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Die Songs von Faye Webster sind ein direkter Draht zum menschlichen Unbewussten, und "Underdressed at the Symphony" dokumentiert, was passiert, wenn man beginnt, aus den Trümmern der alten Routinen ein neues Selbst aufzubauen. Schon ihre zuvor veröffentlichten Songs "But Not Kiss" und "Lifetime" zeigen das selten erforschte Gebiet emotionaler Intimität, in dem Verlangen und Leidenschaft im Konflikt mit Trost, Verständnis und sogar platonischer Liebe stehen. Diese Themen finden sich in “Underdressed at the Symphony” wieder, zusammen mit hyper-spezifischen Symbolen, die ein Bild von Websters Leben zeichnen, wie z.B. "eBay Purchase History" oder die Objekte, die sie bei "Lego Ring"begehrt.

“Underdressed at the Symphony” wurde mit ihrer langjährigen Band in den Sonic Ranch Studios in Texas aufgenommen und schwelgt in Experimentierfreudigkeit, Verspieltheit und Abenteuerlust. Vocoder-Momente, Schnörkel eines Orchesters, gruselige Harmonien und Synthesizer kommen zum Vorschein, ohne die räumliche Qualität von Websters früherer Musik zu beeinträchtigen, sodass ihre Texte nach wie vor genügend Raum haben, mit zusätzlichen Bedeutungsebenen an die Oberfläche sprudeln. Matt „Pistol“ Stoessels Pedal Steel-Klänge sorgen für genau den richtigen Schimmer, während Nels Cline von Wilco seine unbestreitbar gefühlvollen Fingerfertigkeiten zu einer Reihe von Songs beisteuert. Das Zusammenkauern an der buchstäblichen Grenze zwischen den USA und Mexiko bot den Musiker*innen Raum zum Isolieren, Konzentrieren und Experimentieren. Alle Songs auf diesem Album sind Live-Aufnahmen, von denen einige bereits beim ersten oder zweiten Take aufgenommen wurden und Websters Talent zeigen, aus einem ganz bestimmten, scheinbar kleinen Moment eine universelle Erfahrung zu ziehen.

Die Songs von Faye Webster sind ein direkter Draht zum menschlichen Unbewussten, und "Underdressed at the Symphony" dokumentiert, was passiert, wenn man beginnt, aus den Trümmern der alten Routinen ein neues Selbst aufzubauen. Schon ihre zuvor veröffentlichten Songs "But Not Kiss" und "Lifetime" zeigen das selten erforschte Gebiet emotionaler Intimität, in dem Verlangen und Leidenschaft im Konflikt mit Trost, Verständnis und sogar platonischer Liebe stehen. Diese Themen finden sich in “Underdressed at the Symphony” wieder, zusammen mit hyper-spezifischen Symbolen, die ein Bild von Websters Leben zeichnen, wie z.B. "eBay Purchase History" oder die Objekte, die sie bei "Lego Ring"begehrt.

“Underdressed at the Symphony” wurde mit ihrer langjährigen Band in den Sonic Ranch Studios in Texas aufgenommen und schwelgt in Experimentierfreudigkeit, Verspieltheit und Abenteuerlust. Vocoder-Momente, Schnörkel eines Orchesters, gruselige Harmonien und Synthesizer kommen zum Vorschein, ohne die räumliche Qualität von Websters früherer Musik zu beeinträchtigen, sodass ihre Texte nach wie vor genügend Raum haben, mit zusätzlichen Bedeutungsebenen an die Oberfläche sprudeln. Matt „Pistol“ Stoessels Pedal Steel-Klänge sorgen für genau den richtigen Schimmer, während Nels Cline von Wilco seine unbestreitbar gefühlvollen Fingerfertigkeiten zu einer Reihe von Songs beisteuert. Das Zusammenkauern an der buchstäblichen Grenze zwischen den USA und Mexiko bot den Musiker*innen Raum zum Isolieren, Konzentrieren und Experimentieren. Alle Songs auf diesem Album sind Live-Aufnahmen, von denen einige bereits beim ersten oder zweiten Take aufgenommen wurden und Websters Talent zeigen, aus einem ganz bestimmten, scheinbar kleinen Moment eine universelle Erfahrung zu ziehen.

