Hardcover Bücher 326 Artikel

Im Jahre 1960 reisten der Fotograf William Claxton und der renommierte Musikkenner Joachim Berendt auf den Spuren des Jazz durch die Vereinigten Staaten. In Konzertsälen und neben Marschkapellen, in Seitenstraßen und in U-Bahnhöfen versuchten sie dieses lebendige, atmende, pulsierende Musikphänomen zu dokumentieren, das Amerika über alle Klassen- und Rassenschranken hinweg in seinen Bann zog.

Das Ergebnis dieser Zusammenarbeit zwischen Claxton und Berendt war Jazzlife, ein bei Sammlern überaus begehrter Bildband, der fernab klischeehafter Vorstellungen von verrauchten Jazz-Kaschemmen zu ergründen versuchte, was diese originärste aller amerikanischen Kunstformen eigentlich ausmachte. Ob in New Orleans und New York, in St. Louis, Biloxi, Jackson, LA oder Newport – Claxton und Berendt waren zur rechten Zeit am rechten Ort, um der „Kunst des Moments“ Gesichter zu geben.

Mit Bildern von Charlie Parker, Count Basie, Duke Ellington, Muddy Waters, Gabor Szabo, Dave Brubeck, Stan Getz, Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Miles Davis, Charles Mingus, Thelonious Monk, John Coltrane und vielen anderen ist dieses Buch Dokument einer großartigen Epoche und eine liebenswerte persönliche Hommage an eine einzigartige Kunstform – ein Klassiker.

Mit fasziniertem Blick schildert Volker Barsch die Geschichte, und Werte der Rasta-Bewegung und vermittelt so Hintergrundwissen zum weiterhin anhaltenden Reggae-Boom.

Rastafari bedeutet mehr als Reggae-Musik und die rot-gelb-grünen Farben Jamaikas. Rastafari ist eine religiöse, aber auch - ebenso wie HipHop - eine soziale Bewegung. Eine Lebenseinstellung, die den gesamten Alltag ihrer Anhänger weltweit bestimmt.

Hier geht es um die Rückkehr in die innere Heimat Afrika, um eine eigene, schwarze Sprache als Gegenentwurf zum weißen Babylon .

Das Buch beschreibt diese Suche nach Identität und den mythischen Wurzeln, ohne die Problematik einer dadurch möglicherweise bedingten essentialistischen Weltsicht und von überkommenen Geschlechterbildern aus den Augen zu verlieren.

Da die Geschichtsschreibung von Punk eine überwiegend männliche ist, war eine »Rache der She-Punks« längst überfällig. Verfasst wurde diese feministische Abrechnung von keiner geringeren als der Post-Punk-Pionierin Vivien Goldman, die aufgrund ihrer Arbeit als Musikerin und Musikjournalistin eine Insider-Perspektive besitzt. Entlang vier Themenfeldern – Identität, Geld, Liebe und Protest – begibt sich die »Punk-Professorin« auf die Suche nach empowernden Momenten, die Punk speziell für Frauen birgt. Goldman schreibt viele ihrer Punk-Genossinnen in den Kanon hinein; für das Buch hat sie ausführliche Gespräche u. a. mit Patti Smith, Tamar-kali, Poly Styrene und Kathleen Hanna geführt. »Die Rache der She-Punks« zeichnet eine feministische Musikgeschichte, in der die weiblichen Perspektiven im Punk mit all ihren Gemeinsamkeiten und Differenzen ihren Platz finden. Wie sich diese Geschichte anhört, zeigt eine Auflistung thematisch passender Songs zu jedem Kapitel, die den Soundtrack zu Goldmans Ausführungen bilden.

Vom Air Jordan 1 bis zum Air Presto – mit ihrer Kooperation „The Ten“ dekonstruieren Nike und Virgil Abloh 10 Turnschuh-Ikonen und schaffen neue Stars im Sneaker-Himmel. Erleben Sie Einblicke in technischen Einfallsreichtum und Ablohs investigativen Designprozess – jeder Schuh ist ein Stück Produktdesign, ein Readymade und ein Kleidungsstück.

“As sneaker culture becomes more and more prevalent in both the realms of art and high fashion, there are very few books on the market that are worthy of a chic coffee table arrangement – until now. Icons captures the cultural connection between sneakers, art, and fashion behind one of the biggest collaborations in sneaker history.”

nylon.com

Ice Cold präsentiert die visuelle Geschichte vom Schmuck der Rapper und ihrer Bling-Kultur. Mit ikonischen Fotos aus 40 Jahren und fesselnden Storys wird die Welt des Hiphop-Adels in den Fokus genommen, in der Megastars wie Jay-Z, Migos, Pharell und Tupac mit funkelnden Klunkern Status zeigen und ihren persönlichen Stil ausdrücken.

