Matador Rock & Indie 135 Artikel

"The Twits" wurde von der Band im Februar 2023 innerhalb von nur acht Wochen in einem provisorischen Heimstudio auf Mallorca aufgenommen und von Marta Salogni abgemischt. Nach einem Kinderbuch von Roald Dahl benannt, zeigt sich das Songwriting von bar italia in rauen, mystischen, ungebürsteten und gelegentlich düsteren Arrangements. Songs wie "my little tony" mit seinen harten Riffs und dem kathartischen Sound ist ein klassischer Indie-Banger für die große Bühne. In anderen Momenten wagt sich die Band auf bisher unbekanntes Terrain, auf dem sie eine hypnotische Dissonanz ihrer Stimmen schaffen. "Jelsy" zum Beispiel spielt sich wie ein Gespräch zwischen Freunden über wehmütigen, summenden Country-Blues ab, wobei die Stimmen abwechselnd tröstlich, ironisch und hoffnungslos sehnsüchtig sind. Der geschmeidige, langsam brennende Walzer "Twist" besticht durch seine nackte Lyrik und scheint jedes Bandmitglied zu einem individuellen Bekenntnis einzuladen. Während "Tracey Denim" von seinen kompakten 2-3-minütigen Songs lebte, besticht "The Twits" durch seine eher offenen und mitunter uferlosen Kompositionen. "glory-hunter" nimmt z.b. spielerische Wendungen, bevor es an einem völlig anderen Ort endet, als es begonnen hat. Das abschließende "bibs" ist ein seltener Fall, in dem alle drei im Einklang zu hören sind. Eine Prozession geradezu geisterhafter Akkorde mit einer zerreißenden Rückkopplung bildet den Abschluss des Albums. Das im Mai veröffentlichte Matador-Debüt "Tracey Denim" von bar italia wurde schnell zum Gesprächsthema der weltweiten Indieszene. Publikationen wie The Guardian ("eines der Alben des Jahres 2023 bisher"), The Times ("excellent debut album"), The Observer ("Artist To Watch"), NME ("a lasting impression that"s all of their own making"), The Quietus ("endlessly evocative") und Pigeons And Planes ("quickly establishing themselves as one of the most enticing upcoming bands") feierten das Album. Im Juni gaben bar italia ihr Live-Debüt in den USA mit fünf ausverkauften Konzerten in New York sowie vier in Los Angeles und auch ihre Debüt-Show in Berlin war binnen kürzester Zeit ausverkauft. Über einen der New Yorker Auftritte schrieb Brooklyn Vegan: "Live spielt die Band ganz natürlich und großartig auf, mit Songs wie "Punkt", "Changer" und "Nurse!" (...), die Post-Punk der frühen 80er mit Indie-Rock der 90er und einem Hauch Trip-Hop mischen".

"A Bit of Previous" ist das zehnte Studioalbum von Belle and Sebastian und ihr erstes richtiges Album seit sieben Jahren. Das mag jeden überraschen, der die jüngsten Aktivitäten der siebenköpfigen Band aus Glasgow verfolgt: es gab eine Trilogie von EPs; ein Soundtrack für das Regiedebüt von Simon Bird (The Inbetweeners); The Boaty Weekender (ein viertägiges Musikfestival mit 3000 Zuschauern auf einem Kreuzfahrtschiff im Mittelmeer), ein Live-Album und 2020 ein gemeinsames Projekt mit ihren Fans namens "Protecting The Hive". "A Bit Of Previous" ist ein klassisches Belle and Sebastian Album mit Songs und Melodien, die einem nicht mehr aus dem Kopf gehen und wunderbaren Lyrics. Es wurde von der Band selbst produziert und aufgenommen unter Mithilfe von Brian McNeil, Matt Wiggins, Kevin Burleigh und Shawn Everett. In mancherlei Hinsicht ist das Album eine Art Homecoming: Es ist das erst, das die Band seit 20 Jahren in ihrer Heimatstadt Glasgow aufgenommen hat (das letzte war 2000 "Fold Your Hands Child, You Walk Like a Peasant"). Was als pandemische Notwendigkeit begann (ursprünglich plante man Aufnahmen in Kalifornien), wurde für die Band eine Rückkehr zu ihren Anfängen. So wurde der Proberaum zu einem behelfsmäßigen Studio ausgebaut und man traf einige kreative Entscheidungen bei der Inneneinrichtung, um ihn pandemisch sicher zu halten. Auf "A Bit of Previous" setzen sich Belle and Sebastian mit dem Älterwerden auseinandersetzen und klingen dabei so frisch wie lange nicht mehr. Die verspielten und treibenden Arrangements zeigen einen Band in Höchstform und erinnern uns einmal mehr daran, warum man Belle and Sebastian so tief ins Herz geschlossen hat. Natürlich gibt es auch hier wieder diese klein-großen Pop-Momente. "Unnecessary Drama", "Talk To Me Talk To Me" und "Reclaim the Night" sind Hits, zu denen man auf Konzerten der Band zukünftig tanzen wird. Songs wie "Do it for your Country" sowie "Sea of Sorrow" erinnern hingegen an die "The Boy with Arab Strap"-Phase der Schotten.