Joey Dosik - von Quincy Jones als ein Künstler bezeichnet, den
man im Auge behalten sollte - veröffentlicht über Secretly
Canadian eine Deluxe Version seiner Game Winner EP,
angereichert mit vier Bonustracks. Joey ist ein wesentlicher Teil
einer Szene von Musikern in L.A., die Vintage Klänge in die
Gegenwart tragen. Durch unermüdliches Touren war Joey 2017
fast durchgängig unterwegs - sei es mit Vulfpeck, Lake Street Dive
oder aufgrund seiner eigenen Konzerte. Als passionierter
Basketball und NBA Fan, trat er sogar für das NBA Publikum im
Madison Square Garden, Staples Center und anderen ikonischen
Stadien in den USA auf. ,Game Winner" ist eine heitere und
gefühlsgeladene Sammlung Songs, die locker von der Sprache und
den Weisheiten des Basketballs inspiriert sind - Joeys erster
großen Liebe (seine ersten Erinnerungen rühren von den
Besuchen diverser Lakers Spiele) bevor die Musik in sein Leben
trat. "My dad used to say, 'Sports is a metaphor for life'," erinnert
sich Joey. "At first look "Game Winner" is about basketball; but it
is a song that holds multiple meanings, it is universal."

Julien Ehrlich und Max Kakacek konnten die erstaunlichen Unterschiede in den Songs hören, die sie für ihr drittes Album als Whitney, Spark schrieben - die beschwingten Drumloops, die mühelosen Falsett-Hooks, die überschwänglichen Keyboardlinien. Plötzlich klangen sie wie eine neu erfundene Band, deren einstmals klappriger Folk-Pop nun mit nie dagewesenem Schwung und Glanz erstrahlte. Aber konnten sie das auch sehen? Also beschlossen Julien und Max, es in dem Ad-hoc-Studio herauszufinden, das sie sich im Wohnzimmer ihres gemieteten Bungalows in Portland eingerichtet hatten - ein gemeinsamer Ausweg aus dem Jahr 2020 inmitten von Trennungen und Schließungen. Irgendwo zwischen Mitternacht und Morgengrauen spielten sie jede Nacht ihre neuesten Kreationen, während sich eine Baumarkt-Diskokugel über ihnen drehte und verlangsamte Musikvideos von Megastars leise auf YouTube abgespielt wurden. Passten ihre eigenen Popsongs - die so viel unmittelbarer und moderner waren als ihre verschwommenen Ursprünge - zu solchen Big-Budget-Rollen? "Wir kamen zu dem Schluss, dass wir zu diesem Zeug keine Super-8-Videos mehr drehen wollten", erinnert sich Julien mit einem Grinsen. "Wie wäre es mit etwas, das mehr Hi-Fi und Kinoqualität hat?" Als das Filmmaterial und die Melodien zusammenkamen, wussten Julien und Max, dass sie es geschafft hatten, dass sie endlich Whitneys Sound gefunden hatten. Spark macht Whitney wieder zu einem zeitgemäßen Syndikat des klassischen Pops. Ein Dutzend fantasievoller und liebenswerter Tracks umhüllen einnehmende Melodien mit Dilla-Beats im Paisley-Stil und üppiger Elektronik. Darüber hinaus reduziert Whitney drei Jahre extremer emotionaler Höhen und Tiefen auf 38 flotte, aber tiefgründige Minuten. Jeder dieser 12 Tracks ist eine singbare Lektion darüber, was sie (und eigentlich wir) alle überlebt haben. Die widerspenstige Langeweile des Openers "nothing REMAINS", der verheerende Verlust von "TERMINAL", die sonnendurchflutete Erneuerung von "real Love": So überraschend es auch klingen mag, Spark ist für Whitney weniger eine radikale Neuerfindung als vielmehr eine ehrliche Abrechnung damit, wie es sich anfühlt, wenn du dich aus deiner Vergangenheit in deine Gegenwart bewegst, wenn du die nächsten Schritte in deinem Leben und in deiner Karriere auf einmal und ohne Entschuldigung machst. Spark hat sich die Wärme und Leichtigkeit von Whitneys früherem Werk bewahrt; diese Lieder leuchten mit der Neuheit des Jetzt. Wenn du genau hinhörst, wirst du feststellen, dass in "Spark" häufig von Rauch und Feuer die Rede ist - eine doppelte Bedeutung für die Inspiration von etwas Neuem oder das Niederbrennen von Altem. Max und Julien waren tatsächlich im Herbst 2020 in Portland, als der Rauch der nahegelegenen Brände die Stadt in Rekordhöhe erstickte. Es war schrecklich und tragisch, aber sie machten weiter. "We found a way to live while the world was burning/Real life was caving in", singt Julien fast fröhlich in "back THEN", einer Hymne auf die Suche nach dem, was auf der anderen Seite des Elends liegt. In diesen düsteren Tagen sprechen Wissenschaftlerinnen und Wissenschaftler immer öfter von "scrutiny", einem evolutionären Wunder, das manche Bäume dazu bringt, nur in der Zeit des Feuers Samen zu bilden. So fühlt sich Spark oft an _ Whitneys Umstände waren auf so vielen Ebenen so belastend, dass sie "die Vergangenheit zum Trocknen aufhängten" und neu begannen, um nach dem Brand eine neue Version von sich, ihrer Beziehung und ihrer Band zu finden. Max und Julien sind jetzt wieder in Chicago und teilen sich eine gemütliche Wohnung mit einem kleinen Studio, in dem sie bereits an den Songs für das nächste Whitney-Album arbeiten. Sie haben auch beide eine glückliche Beziehung. Jetzt, wo sie die Vergangenheit ruhen lassen, ist für Max und Julien alles neu. Spark ist nicht nur Whitneys bestes Album, es ist auch ein inspirierendes Zeugnis für Durchhaltevermögen und Erneuerung, für beste Freunde, die einander genug vertrauen, um sich gegenseitig auf die andere Seite dieser Leidenszeit zu tragen.