Ice Ice Baby
Wie der Hiphop die Welt des Luxus neu definiert und zum Glitzern gebracht hat

Schmuck ist und bleibt eine Säule der Hiphop-Kultur – egal, ob es um diamantenbesetzte „Grillz“, überdimensionale „truck style“-Anhänger, bust down-Rolex- und Patek Phillippe-Uhren, oder eine Tiffany-Halskette geht. Der exzessive Bling ist das glitzernde Statement einer kollektiven Identität – kompromisslos, charismatisch und mit viel Street-Smartness.

Ice Cold. A Hiphop Jewelry History umspannt die gesamte Geschichte des Hiphop-Schmucks von den 1980ern bis heute – es ist die fantastische Verbindung des Hiphop-Narrativs und seiner Visualisierung. Hunderte von ungewöhnlichen Fotos präsentieren alle wichtigen Hip-hopkünstler und feiern „Ice“ als den Ausdruck der Identität und Selbstdarstellung.

Nach den Anfängen mit Run-DMCs goldenen adidas-Anhängern und Eric B. & Rakims pompösen Dookie-Ketten und Mercedes-Medaillons entwickelt sich der Hiphop-Schmuck vom Street-Accessoire zu einer boomenden Designkultur. Die Tradition des Schaulaufens erreicht neue Höhepunkte mit Künstlern wie Pharrell Williams, Jay-Z, Gucci Mane, und Cardi B, deren immer exklusiveren Schmuckstücke Motive aus der Popkultur integrieren, unkonventionelle Materialien verwenden und wiederholt auch Kollaborationen mit Künstlern wie Takashi Murakami eingehen.

Die Autorin Vikki Tobak zeigt mit vielen Beispielen die Arbeiten von Schmuckpionieren wie Tito Caicedo of Manny’s, Eddie Plein, und Jacob the Jeweler bis hin zu neueren Künstlern wie Avianne & Co., Ben Baller/IF & Co., Greg Yuna, Johnny Dang, Eliantte und vielen mehr.

Ice Cold ist die umfassende Schau eines schillernden, inspirierenden Stils, zu der die führenden zeitgenössischen Fotografen beitragen: Wolfgang Tillmans, Janette Beckman, Jamel Shabazz, Timothy White, Gillian Laub, David LaChapelle, Danny Clinch, Phil Knott, Raven B. Varona, Al Pereira, Albert Watson und viele andere.

Das Vorwort von Slick Rick und Essays von A$AP Ferg, LL COOL J, Kevin „Coach K“ Lee und Pierre „P“ Thomas von Quality Control Music nehmen uns auf eine sehr persönliche Reise in ihr Schmuck-Universum mit.

Ice Cold geht dabei weit über den ostentativen Bling hinaus, um dessen transformative Geschichte zu enthüllen, die sowohl laut als auch stolz ist.

Die Autorin
Vikki Tobak schreibt für Magazine und Zeitungen wie Complex, Rolling Stone, The FADER, Mass Appeal, Paper, Vibe, i-D, und die Detroit News. Sie ist die Autorin von Contact High: A Visual History Of Hip-Hop und die Kuratorin der gleichnamigen Wanderausstellung. Für CBS, CNN und Bloomberg News hat sie als Producerin und Kolumnistin gearbeitet. Sie begann als Kulturredakteurin beim Paper magazine bevor sie bei Payday Records/Empire Management mit Gruppen wie Gang Starr, Jay-Z, Mos Def, Show and AG, Jeru and other Hiphop-Legenden zusammenarbeitete.

