2020 - Topseller - Rock Indie 29 Artikel

Das achte Album und das langerwartete Nachfolgewerk zu „Carrie Lowell“

Der kanadische Musiker, Sänger, Songwriter und Multi-Instrumentalist, auch bekannt als der "Godfather of Grunge? kehrt mit dem alten, neuen Album "Homegrown" zurück. Als einer der einflussreichsten Folkmusiker, erhielt Neil Young seit dem Beginn seiner Karriere in den 60er Jahren, bis dato über 26 Grammy-Nominierungen, wurde zweimal in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen und hält über 40 Platinauszeichnungen. Ganze 41 Studioalben hat Young bisher veröffentlicht, zuletzt gemeinsam mit Crazy Horse das Album "Colorado" (2019). "Das Album ist wie die bisher ungehörte Brücke zwischen Harvest und Comes a Time so Neil über das kommende Album. Aufgenommen wurde Homegrown zwischen Juni 1974 und Januar 1975. Nachdem die ursprüngliche Veröffentlichung 1975 von Young selber abgesagt wurde, blieb das Album bislang unveröffentlicht, wodurch es unter Neil Young Fans bereits einen Legenden Status erhalten hat. Homegrown besteht aus zwölf Tracks, wovon sieben Erstveröffentlichungen sind. Auf den Tracks ist Neil sowohl als Solist auf Gitarre, Klavier und Mundharmonika zu hören, wie auch mit Unterstützung von Band und Freunden wie Levon Helm, Ben Keith, Karl T Himmel, Tim Drummond, Emmylou Harris and Robbie Robertson.Die analogen Aufnahmen dieses lang verschollenen Albums dienen als eine einzigartige Ergänzung zu Neil Young's ebenso einzigartigem Katalog

Nach ihrem letzten Studioalbum “Piano Nights“, mittlerweile schon über 5 Jahren alt, veröffentlichen Bohren & der Club of Gore, am 10.01. ihr neues Album „Patchouli Blue“ auf [PIAS] Recordings Germany.

Kaum ein Jahr nach Veröffentlichung ihres hochgelobten Debütalbums 'Dogrel', für das sie unter anderem für den Mercury Price nominiert wurden - BBC 6Music und die Rough Trade-Plattenläden kürten es sogar zu ihrem Album des Jahres 2019 (aber auch hierzulande schlug 'Dogrel' große Wellen) -, meldet sich die Dubliner Band Fontaines D.C. mit einem ausgesprochen selbstbewussten, geduldigen und komplexen Folgealbum zurück.

'A Hero's Death' kommt verletzt und angeschlagen daher, wenn auch wunderschön - eine berauschende und philosophische Sicht auf die moderne Welt und ihre große Ungewissheit.

'A Hero's Death' ist wie auch schon der Vorgänger in Zusammenarbeit mit Produzent Dan Carey (Kate Tempest, Bat For Lashes uvm.) in London entstanden.

Phoebe Bridgers veröffentlichte ihr Debüt 2017 als relativ unbekannte Singer-Songwriterin aus Los Angeles. Etwas mehr als zwei Jahre später ist sie eine international anerkannte Musikerin mit drei renommierten Werken unter der Haube: ihr Solo-Debüt "Stranger In The Alps", die boygenius-EP mit Julien Baker und Lucy Dacus im Jahr 2018 und Better Oblivion Community Center - eine überraschende Zusammenarbeit mit Conor Oberst 2019. Bridgers ist ein bemerkenswertes Talent und zugleich eine Künstlerin, die sich selbst und ihre kometenhaft wachsende musikalische Karriere mit ausreichend Humor begegnet. Das neue Album "Punisher" wurde zwischen den Sommermonaten 2018 und Herbst 2019 geschrieben und aufgenommen - die Songs offenbaren dabei einmal mehr Bridgers als unwiderstehlich kluge und gefühlvoll produktive Songwriterin unserer Zeit. Erneut arbeitete Bridgers - die auch als Produzentin die boygenius EP und das Better Oblivion Community Center-Album ko-produzierte - für die neuen Songs, wie auch für `Stranger In The Alps', mit Tony Berg und Ethan Gruska zusammen. Dabei fanden sich auch ihre eng verbundenen Musikerfreunde im Studio wieder ein - inklusive Bridgers Band bestehend aus Marshall Vore (Drums), Harrison Whitford (Gitarre), Emily Restas (Bass) and Nick White (Klavier) sowie Performances von Conor Oberst ("Halloween", "I Know The End"), Lucy Dacus ("Graceland Too", "I Know The End"), Julien Baker ("Graceland Too", "I Know The End"), Blake Mills ("Halloween", "Savior Complex" and "I Know The End"), Jenny Lee Lindberg ("Kyoto", "icu"), Christian Lee Hutson ("Garden Song", "Halloween", "Savior Complex", "I Know The End"), Nick Zinner ("I Know The End"), den legendären Drummer Jim Keltner ("Halloween" and "Savior Complex") und Bright Eyes' Nathaniel Walcott an der Trompete ("Kyoto" and "I Know The End"). `Punisher' wurde wie zuvor auch `Stranger In The Alps' von Mike Mogis gemischt.