Die aus Chicago stammende Band Whitney um Sänger und Schlagzeuger Julien Ehrlich und Gitarrist Max Kakacek haben ihr zweites Album Forever Turned Around für den 30. August via US-Indielabel Secretly Canadian angekündigt. Auf ihrem neuen Album, welches auf ihr gefeiertes Debüt Light Upon the Lake aus dem Jahr 2016 folgt, setzen sich Ehrlich und Kakacek mit der Angst aber auch Akzeptanz auseinander, dass unsere Zeit begrenzt ist; mit Fragen nach Vergänglichkeit, Zweifel, Liebe und Freundschaft. Es ist ein Album über Beziehungen und Partnerschaft im romantischen, familiären und gemeinschaftlichen Sinne - aber vor allem ist es ein Album über die Liebe in der Freundschaft. Die innige Verbindung zweier bester Freunde und kreativer Partner und all der Freude und aber auch des Stresses, die diese mit sich bringt. Die erste Single `Giving Up' ist ein großartiger Opener - herzergreifend und absolut nachempfindbar thematisiert die Band in diesem Song die Höhen und Tiefen einer Langzeitbeziehung. Forever Turned Around wurde von Brad Cook (Bon Iver, Hand Habits) und Jonathan Rado (Weyes Blood, Father John Misty) koproduziert. Entstanden ist es über mehrere Sessions sowie auf Tour, allerdings kamen die neuen Songs vor allem beim Wiedertreffen mit ihrem ursprünglichen Rhythmusgitarristen Ziyad Asrar in dessen Kellerstudio in Chicago zusammen - derselbe Ort an dem auch der Großteil des Vorgängeralbums Light Upon the Lake entstand. Während der Aufnahmen fanden sich zudem die Musikerinnen Lia Kohl und OHMMEs Macie Stewart ein, deren Streicherarrangements sich imposant und farbenfreudig durch das gesamte Album ziehen.

Die Songs von Faye Webster sind ein direkter Draht zum menschlichen Unbewussten, und "Underdressed at the Symphony" dokumentiert, was passiert, wenn man beginnt, aus den Trümmern der alten Routinen ein neues Selbst aufzubauen. Schon ihre zuvor veröffentlichten Songs "But Not Kiss" und "Lifetime" zeigen das selten erforschte Gebiet emotionaler Intimität, in dem Verlangen und Leidenschaft im Konflikt mit Trost, Verständnis und sogar platonischer Liebe stehen. Diese Themen finden sich in “Underdressed at the Symphony” wieder, zusammen mit hyper-spezifischen Symbolen, die ein Bild von Websters Leben zeichnen, wie z.B. "eBay Purchase History" oder die Objekte, die sie bei "Lego Ring"begehrt.