50-Jahre Ton Steine Scherben! Klar: ein Jubiläumskonzert muss sein, aber dann gab es auch eine Fotoausstellung auf dem Mariannenplatz und im Bethanien die die Geschichte von Ton Steine Scherben und die Zeit der Ende 60er, Anfang 70er Jahre nachzeichnet. Von dieser Ausstellung im Sommer 2021 ist nun der Katalog erstellt worden. Er zeigt Gesichter und Geschichten der Rockband Ton Steine Scherben und ihres charismatischen Sängers Rio Reiser. Die Geschichte von Ton Steine Scherben war exemplarisch für ihre Zeit, hier erwuchs eine musikalische Kraft, die für die Rockmusik in Deutschland Maßstäbe setzte und die sich in die Herzen und Seelen mehrerer Generationen bis heute eingeschrieben hat. Knapp 300 Seiten mit 280 Schwarz-Weiß-Fotografien und zahlreichen Interviewausschnitten mit der Band und Zeitgenossen machen deutlich, Ton Steine Scherben waren nicht eine Musikgruppe die im Übungsraum probt und von Konzerten träumt. Vielmehr waren sie wie viele andere Ende der 60er, Anfang der 70er Jahre, auf der Suche nach Veränderung und Selbstbestimmung. Vor diesem Hintergrund waren sie authentischer Ausdruck einer rebellischen Jugend: ihr Aufbegehren nach Freiheit und Gerechtigkeit, einem anderen, besseren Leben gegen eine demokratisch mangelhafte, autoritär geprägte piefige Nachkriegsgesellschaft. Zu sehen ist das, was der Band bis heute Glaubwürdigkeit und Zuneigung verschafft: Sie sangen nicht nur "Denn die Freiheit ist unser Ziel", sondern sie versuchten, dieses Ziel auch in ihrem Lebens- und Arbeitsalltag umzusetzen: gemeinsam und solidarisch mit allen, die nach Autonomie und Gerechtigkeit strebten und ihre Unterstützung brauchen konnten: von den Lehrlingen und obdachlosen Jugendlichen in Kreuzberg über politische Gefangene, Hausbesetzer, Anti-Atomkraft Gegner oder den schwulen Theatergruppen Brühwarm und Transplantis. Dokumentarische, ikonische Pressefotos von mehr als 50 lokalen und internationalen Fotograf*innen bringen im ersten Teil des Katalogs die Nachkriegszeit in Erinnerung: Von der gesellschaftlichen Mauer des Schweigens zu den NS-Verbrechen, über die physische Mauer im geteilten Berlin, bis zur kulturellen Revolution des Rock 'n' Roll, der US-amerikanischen Bürgerrechtsbewegung, APO und Proteste gegen den Vietnamkrieg, der Erschießung Benno Ohnesorgs o.a. - historische Kräfte und Momente, die als Vorgeschichte und "kulturelle Dna" auf die Revolte der 60er und 70er Jahre und auf die Entwicklung von Ton Steine Scherben einwirkten. Im zweiten Teil des Katalogs sind Bilder von Fotografen zu sehen, die die Band punktuell oder länger mit der Kamera begleiteten, Porträts und Momentaufnahmen der Veränderungs- und Selbsterfindungsversuche: Die Gründung der Band aus den Wurzeln des Theaters, die Rauch-Haus-Besetzung und andere Aktionen mit Jugendlichen, Zusammenleben und -arbeiten in der Kommune am Tempelhofer Ufer, Ausstieg und Leben auf dem Land in Fresenhagen, Tourneen und Plattenproduktionen mit eigenem Label und Vertrieb und immer wieder Theaterprojekte. Kulturgeschichtlich betrachtet war die Geschichte der Band exemplarisch für ihre Zeit, aber sie wuchs auch darüber hinaus. Ton Steine Scherben waren Bestandteil und Dynamo, vor allem aber authentischer Ausdruck einer Jugend-Revolte, die unsere Gesellschaft verändert und neue demokratische Prozesse und Formen ermöglicht hat.

"Allein machen sie dich ein!", "Wir sind geboren, um frei zu sein!", "Wir müssen hier raus!" - Kaum ein Album der deutschen Popgeschichte hat so viele Parolen hervorgebracht, die von Tausenden Menschen auf Hunderten Demos skandiert wurden, wie "Keine Macht für Niemand", der Klassiker der Agitrockband Ton Steine Scherben von 1972. Kaum zu glauben, dass das Album im Oktober 2022 bereits 50 Jahre alt wird. Neben damals tagesaktuellen Liedern wie dem "Rauch-Haus-Song" oder "Menschenjäger" finden sich zeitlose Klassiker wie "Schritt für Schritt ins Paradies" oder "Komm, schlaf bei mir". Als Gesamtkunstwerk zwischen Agitprop, Liebeslied, Demoparolen und Bibelzitaten haben sie Musikgeschichte geschrieben, Anlässlich des Jubiläums haben wir elf Comiczeichner:innen gebeten, sich mit jeweils einem der Songs zu beschäftigen und ihn danach zu befragen, ob er für die heutige politische Weltlage noch Relevanz besitzt. Entstanden sind elf eigenwillige Interpretationen, die die vielen Facetten des Albums einfangen, das Parolenhafte wie auch das Zarte, die Kritik aber auch die Utopie. Das Line-up: Kathrin Klingner "Wir müssen hier raus" - Nicolas Mahler "Feierabend“ - Bianca Schaalburg "Die letzte Schlacht gewinnen wir“ - Sheree Domingo/Rahel Suesskind "Paul Panzers Blues“ - Reinhard Kleist "Menschenjäger“ - Mia Oberländer "Allein machen sie dich ein“ - Sascha Hommer "Schritt für Schritt ins Paradies“ - Daniela Heller "Der Traum ist aus“ - Jan Soeken "Mensch Meier“ - 18Metzger "Rauch-Haus-Song“ - Ulli Lust "Keine Macht für Niemand“ - Michael Jordan "Komm, Schlaf bei mir“

