Staatsakt Indierock | Alternative 57 Artikel

Limitiert auf 200 Exemplare.

12 neue Lieder der Berliner Liedermacherin Katharina Kollmann, die sie mit ihrer Band und ihrem Chor aufgenommen hat.

12 neue Lieder aus der Prekarität, über notwendige Solidarität, über Sippen und notwendige Unterstände.

12 hinreißend gute Lieder, die uns ganz sicher ein gutes, emotionales Zuhause bieten werden.

Presse sagt:

"...dermaßen schlüssig, wortmächtig, einfühlsam, kunstvoll mäandernd und doch auf den Punkt, wie man es hierzulande vielleicht zuletzt von Maike Rosa Vogel gehört hat.... Deutschland soll ja angeblich das Land der Dichter und Denker sein. nach HAUS ist es zumindest das Land einer Dicherterin und Denkerin." (Musikexpress)

"... ein lyrisches Epos aus Stimmen, Gitarren und ein wenig Schlagwerk." (Rolling Stone)

"Schönheit dieser Chatrunde!" (Kulturnews)

"Berührende Platte." (Der Tagesspiegel)

"Nichtseattle stellt die soziale Frage zärtlich, auch wenn ihre sachten Rocksongs böse sein können... Alles atmet hier, und wie jedes wirklich gelungene Album kann die Musik auch selbst von ihrem Sehnsuchtsmodell erzählen, von den Themen in den Texten oder von einer Haltung, an der man arbeiten muss, und sei es der Zweifel an der eigenen moralischen Strenge." (zeit.de)

"Und dann sitzt man fasziniert da und stellt sich vor, wer da bei Katharina Kollmann alles wohnt und wie dieses "Haus" aussieht, in dem man sie besuchen darf und warum man so unfassbar gerne viel Zeit dort verbringt." (plattentests.de)

"Die Berliner Musikerin etabliert sich mit ihrem neuen Album "Haus" als kritische und berührende Stimme, die im politisierten deutschen Indie lange gefehlt hat." (Der Freitag)

"... mit die klügsten Texte, die deutscher Pop in den letzten Jahren zu bieten hatte." (Tip Berlin)

"... die Berliner Songwriterin schafft ein Storytelling und ein Songwriting voller Intimität, vertrautheit und gleichzeitig Zugänglichkeit, die auch viel von den Hörenden einfordert. Nichts für nebenbei, sondern für mittendrin." (thegap.at)

8-Track EP // Am 1. Mai 1990 ist trotz geschlossener Müller Märkte der erste Teil der Deutsch-Punk-Samplerreihe „Schlachtrufe Brd“ erschienen. Auch auf diesem Kurzalbum sind es eher die Synthesizer, die wir zu hören kriegen. Die sind genauso geil elektrisch wie die Gitarren damals auf den Punk-Samplern. Der Titeltrack ist Huldigung und liebevolle Kritik. Die anderen Titel sind auch spitze, wie zum Beispiel die Coverversionen von Air Supply und den Kaput Krauts. Alles, was Stefanie Schrank macht, ist cool.

Stefanie Schrank, sonst auch bekannt von den Bands Locas In Love und Gorilla Club, irgendwann auch mal Karpatenhund, als bildende Künstlerin und zuletzt bereits mit ihrem Solodebütalbum „Unter der Haut eine überhitzte Fabrik“ (Staatsakt 2019) in Erscheinung getreten, legt uns nun zum Record Store Day mit „Schlachtrufe BRD“ ihr nächstes Solo-Release ins Schaufenster. Single-VÖ und erstes Video in Kürze! Ist stark, versprochen!

WIr übergeben das Wort an Ferdinand Führer und Roland van Oystern:

Am 1. Mai 1990 ist trotz geschlossener Müller Märkte der erste Teil der Deutsch-Punk-Sampler-Reihe „Schlachtrufe BRD“ erschienen. Horden von besoffenen Männern mit bunten Haaren verschafften sich gewaltsam Zugang zu den Märkten, um die CDs zu rauben, Happy Release Day! ❤

In einem Bericht des Fernsehmagazins Monitor wurden Eltern aufgefordert, die CD-Sammlung ihrer Kinder nach der „Schlachtrufe BRD Vol. I“ zu durchsuchen. „Strommastsägen, Bombenlegen, ab und zu ein Attentat“, die Texte waren gewaltverherrlichend, linksradikal und forderten auf zu Terrorismus und Mord. Aus heutiger Sicht wirken sie vielleicht etwas forsch, aber eigentlich war’s schon okay und gerechtfertigt nach vier Jahrzehnten Bundestag voller Originalnazis.

Im Wohngebiet oder den scheiß Dörfern, mit 12, 13 oder 15 Jahren, wussten wir zwar von denen nicht viel, aber die Grundwut und Verzweiflung waren ansteckend. Nicht für alle, für uns aber bestimmt und auch für Stefanie Schrank. Musikalisch hat man’s ihr selten angehört, was sicher keinen Nachteil darstellt. Auch auf diesem Kurzalbum sind es eher die Synthesizer, die wir zu hören kriegen. Die sind dafür aber genauso geil elektrisch wie die Gitarren damals auf den Punk-Samplern.

