs zu etwas vollkommen Eigenem und Neuem... Auch das Original-Artwork des Debüts bekam ein Update: Zu sehen ist eine grandiose Aufnahme des angestammten britischen Fotografen Alex Kozobolis, der Arthur dafür in seiner zweiten Heimat in der Toskana besucht hat. Raths' visuelles Konzept bestand darin, nicht bloß das Originalgemälde von Emily Young mit fotografischen Mitteln nachzustellen, sondern zugleich den Generationswechsel auszudrücken, indem er Arthur und dessen kleine Tochter an die Stelle des kleinen Jungen und der Kaiserpinguinfigur setzt, die auf dem Originalcover Vater und Sohn darstellen. Die zum 10. Jubiläum erscheinende Remaster-Neuauflage A Matter of Life... 2021 ist ab dem 29. April 2022 digital, auf CD sowie erstmals auch auf Vinyl erhältlich.

4 Hands ist ein intimes Gespräch unter Freunden — geführt mit den Händen auf dem Klavier. Es ist eine surreal anmutende musikalische Konversation zwischen dem deutschen Klangpionier Hans-Joachim Roedelius und dem US-amerikanischen Komponisten Tim Story. Eindrucksvoll belegt dieses Gemeinschaftsprojekt, welch herzerwärmende und zugleich außerweltliche Schönheit entstehen kann, wenn sich zwei Menschen aus unterschiedlichen, sich überschneidenden Richtungen ihrem geliebten Instrument annähern.

Nacheinander auf ein und demselben Flügel aufgenommen, begann die Arbeit an 4 Hands, als Roedelius im Mai 2019 seinen langjährigen Freund Story in den USA besuchte und spontan eine Reihe von Klavieretüden einspielte. Tim setzte sich daraufhin intensiv mit den komplexen Phrasierungen auseinander und nutzte die folgenden Monate, um seine eigenen Ideen dazu in Klangfiguren zu fassen.

„Den Kern dieser Kompositionen schufen wir gemeinsam, wobei wir das Klavier zum Teil mit verschiedenen Gegenständen (oder auch meinen Händen) präparierten und wir zunächst Achims Passagen auf Band festhielten. Ich schrieb in den Monaten danach weiter und verfeinerte meine Parts. Da das gesamte Album auf demselben Flügel aufgenommen wurde, hat es insgesamt einen konsistenten, einheitlichen Klang — wobei unsere individuellen Beiträge hoffentlich zu einer einzigen, ganzheitlichen Stimme verschmelzen“, so Story. 4 Hands vereint minimalistische Klangfiguren, in deren Verlauf sich immer wieder ganz zart ein geisterhaftes Zusammenspiel offenbart und überraschende harmonische Wendungen aufblitzen: Roedelius’ auf Instinkt, Intuition und Improvisation basierender Ansatz geht mit Storys gegenläufiger Herangehensweise Hand in Hand, wenn der US-Amerikaner Ideen über längere Zeiträume herausdestilliert. Es entstehen zwei Seiten, zwei Perspektiven einer fesselnden Konversation, die zum Nachdenken anregt und mit jedem Anhören neue Gestalt annimmt, neue Tiefen aufzeigt.

„4 Hands ist mehr als bloß ein neues Album — die logische Fortsetzung einer langjährigen Freundschaft zwischen zwei Komponisten“, ergänzt Roedelius. „Es geht um Achtsamkeit, ums Erhören anstelle von Zuhören, und darum, eine neue Klangsprache zu entwickeln, indem wir uns vor den unendlichen Möglichkeiten verneigen, die das Klavier bietet, das von unseren vier Händen gespielt wird. Für mich drücken diese Kompositionen eine ganz eigene Art von Schönheit aus. Was sie evozieren, ist mehr als die Summe ihrer Teile; sie sind ein wortloser Dialog, eine Brücke über das große Wasser, das unsere Kulturen voneinander trennt. Allons enfants des deux patrie, haha!“