Neuauflage des ersten PJ Harvey-Studioalbums im Island Records-Katalog und ihres zweiten Studioalbums "Rid Of Me" auf Vinyl. Produziert von Steve Albini und ursprünglich im Mai 1993 veröffentlicht, enthält "Rid Of Me" die Singles "50ft Queenie" und "Man-Size". Das Album stand in Großbritannien auf Platz 3 der Charts.

Die Neuauflage entspricht der Originalaufnahme und -verpackung und wurde von Bob Weston beim Chicago Mastering unter der Leitung von Steve Albini geschnitten.
180g.

Auf dem Album treffen krautige Flächen auf Italo-Pop, verspulten Folk, Psychedelia und Disco. Es funkelt an allen Ecken und Enden. Es ist ein Sound, den man in dieser Überstrahltheit (nicht nur von Die Sterne!) noch nicht kannte – und der doch ganz ihr eigener ist.

Auf „Die Sterne“ bilden Jan Philipp Janzen und Phillip Tielsch (beide Von Spar) die Rhythmusgruppe. Neben den Sterne-Livemusikern Dyan Valdes und Max Knoth wirken zudem u.a. das Kaiser Quartett, Carsten „Erobique“ Meyer und die Düsseldorf Düsterboys mit.

Aufgenommen wurde das Album mit den Produzenten Philipp Janzen (u.a. Steven Malkmus und The Field) und Dyan Valdes im Kölner Dumbo Studio.

„Uthlande" ist ein alter Begriff für die Inseln, Halligen und Marschen vor dem nordfriesischen Festland. Turbostaat sind ein Role Model für eine ganze Generation von deutsch-sprachigen Post-Punk-Bands.

Wer die Entwicklung der Band in den letzten 21 Jahren verfolgt hat, wird sagen, dass sie sich gleich im Beginn einen sehr soliden eigenen musikalischen Rahmen und Stil aufgebaut hat, der über die einzelnen Platten hinweg immer wieder etwas justiert und gut dosiert weiterentwickelt wurde.

Dieses spiegelt sich auch auf “Uthlande” wieder. Es geht um um die Landschaft des Nordens, aber auch um die Region für die Orte, an denen sich das soziale Wetter zusammenbraut. Und so hört sich „Uthlande" an. Nach einer Insel, die verteidigt wird. Nach einer ganzen Inselgruppe.

Aufgenommen wurde „Uthlande” wie auch schon „Abalonia“ vom Turbostaat-Stammproduzent Moses Schneider im Berliner Hansa Studio. Pult-Legende Peter Schmidt mit Alex Sitnikov mischten.

All-Star Gruppe mit Gereon Klug, Maurice Summen, Reverend Ch. Dabeler und Mosh. Pinkes Farbvinyl, von der Gruppe Oil so ausgesucht für HHV Kunden.
Nur hier, limitiert auf 100 Stück.

