Secretly Canadian Vinyl, CD & Tape 135 Artikel

"Mr. Dosik sings with a gentle nudge, and has found the style to match_" _ The New York TimesLos Angeles` neuer Soul-Pionier Joey Dosik verfeinerte sein Handwerk als Teil einer aufkeimenden Los Angeles-Szene, die die klassische Popmusik neu erfindet, um in der Gegenwart zu gedeihen. Mit ,Inside Voice", das eine Reihe von Dosiks engsten Kollaborateuren aufweist - darunter Moses Sumney, Miguel Atwood-Ferguson, Mocky, Coco O, Theo Katzman und andere - liefert Joey Dosik eine Tiefe, die in einem Debüt selten erreicht wird. Das Ergebnis ist jetzt schon ein Klassiker. Ein Album voller Emotionen, die verweilen und summen. Es ist unfassbar eingängig und begleitet dich tagelang. Man kann ,Inside Voice" entweder gelegentlich anhören oder stundenlang auf repeat laufen lassen. So oder so begeistert das Album - Joey Dosik schreibt Musik für Menschen und das grandios gut! Auf Albumlänge beweist er bemerkenswertes Talent, der klassische Soulsound wird weiterentwickelt und Dosiks unheimliches Talent für Songwriting und sein bemerkenswerter Stimmumfang weisen den Weg.,Inside Voice" folgt Dosiks gefeierter Debüt-EP Game Winner, die Anfang des Jahres von Secretly Canadian wiederveröffentlicht wurde.

Bei den elf Tracks seines Debütalbums Loud Patterns, die aus
unterschiedlichen Einflüssen eine Tugend machen, schafft Kyle
Molleson a.k.a. Makeness etwas äußerst Schwieriges: Songs, an
denen unermüdlich gearbeitet wurde, locker und auf den Punkt
gebracht klingen zu lassen. Loud Patterns ist House und Techno
sichtlich verpflichtet; Es gibt 4/4 Rhythmen und eine geradlinige
Direktheit, die auf die Pioniere aus Detroit zurückgeht.
Avantgarde-Experimentierfreudigkeit und das Interesse eines
Außenseiters an Pop kanalisierend, umarmt Kyle die Entfernung
zwischen diesen zwei Polen. Loud Patterns kommt nach einer
Reihe von Veröffentlichungen, die seinen besonderen,
indifferenten Ansatz zu tanzorientierte Musik etabliert haben. Er
veröffentlichte zwei EPs auf dem Label Handsome Dad aus
Manchester, eine Single auf Adult Jazz und die selbst
veröffentlichte Temple Works EP; Whities veröffentlichte auch
ein limitiertes White Label eines Minor Science Dub zu einem
seiner Tracks.

Hinter Skullcrusher verbirgt sich kein Gothic angehauchtes Metal-Project sondern die in LA lebende Singer/Songwriterin Helen Ballentine. Ballentine spielt schon fast ihr gesamtes Leben lang Musik: Klavier seit ihrem fünften Lebensjahr und Gitarre seit der Highschool. Nachdem sie von ihrer Heimat in Upstate New York nach Los Angeles gezogen war, um dort Kunst zu studieren, kündigte sie ihren Full Time-Job in einer Galerie und sah sich plötzlich mit einer ungewohnten Freiheit konfrontiert. Diese nutze sie, um sich zum ersten Mal ernsthaft mit Musik und dem Songwriting zu widmen. Die vier dunklen, verträumten Songs auf der ,Skullcrusher"-EP, die mit Produzent Noah Weinman entstanden sind, sind von einer seltsamen, doch irgendwie passenden Verschmelzung mit den Medien beeinflusst, die die Musikerin unmittelbar nach der Kündigung ihres 9-to-5 Jobs konsumierte. Nick Drake, Ambient Electronica oder der tschechische New-Wave-Film ,Valerie and her Week of Wonders": Sie alle prägten ,Skullcrusher"s Ästhetik. Da ist Ballentines Liebe zur Fantasie und zum Surrealismus, ihre Wertschätzung für die Art und Weise, wie Fantasy-Romane Schönheit und Gewalt nebeneinanderstellen - vielleicht auch eine Anspielung auf ihren Künstlernamen Skullcrusher. ,I thought a lot about my self-worth during this period of unvertainty. Places/Plans` attempts to communicate the beauty and vulnerability of being alone and what it means to let someone else in to see that. It feels like the thematic core of the EP. It is a song for being alone in your room, lying on the floor with a book and the window open, but also for letting someone in to lie with you." Als Skullcrusher arbeitet Helen Ballentine ganz bewusst und entscheidend mit spärlichen Arrangements und fügt minimalistische Klänge so geschickt zusammen, dass ein voller Raum entsteht.