Gut vierzig Jahre Freundschaft bilden das Fundament dieser elf Stücke, die auf hochsensiblem Einfühlungsvermögen basieren, so dass eine Art der Kommunikation entsteht, die keiner Worte bedarf. Vom eröffnenden „Nurzu“ — so unmittelbar, ermutigend und aufmunternd wie im deutschen Titel angedeutet, bis zum abschließenden „Ba“ — im Japanischen der „Ort, an dem etwas stattfindet“: Die Titel weisen allenfalls auf mögliche Assoziationen hin und unterstreichen so auch, welche Rolle Humor und Unbeschwertheit für das befreundete Duo spielen, und wie spielerisch vielfältig und mehrdeutig ihre Kompositionen selbst sind.

Die erste Single „Spirit Clock“ verdankt ihren Titel Robert Raths, dem Gründer von Erased Tapes, nachdem dieser Begriff in einem längeren Gespräch über die Faktoren Zeit und Timing aufgekommen war: „Ich finde, dieser Ausdruck – Spirit Clock – bringt wirklich perfekt auf den Punkt, was hier passiert: Es gibt da so eine unsichtbare Verbindung zwischen Achim und Tim, eine ganz besondere, unglaublich starke Energie, die immer dann frei wird, wenn die beiden zusammen Musik machen — selbst dann, wenn diese Zusammenarbeit in verschiedenen Zeitdimensionen stattfindet. Diese metaphysische Verschränkung ihrer vier Hände auf ein und demselben mechanischen Instrument, aufgenommen zu unterschiedlichen Zeitpunkten, hat etwas Technisches und zugleich etwas zutiefst Spirituelles — das finde ich daran so faszinierend.“

Während das gleichermaßen widersprüchliche „Allegro Estinto“ auf ein lebhaftes und dabei doch möglichst sanftes Tempo verweist — „lebendig-erloschen“, so wörtlich übersetzt aus dem Italienischen, tragen die mitunter zirpenden, auf präpariertem Klavier aufgenommen Stücke so phonetisch treffende Titel wie „Seeweed“, „Crisscrossing“ oder auch „Skitter“. Die persönlichste Komposition des Albums trägt den Titel „Haru“: Sie ist dem gemeinsamen Freund und Wegbegleiter Harold Budd (1936-2020) gewidmet, dem Story dieses Stück kurz vor dessen Tod gezeigt hatte. Bei ihrer ersten Begegnung in Los Angeles vor 25 Jahren, so erinnert sich Tim, hatte Budd zufällig beide Musiker mit den Worten „Go ahead, let’s do it!“ („Nur zu, lass es uns machen!“) verabschiedet.

Seit drei Jahrzehnten für seine wegweisenden Auftritte und Aufnahmen gefeiert, ist der Grammy-nominierte US-Komponist Tim Story für seine einzigartige Mischung aus Komposition und innovativem Sounddesign bekannt. Der in Berlin geborene und heute in Österreich lebende Komponist Hans-Joachim Roedelius hat mit seiner gut fünf Jahrzehnte umspannenden Karriere, in deren Verlauf er solo und in verschiedenen Konstellationen mehr als 100 Alben veröffentlichen sollte, gleich mehrere Generationen von Musiker*innen geprägt. Angefangen beim bahnbrechenden Trioprojekt Kluster (von Conrad Schnitzler ins Leben gerufen), später Cluster (mit Dieter Moebius), bis hin zu genreübergreifenden Soloveröffentlichungen und Aufnahmen mit Größen wie Brian Eno, hat Roedelius die Entwicklungen in den Bereichen Ambient, elektronische und experimentelle Musik entscheidend geprägt — und ist zwischenzeitlich auch immer wieder in schwer definierbare, im Interferenzbereich des Klaviers liegende Klangregionen aufgebrochen.