Der Titeltrack ist Huldigung und liebevolle Kritik. Die anderen Titel sind auch spitze, wie zum Beispiel die Coverversionen von Air Supply und den Kaput Krauts. Alles, was Stefanie Schrank macht, ist cool. In zig Popbands spielen und als bildende Künstlerin dafür sorgen, dass in den Bernsteinzimmern der Republik immer schön was an der Wand hängt.

„Es war der Beginn von irgendetwas, so wie ich es seh, eine nach der anderen CD, Schlachtrufe BRD.“ So singt’s Stefanie im Song, während bei Müller in den Regalen inzwischen nur noch Scheiß steht. Die Märkte gibt’s zwar noch, haben aber sämtliche Relevanz für uns Punks verloren.

Nachpressung ohne Booklet. Seit über zehn Jahren veröffentlicht die 1985 geborene Katharina Kollmann bereits Musik unter dem Namen Lake Felix. 2017 begann sie darüber hinaus, Songs unter dem Moniker Nichtseattle zu schreiben, erstmals in deutscher Sprache.
Nichtseattle: ein Name wie eine Metapher für einen Ort, von dem man stammt bzw. eben nicht stammt. Sagt Kollmann: »Man könnte genauso gut auch Nichtamerika, Nichtfilm, Nichtzukunft oder Nicht-wenn-sie-nicht-gestorben-sind sagen.« Erst neulich habe sie dieses Zitat von Marx gelesen und sei sofort gerührt gewesen: »Die Forderung, die Illusionen über einen Zustand aufzugeben, ist die Forderung, einen Zustand aufzugeben, der der Illusionen bedarf«. Eine schöne Reminiszenz an das alte Lied von Tocotronic ist der Name natürlich auch. Nichtseattle stammt übrigens aus Berlin. Aus Berlin-Karlshorst, um genau zu sein. Nach ihrem ersten, selbstveröffentlichten Album »Wendekid« erscheint nun ihr zweites Album mit dem schönen Titel »Kommunistenlibido« auf dem Label Staatsakt als opulentes Doppel-Vinyl.

Die darauf enthaltenen Aufnahmen leben nicht nur von Kollmanns Texten und ihrer atemberaubenden Darbietung an Gitarre und Gesang, sondern auch von der tatkräftigen Unterstützung der befreundeten Musiker*innen Frieda Gaweda am Flügelhorn und Sebastian Alwin am Schlagzeug sowie - last not least - der Mixarbeit des Produzenten Olaf O. P.A. L. (The Notwist, International Music). Gemeinsam ist ein lebendiges, ungeschliffenes Werk aus Zartheit und gnadenloser Offenheit entstanden.

12 neue Lieder der Berliner Liedermacherin Katharina Kollmann, die sie mit ihrer Band und ihrem Chor aufgenommen hat.

12 neue Lieder aus der Prekarität, über notwendige Solidarität, über Sippen und notwendige Unterstände.

12 hinreißend gute Lieder, die uns ganz sicher ein gutes, emotionales Zuhause bieten werden.

Limitiert auf 100 Stück.

Limitiert auf 100 Stück, die es nur bei HHV gibt.

„Stoppt den Krieg (Schlagt die Schweine tot?)“ ist ein Anti-Kriegs-Song als „Apokalypse Now“-Wiedergänger. Kamerun beschreibt das belizistische Auskenner-Vokabular unserer Zeit(-enwende) im Gewand jener mordtriefenden Raubkätzchen von Mader über Leopard bis Puma.

Dieser Track will eine andere Sprache als die der Kriegstüchtigen und ihre schneidigen Gefechtsminister. Die Musik ist manisch-preußische Sleaford Mods. Im Chorus verklärt die holländische Sängerin Annemaaike Bakker mit einem Killer-Sample als Zeus Tochter höchstpersönlich:

Ich rede nicht mehr mit Präsidenten / War so lang schon diplomatisch Werd` das Palaver nun beenden / Ist mir einfach zu erratisch Akzeptiere ja Pazifismus / Muss das echt noch mal betonen Doch ist er aus der Zeit gefallen / Darum sprechen nun die Kanonen. Weil Keinwaffenträger Schorsch Kamerun und auch seine Plattenfirma staatsakt weiterhin an die Kraft der schützenpanzerfreien Kommunikation glauben möchten, liegt dieser extra nicht wehrhafte Protest-Rap nun als musische Intervention vor.

Für Sammler:innen von Antikriegs-Liedern auch als limitierte Vinyl-Single mit exklusiver B-Seite für gefährliche (aber liebevolle) Salons: „Mitnahmeffekte“.

Die 7-Inch erscheint am 02.02.2024.

Staatsakt und HHV präsentieren diese auf 300 Exemplare limitierte weiße Version der Album-Compilation mit den Alben "The Angst & The Money" und "The Taste & The Money" aus den frühen Bandjahren von Ja, Panik. Schön im Gatefold-Sleeve. Gibt es so nur bei HHV.

