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Die iranisch-amerikanische Singer-Songwriterin Rahill veröffentlicht ihr Solo-Debüt Album ‘Flowers At Your Feet' auf Big Dada, ihrer neuen Label-Heimat, bei der sie sie sich neben ihren talentierten Labelkolleg:innen Yaya Bey und Lyzza einreiht. Das Album, auf dem 14 Tracks zu hören sein werden, enthält Kollaborationen mit Beck und Jasper Marsalis (Slauson Malone). Es folgt auf Rahills nostalgische 2022er Cover-EP, „Sun Songs“, und zeigt, wie sie sich auf eine Reise der Selbstakzeptanz und Selbstliebe begibt.

Sie reflektiert über ihre Kindheit und Familie und ehrt die Menschen und Momente, die sie geprägt haben. Das Projekt greift auf Elemente von Triphop, Jazz und Alternative Rock zurück, untermauert von Rahills ehrfürchtiger und nachdenklicher Lyrik. Das Album wurde während des Lockdowns in mehreren Phasen aufgenommen und entstand in enger Zusammenarbeit zwischen Rahill und dem Produzenten Alex Epton (fka Twigs, Arca), der sofort die Kraft und das Potenzial von Rahills vorhandenen Solokompositionen erkannte, von denen sie einige bereits Jahre zuvor geschrieben hatte.

Rahill Jamalifard ist eine multidisziplinäre Künstlerin und Musikerin, die aus Lansing, Michigan, stammt und derzeit im Hudson Valley im Bundesstaat New York lebt. Als Gründungsmitglied der Brooklyner Garage-Rock-Band Habibi erspielte sich Rahill den Ruf, eine eklektische Bandbreite an Einflüssen zu verarbeiten und sie in fesselnde und gewichtige Popsongs zu destillieren, die sich an den Modi und Melodien des iranisch-amerikanischen Haushalts orientieren, in dem sie aufgewachsen ist - ein Erbe, das sie durch wiederholte Reisen in den Iran weiter pflegt.

Diese Vorliebe für die iranische Kultur und Musik findet sich zunehmend auch in ihrem Soloprogramm wieder. Als versierte DJ tritt Rahill häufig auf und kuratiert eine monatliche Auswahl für NTS Radio. Ihre visuelle Kunst (darunter eine kürzlich erschienene Sammlung sogenannter „primitiver“ Buntstiftporträts, „I'm This I'm That I'm In The World“) wurde international ausgestellt. Ihr scharfer Blick für Ästhetik hat sie zu Kollaborationen in der Modewelt geführt, vor allem zu einer Live-Performance von Songs aus „Flowers At Your Feet“ und „Haenim“ (ein Stück aus ihrer vorhergehenden EP, „Sun Songs“) für Maryam Nassir Zadehs SS23-Show auf der New York Fashion Week.

Limitiert auf 100 Stück, rot.

„IG-POP“ heißt das neue Album von David Julian Kirchner. Nachdem er mit seinem Vorgänger-Projekt Kirchner Hochtief und dem zugehörigen Album „Evakuiert das Ich-Gebäude“ (Staatsakt, 2019) in einem (größen-)wahnsinnigen Kunstprojekt Unternehmer spielte, mitsamt Konkurs und Abwicklung, und damit alle und nicht zuletzt sich selbst komplett überforderte, schlägt sich der Mannheimer Künstler nun auf die Seite der Gewerkschaften: Die IG-POP stellt dabei so etwas wie ein solidarisches Bündnis aller Solo-Selbstständigen und kreativen Kulturarbeiter*innen dar – bzw. formuliert es die Sehnsucht nach einem solchen Bündnis: Raus aus Zwangsindividualisierung.

Es gibt Neuinterpretationen altbekannter Arbeiterlieder, vom „Einheitsfrontlied“ bis zur „Internationale“ oder „Die schlesischen Weber“. Selten klang Heinrich Heine so funky und Erich Weinert so aktuell. Dazu gibt es Songs aus Kirchners eigener Feder, von der IG-POP-Gewerkschaftshymne, über den Flower-Power-Rock aus „Wir gehen in die Sonne“ bis zum Verwaltungsschlager „Papierkramland“ mit Gastarbeiter-Musiker-Legende Ozan Ata Canani. Auf den Pfaden von Devo, Billy Bragg, Franz-Josef Degenhardt, Die Sterne und Heaven17 schafft David Julian Kirchner ein schlüssiges Gesamtkonzept, dass aber auch ohne konzeptionellen Überbau als mitreißendes Pop-Album funktioniert.