Seit langer Zeit eng miteinander befreundet, haben Roedelius und Story im Laufe der Jahre bereits an unterschiedlichen Projekten zusammengearbeitet – unter anderem an den gefeierten Alben Lunz (2003), Inlandish (2007), Lazy Arc (2014) und zuletzt Lunz 3 (2019), das vom US-Sender National Public Radio (npr) in die „Best Music of 2019“-Auswahl aufgenommen wurde.

4 Hands ist ein intimes Gespräch unter Freunden — geführt mit den Händen auf dem Klavier. Es ist eine surreal anmutende musikalische Konversation zwischen dem deutschen Klangpionier Hans-Joachim Roedelius und dem US-amerikanischen Komponisten Tim Story. Eindrucksvoll belegt dieses Gemeinschaftsprojekt, welch herzerwärmende und zugleich außerweltliche Schönheit entstehen kann, wenn sich zwei Menschen aus unterschiedlichen, sich überschneidenden Richtungen ihrem geliebten Instrument annähern.

Nacheinander auf ein und demselben Flügel aufgenommen, begann die Arbeit an 4 Hands, als Roedelius im Mai 2019 seinen langjährigen Freund Story in den USA besuchte und spontan eine Reihe von Klavieretüden einspielte. Tim setzte sich daraufhin intensiv mit den komplexen Phrasierungen auseinander und nutzte die folgenden Monate, um seine eigenen Ideen dazu in Klangfiguren zu fassen.

„Den Kern dieser Kompositionen schufen wir gemeinsam, wobei wir das Klavier zum Teil mit verschiedenen Gegenständen (oder auch meinen Händen) präparierten und wir zunächst Achims Passagen auf Band festhielten. Ich schrieb in den Monaten danach weiter und verfeinerte meine Parts. Da das gesamte Album auf demselben Flügel aufgenommen wurde, hat es insgesamt einen konsistenten, einheitlichen Klang — wobei unsere individuellen Beiträge hoffentlich zu einer einzigen, ganzheitlichen Stimme verschmelzen“, so Story. 4 Hands vereint minimalistische Klangfiguren, in deren Verlauf sich immer wieder ganz zart ein geisterhaftes Zusammenspiel offenbart und überraschende harmonische Wendungen aufblitzen: Roedelius’ auf Instinkt, Intuition und Improvisation basierender Ansatz geht mit Storys gegenläufiger Herangehensweise Hand in Hand, wenn der US-Amerikaner Ideen über längere Zeiträume herausdestilliert. Es entstehen zwei Seiten, zwei Perspektiven einer fesselnden Konversation, die zum Nachdenken anregt und mit jedem Anhören neue Gestalt annimmt, neue Tiefen aufzeigt.

„4 Hands ist mehr als bloß ein neues Album — die logische Fortsetzung einer langjährigen Freundschaft zwischen zwei Komponisten“, ergänzt Roedelius. „Es geht um Achtsamkeit, ums Erhören anstelle von Zuhören, und darum, eine neue Klangsprache zu entwickeln, indem wir uns vor den unendlichen Möglichkeiten verneigen, die das Klavier bietet, das von unseren vier Händen gespielt wird. Für mich drücken diese Kompositionen eine ganz eigene Art von Schönheit aus. Was sie evozieren, ist mehr als die Summe ihrer Teile; sie sind ein wortloser Dialog, eine Brücke über das große Wasser, das unsere Kulturen voneinander trennt. Allons enfants des deux patrie, haha!“

Gut vierzig Jahre Freundschaft bilden das Fundament dieser elf Stücke, die auf hochsensiblem Einfühlungsvermögen basieren, so dass eine Art der Kommunikation entsteht, die keiner Worte bedarf. Vom eröffnenden „Nurzu“ — so unmittelbar, ermutigend und aufmunternd wie im deutschen Titel angedeutet, bis zum abschließenden „Ba“ — im Japanischen der „Ort, an dem etwas stattfindet“: Die Titel weisen allenfalls auf mögliche Assoziationen hin und unterstreichen so auch, welche Rolle Humor und Unbeschwertheit für das befreundete Duo spielen, und wie spielerisch vielfältig und mehrdeutig ihre Kompositionen selbst sind.