Als Tocotronic 1994 ihre erste Single aufnahmen, konnte niemand ahnen, dass sie eine der erfolgreichsten deutschen Rockbands werden sollten. Mehrere Hitsingles und fünf Charts-Alben später gäbe es immer noch kein Buch über das Innenleben des Phänomens Tocotronic - wäre da nicht Thees Uhlmann, der sich die Mühe gemacht hat, während der ausgedehnten Live-Touren des Jahres 1999 zur K.O.O.K.-Platte ein Tagebuch zu führen. Aus der Insiderperspektive zeichnet Uhlmann ein authentisches Bild vom Leben auf Tour zwischen Tränen, Alkohol, Autobahnraststätten und Nahrungsverweigerung. Hier werden jedoch keine Denkmäler für musikalische Überstars errichtet. Vielleicht weil diese Aufzeichnungen nie als Buch, sondern als flüchtiges Internet-Dokument gedacht waren, gelingt es Uhlmann, die Protagonisten seiner unkonventionellen Stories - Arne Zank, Jan Müller und Dirk von Lowtzow - vor allem als Charaktere darzustellen. Das Vorwort hat Arne Zank geschrieben

2007 erschien mit »Wo die wilden Maden graben« der Debütroman von Thorsten Nagelschmidt; seinerzeit noch unter seinem Kurznamen Nagel. Und wie in seinem großartigen, 2020 vorgelegten Roman »Arbeit«, in dem er als Chronist die Geschichten der Menschen erzählt, die das Nachtleben überhaupt erst ermöglichen, berichtet Thorsten Nagelschmidt bereits im Erstling von den Höhen und Tiefen des Lebens in der sogenannten Kreativwirtschaft. Nur dass er in »Wo die wilden Maden graben« seinen Protagonisten, einen Sänger und Musiker einer Punkrockband auf Erfolgskurs, in den ganz persönlichen Momenten zwischen Euphorie und Langeweile, zwischen Glamour und Monotonie schildert.

Mit einem Vorwort von Steve Turner. 304 Seiten mit über 200 Fotos und Illustrationen Einband in Halbleinen. Format 18,5 × 23,8 cm

Aus der Einleitung von Steve Turner:

„Paul verriet mir, was ihn und John einst zum Schreiben eigener Songs motivierte: Sie mussten sich von der örtlichen Konkurrenz abheben! Immer, wenn sie in einem Club auftreten wollten, stellte sich heraus, dass ihr Repertoire aus raren B-Seiten und LP-Tracks bereits von unbedeutenderen Bands gespielt wurde. Es war die Geburtsstunde der größten Songwriting-Partnerschaft in der Geschichte des Rock’n’Roll!

Sie analysierten Rock-Klassiker und testeten die eigenen Songs vor Publikum, das so nah vor ihnen stand, dass man gleich sah, ob eine Nummer funktionierte.

Anfangs wurden ihre Texte kaum thematisiert, man kritisierte höchstens flapsige Ausdrücke wie „Yeah, yeah, yeah“ (sogar Pauls Vater hätte „Yes, yes, yes“ besser gefunden). Auf Pressekonferenzen wurden sie nach ihrer Schwäche für Jelly Babies befragt, aber nicht, wie sie ihre Songs schrieben. Doch das änderte sich.