Kirchner traut sich, auf „IG POP“ den Klassenkampf in den Mittelpunkt seiner Arbeit zu stellen und verspricht er uns etwa in dem Eisler/Busch-Stück „Der heimliche Aufmarsch“ die sozialistische Weltrepublik, die jedoch in seiner Interpretation mit geisterhaft heruntergepitchter Stimme wie aus einer fernen Vergangenheit in unsere Gegenwart hinüberweht. Interessanterweise eine Thematik, die vielen Leuten in Zeiten der sogenannten Stapelkrise seltsam daneben vorkommt. Keine Zeit für die großen Utopien mehr? Vielleicht.

Doch was, liebe Zweifler*innen, wenn ganz tief unter dem meterhohen Krisenstapel das Hauptproblem tatsächlich nach wie vor in der Verteilung des (materiellen wie informellen) Eigentums an den Produktionsmitteln und der (Selbst-)Ausbeutung der Arbeiter*innen liegt?! Die so banale wie selten angesprochene Erkenntnis also, dass der sich seit Jahrhunderten aufstapelnde Wohlstand von Anfang an instabil und einsturzgefährdet war, um im Bild zu bleiben? Auch wenn die Arbeiter*innen vielleicht nicht mehr direkt vor der eigenen Türe, sondern beispielsweise in Bangladesch ausgebeutet werden und unserer Care-Arbeit heute von Menschen aus Osteuropa für uns vor Ort erledigt wird.

Was also, um noch ein paar Fragen anzuschließen, wenn die Entfaltung der Produktivkräfte durchaus ein Motor des Fortschritts ist, die damit verbundene, ewige Wachstumswirtschaft aber auch maßgebliche Kraft der Mensch-gemachten Klimakatastrophe? Und was ist, wenn uns die Unternehmen aus Silicon Valley und ihre Influencer*innen und alle, die es gern sein würden, in einer endlosen Dauerwerbesendung für Erfolg und individuelle Selbstverwirklichung den ganzen Tag über diese Sachverhalte hinwegtäuschen? Was ist, wenn auch der Pop, möge er noch so links und solidarisch gedacht sein, am Ende doch immer nur in stumpfen Konsum endet? Wo die fossilen Brennstoffe herkommen, braucht man 2022 wohl auch niemandem mehr zu erklären.

Diese Fragen ausgerechnet in einem Infotext für ein Indie-Pop-Album im Jahre 2022 zu stellen, in einer Zeit, in der die politische Linke in nahezu allen Ländern so am Boden und zerstritten scheint, wie nie zur vor, kann man durchaus problematisch finden. Man kann aber genauso gut feststellen, dass keines der alten Arbeiterlieder auf diesem Album an Aktualität verloren haben, wie etwa das „Einheistfrontlied“ aus der Feder von Berthold Brecht: „Und weil der Mensch ein Mensch ist / Drum braucht er was zum essen bitte sehr / Es macht ihn kein Geschwätz nicht satt / Das schafft kein Essen her“

Gegen solche Zeilen kann auch 2022 niemand gegen antweeten! Und digitaler Kapitalismus ist eben auch nur Kapitalismus. Manche würden sogar sagen: ein noch viel Schlimmerer. Was uns direkt zum IG-Pop-Artwork führt:

„Der Avatar, ein Apple Memoji, stellt David dar, wie sich die jungen Kämpfer:-/nnen der TikTok-Kulturrevolution inszenieren: infantilisiert, künstlich und hyper-emotionalisiert. Kleine Schweisstropfen (und sogar eine Träne?) brechen das Bild dezent im Falle des DJK Designs und machen Arbeiter-David fast lebendig, trotz seiner ekligen Apple-Maske. Die Ästhetik ist überzeichnet, manisch, hyper-plastisch und selbstsüchtig, so wie die mediale Blase und so wie jede gute Propaganda. Der Avatar ist die Vermummung des Jetzt!“, schreibt Max Hathaway über sein Design.