Lucy Dacus' drittes Album “Home Video” basiert auf Erinnerungen ihrer Coming-of-Age-Jahre in Richmond, Virginia. Viele der Songs beginnen auf die Weise, wie Memoiren es tun – zum Beispiel: „In the summer of ’07 I was sure I’d go to heaven, but I was hedging my bets at Vbs” – und alle haben die Passion, den Humor und die Ehrlichkeit von erfrischend autobiographischen Texten. Am wichtigsten aber: das neue Album der amerikanischen Songwriterin zeugt wie kein anderes davor von ihrer Fähigkeit persönliche Empfindungen in universelle zu verwandeln. “I can’t hide behind generalizations or fiction anymore,” sagt Dacus darüber. Denn während ihre Songs seit jeher einen nostalgische Anstrich haben, öffnet sich Dacus auf dem neuen Album komplett! Während die lange Zeit auf Tour in Lucy den Wunsch nach ihrer Heimatstadt immer größer werden ließ, fand sie nach ihrer Rückkehr in Richmond ein Zerrbild ihrer selbst vor Ort wieder. Plötzlich schienen Menschen, die sie nicht kannte, sie besser zu kennen, als sie sich selbst und Fremde tauchten immer wieder vor ihrer Tür auf, um sie mit ihrer Version Dacus‘ zu konfrontieren. “You used to be so sweet,” singt sie dementsprechend auf dem Opener "Hot & Heavy", “now you're a firecracker on a crowded street.” Und das in einer Zeit, als sie ihr Zuhause am meisten brauchte. So brach Lucy kurzerhand nach einem Monat Stille auf, um im August 2019 in den Trace Horse Studios in Nashville mit ihren loyalen Freunden und Bandkollegen Jacob Blizard, Collin Pastore und Jake Finch an neuem Material zu arbeiten. Ihre boygenius Kolleginnen Phoebe Bridgers und Julien Baker stießen hinzu um ihre Stimmen den Chorussen von „Please Stay“ und „Going Going Gone“ zu leihen und auch jeder für sich noch neue Solo-Songs während der Sessions aufzunehmen. Das „Home Video“ zum hoffentlich bald nahenden Ende dieser außergewöhnlichen, wie furchterregenden Zeit erscheint, wirkt wie vorbestimmt. “I don’t necessarily think that I’m supposed to understand the songs just because I made them,” sagt Dacus im Videocall, “I feel like there’s this person who has been in me my whole life and I’m doing my best to represent them.” Nach mehr als einem Jahr zuhause und in der Videoscreens und Anrufe größtenteils die einzig mögliche Form von menschlichem Kontakt war, ist das Schwelgen in der Vergangenheit eh für viele zum Standard geworden. In diesem Zuge ist „Home Video“ ein einzigartiges Beispiel dafür, wie man aus Verletzlichkeit Stärke gewinnen kann. Dacus‘ Stimme, sowohl die gesungene als auch ihre innere, bieten einem dafür die nötige Kraft, das Fundament und den Glaube.

Bailter Space's Wammo is back in print for the first time since the album's release 25 years ago. The LP is pressed onto limited transparent orange vinyl and features newly remastered audio from the original session reels. The release rounds out Matador Revisionist History 2020, the label's ongoing catalog campaign that includes recent reissues from Pavement, Yo La Tengo, Guided by Voices and more.