Julien Ehrlich und Max Kakacek konnten die erstaunlichen Unterschiede in den Songs hören, die sie für ihr drittes Album als Whitney, Spark schrieben - die beschwingten Drumloops, die mühelosen Falsett-Hooks, die überschwänglichen Keyboardlinien. Plötzlich klangen sie wie eine neu erfundene Band, deren einstmals klappriger Folk-Pop nun mit nie dagewesenem Schwung und Glanz erstrahlte. Aber konnten sie das auch sehen? Also beschlossen Julien und Max, es in dem Ad-hoc-Studio herauszufinden, das sie sich im Wohnzimmer ihres gemieteten Bungalows in Portland eingerichtet hatten - ein gemeinsamer Ausweg aus dem Jahr 2020 inmitten von Trennungen und Schließungen. Irgendwo zwischen Mitternacht und Morgengrauen spielten sie jede Nacht ihre neuesten Kreationen, während sich eine Baumarkt-Diskokugel über ihnen drehte und verlangsamte Musikvideos von Megastars leise auf YouTube abgespielt wurden. Passten ihre eigenen Popsongs - die so viel unmittelbarer und moderner waren als ihre verschwommenen Ursprünge - zu solchen Big-Budget-Rollen? "Wir kamen zu dem Schluss, dass wir zu diesem Zeug keine Super-8-Videos mehr drehen wollten", erinnert sich Julien mit einem Grinsen. "Wie wäre es mit etwas, das mehr Hi-Fi und Kinoqualität hat?" Als das Filmmaterial und die Melodien zusammenkamen, wussten Julien und Max, dass sie es geschafft hatten, dass sie endlich Whitneys Sound gefunden hatten. Spark macht Whitney wieder zu einem zeitgemäßen Syndikat des klassischen Pops. Ein Dutzend fantasievoller und liebenswerter Tracks umhüllen einnehmende Melodien mit Dilla-Beats im Paisley-Stil und üppiger Elektronik. Darüber hinaus reduziert Whitney drei Jahre extremer emotionaler Höhen und Tiefen auf 38 flotte, aber tiefgründige Minuten. Jeder dieser 12 Tracks ist eine singbare Lektion darüber, was sie (und eigentlich wir) alle überlebt haben. Die widerspenstige Langeweile des Openers "nothing REMAINS", der verheerende Verlust von "TERMINAL", die sonnendurchflutete Erneuerung von "real Love": So überraschend es auch klingen mag, Spark ist für Whitney weniger eine radikale Neuerfindung als vielmehr eine ehrliche Abrechnung damit, wie es sich anfühlt, wenn du dich aus deiner Vergangenheit in deine Gegenwart bewegst, wenn du die nächsten Schritte in deinem Leben und in deiner Karriere auf einmal und ohne Entschuldigung machst. Spark hat sich die Wärme und Leichtigkeit von Whitneys früherem Werk bewahrt; diese Lieder leuchten mit der Neuheit des Jetzt. Wenn du genau hinhörst, wirst du feststellen, dass in "Spark" häufig von Rauch und Feuer die Rede ist - eine doppelte Bedeutung für die Inspiration von etwas Neuem oder das Niederbrennen von Altem. Max und Julien waren tatsächlich im Herbst 2020 in Portland, als der Rauch der nahegelegenen Brände die Stadt in Rekordhöhe erstickte. Es war schrecklich und tragisch, aber sie machten weiter. "We found a way to live while the world was burning/Real life was caving in", singt Julien fast fröhlich in "back THEN", einer Hymne auf die Suche nach dem, was auf der anderen Seite des Elends liegt. In diesen düsteren Tagen sprechen Wissenschaftlerinnen und Wissenschaftler immer öfter von "scrutiny", einem evolutionären Wunder, das manche Bäume dazu bringt, nur in der Zeit des Feuers Samen zu bilden. So fühlt sich Spark oft an _ Whitneys Umstände waren auf so vielen Ebenen so belastend, dass sie "die Vergangenheit zum Trocknen aufhängten" und neu begannen, um nach dem Brand eine neue Version von sich, ihrer Beziehung und ihrer Band zu finden. Max und Julien sind jetzt wieder in Chicago und teilen sich eine gemütliche Wohnung mit einem kleinen Studio, in dem sie bereits an den Songs für das nächste Whitney-Album arbeiten. Sie haben auch beide eine glückliche Beziehung. Jetzt, wo sie die Vergangenheit ruhen lassen, ist für Max und Julien alles neu. Spark ist nicht nur Whitneys bestes Album, es ist auch ein inspirierendes Zeugnis für Durchhaltevermögen und Erneuerung, für beste Freunde, die einander genug vertrauen, um sich gegenseitig auf die andere Seite dieser Leidenszeit zu tragen.