Sind Beatles-Texte Gedichte? Nicht wirklich. In Songtexten hingegen finden sich Leerstellen, die von Gitarre, Keyboard und Drums gefüllt werden müssen. Gedichte verfügen über eine eigene Musikalität. Die Gedichte, die wir in der Schule gelernt haben, wissen wir meist nicht mehr auswendig, aber „All You Need Is Love“ oder „Hey Jude“ können wir textsicher mitsingen. 178 solcher Songs finden Sie nun in diesem schönen Buch, chronologisch nach dem Zeitpunkt der Veröffentlichung geordnet.

Viel Freude damit!

Dass es leichter sei, sich das Ende der Welt vorzustellen als das Ende des Kapitalismus, wird zu einer Gewissheit, die kaum noch skandalös ist: So what? Wenn es stimmt, dass die Utopien verschwunden sind, wie steht es dann im und als Pop um: Revolution, Zeit, Raum, Erinnerung, Erfahrung, Hoffnung, Vergangenheit, Gegenwart, Zukunft, Geschichte, Fortschritt, Dynamik, Möglichkeit/Wirklichkeit ...? War Pop nicht der Soundtrack einer besseren Welt, die Ode an die Freiheit des realen Humanismus? Popgeschichte ist auch die Geschichte unzähliger Utopien, gelebter und gewünschter Entwürfe einer anderen, einer besseren Welt, die von Freedom und Happiness und Love bestimmt sein soll. Der Pop selbst beanspruchte schließlich, eine Utopie zu sein, ein verwirklichter Traum vom guten Leben. Allerdings ist Pop in all seiner Vielfalt immer auch das Gegenteil von Utopie gewesen: die auf die private Nische reduzierte Idylle, in der jede und jeder sich irgendwie durchwurschtelt, das bescheidene Glück des Augenblicks (im Konzert, im Kino, im Konsum) oder das ins Unterhaltungsformat gebrachte Schreckensszenario, die Katastrophe als Entertainment, die Dystopie. Pop ist eben nicht nur Nicht-Ort, nowhere, sondern ein now here, Jetzt-Hier.

Das SO36 in Berlin-Kreuzberg ist seit fast 40 Jahren ein magischer Ort für krasse Musik, linksradikale Politik, wilde Exzesse und heftige Flashs. Ein Ort für Punks, Hippies, Burner, Hedonisten, Homos, Heteros und andere Lichtgestalten. Das SO ist Symbol eines wütenden Stadtteils – Hausbesetzer vs. Bullen, Kiezmiliz, Soliaktionen, politischer Kampf.
Der opulente Jubiläumsband versammelt brutal chronologisch die Geschichten und Bilder, die diesem Ort entsprungen sind – eine Zeitreise durch die Punkgeschichte. Doch es geht um weitaus mehr als um eine Revue: Es wird auch die Frage verhandelt, warum der dreckige Punkschuppen oder schillernde Nachtclub das alles eigentlich überlebt hat. Ob Ratinger Hof oder CBGB’s – versunken, fast vergessen. Das SO36 aber bietet noch heute die Möglichkeit zur
Ekstase, verpflichtet sich der Irritation. Der über 400 Seiten starke Bildband, ein fotolastiger Punk-Brocken, ist Rückblick und Anstiftung zugleich.

Eine Zeitreise durch die Subkulturgeschichte Deutschlands, unter
anderem mit Wolfgang Müller (Die Tödliche Doris), Claus Ritter (Male), Frieder Butzmann, Frank Z. (Abwärts), Bettina Köster (Malaria), Charly Harper (UK SUBS), Mark Reeder (Die Unbekannten), Volker Hauptvogel (MDK), Henry Rollins (Black FLag), Johnny Bottrop (Terrorgruppe),
Rahel Kindermann (She-Devils), Lou Koller (Sick of it All), Roger Miret (Agnostic Front), Ipek Ipekcioglu, Elvira Westwärts, Fatma Souad, Page Hamilton (Helmet) und Sookee.

440 Seiten mit DVD, 23 x 29 cm, Hardcover.

Autorisierte englische Originalausgabe. Ca. 240 Seiten mit über 200 Fotos in Farbe und s/w. Hardcover im Format 27,5 × 21,5 cm

Bereits während der Zeit bei Nirvana schrieb Dave Grohl eigene Songs, bis auf einen Stück «Marigold» fand jedoch keines Aufnahme in das Repertoire der Band. Dass Grohl 1994 überhaupt das Bandprojekt Foo Fighters begann, hatte er wohl seinem Psychater zu verdanken, der ihm nach dem Tod von Kurt Cobain dringend empfahl mit Musik weiterzumachen. Mit den Alben “The Colour and the Shape” und “There is nothing left to loose” stellten sich 1997/1998 die ersten grossen Erfolge ein. Im Laufe der Jahre arbeitete die Band mit John Paul Jones (Led Zeppelin), Paul McCartney und Justin Timberlake zusammen und durchlief einige personelle Veränderungen, absolvierte etliche gefeierte Tourneen. 2021 erfolgte die Aufnahme in die Rock’n’Roll Hall of Fame.