Eine erfolgreiche Strategie unserer Zeit scheint übrigens, jegliche Kritik am Kapitalismus und seinen digitalen Plattformen und neuen Spielarten sofort unter Boomer-Verdacht zu stellen. Ja, wer will schon mit den ewig Gestrigen sprechen? Den Hängengebliebenen? Abgesehen davon, dass ihrer Pullis vielleicht ganz chic waren, wenn man heute nur die richtigen Sneakers dazu trägt. Doch wir kommen schon wieder vom Thema ab, bzw. nein eigentlich nicht: Wir befinden uns nur mittendrin in all den vielen Nebenwidersprüchen! Und könnten ewig so weitermachen.

Fassen wir also lieber zusammen: Dieser Text will in der Hauptsache ein Pop-Produkt verkaufen. Die Inhalte im Pop sind im Grunde komplett austauschbar. Sicher sorgt es im Betrieb für eine gewisse Abwechslung, dass wir heute mal ein Album anbieten, das nicht nur klassische Liebes- oder Party-Songs bietet, und mit der Geschichte der Gewerkschaften und Arbeiterlieder mindestens zwei interessante inhaltliche Fäden aufnimmt, abgesehen davon, dass David J. Kirchner selbst eine äußerst interessante Person ist, die aktuell mit der SWR-Produktion „Deutschrand“ in der ARD-Mediathek zu sehen ist. Eine Doku-Serie über die Menschen in der deutschen Provinz, in der Kirchner sich andere Lebensmodelle anschaut und viele Fragen stellt.

„Girls get up, boys boycott! Auf geht’s! Maschinen stop! Probt den Aufstand! Roter Knopf! Alles tanzt wie Iggy Pop! Das ganze Land, unter Schock! Skandal, Skandal die IG-Pop!“

So oder so: Es bleibt das vielleicht größte Rätsel unserer Zeit, warum es gerade der Linken aktuell nicht gelingt, eine politische Agenda zu formulieren, die alle solidarisch unter einem Dach vereint. Auch davon handelt die IG-Pop. Und auch wenn vermutlich niemand unmittelbar nach dem Hören dieses Albums eine Revolution anzetteln wird, hoffen wir mit dem Album zumindest ein Scherflein zu den aktuellen linken (kultur-)politischen Richtungsfragen beizutragen. Dass die IG-Pop durchaus Party-tauglich ist, wird sie bei ihren vielen Live-Shows unter Beweis stellen können.

Limitiert auf 300 Stück, die mit einer 7" Flexi-Disc kommt.

Limitiert auf 200 Exemplare für den europäischen Markt.

Limitiert auf nur 500 Stück.

Nach dem Knaller-Debut "Mondo Cherry", das mehrmals nachgepresst wurde und dem Folgekracher "Fettucini" kommt nun das langerwartete, dritte Album des genialen Dreigestirns aus Hamburg, "Dubbies On Top". Die erste Single, "Alle Männer" teasert ein fantastisches Album an.

Im Januar diesen Jahres machte ein mysteriöses Instagram-Profil die Runde. Kurz später ging eine Strecke analoger Fotos online - statt Personen zeigte sie Synthesizer, Gitarrenhälse und einen frostig-dystopischen Sonnenuntergang. Ein paar Wochen später endlich, wenn auch verwaschen: Gesichter. In einer Konstellation, die wohl niemand erwartet hätte. Tränen sind auf der einen Seite: Gwen Dolyn, die seit 2020 mit Punk-Attitüde den deutschsprachigen Progressive-Pop-Untergrund aufmischt und begleitet von ihrer Band Toyboys längst zum Postergirl der "nndw" avanciert ist. Auf der anderen Seite: Steffen Israel, Gitarrist der Chemnitzer Band Kraftklub. Gwen Dolyn und Steffen Israel dürften vom Großprojekt Tränen anfangs selbst überrascht gewesen sein. Gwen hatte lediglich die Idee, den Deutschpunk-Klassiker "Duell der Letzten" von Chaos Z neu zu interpretieren und meldete sich bei Steffen. Innerhalb kürzester Zeit wuchs aus einer klassischen Punk-Cover-Version eine deutlich innovativere Reprise: ein modernes "Duell der Letzten", das zackig und doch dreamy, hämmernd und zugleich harmonisch, angewidert und dennoch wehmutvoll klingt. Erstaunlich organisch, improvisiert, beinahe kopflos war eine eigenständige Sound-Ästhetik gefunden, getragen von sinistrer New-Wave-Aura, klangschönen Pop-Passagen, nachhallenden Vocals, 80’s-esken Synthieflächen und dominanten Gitarrenläufen. Warum also nicht einen zweiten Song schreiben oder gar einen dritten?