Weniger als ein Jahr nach ihrem Album "Through and Through" kehrt Baby Rose mit "Slow Burn" zurück, einer Sammlung von Songs, die ihre Klangpalette von progressivem R&B zu einer raueren, reichhaltigeren und weitläufigeren Linse amerikanischer Musik erweitern. Hier behauptet sich Rose nicht nur als einmalige Sängerin, sondern auch als formidable Songwriterin, die die Punkte verbindet, an denen Muscle Shoals auf Psych trifft, Psych auf Jazz, Jazz auf Americana, und die richtigen Musiker bringen alles zusammen. Produziert von BADBADNOTGOOD, fanden Rose und die Band eine sofortige und scheinbar endlose Quelle der Inspiration; was als Einleitung begann, wurde zu einem Tag, zu einem Song, zu einer Nacht, zu "Slow Burn". Baby Rose war bereits eine kraftvolle Performerin - sie kann die Bühne mit Robert Glasper teilen, ohne in Schweiß auszubrechen, oder einen epischen Film wie Creed III, für den sie den Abschlusssong sang, mit stählerner Zuversicht beenden. Als Rose sich das erste Mal mit BADBADNOTGOOD traf, war sofort eine Verbindung da, und gemeinsam nahmen sie die Leadsingle "One Last Dance" gleich bei diesem ersten Treffen auf. Es war Roses erster Freestyle-Song, und er brachte entscheidende Teile ihrer Vision auf den Punkt. "Ich wusste schon immer, dass es neue Räume und Sounds gibt, in die ich vordringen kann", erklärt Rose. "Ich war schon immer an verschiedenen Sounds interessiert, die diese raueren Texturen einbringen."Während die Geschwindigkeit ihrer Zusammenarbeit Rose begeisterte und überraschte, waren das Potenzial und die Endergebnisse es nicht. "Wir haben uns schnell bewegt", sagt sie, "und es war wirklich wie ein Wasserhahn. Sobald wir "One Last Dance" hatten, wurde klar, dass alles fließen würde." Die Songs auf "Slow Burn" wurden zum Teil von Roses Erfahrungen inspiriert, die sie auf den Fahrten zwischen den Wohnorten ihrer Familie machte: dem Lärm und Chaos von DC und der ruhigen Landschaft von Carolina. Rose drehte die Musik auf und ließ ihre Gedanken schweifen, um Raum für innere Monologe u...