Am 25. März 2022 verlor die Band während der Tournee in Kolumbien den beliebten Schlagzeuger Taylor Hawkins, der über gesundheitliche Probleme klagte und nicht mehr reanimiert werden konnte. Der Verlust liess die Fans das Ende der Band befürchten. Doch im April 2023 veröffentlichten die Foo Fighters eine neue Single Rescued und kündigten damit ein neues Album But Here We Are an, welches im Juni 2023 erscheinen soll. Wir freuen uns auf die bevorstehende Welt-Tournee.

Über den Autor: Stevie Chick has been writing about music for over a decade, contributing to publications like Mojo, the Guardian, NME, the Times, the Quietus, Kerrang!, Melody Maker, Sleaze Nation, and Plan B. He is the author of several books on music. He lives in London.

»Sound des Krieges«, »Porno-Nationalismus«, »Turbo-Faschismus«, »Sirenen des serbischen Nationalismus« es gibt viele drastische Umschreibungen für den Turbofolk. Trotzdem war das Musikgenre in den 1990er-Jahren beispiellos populär in Serbien, aber auch in den anderen ex-jugoslawischen Staaten. Kein Fernsehsender und kein Café, das nicht die mit harten Beats und Keyboard aufgemotzte Folkmusik spielte. Der Turbofolk hatte viele Funktionen. Er war nicht bloß ein Musikgenre, sondern eine Kultur. Eine Haltung. Während der Bürgerkriege füllte er eine Leerstelle, die durch den Staatszerfall in der Unterhaltungsindustrie entstanden war. Die Glitzerwelt tröstete die Menschen über Sanktionen und In ation hinweg. Von dem einen Staat wurde der Turbofolk gefördert, von dem anderen bekämpft. Aber niemanden im postjugoslawischen Raum ließ er kalt. Der Triumph der Musik und seiner extremen Ästhetik wurde auch als Verlust einer offenen Gesellschaft und Popkultur wahrgenommen, als Sargnagel Jugoslawiens. Bis heute schwingen die großen Identitätsfragen mit, wenn über diese Musik gesprochen wird: Es geht um den Balkan und Europa, Pop-und Hochkultur, Ethnie und Nation, und immer um Geschlechterrollen.

Ein Buch über Labels: Solche die auf Platten kleben und solche die im Jamaica der 70er wirkten. Ein Buch darüber wie alles zusammenhängt – also der Kleber und die Künstler, Jamaica und die 70er. Auf einer ganzen Menge üppig bebilderter Seiten hat Slow Pete seine 7" lang genug angehalten, um ein Bild vom inneren Kreis zu machen. Und um zu erklären wer da gerade Musik machte. Sollte man sich anschauen, weil es ein schönes Buch ist und weil Slow Pete sich auskennt.

Calling all Sneakerheads - Die Bibel für Turnschuhfans

Sneaker Freaker berichtet seit 20 Jahren wirklich Alles über Turnschuhe und ihre Liebhaber. Für Taschen haben die Sneaker Freakers das Beste der beiden Dekaden zu einer über 500-seitigen Mammutanthologie zusammengenäht: Reportagen, Interviews und natürlich unendlich viele Fotos von limitierten und legendären Tretern.