Am Ende einer etwa einjährigen kreativen Reise steht mit "Haare eines Hundes" nun ein komplettes Tränen-Album. Das bindende Element im Feuerwerk: Gwen Dolyns Stimme. Und, na klar, diese unverwechselbaren Texte voll nahbarer Bedrücktheit und findigem Gedankenspiel, die mal an Wir sind Helden, mal an Hans-A-Plast und mal an Ideal erinnern - "liebt ihr mich mehr, wenn Randale nur ein Wort ist für Kapitulation?"

140g kardinalrotes Vinyl (exklusiv)

- Gatefold-Hülle
- Bedruckte Innenhülle
- Schwarzer bedruckter Jutebeutel
- Arlo Parks Freundschaftsarmband
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- A5 Druck (exklusiv signiert)

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Limitiert auf 100 weiße Exemplare, die es nur bei HHV gibt.

Wir schreiben das Jahr 2022 nach Jesu Geburt. DER MANN melden sich zurück. Acht Jahre nach ihrem Debütalbum „Wir sind der Mann“ rufen Ramin Bijan, Maurice Summen, Michael Mühlhaus und Johannes von Weizsäcker mit TOP: „Wer auch immer uns vermisst hat: Wir sind wieder da!“

Im Frühsommer 2021 nämlich begab sich die Berliner Band für einen Monat ins Studio und spielte aus zuvor erarbeiteten Songskizzen eine neue Platte ein. Und hier ist nun TOP.

Zum Personellen: Man bräuchte schon ein Organigramm, um nachvollziehen zu können, welche (Ex)-Mitglieder von DER MANN, Die Türen, Baked Beans, Erfolg sowie Ja, Panik, The Chap und Blumfeld nun mal auf welcher Position in welcher dieser Bands gespielt haben und warum respektive warum dann wieder kurzzeitig nicht. Es reicht aber zu wissen, dass Sänger Maurice Summen und Bassist Ramin Bijan seit ihrer Teenager-Zeit, also seit mehr als 30 Jahren, zusammen Musik machen und das Gravitationszentrum von DER MANN sind.
Neben den aktuell nun vier Musikern sind auch die Künstler und Designer Helmut Kraus und Sebastian Kaltmeyer erneut dabei, als Band-Mitglieder, die bei DER MANN für das Visuelle zuständig sind. Außerdem ist auf einigen Songs der Berliner TOP-Drummer Moritz Baumgärtner zu hören.

DER MANN ist also wieder auferstanden. Damit passt er nicht nur vom Namen her bestens in eine Welt, in der ein großer Teil derselben den Ablauf eines Jahres noch immer ernsthaft an den Lebens- und Sterbedaten eines einzelnen, vor mehr als zwei Millennien geborenen und ständig wiederauftauchenden Dudes ausrichtet. DER MANN passt damit auch bestens in eine Zeit, in der sich die Menschen vor lauter fundamentaler Unsicherheit und einem daraus erwachsendem Bedürfnis nach dem Gewohnten in ein Spiegelkabinett des schon Bekannten begeben haben, in denen fortwährend das Beste der 70er, 80er und 90er läuft und nur ganz manchmal das Beste von Heute. Wer könnte es ihnen verdenken.