Die beiden frühen Ja, Panik-Alben "The Taste And The Money“ und "The Angst And The Money“ als praktische Doppel-LP im Klappcover mit den original Innenhüllen. Mit ihrem 2. Album "The Taste And The Money" (damals auf Zick-Zack erschienen) wurde die österreichische Band 2007 über Nacht in Deutschland bekannt, 2009 folgte das von Moses Schneider produzierte "The Angst and The Money", das auch den Umzug der Band von Wien nach Berlin markierte. Der Rest ist längst Legende. Alles hin, hin, hin! "The taste and the money" bietet vielschichtigen Post Punk, schnell und exzessiv, extrovertiert und komplex; hier gibt jeder in der Band (inkl. Piano) alles. Dazu mal gesungene, mal gebrüllt Vocals, die Geschichten mit grossen Gesten erzählen. Ccoole Scheibe irgendwo zwischen Superpunk, Kolossale Jugend und Von Spar und doch ganz ganz anders. MIt "The angst and the money"gerieten Ja, Panik aus Österreich endgültig in die Endlosschleife des Pops, dort wo der Popdiskurs vor noch gar nicht allzu langer Zeit begraben worden sein soll. Klingt trotzdem frisch, nach vorne und rasant und selten so ein energische Klavier gehört, das erinnert an Dresden Dolls. *Staatsakt

Zirkus Blumig ist Rolf Blumigs drittes Studioalbum. Das 10 Tracks umfassende Werk erscheint Ende Februar beim Berliner Label Staatsakt, das mit dem Wunderkind aus Leipzig seiner Geschichte als aufmerksamer Entdecker visionärer deutscher (Nachwuchs)-Musiker:innen ein aufregendes Kapitel hinzufügt. Laut.de schrieb einst über Blumig: »Wenn es dir mal schlecht geht, kommt Rolf Blumig vorbei, tritt dir gegens Schienbein und Moonwalked davon.«

Jetzt wissen wir auch, wohin der notorische Provokateur gemoonwalked ist: In den Zirkus Blumig. Ein passender Albumtitel, der die Sogwirkung beschreibt, die Blumigs Musik auf 42:34 Minuten entfaltet. Sein Zirkus liefert uns die nötige Einstellung, um der Gegenwart zu begegnen: Eine Mischung aus sarkastischer Kommentierung, Rückzug und zornigem Revolutionsgeist. Bei allem Schatten- und Lichtspiel in Text und Musik ist der Sound des Albums stringent. Vorbild, erzählt Blumig, war die »muffige Studioraumästhetik« von Rockplatten aus dem 70ern wie »77« von den Talking Heads. Ein ästhetisches Konzept, das für Rolf Blumig erstmals der legendäre Indie-Produzent Olaf O.P.A.L. (Liquido, The Notwist, International Music) realisiert.

Die Produktion fängt Rolfies schizophrenes Wesen nicht nur im Sound ein, sondern pointiert und schraubt es weiter. Hallräume öffnen und schließen sich analog zu Blumigs Gedanken und Assoziationen. Die Produktion wirft die Hoffnung auf, dass Quirkyness auch in Deutschland endlich Einzug in die breite Radiolandschaft erhält. Die Öffentlichkeit ist längst bereit für Psychedelik und Ambiguität, für Kreativität und Mut. So ein Werk, das mehr ist als seine einzelnen Elemente, lässt sich nur mit gleichgesinnten und gleich kompetenten Mitmusiker:innen schaffen: Bruna Cabral mit ihrem unwiderstehlichen Schlagzeug- und Percussionspiel, Tastenspezialist und Mitarrangeur Kolya Wulf sowie die Glam-Goth-Bassistin Katja Kuoppomäki. Zur soundästhetischen Verankerung des Zirkus Blumig in den 70er Jahren passt, dass Rolf Blumig Neil Young, Patti Smith und David Bowie zu seinen musikalischen Einflüssen zählt; doch auch Frank Zappas Mothers Of Invention oder Nina Simone sind nicht weit. Immerhin wäre »Zirkus Blumig« fast ein Konzeptalbum geworden.

Und die einstige Konzeptidee hat tatsächlich auch einen Überlebenden: Den Erzähler. Auftritt der traurige Clown. Er ist der Schlüssel zu diesem irren Werk: Zur Musik, die treibt, verschränkt, verspricht, nichts hält und doch alles gibt. Und zum Text, der dazu pointiert und beobachtet, Bedürfnisse und Enttäuschung genauso schneidend wie ehrlich heraufbeschwört wie Rhythmus und Melodie. Dabei steht uns mit dem traurigen Clown ein Entertainer gegenüber, der seine eigene Rolle und das Format, in dem er steht, selbst kennt und erkennt – und seine eigene Position und die der Zuhörerschaft stets kritisch hinterfragt.

Das neue Album der Berliner Legende Otto Von Bismarck (ex-Space Cowboys, 2 Chix & a beer, etc.). Featuring Robert Kretzschmar am Schlagzeug (Masha Qrella, Albertine Sarges) und Daniel Nentwig am Bass (The Whitest Boy Alive).