Der in Brooklyn heimische Gitarrist und Songwriter Steve Gunn hat einen langen Weg hinter sich. Er arbeitete
schon mit Künstlern wie Mike Cooper, Michael Chapman und Kurt Vile zusammen. Für Letzteren spielte er
unter anderem in dessen Begleitband The Violators. Sein Talent als begnadeter Geschichtenerzähler beweist
Gunn einmal mehr auf seinem neuen, geschätzt 15. Album "The Unseen In Between": hier treffen
Psychedelic und Twang auf Lyrics mit Gefühl und Herzblut. Nicht zuletzt sein Matador-Debüt von 2016 und
sein Gespür für psychedelische und treibende Gitarren etablierten Gunn in der amerikanischen
Singer/Songwriter-Szene als feste Größe. Das von James Elkington produzierte Werk "The Unseen In
Between" dürfte diesen Sachverhalt weiter zementieren. Unter Elkingtons Ägide entstand ein klassisches
Songwriter-Album, das durch Gunns elegisches Gitarrenspiel und sehnsuchtsvolle Bariton-Stimme zu einem
kleinen Ereignis geriet. Ähnlich wie Kurt Vile ist der New Yorker Musiker ein Meister der Entschleunigung. So
schleichen einem die Songs dieses Album langsam ins Herz, um es nur wenig später umso stürmischer
schlagen zu lassen.

Riley Jones, Louis Forster und James Harrison sind seit Ewigkeiten beste Freunde deren gemeinsame Leidenschaft die Musik ist. Folgerichtig manifestierte man den Bund der Freundschaft in einer gemeinsamen Band schon zu High School Zeiten – The Goon Sax waren geboren. „Mirror II“ ist das dritte Album der australischen Indieband, gleichzeitig ihr Debüt auf ihrem neuen Label Matador Records und zudem ein Aufbruch in neue Soundwelten. Für „Mirror II“ ließen sich die drei Australier ganze drei Jahre Zeit. Louis zog zwischenzeitlich nach Berlin, wo er in einem Kino arbeitete, während Riley und James eine Post-Punk-Band mit dem Namen Soot gründeten. Alle drei experimentierten in dieser Zeit mit teils abstrakter Musik und atonalen Sounds. Mit dem neuen The Goon Sax-Album folgt nun die Rückbesinnung zum Pop. “The first two albums are inherently linked. They had three-word titles; they went together. This one definitely felt like going back to square one and starting again, and that was really freeing.”, sagt Louis Forster über “Mirror II”. Für den Songwriting-Prozess zog man in ein gemeinsames Haus, das man schnell den „Fantasy Planet“ nannte, einem Ort, an dem alles möglich sein sollte. Jeder konnte dem anderen zu jeder Zeit seine Ideen präsentieren und man probte mindestens drei Mal die Woche – eine unheimlich intensive Zeit für die junge Band. Genauso intensiv klingt dann auch das neue Album. Jedes Bandmitglied bringt seine ganz eigene Art des Songwriting ein. Was wie ein Krieg der Soundwelten klingt, findet auf „Mirror II“ seine harmonische Verschmelzung. Denn mit „Mirror II“ haben sich The Goon Sax endgültig gefunden und gehen den nächsten Schritt. Drei Freunde, drei Individualisten, drei Songwriter, drei Alben: die Zahl 3 könnte für die Band zu einer magischen Nummer werden. Auf jeden Fall hat Australien eine neue große Indieband, die bereit ist, mit ihrer großartigen Musik auch den Rest der Welt zu erobern.

Riley Jones, Louis Forster und James Harrison sind seit Ewigkeiten beste Freunde deren gemeinsame Leidenschaft die Musik ist. Folgerichtig manifestierte man den Bund der Freundschaft in einer gemeinsamen Band schon zu High School Zeiten – The Goon Sax waren geboren. „Mirror II“ ist das dritte Album der australischen Indieband, gleichzeitig ihr Debüt auf ihrem neuen Label Matador Records und zudem ein Aufbruch in neue Soundwelten. Für „Mirror II“ ließen sich die drei Australier ganze drei Jahre Zeit. Louis zog zwischenzeitlich nach Berlin, wo er in einem Kino arbeitete, während Riley und James eine Post-Punk-Band mit dem Namen Soot gründeten. Alle drei experimentierten in dieser Zeit mit teils abstrakter Musik und atonalen Sounds. Mit dem neuen The Goon Sax-Album folgt nun die Rückbesinnung zum Pop. “The first two albums are inherently linked. They had three-word titles; they went together. This one definitely felt like going back to square one and starting again, and that was really freeing.”, sagt Louis Forster über “Mirror II”. Für den Songwriting-Prozess zog man in ein gemeinsames Haus, das man schnell den „Fantasy Planet“ nannte, einem Ort, an dem alles möglich sein sollte. Jeder konnte dem anderen zu jeder Zeit seine Ideen präsentieren und man probte mindestens drei Mal die Woche – eine unheimlich intensive Zeit für die junge Band. Genauso intensiv klingt dann auch das neue Album. Jedes Bandmitglied bringt seine ganz eigene Art des Songwriting ein. Was wie ein Krieg der Soundwelten klingt, findet auf „Mirror II“ seine harmonische Verschmelzung. Denn mit „Mirror II“ haben sich The Goon Sax endgültig gefunden und gehen den nächsten Schritt. Drei Freunde, drei Individualisten, drei Songwriter, drei Alben: die Zahl 3 könnte für die Band zu einer magischen Nummer werden. Auf jeden Fall hat Australien eine neue große Indieband, die bereit ist, mit ihrer großartigen Musik auch den Rest der Welt zu erobern.