DER MANN haben sich musikalisch und visuell dafür entschieden, den Zeitpunkt Ende der 1970er und Anfang der 1980er fest zu umarmen. Das Cover: in der Ästhetik von Heaven 17s „Penthouse and Pavement“. Die dazu passenden Lifestyle-Accessoires: Kreditkarte, Rolex und Rolodex. DER MANN ist nämlich ein Yuppie. Auch so ein Wiedergänger, nur sieht der heute aus wie Christian Lindner und kommt auch mal im Hoodie daher. Was die musikalischen Ausdrucksformen angeht, hätten Gitarre, Schlagzeug, Bass und Synthesizer genau so auch schon vor 40 Jahren gespielt werden können.

Was DER MANN auf TOP jedoch thematisieren, ist eindeutig heutig. Es geht um Oberflächen-Phänomene. Im flotten Opener „SUV“ und dem zum Offbeat schunkelnden „Bewertungslied“ etwa um das fortwährende Hypen, Rummeinen und Raunen in den sozialen Medien. Es geht, im nachdenklich-sanften “Country, Western, Coaching & Consulting“ oder im Postpunk-Boogie-Hybrid “Peyote Retreat” um psychedelische Techniken, die mal subversiv waren, aber mittlerweile längst von Konzernen zur Mitarbeitermotivation und Umsatzsteigerung aufgesogen wurden. Und es geht um den Staat, der sich mit Fördergeldern und Stipendien eine Subkultur leistet (“Rock’n’Roll & Sozialstaat”), die sich dann überlegen kann, ob es die Hand, die sie füttert, überhaupt noch interessiert, ob sie nun gebissen wird oder nicht.

Kurz: Es geht auf TOP um alles, was einen in der spätkapitalistischen Gegenwart so richtig angruseln kann. Bei dem man aber, siehe Staatsgelder und Social Media, kaum NICHT nicht mitmachen kann, legt man Wert darauf, überhaupt in der Welt stattzufinden.

„Im Herz schmeißt du Steine/Im Kopf bist du müde“. In dieser Zeile steckt die ganze unausweichliche Ambivalenz, die TOP durchzieht. Keine Handlungsanweisungen, keine Rebellion, kein echter Ausweg, nirgends. DER MANN ist kein junger Aufrührer mehr, der noch glaubt, die Welt verändern zu können. DER MANN ist Ende 40, Anfang 50, also genau in dem Alter, in dem die Kinder für gewöhnlich auf dem Gröbsten raus sind und zu Hause etwas Ruhe einkehrt. Aber der Rücken und die Knie machen noch gut genug mit, dass er jetzt den Gipfel seiner Schaffenskraft erklimmen kann. Er ist erfahren und altgedient genug, um in der Firma in die C-Suite aufzusteigen. Als CEO weiß er, dass er nicht mal besonders viel Glück hatte, geschweige denn sich besonders anstrengen musste, sondern einfach nur so gut wie alle Privilegien auf seiner Seite hatte. Was ihm zunehmend unangenehm wird.

„Wir sind total privilegiert“, sagt Maurice Summen dazu – beziehungsweise zum anhaltenden Untergrund-Status seiner Männer-Band. „Aber wir haben recht wenig daraus gemacht.“

Aber nicht doch! TOP ist ist ein Alpha-Werk von einem Album geworden.

Anne Waak

„Die Kerzen laufen jetzt im Radio, ich hab’s dir doch gesagt“, singt Felix Keiler, Gitarrist und Sänger der Kerzen gleich im Album-Opener „Staub zu Staub“. Tatsächlich hatte schon ihr Debüt-Album „True Love“ (2019) der damals noch in Ludwigslust wohnenden Band ein paar veritable Hits zu bieten, die im Radio auf Rotation liefen.

Zu Felix Keiler gehören Jelena Von Eisenhart-Rohe an Gesang und Keyboards, Fabian Rose am Bass und Lucas Wojatschke am Schlagzeug. Vor etwa zwei Jahren, also pünktlich zum Pandemie-Start, zog die Band schließlich um nach Berlin.
Und hatte unerwartet viel Zeit, um Stücke für ihr zweites Album „Pferde & Flammen“ zu schreiben, das nun am 27.05.2022 erscheint. Die fertigen 10 Songs haben sie allerdings nicht in Berlin aufgenommen, sondern in Köln mit dem Produzenten und Kerzen-Fan der ersten Stunde Jochen Naaf. A perfect match: Der Kölner Produzent, der zuletzt mit Bosse oder Giant Rooks in den Charts unterwegs war, und die Die Kerzen haben zusammen eine fantastische Pop-Platte produziert. Ein New-Romantic-Update, das wie die perfekte Melange aus Purple Schulz und den Cocteau Twins klingt.