Limitiert auf 300 Exemplare in rot, die es nur bei HHV gibt.
Nach „The Money Years“ kommt nun endlich auch das Opus Magnum der Gruppe Ja, Panik Wieder in die Plattenläden: „DMD KIU LIDT“

Als Doppel-LP in den original Innenhüllen und mit dem original Spiegel-Cover. Nicht wenige Menschen halten dieses Album für eins der wichtigsten deutschsprachigen Platten dieses Jahrtausends. Recht haben sie.

Das Re-Press ist streng limitiert auf 300 Units.

Und, ach so: DMD KIU LIDT steht für:

„ »Die Manifestation des Kapitalismus in unserem Leben ist die Traurigkeit.“

Nach „The Money Years“ kommt nun endlich auch das Opus Magnum der Gruppe Ja, Panik Wieder in die Plattenläden: „DMD KIU LIDT“ Als Doppel-LP in den original Innenhüllen und mit dem original Spiegel-Cover. Nicht wenige Menschen halten dieses Album Für eins der wichtigsten deutschsprachigen Platten dieses Jahrtausends. Recht haben sie. Das Re-Press ist streng limitiert auf 1000 Units.

Und, ach so: DMD KIU LIDT steht für: „ »Die Manifestation des Kapitalismus in unserem Leben ist die Traurigkeit.“

Dieses vor fantastischen Ideen übersprudelnde Doppel-Album der Jets aus Wien wirkt am Ende wie ein kunterbunter Kindergeburtstag mit den Flaming Lips. Wie ein selbst gemachtes White Album der Beatles! So als wäre Andreas Dorau bei der Gruppe Ja, Panik eingestiegen!

Mehr Spielfreude, Rausch, Psychedelic und Love mit so vielen herausragenden Songs werden sich in nächster Zeit kaum finden lassen! Aufgenommen wurde das Album wiederum mit und in den heiligen Hallen des Naked Lunch-Manns Herwig Zamernik alias Fuzzman.

Die beiden frühen Ja, Panik-Alben The Taste And The Money und The Angst And The Money als praktische Doppel-LP im Klappcover mit den original Innenhüllen. Mit ihrem 2. Album "The Taste And The Money" (damals auf Zick-Zack erschienen) wurde die österreichische Band 2007 über Nacht in Deutschland bekannt, 2009 folgte das von Moses Schneider produzierte "The Angst and The Money", das auch den Umzug der Band von Wien nach Berlin markierte. Der Rest ist längst Legende. Alles hin, hin, hin! "The taste and the money" bietet vielschichtigen Post Punk, schnell und exzessiv, extrovertiert und komplex; hier gibt jeder in der Band (inkl. Piano) alles. Dazu mal gesungene, mal gebrüllt Vocals, die Geschichten mit grossen Gesten erzählen. Ccoole Scheibe irgendwo zwischen Superpunk, Kolossale Jugend und Von Spar und doch ganz ganz anders. MIt "The angst and the money"gerieten Ja, Panik aus Österreich endgültig in die Endlosschleife des Pops, dort wo der Popdiskurs vor noch gar nicht allzu langer Zeit begraben worden sein soll. Klingt trotzdem frisch, nach vorne und rasant und selten so ein energische Klavier gehört, das erinnert an Dresden Dolls. *Staatsakt

Gorilla Club ist die Kindermusik-Inkarnation von Locas In Love. Die 13 Songs auf dem neuen Album „OK Cool!“ entstanden alle im ersten Jahr der Corona-Pandemie von Frühling 2020 bis Anfang 2021. OK Cool ist ein tröstliches Album, eines, das gleichzeitig umarmt und Radau macht. In ihren Songs und bei Konzerten begegnen Gorilla Club Kindern auf Augenhöhe, ein bisschen wie coole große Geschwister mit E-Gitarren, Synthesizern und einem lauten Schlagzeug – und sie lassen dabei Kategorien wie 'für Kinder' oder 'für Erwachsene' komplett hinter sich. Das tun sie mal auf absurde, mal auf nerdige, mal auf jubilierende, mal auf introvertierte Weise, beginnend bei einem Sachbuch-Groove-Song über Kraken und gipfelnd in einem in sieben verschiedenen Sprachen vorgetragenen Schlaflied. Dazwischen bescheren Gorilla Club ihren Fans melodieverliebt und spielfreudig Geschichten über Essen, Streit, Tiere, Städte, Erinnerungen, Filme und Freundschaft, begleitet von Gästen aus befreundeten Bands wie u.a. Arab Strap, Die Nerven, International Music, Jenobi, AnnenMayKantereit, Klee oder Die Höchste Eisenbahn.

Streng limitiertes Tape, 100 Stück.