Die erste Single „Spirit Clock“ verdankt ihren Titel Robert Raths, dem Gründer von Erased Tapes, nachdem dieser Begriff in einem längeren Gespräch über die Faktoren Zeit und Timing aufgekommen war: „Ich finde, dieser Ausdruck – Spirit Clock – bringt wirklich perfekt auf den Punkt, was hier passiert: Es gibt da so eine unsichtbare Verbindung zwischen Achim und Tim, eine ganz besondere, unglaublich starke Energie, die immer dann frei wird, wenn die beiden zusammen Musik machen — selbst dann, wenn diese Zusammenarbeit in verschiedenen Zeitdimensionen stattfindet. Diese metaphysische Verschränkung ihrer vier Hände auf ein und demselben mechanischen Instrument, aufgenommen zu unterschiedlichen Zeitpunkten, hat etwas Technisches und zugleich etwas zutiefst Spirituelles — das finde ich daran so faszinierend.“

Während das gleichermaßen widersprüchliche „Allegro Estinto“ auf ein lebhaftes und dabei doch möglichst sanftes Tempo verweist — „lebendig-erloschen“, so wörtlich übersetzt aus dem Italienischen, tragen die mitunter zirpenden, auf präpariertem Klavier aufgenommen Stücke so phonetisch treffende Titel wie „Seeweed“, „Crisscrossing“ oder auch „Skitter“. Die persönlichste Komposition des Albums trägt den Titel „Haru“: Sie ist dem gemeinsamen Freund und Wegbegleiter Harold Budd (1936-2020) gewidmet, dem Story dieses Stück kurz vor dessen Tod gezeigt hatte. Bei ihrer ersten Begegnung in Los Angeles vor 25 Jahren, so erinnert sich Tim, hatte Budd zufällig beide Musiker mit den Worten „Go ahead, let’s do it!“ („Nur zu, lass es uns machen!“) verabschiedet.

Seit drei Jahrzehnten für seine wegweisenden Auftritte und Aufnahmen gefeiert, ist der Grammy-nominierte US-Komponist Tim Story für seine einzigartige Mischung aus Komposition und innovativem Sounddesign bekannt. Der in Berlin geborene und heute in Österreich lebende Komponist Hans-Joachim Roedelius hat mit seiner gut fünf Jahrzehnte umspannenden Karriere, in deren Verlauf er solo und in verschiedenen Konstellationen mehr als 100 Alben veröffentlichen sollte, gleich mehrere Generationen von Musiker*innen geprägt. Angefangen beim bahnbrechenden Trioprojekt Kluster (von Conrad Schnitzler ins Leben gerufen), später Cluster (mit Dieter Moebius), bis hin zu genreübergreifenden Soloveröffentlichungen und Aufnahmen mit Größen wie Brian Eno, hat Roedelius die Entwicklungen in den Bereichen Ambient, elektronische und experimentelle Musik entscheidend geprägt — und ist zwischenzeitlich auch immer wieder in schwer definierbare, im Interferenzbereich des Klaviers liegende Klangregionen aufgebrochen.

Seit langer Zeit eng miteinander befreundet, haben Roedelius und Story im Laufe der Jahre bereits an unterschiedlichen Projekten zusammengearbeitet – unter anderem an den gefeierten Alben Lunz (2003), Inlandish (2007), Lazy Arc (2014) und zuletzt Lunz 3 (2019), das vom US-Sender National Public Radio (npr) in die „Best Music of 2019“-Auswahl aufgenommen wurde.

House Music entfaltet sich als ein einziges langes Musikstück: Aufgenommen und später in seine endgültige Form gebracht, basiert das Album auf einer Improvisation, mit der Bell Orchestre ihren Ansatz radikal erweitern, indem sie klassische und elektronische Elemente zusammenbringen und sie im Verlauf dieser Momentaufnahme in immer neue, unmöglich kategorisierbare Klangwelten überführen.