Kurt Vile verbeugt sich vor seinem musikalischen Helden.Der amerikanische Slacker-König Kurt Vile war schon seit langen Jahren ein großer John Prine- und Nashville-Fan als sich durch Vermittlung von Matt Sweeney (Chavez, Superwolf) die Möglichkeit auftat, selbst mit seinem musikalischen Helden in Nashville aufzunehmen. Über einen Zeitraum von vier Jahren entstanden in sporadischen Sessions in Prines und Fergies Studio fünf Songs (drei Cover von Prine & Clement und zwei neue eigene Songs), aufgenommen mit lokalen Größen wie Bobby Wood, Dave Roe, Kenny Malone, Dan Auerbach (The Black Keys) und eben Matt Sweeney. "How Lucky", ein Duett mit John Prine, ist dabei für Vile, "probably the single most special musical moment in my life".

Alle Hits auf einem Album - zum Freundschaftspreis. Es gibt nur wenige Bands mit solch einer lebhaften Discografie, einer ebenso treuen Fan-Schar und einem Sound, der sich mit jedem Album neu erfindet. Spoon, die Indie-Rock Helden aus Austin, definieren ihre Musik seit über 25 Jahren, mittlerweile neun Alben, diversen EPs und unzähligen Singles gekonnt neu. Grund genug das bisherige Schaffen in einer Sammlung aus ihren Hits und Fan-Favoriten festzuhalten: "Everything Hits At Once", dem Best Of-Album von Spoon, das am 26. Juli via Matador Records erscheint! Spoon haben für dieses Greatest Hits-Album versucht, ihr bisheriges Schaffen nachzuzeichnen, die Entwicklung und wichtigen Wendungen in ihrer Karriere zu dokumentieren und es sich dabei keinesfalls leicht gemacht bei der Auswahl der Songs. "Everything Hits At Once" ist eine Art Diskussionsgrundlage für die kommenden Jahre, wie es jede Best Of-Platte sein sollte. Gleichzeitig ist es aber auch eine Momentaufnahme einer der spannendsten Bands unserer Zeit und dank dem neuen Track "No Bullets Spent" ein Ausblick darauf, was alles noch kommen kann.

Die Idee für Boygenius entstand, als Julien Baker, Phoebe Bridgers und Lucy Dacus zusammen für eine USTour
gebucht wurden. Bridgers und Dacus trafen erstmals im Backstage-Bereich eines Festivals in
Philadelphia aufeinander und waren sich sofort sympathisch. Mit Baker tauschte sich Dacus schon länger per
E-Mail über Songwriting-Ideen aus. Mit ihren letzten Alben bewiesen die drei Songwriterinnen, dass sie zu
den jungen und großen Talenten der US-amerikanischen alternativen Musikszene gehören. Insofern
verwundert es nicht, dass bereits nach ein paar Sessions so ergiebige Ergebnisse zu verzeichnen waren,
dass statt einer ursprünglich geplanten Tour-7‘‘eine EP mit sechs Tracks entstand. Die Songs wurden Ende
Juni 2018 in den Sound City Studios in Los Angeles aufgenommen. Jede Musikerin brachte jeweils einen
eigenen Song sowie einen Entwurf für einen gemeinsamen Boygenius-Titel zu den Sessions mit. Dadurch
hört man drei Aufnahmen eine eigene musikalische Signatur an. Bei den restlichen Nummern ergänzen sich
Dacus, Bridgers und Baker perfekt und geben so einen Fingerzeig für die Zukunft von Boygenius.