Rolf Blumig, Alter 24, lebt in Leipzig und liebt die Musik so sehr, wie er den Kapitalismus verachtet. Er macht trotzdem mit im Game, wegen der praktischen Distributionswege. Musikalisch bewegt sich Rolfie, wie ihn seine Fans und Freunde nennen dürfen, zwischen den Polen Rock und Pop, schätzt Fleetwood Mac genauso wie Zeckenrap und hält fest am zeitlosen Sound der Millionenfach totgesagten elektrischen Gitarre. Zusammen mit seiner extrem belastungsstarken Rhythmusgruppe betreibt er ein fahrendes Livegeschäft, das wahlweise als „Rolf Blumig Band“ oder „Zirkus Blumig“ ins Rampenlicht rückt.

Rolf Blumig ist ab sofort beim Berliner Label Staatsakt unter Vertrag und wird von der ebenfalls in Berlin ansässigen Powerline-Agency auf die Bühnen gebracht.

Heute – ja, heute - erscheint eine überarbeitet Neuauflage von Blumigs Debüt-Schlafzimmer-Psych-Rock-Album „Liebe Lohnt Sich“, das er im narzisstischen Alter von 20 Jahren aufnahm.

Sie nennen ihr Album „Geheimnis“ und sprechen dabei alles an, wofür wir uns fürchten: Liebe, Hass, Fußball, Nina Hagen.

Dennoch, wenn es eine geheimnisumwitterte Band in Deutschland gibt, dann ist das Isolation Berlin. Wo die Fans nicht unterscheiden können zwischen Rollenprosa und persönlichen Enthüllungen, zwischen der Bühnenfigur und der Privatperson, wo der Performer ein echter Star und zugleich einer von uns ist - seltsam aber möglich!

Isolation Berlin sind mit ihrem Sänger Tobias Bamborschke über die letzten Jahre zu großen Songwritern gereift.

Gemeinsam haben sie für „Geheimnis“ elf Songs produziert und sich dazu in der Abgeschiedenheit ihres neuen, selbsteingerichteten Studios in Berlin-Buch auf ihre größte Stärke besonnen: Auf ihr Songwriting und das Erzählen von Geschichten. Geschichten aus einem beschädigten Leben. Geschichten von Außenseiter:innen, von Abstürzen, von enttäuschter Liebe und von dem ewigen Weiter, das uns mit jeder geschlagenen Snaredrum um die Ohren fliegt.

Die Musik ist im Vergleich zu den Vorgängeralben irgendwie anders geraten. Das sind Isolation Berlin, ABER! Kein Gramm Fett. Rockriffs sind fast vollständig verschwunden. Die Band lässt dem Textvortrag viel Luft. Arrangeur und Gitarrist Max Bauer hat viele Streicher um den Gesang herum arrangiert und setzt die E-Gitarre sparsamer ein. Auch die Rhythmusgruppe aus Specht und Cöster hatte beim Einspielen offenbar den Trip-Hop-Sound von Portishead oder Jean-Claude Vannier im Sinn, eher jedenfalls als den einer klassischen Rockband.

Diese Band ist einzigartig, sie ist der Punkrock-Diamant unter den Pop-Klunkern, ein gesplitterter Spiegel, ein verlorener Turnschuh, ein Déjà-vu aus der Zukunft und überhaupt ein seltener Glücksfall. Fatalistisch, rein, am Abgrund tänzelnd.

„Geheimnis“ ist das dritte Album von Isolation Berlin und erscheint als Do-LP, CD, etc am ... auf Staatsakt. Eine limitierte Version enthält als Bonus das Live-Album "Live in Ho Chi Minh City"

Tobias Bamborschke veröffentlicht im Oktober mit „Schmetterling im Winter“ seinen 2. Lyrik-Band bei Kiepenheuer&Witsch.

Limitiert auf 150 Stück. Nur bei HHV.

"Es ist nicht endgültig bewiesen, dass die Sprache der Wörter die bestmögliche Sprache ist" -
Antonin Artaud
Wenn Sie zum ersten Mal von Chuckamuck hören, gibt es einen guten Grund dafür: Dies ist ein über die persönlichen und kommerziellen Barrieren hinaus, die es für eine europäische Band gibt, die in ihren muttersprachlichen Muttersprache. Sprache ist ein kniffliges Geschäft im Rock and Roll, vor allem für eine deutsche Band. Sich damit abfinden, singen auf Englisch, und offen sein für den dominanten anglophonen Musikmarkt, während Sie hoffen, dass Ihre Melodien mit lokalen Szenen und Fans, nicht nur riskiert, eine Band als weniger einzigartig abrechnen, sondern auch leugnet sie das Recht der einheimischen Poesie, indem sie ihre bekannteste Sprache anwendet, um sich lyrisch auszudrücken. Im größeren Musikmarkt war es akzeptabel, In parodistischen Stereotypen wie die Robotik von Kraftwerk oder gewalttätige sexuelle Bilder von Rammstein, die für internationalen Publikum. Im Laufe der 14-jährigen Karriere von Chuckamuck haben ihre von ihren Teenagerjahren als "Punkrock Rimbauds" bis hin zu tränenreicher Mystik, seelenvoller Sehnsucht, despotischen Ärger und vieles mehr. Und als engagierte Künstler und Lyriker haben sie ihre deutschsprachigen Fans; aufgrund dieser Sprachbarriere waren sie jedoch frustriert, das volle "Chuckamuck-Erlebnis" mit Fans während ihrer Europa-Tourneen mit The Black Lips zu teilen, King Khan and the Shrines, Beatsteaks, Demons Claws and The Strange Boys.