Mit Unterstützung von Toningenieur Hans Bernhard, hat die Band dafür zunächst Sarah Neufelds (Geige, Gesang) mehrstöckiges Haus auf dem Land in Vermont komplett verkabelt: Sie und die weiteren fünf Mitglieder des Mini-Orchesters – Pietro Amato: Horn, Keyboards, Elektronik; Michael Feuerstack: Pedal-Steel-Gitarre, Keyboards, Gesang; Kaveh Nabatian: Trompete, Gongoma, Keyboards, Gesang; Richard Reed Parry: Bass, Gesang; sowie Stefan Schneider: Schlagzeug – verteilten sich daraufhin auf die verschiedenen Zimmer. So verbrachten sie zwei Wochen in konzentrierter, kollektiver Isolation, um gemeinsam ihrer Kreativität freien Lauf zu lassen: Jeden Tag nahmen sie ihre improvisierten Sessions auf. Das 45-minütige neue Album, das nun erscheint, basiert dabei auf einer einzigen, ursprünglich ungefähr 90-minütigen Improvisations-Session.

Der in Berlin lebende Komponist und Produzent Ben Lukas Boysen meldet sich mit seinem bislang progressivsten Album zurück: Mirage ist ein wahrer Formwandler. Zuvor unter dem Alias Hecq bekannt, handelt es sich bei Mirage um den mit Spannung erwarteten dritten Longplayer, den Boysen unter seinem eigenen Namen veröffentlicht, und Nachfolger zu den Alben Gravity (2013) und Spells (2016). Letzteres bescherte ihm nicht nur sehr viel Kritikerlob, sondern begeisterte auch die Fans und viele seiner Kollegen: Es gab u.a. Remixe von Max Cooper und Tim Hecker, während Jon Hopkins einen Titel von Spells zum Eröffnungstrack seiner Late Night Tales-Compilation machte. Wie schon auf seinen Alben Gravity und Spells, wird Ben im Verlauf von Mirage von mehreren Gästen unterstützt: Mit dabei sind unter anderem die Cellistin und Komponistin Anne Müller sowie der australische Saxofonist/Komponist Daniel Thorne. Beide sind auf dem ersten Vorboten "Medela" zu hören, der die Zuhörer*innen auf eine Reise durch kaleidoskopische Klangräume führt, in denen verschiedene Genres ganz spielerisch ineinander übergehen. Das geht so weit, dass man hinterher kaum noch sagen kann, was man da eigentlich gerade gehört hat: "Ich wollte experimentieren und versuchen, diese Aufnahmen mit 100% künstlichen Elementen zu verbinden. Dabei ging ich oftmals so weit, dass ein Instrument zu einer Abstraktion seiner selbst wurde, dass sich der Beitrag eines Musikers an einem Song eher wie ein zentraler DNA-Strang des Stücks anfühlt, aber nicht mehr wie eine deutlich erkennbare Spur." Insgesamt fühlt sich Mirage, wie im Titel bereits angedeutet, wie eine klangliche Illusion, eine vertonte Luftspiegelung an: Jedes Stück vereint Klänge und Techniken, die dermaßen bearbeitet und verändert wurden, dass sie wie überbelichtet wirken. Das allzu filzig wirkende Klavier von "Clarion" etwa, Daniel Thornes Saxofon auf "Medela", die einzelne Gesangsnote von Lisa Morgenstern, die sich im Verlauf von "Empyrean" in unterschiedliche Akkorde aufspaltet. Man kann diese Elemente durchaus erfassen, kann sie aber auch ohne weiteres übersehen – wie auch die beiden Klaviere von "Kenotaph", die man für ein einziges Instrument halten könnte. Genau genommen sind es zwei Instrumente, die sich in unterschiedlichen Räumen, ja sogar in unterschiedlichen Ländern befanden. Eins ist digital, das andere akustisch.