“Underdressed at the Symphony” wurde mit ihrer langjährigen Band in den Sonic Ranch Studios in Texas aufgenommen und schwelgt in Experimentierfreudigkeit, Verspieltheit und Abenteuerlust. Vocoder-Momente, Schnörkel eines Orchesters, gruselige Harmonien und Synthesizer kommen zum Vorschein, ohne die räumliche Qualität von Websters früherer Musik zu beeinträchtigen, sodass ihre Texte nach wie vor genügend Raum haben, mit zusätzlichen Bedeutungsebenen an die Oberfläche sprudeln. Matt „Pistol“ Stoessels Pedal Steel-Klänge sorgen für genau den richtigen Schimmer, während Nels Cline von Wilco seine unbestreitbar gefühlvollen Fingerfertigkeiten zu einer Reihe von Songs beisteuert. Das Zusammenkauern an der buchstäblichen Grenze zwischen den USA und Mexiko bot den Musiker*innen Raum zum Isolieren, Konzentrieren und Experimentieren. Alle Songs auf diesem Album sind Live-Aufnahmen, von denen einige bereits beim ersten oder zweiten Take aufgenommen wurden und Websters Talent zeigen, aus einem ganz bestimmten, scheinbar kleinen Moment eine universelle Erfahrung zu ziehen.

Es ist vier Jahre her, dass Cherry Glazerr ihr glänzendes drittes Album "Stuffed and Ready" veröffentlicht haben, aber Clementine Creevy hatte es nicht eilig. "Ich habe diese Jahre damit verbracht, mich selbst und meine Beziehungen unter die Lupe zu nehmen und darüber zu schreiben", sagt sie. "Ich schätze, ich komme mit einer Menge Mist klar." Cherry Glazerr ist seit Creevys Highschoolzeit viel unterwegs, und als die Pandemie ausbrach, tauchte sie in eine statische Existenz ein. Creevy beschreibt Cherry Glazerrs ehrgeiziges neues Album "I Don't Want You Anymore" als ihre bisher persönlichste und roheste Musik, eine Sammlung von Songs, die diese Zeit der Selbstaufgabe verarbeiten. Es ist das erste Album, das sie seit Cherry Glazerrs Garage-Rock-Debüt "Haxel Princess" selbst produziert hat, das vor fast einem Jahrzehnt erschien, als Creevy noch ein Teenager war. Creevy beschreibt "I Don't Want You Anymore" als ein "reifes" Album, was mehr mit ihrer persönlichen Entwicklung zu tun hat, als mit dem Album selbst, das in wahrer Cherry Glazerr-Manier am besten als Extremely Fun beschrieben werden kann. Für die Produktion des Albums hat sich Creevy mit dem Produzenten Yves Rothman zusammengetan, der vor allem für seine Arbeit mit Yves Tumor bekannt ist. Die Leadsingle "Soft Like a Flower" ist ein Beispiel für diese Entwicklung. Ein düsteres Gitarrenriff leitet den Track ein, bevor Creevys unverhüllter Gesang einsetzt. Sie singt von einer verzehrenden Besessenheit und wird im Refrain von ihrer langjährigen Bandkollegin Sami Perez unterstützt. Es ist ein stolzes, gefühlvolles Stück, das Creevy einen "Evanescence-Moment" nennt. "Es ist ein echter `losing your fucking shit'-Style", sagt sie. "Ich wollte, dass dieses Album nur aus Herz und Seele besteht. Völlig offen." "I Don't Want You Anymore" nutzt das Element der Überraschung zu seinem Vorteil; jeder Track ist eine radikale Neuinterpretation dessen, was Cherry Glazerr ist und sein kann. "Bad Habit" beginnt mit einer spiralförmigen Gesangsschleife, die Creevy zu Hause aufgenommen hat, und entwickelt sich zu einem delirierenden Downtempo-Dance-Track, ohne dass jemals eine Gitarre zum Einsatz kommt. Der darauf folgende Track "Ready for You" wird im funkigen Stakkato gesungen, und die anfänglich sparsame Bassline in der ersten Strophe wird schließlich von einem massiven, statischen Gitarrenriff überholt, das einen daran erinnert, dass es sich hier im Kern um ein Rockalbum handelt. Dies sind Songs, die das Leben des Hörers untermalen, eine Partitur, die zu jeder Gelegenheit passt. Das titelgebende Stück ist ein Versprechen an eine namenlose Person, aber der sich wiederholende Text in der Bridge könnte genauso gut als Liebesbrief an den Hörer dienen: "In the end, you're always holding me."