Als Gründungsmitglied und Haupthandwerker der Chuckamuck-Welt sagt Oska Wald: "Man denkt "seine Musik, es wird in jeder Sprache verstanden werden", aber Chuckamuck ist so viel mehr als unsere Songs, ist es ein Unternehmen unserer Kunst, Animation, Live-Shows, Videos, Comic-Bücher, eine ganze Welt, die wir haben produziert". Das bringt uns zum Language Barrier Projekt: Im Wesentlichen ist dieses äußerst ambitionierte Projekt ein Chuckamuck "Best Of", mit Remakes von Perlen von verschiedenen Perioden der Band seit ihrer Gründung im Jahr 2006, übersetzt in 8 Sprachen (Italienisch, Französisch, Spanisch, Schwedisch, Polnisch, Englisch, Hebräisch und Japanisch), aufgenommen von Bandmitglied und Songwriter Lorenz mit langjährigen Chuckamuck-Ingenieurs-Kumpels Thomas Götz und Max Power im O'tool Studio. Jedes Lied wird eindrucksvoll in seiner eigenen einzigartigen Videoclip, der die Bilder und Stimmungen der Band definiert. Das gesamte Projekt wurde über drei Jahre mit viel Geduld und Herz. Inspiriert von den Bemühungen der Beatles in den 60er Jahren, die es für angebracht hielten, unbeholfene Versionen ihrer frühen Hits ins Französische und Deutsche sowie die Fülle der weltweiten 60er-Jahre-Bands, die Popsongs aufgenommen haben in eine "dritte Sprache" durch naiv und phonetisch singend auf Englisch wollte Chuckamuck diese Aufregung, potenzielle neue Zielgruppen zu erreichen und tatsächlich verstanden zu werden. Ein weiterer großer Einfluss hatte die makellose Mehrsprachigkeit ihrer Staatsakt-Labelkollegen Stereo Total. Ein paar Elemente machen dieses Projekt zu etwas ganz Besonderem. Erstens beschäftigte Chuckamuck als Berliner Band die Hilfe ihrer lokalen internationalen Familie, um bei den Übersetzungen zu helfen. Diese Weltklasse-Künstler arbeiteten gemeinsam Lieder in ihrer eigenen Sprache nachzubilden, so dass die Lieferungen das Leben und Einsichten der Originalwerke. Dazu gehört die sensationelle Schweizer Volksmusikerin Melissa Kassab, der bekannte schwedische Comiczeichner Crippa Almqvist und der japanische Karikaturist und Animator SHOXXX. Von besonderem Interesse für die Platte ist die Transformation von 'Eis Am Stiel', einem älteren Chuckamuck klassisch, inspiriert vom gleichnamigen deutsch-israelischen Kultfilm. Übersetzt von den Bands' das neueste Mitglied, Amit Alcalai von The Gondors, ist der Übergang in die Originalsprache des Films vor allem kulturell und beeindruckend. In ähnlicher Weise lässt der Hit "Sayonara" es klingen wie die 80er Jahre Japanische neue Welle Song es immer gebettelt zu sein und ist sehr süchtig. Chuckamucks Hymne auf ihre eigene ironische Ennui, deutscher zu sein und wie eine 70er-Jahre-Nashville-Band zu klingen, 20.000 km auf Französisch durchgeführt akzentuiert ihren ehrlichen Wunsch und ist unglaublich effektiv. Darüber hinaus wurden 11 komplette Musikvideos für jeden Song dieses Albums produziert, alle inklusive original handgezeichneter Animationen des preisgekrönten Karikaturisten Oska Wald. Drei Wochen nach eine besonders rauhe Pilzreise, Oska hatte eine Rückblende auf einen Moment der Intensität und visuellen Störung von der Reise – und begann zu zeichnen, Platte für Platte, die Original-Animationen, die drei anstrengende Jahre weiter, um diese kreativen Meisterwerke zu vervollständigen. Jeder Clip wird in Leitmotive, was jedes einzelne Mitglied von Chuckamuck zu seinem Sound und seiner Haltung bringt, jetzt für Sie verfügbar, um zu erkunden, wie Chuckamuck so liebevoll zu Ihnen, in Ihrem eigenen Sprache. Tun sie den Gefallen, das Werk dieses vielfältigen, energetischen und romantischen Punks zu erforschen? Band am Vorabend ihres 14- Jubiläums!