„Das einflussreichste Sneakerkultur-Magazin des Planeten!“ MTV

Hardcover, 15.6 x 21.7 cm (6.1 x 8.5 in.), 512 Seiten

Nach seinem bahnbrechenden Buch »Retromania« legt der wohl bedeutendste Poptheoretiker der Gegenwart mit »Glam« nun das Standardwerk zu diesem faszinierenden Musikstil vor. Eine Kulturgeschichte der eigenwilligen Mode und schrägen Stars, die bis heute maßgeblichen Einfluss auf die Popkultur haben. David Bowie, T. Rex, Alice Cooper und Roxy Music feierten mit Glam das Künstliche und das Spektakel und grenzten sich so von den immer gleichen Rockbands ihrer Zeit ab. Glam war also mehr als nur ein buntes Spiel, er war das erste kulturelle Auflehnen gegen die in Langeweile erstarrte Rockmusik Jahre vor Punk. Simon Reynolds lädt die Leser zu einer Bildungsreise durch die frühen Siebziger ein, in die Zeit der Glitzerkostüme, des Make-ups und der aufregenden Musik. Dabei bettet das Buch Glam in den größeren kulturellen und politischen Kontext ein, in eine Zeit des sozialen Umbruchs und der politischen Desillusionierung. Und es erzählt die Geschichte eines Bruches, den Künstler wie Lou Reed, die New York Dolls, Queen oder die Sparks mit der Hippie-Generation vollzogen haben, indem sie das Künstliche über das Authentische und das Wahre stellten. Abschließend verfolgt Reynolds die Spuren von Glam bis in die Gegenwart und findet bei Künstlerinnen wie Lady Gaga ähnliche Strategien, etwa der Androgynität oder Dekadenz. Glam zeigt, dass der Art Pop der Siebziger auch heute noch die Popkultur prägt.

Englische Orginalausgabe 96 Seiten mit über 150 farbigen und s/w Fotos und 20 Faksimile-Beilagen und 2 Plakaten zum Herausnehmen. Fester Einband mit extra starken Deckeln. Hardcover 24,5 × 28 cm

Dieser quietschbunte Bildband kommt prall gefüllt daher mit herausnehmbaren Postern und skurrilen Memorabilien wie Autographen und Korrekturen von diversen Sketches, Eintrittskarten, persönlicher Monty Python Stempelkarte (zum Selbstausfüllen), Tagebuch-Notizen etc. Enthält die Frühgeschichte der Pythons in Oxford und Cambridge, Auszüge aller wichtigen Sketches usw. und eine Filmographie, TV/Discographie + eine Liste der Bühnenauftritte/Konzerte. Die legendären Monty Python’s Flying Circus gelten als die wohl international beliebteste Komiker-Truppe. Von 1969 bis 1974 lieferten die Mitglieder Graham Chapman (T), John Cleese, Terry Gilliam, Eric Idle, Terry Jones und Michael Palin für die BBC 45 Folgen ab, die heute wahren Kultstatus genießen. Danach folgten die bekannten Filmproduktionen und alle Mitglieder waren und sind als Schauspieler, Regisseure oder Produzenten aktiv. Wie beliebt Monty Python heute noch sind, zeigten zuletzt ihre Shows in der O2-Arena in London – die erste Nacht war in 43,5 Sekunden ausverkauft. Wer das verpasst hat, tröstet sich mit der sehr aktiven neuen Website www.montypython.com, andere zählen zu den 1 Mio Followern bei Facebook. Diese Originalausgabe ist britisch autorisiert und entstand unter Mitarbeit der Pythons. Das Erscheinen ist koordiniert mit dem Release der DVD-Gesamtausgabe von Mpfc. Über den Autor: Rod Green ist Herausgeber und Schriftsteller, der schon an vielen Büchern über Komiker- und Bühnen-Stars mitgewirkt hat, darunter Biographien zu Spike Milligan, Rowan Atkinson, Eric Sykes, Mr. Bean – und er soll ein Experte zum Thema Weihnachtsmann sein.

Die erste Ausgabe enthält Bilder und Eindrücke aus Detroit. Diese Version ist limitiert auf 100 Stück.

Die dritte Ausgabe enthält Bilder und Eindrücke aus Moskau und St. Peterburg. Limitiert auf 100 Stück.

Der Swing der frühen Jahre

Big city, big bands: Eine illustrierte Geschichte des New Yorker Jazz der 1920er Jahre

Wir schreiben die wilden Zwanziger, und in New York grassiert das Jazz-Fieber. Die Menschen strömen in die Nachtclubs und Tanzsäle von Harlem, um Größen wie Louis Armstrong zu sehen, der mit dem Fletcher Henderson Orchestra im Kentucky Club spielt, oder Duke Ellington, der im Roseland Ballroom oder dem weltberühmten Cotton Club auftritt.

Entworfen, illustriert und herausgegeben von Robert Nippoldt, huldigt dieses preisgekrönte Werk einer glanzvollen Ära mit einer spannenden Mischung aus virtuoser Zeichenkunst, historischen Fakten und amüsanten Anekdoten. Das Buch stellt 24 herausragende Persönlichkeiten der New Yorker Jazz-Szene in den Roaring Twenties vor. Autor Hans-Jürgen Schaal schildert in seinen Texten eindrücklich die Clubszene, die Bandwettbewerbe sowie legendäre Aufnahmesessions. Eine packende Lektüre mit wunderbaren Musikempfehlungen – nicht nur für bekennende Jazz-Fans!