Ja, Die Kerzen sind große Musik-Auskenner*innen und tragen dabei immer den unbedingten Willen zum allgemeinverständlichen Pop-Song im Herzen. Nur logisch also, dass es auch auf diesem Album inhaltlich weiterhin um alle möglichen Spielarten der Liebe und der damit verbundenen Beziehungsgeflechte und Lebenskonstellationen geht. Eines Lebens zwischen wilden Nächten („Flammen“) und romantischen Zweierbeziehungen („Pferde“).
Wo die Kerzen im Song noch die Frage stellen „Willst Du Pferde oder Flammen?“ ist sich die Band in der Formulierung ihres Album-Titels nach ein paar Schnäpsen schnell einig geworden: Pferde & Flammen! Warum sich auf eines bescheiden, wenn man beides haben kann? Dass es nicht immer einfach ist, all das unter einen Hut zu bringen, davon handelt dieses Album, also von nicht weniger als all unseren Begierden und Wünschen und Hoffnungen. Kurz: von großer Popmusik! Mal bittersweet, mal in bester Party- und Geberlaune.

Hörbar sind sie nach wie vor große Fans des Achtziger-Jahre-Pops: Von China Crisis bis The Smiths, von Hall & Oates zu Chris Rea oder Kate Bush. Doch die Aneignung und Transformation ins Hier & Jetzt gelingt ihnen so mühelos und jenseits jeden Retro-Verdachts, dass wir sie hier umstandslos zur vielleicht stilsichersten Popband der Republik der Gegenwart ausrufen möchten. Vermutlich waren sie dies auch schon zuvor, doch Jochen Naaf hat ihre Stärken nochmal konsequent herausgearbeitet: Keilers schwelgend gläsernes Gitarrenspiel, Eisenharts Dream-Wave-Sirenengesang, Roses Jaco-Pastorius-Gedächtnisbass und Wojatschkes Power-Drumming, das immer mindestens so groß wie Tears For Fears klingen will.

Unbedingt herauszustellen ist auch nochmal der besondere Humor der Band, den sie eher mit zeitgenössischen Berliner Künstler*innen wie Fuffifuzzig oder Luis Ake teilen, als mit den großen Wave-Posern der 80er Jahre. Allein wie sie in der Hit-Single „Cabriolet“ die Story vom Diebstahl eines gelben Ford Escort-Cabriolets erzählen, in der ein Pärchen in bester Bonnie & Clyde-Manier durchbrennt, und das im Jahr 2022, in der solche Plots höchstens noch in Serien wie Stranger Things vorkommen, aber ganz sicher nicht im Real Life der GenZ, ist einfach nur herzerwärmende, tanzbare Romcom.Das Real Life findet heutzutage ja ohnehin in der Hauptsache im Swipe-Modus auf dem Smartphone-Display statt. Mit der richtigen Selbstinszenierung zwischen Humana- und Gucci-Look. Und der Selbstvergewisserung vorm Spiegel: „Zu schön um heut allein zu sein“, wie es Die Kerzen so treffend formulieren. Wie gut für uns alle, dass sich diese Band irgendwann am vielleicht unwahrscheinlichsten Pop-Ort des Landes, in Ludwigslust, gefunden hat. Denn die langjährige Freundschaft und die Intimität, die sie in ihrer Musik mit uns allen teilt, macht sie zu etwas ganz Besonderem.

Und wenn dann am Ende des Albums die Protagonist*innen ihre (Fern-)Beziehung mal wieder in den Sand gesetzt haben und den Blutmond, so rot wie das Cover, anheulen, dann schalten wir bequem auf Repeat und lassen uns erneut vom großen Herzschmerz, dem Verschwenden der Jugend, von wilden Nächten und dem Ende der Welt erzählen. Und erinnern uns, dass da doch noch immer ein ganzes gefährliches Leben auf uns wartet. Nix wie hin da! Läuft dann sicher bald auch wieder im Radio.