Friends Of Gas sind knallharte Konfrontation mit der Gegenwart und auf diesem Wege immer auch große Kunst im besten aller Sinne: Nämlich als Kritik der Verhältnisse, in denen der Mensch ein erniedrigtes, geknechtetes, verlassenes und verächtliches Wesen ist. Friends Of Gas haben einen Weg gefunden den ganzen Druck der Verhältnisse als Kollektiv in ihrer Dunkler-Keller-Musik zwischen Noise- und Krautrock aufzuheben. Ein Sound zwischen Faust-Nord und Faust-Süd, zwischen Captain Beefhearts Magic Band, Kim Gordon und Lydia Lunch. Zwischen Slint und Unwound. Hier reitet GG Allin auf einem Crazy Horse.

Kein Wetter heißt nun das zweite Studioalbum dieser Ausnahmeband. Auf ihrem neuen Doppel-Album ist deutlich zu hören, dass sie seit ihrer Debüt-LP Fatal Schwach aus dem Jahre 2016 extrem viele Live-Auftritte absolviert haben. Das hat sicherlich auch mit ihrem Produzenten Olaf O.P.A.L. (The Notwist, International Music) zu tun, dem es als Fan der ersten Stunde gelungen ist, die Band im Studio wahnsinnig gut einzufangen – soweit man diese Gruppe im Studio überhaupt einfangen kann. Allein der Gesang von Nina Walser ist so überwältigend, dass Tontechniker*innen auf der Stelle das Klinkenkabel aus der Hand fallen.

Die Texte auf Kein Wetter sind immer kurz und prägnant. Repetitive Slogans aus dem Leben und aus Erzählungen über die Merkwürdigkeiten des Lebens.

Die Medien haben behauptet, die Arbeitsgruppe Zukunft hätte sich aufgelöst. Das ist eine Lüge! Das sind Fake News! Im Gegenteil: Die AGZ arbeitet konstant an dem nächstenXXXXXXXX besten Album, das jemals eine Band im ganzen Universum – und in allen bekannten Paralleluniversen – erschaffen hat.

Jeder, der etwas anderes behauptet, ist ein zutiefst unehrlicher Mensch. Traurig. Es ist auch nicht wahr, dass es Spannungen in der AGZ gibt! Die AGZ ist eine perfekt aufeinander abgestimmte, schnurrende Maschine! Es ist eine Lüge, dass Julius Fischer immer das ganze Catering für sich allein beansprucht! Auch Boris the Beast beansprucht das ganze Catering für sich allein! Es ist auch eine Lüge, dass Marc-Uwe Kling nur drei Gitarrenakkorde beherrscht. Es gibt niemanden, der mehr Gitarrenakkorde beherrscht als er! Nicht mal Onkel! Und der ist Schlagzeuger! Es ist eine weitere Lüge, dass Michael Krebs Musikpädagogik studiert hat. Er ist Holzfäller und ihm geht’s gut! Kurz gesagt: Wenn die Menschheit noch eine Zukunft haben soll, wird es höchste Zeit, dass die Arbeitsgruppe Zukunft zurückschlägt! „Das nächste große Ding“ wird am 01. Februar 2019 erscheinen. Auf Tonträgern und als Musik im Internet. Es wird ein limitiertes Boxset geben, das limitierter sein wird, als alles was bisher an limitierten Editionen erschienen ist.

Frage: Wie umschifft man als Band die Klippe des schwierigen zweiten Albums? Ganz einfach: Man schreibt die Songs fr düs zweite Album schon bevor das erste erscheint. Im Falle von Isolation Berlin war ja das erste Album Und aus den Wolken tropft die Zeit“ gewissermaßen ihr zweites, denn die EP-Kollektion Berliner Schule/Protopop darf durchaus als ihr erstes Album bewertet werden. Schließlich heißt Album letztlich auch nur Sammlung – nicht mehr und nicht weniger. Vergifte dich heißt die neue Platte, und sie knüpft nahtlos an ihr bisheriges Repertoire an, auch wenn die Band scherzhaft behauptet, es sei ihr bisher unpersönlichstes Album. Doch auch hier wird wieder geliebt und verlassen, gelebt und gehasst, gedacht und verzweifelt, getrunken und – vor allem – es werden die richtigen Fragen gestellt. Auch, wenn die Antworten am Ende einer langen Nacht wieder vergessen scheinen – oder gar nicht zu finden sind: Was, wenn es tatsächlich kein richtiges Leben im Falschen gibt, kann es dann so etwas wie wahre Liebe in diesem Leben überhaupt geben? Wie soll man sich in so einer Welt Aufrichtigkeit und Wahrhaftigkeit bewahren, wenn einem „Die Leute“ da draußen nur Lu¿gen erzählen und, schlimmer noch, diese Lu¿gen leben? Ja, da platzt einem schon mal der Kotzkragen!

Limitiert auf 200 Stück. „Stoppt den Krieg (Schlagt die Schweine tot?)“ ist ein Anti-Kriegs-Song als „Apokalypse Now“-Wiedergänger. Kamerun beschreibt das belizistische Auskenner-Vokabular unserer Zeit(-enwende) im Gewand jener mordtriefenden Raubkätzchen von Mader über Leopard bis Puma.