Als nostalgischer Trip ins goldene Zeitalter des New Yorker Jazz ist dieses preisgekrönte Buch schlicht unersetzlich. Der von Robert Nippoldt entworfene, bebilderte und herausgegebene Band mit Texten von Hans-Jürgen Schaal enthält neben Nippoldts fesselnden Illustrationen von Szenen und Protagonisten rund um den Jazz viele interessante Fakten und unterhaltsame Anekdoten – ein überwältigendes Porträt des Sounds, der Amerika veränderte.

Der Autor Robert Nippoldt ist Illustrator und Buchgestalter. Einem größeren Publikum bekannt wurde er durch verschiedene Publikationen und Bühnenprogramme zu den 1920er-Jahren sowie Zeichnungen für den New Yorker und das Time Magazine. Ihm wurden mehr als zwei Dutzend Preise verliehen, darunter der des Art Directors Club in New York und der International Design Award in Los Angeles.

Sinfonie einer Großstadt

Schein und Sein: Berlin in den 1920ern

Das Berlin der Goldenen 1920er ist eine Erfolgsstory, die das 20. Jahrhundert seinen Kindern und jetzt auch Kindeskindern immer wieder gerne erzählt: so viel Rasanz, Theatralik, Drama, Lichter der Großstadt, Verkehrschaos, Leben, das laut auf sich aufmerksam macht, will es nicht in Hinterhöfen und Mietskasernen verkümmern, Cabaret, Theater, Funk, Film, Reklame, Bubikopf und Monokel, queere Kieze, Charleston und der „Onkel Bumba aus Kalumba“; alles rennt, rast und schwoft, jeden Tag breaking news, Sensationen und Spektakel. An dieser Geschichte, deren Strahlkraft heller leuchtet als fünf Millionen Osram-Birnen (Werk Berlin-Friedrichshain), haben viele mitgestrickt: Kunstschaffende, City Girls, Gigolos, Bohemiens, Intellektuelle, Koksbarone, Ringvereine und Politgangster, Wissenschaftler, Sportskanonen und Spekulanten, Dr. Mabuse, Mackie Messer, Maria, der schöne Maschinenmensch und eine endlose Parade von tanzwütigen Nachtschwärmern.

Nach den Bestsellern Hollywood in the 30s und Jazz: New York in the Roaring Twenties hat sich Illustrator Robert Nippoldt diesmal mit dem Schriftsteller Boris Pofalla zusammengetan, um den Geist dieses Jahrzehnts in einem atmosphärisch dichten Album einzufangen.

Nippoldt stellt nicht nur bekannte Figuren wie Lotte Reiniger, Christopher Isherwood, Albert Einstein, Kurt Weill, Marlene Dietrich und George Grosz vor, sondern auch Thea Alba, „die Frau mit zehn Gehirnen“, Magnus Hirschfeld, den „Einstein des Sex“, und den berühmt-berüchtigten Ganoven Adolf Leib. Bevor Weltwirtschaftskrise und Naziherrschaft Berlin das Licht ausknipsen, zeigt uns Nippoldt noch einmal alles: die grellen Lichter der Großstadt und das Grau der Fabriken, Hinterhöfe und Mietskasernen, das Geschrei der Sporthallen und die Stille der Theatersäle, den Gesang der Comedian Harmonists und Marlene Dietrich, die sich zylinderbehütet eine Zigarette anzündet und dann – kluge Frau – ein Dampferticket nach Hollywood kauft.

Die Autoren Boris Pofalla studierte Kunstgeschichte und Allgemeine und Vergleichende Literaturwissenschaft an der Freien Universität Berlin. Er ist Autor und Kunstkritiker der Welt. 2015 erschien sein Debütroman Low. Er lebt in Berlin.

Robert Nippoldt ist Illustrator und Buchgestalter. Einem größeren Publikum bekannt wurde er durch verschiedene Publikationen und Bühnenprogramme zu den 1920er-Jahren sowie Zeichnungen für den New Yorker und das Time Magazine. Ihm wurden mehr als zwei Dutzend Preise verliehen, darunter der des Art Directors Club in New York und der International Design Award in Los Angeles.