Dieser Track will eine andere Sprache als die der Kriegstüchtigen und ihre schneidigen Gefechtsminister. Die Musik ist manisch-preußische Sleaford Mods. Im Chorus verklärt die holländische Sängerin Annemaaike Bakker mit einem Killer-Sample als Zeus Tochter höchstpersönlich:

Ich rede nicht mehr mit Präsidenten / War so lang schon diplomatisch Werd` das Palaver nun beenden / Ist mir einfach zu erratisch Akzeptiere ja Pazifismus / Muss das echt noch mal betonen Doch ist er aus der Zeit gefallen / Darum sprechen nun die Kanonen Weil Keinwaffenträger Schorsch Kamerun und auch seine Plattenfirma staatsakt weiterhin an die Kraft der schützenpanzerfreien Kommunikation glauben möchten, liegt dieser extra nichtwehrhafte Protest-Rap nun als musische Intervention vor.

Für Sammler:innen von Antikriegs-Liedern auch als limitierte Vinyl-Single mit exklusiver B-Seite für gefährliche (aber liebevolle) Salons: „Mitnahmeffekte“.

Die 7-Inch erscheint am 02.02.2024.

In Zeiten, in denen alle Mainstream sind, ist es nicht leicht ein Underground-Musiker zu sein. Vor allem, wenn man davon leben wollen muss.
Der Leipziger Musiker Josen Bach ist so einer. Seit Jahren erfolgreich unter dem Radar!
Er verdient seine Brötchen als Schlagzeuger, als Theatermusiker und jetzt neu: Als Bandleader seiner eigenen Band DIE QUITTUNG.
„Einfrieren“, so lautet der Titel des am 24.11. erscheinenden Albums, ist bereits das zweite Album von DIE QUITTUNG, allerdings das erste auf dem Berliner Label staatsakt.
Die Produktion für „Einfrieren“ ging während der Pandemie los und ist nun endlich pfannenfertig gemischt und gemastert. Selbstverständlich wird sein neues Label nun alles dafür tun, DIE QUITTUNG so breit wie möglich im Mainstream zu etablieren! Bald ist es vorbei mit dem Untergrundlegendenstatus. Nur noch mit Sonnenbrille zum Bäcker.
Tja, schon zwei Absatz geschrieben, und noch keinen einzigen Satz zu Musik.
Der Sound von DIE QUITUUNG lässt sich problemlos ins Fach „Deutschsprachiger, alternativer Rock mit Klavier“ einsortieren. Also irgendwo zwischen Rio Reiser, Danger Dan und Schnipo Schranke vielleicht, die vermutlich – von der Sprache einmal abgesehen - alle auf Randy Newman zurückgehen, wenn man es denn unbedingt musikhistorisch einsortieren möchte.
Aber Josen Bach wagt sich auch in psychotronische Gefilde, wo er in den Pilzen Staatsakt-Musiker*innen wie Hans Unstern, Barbara Morgenstern oder Rolf Blumig freundlich im Vorbeigehen grüßt! Etwa im fantastischen Song „Eintauchen“ wo es dann heißt: „Mein Spleen ist nicht mehr relevant“ bloß um dann „Saufen, trainieren“ auf „Gewinnen, verlieren“ zu reimen.

Klar, der Underground wird in der Regel von jungen Menschen mit neuen Spleens und Tics bespielt. Und die müssen in der Regel weder zu Physiotherapeut*innen noch auf ihre Figur achten! Das blühende Leben! Doch Josen Bach findet immer einen tollen selbstironischen Zugang, was das Lebensgefühl eines Ü40-Underground-Musikers im Jahr 2023 angeht, umgeben von Hyperpop-Kids und TikTok-Creators. So inszeniert er sich in seinen Videos lieber als schmieriger Business-Consultant und Online-Demagoge, als selbst auf einen reinzufallen!

„10 Jahre zu viel den falschen Film gesehen, 100x drüber nachgedacht! 1000x wieder Feuer entfacht! Und weiter träumen...“, es sind solche Assoziationssprünge, für die man DIE QUITTUNG einfach lieben muss, wie etwa im Song „Kapsel“, der schleichend in einen tollen Funk-Groove mäandert. Ja, dieser Josen Bach ist nicht umsonst ein gefragter Schlagzeuger! Doch auf diesen Album ist er eben vor allem auch Sänger, Komponist und Texter. „Die Liedtexte sind immer nur Spiegel von allem was passiert. Hinglotzen, aufsaugen, losschreiben und fertig (das kennt ja jeder ein bisschen).“ Sagt er selber über seine neue Position als Songwriter.
Nun, so hingerotzt wie hier behauptet, sind die Lyrics aber gar nicht. Da steckt schon sehr viel Liebe und Arbeit in den Songs, der Produktion und allem! Aber hören Sie selbst.

Live wird „Einfrieren“ übrigens zusammen mit Steffi Narr (Bass), Angela Requena Fuente (Drums), Jan Frisch (Gitarre/Flöte) aufgeführt. Das Album erscheint digital und auf Vinyl am 1.12. bei staatsakt. Den Rest regelt der Markt. Sagt die Ampel. Also immer dann, wenn sie auf gelb steht zumindest.