Es soll hier bei null losgehen. Wie bei den zahlreichen Geschöpfen, die vor Millionen Jahren ihr Ende fanden, ins Sediment hinabfielen, um schließlich – in schleimiges fossiles Erdöl verwandelt - dem Kapitalismus beim Verbrennen der Erde behilflich sind. Denn an Pflanzenöl ist nicht zu denken, wenn OIL, die Band, ins Spiel kommt. An Funkenschlag nebst Entzündung dagegen schon. Denn OIL ist eine Band mit entflammbarem Material. Sorgfältig zusammengesetzt von vier Herren, die ihre Meriten verdienen in den Fächern Schallplatten, Schauspiel, Gastronomie, Comics und Verwirrungsschriften: Reverend Dabeler, Timur „Mosh“ Çirak, Gereon Klug, Maurice Summen.

Aber wir wollen ja bei null anfangen. Also: Die Musik? Lecker. Sandwich-Scheiben aus Funk werden - wahlweise oder alle zusammen – mit Gitarrenkrach, Blues-Disco und Fehlerelektronik belegt. Satte Orgeln sappschen sporadisch heraus. Attraktive Postpunk-Bässe halten den Laden zusammen. Könner der Garage? Herr Klug, der Schelm aus der großen Stadt, schickte mir zur Einstimmung das Bild zweier heruntergekommener Hütten im Nirgendwo von Schleswig-Holstein, um mich in die richtige Stimmung zu bringen, vermutlich. Denn es stimmt, das hier ist keine Garagen-Musik, noch nicht mal Carportmusik. Es ist Hüttenruinen-Musik mit Lichtorgel. Es zieht an allen Ecken durch die Ritzen. Tanzen gilt an solchen Orten manchmal als Strategie zum Knochenwärmen. Dann kann einem heiß werden. This is OIL, and not a PIL-Song!

OIL behandeln Themen, die auch Bewohnern im Kreis Rendsburg-Eckernförde unter den Wischfingern brennen. In der Reihenfolge ihres Erscheinens: Fracking, Menschwerdung, Porno. Hergeholtes Überselbstbewusstsein trifft auf Sofahocker mit Tchibo-Account und latenter Hass-Blase. Kommunikationsmittel sorgen für die Unmöglichkeit zu kommunizieren („Du ich meld mich später“). Yoko Ono wird durch die Sahnetorte gezogen, verklagt alles und jeden wegen allem und jedem. Dazu spielt dann eine Art freies Fluxus-Saxofon, als würde OIL kurz herüberwinken zu „Loud“, dem Können-Keinen-Freejazz-Spielen-Spielen-Ihn-Aber-Trotzdem-Meisterwerk der Do-It-Yourself-Könige Half Japanese. Nur eben ohne Free Jazz. Denn OIL wollen dich nicht verrenken, sondern tanzen sehen. Auch zu Tracks, die „Wichsbold“ oder „D.I.Y.“ (Mach's dir selbst) heißen.

Das Gute an OIL ist, dass sich die Musik trägt. Das Gute ist umgekehrt auch, dass sich die Texte tragen. Wie bei Helge Schneider, der für das Titelstück „Naturtrüb“ Pate gestanden haben könnte. Vielleicht war aber auch eher Captain Beefheart das Vorbild. Über einen Instrumentaltrack einfach drübersprechen, ein Strom galliger Anklage, „es kann doch nicht der Sinn von Musik sein, einfach nur zu jammen“ jammt die Musik zum großen Diss der doofen Erde, die Beefheart den „Golfball Gottes“ nannte: „Hey, Erde! Das ist einfach eine Underperformance, die du uns hier ablieferst!“. „Lass uns doch endlich mal losfliegen!“Und dann fliegt die Band tatsächlich los wie Donny Hathaways „The Ghetto“. Und das ist jetzt wirklich ganz ernsthaft und ohne Scherzkekserei echte Oberklasse!

- Werner Ahrensfeld

Wer mehr über den Fluss der Zeit, ölige Produktionsprozesse und inwiefern das alles mit Frank Zander und Dean Blunt zusammenhängt, erfahren möchte, der sollte den zeitgleich erscheinenden und gleichnamigen Roman lesen. Auch den gibt es bei HHV!
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Das neue Album von Car Seat Headrest, "Making A Door Less Open", liefert die ersten neuen Songs seit dem 2016er Album "Teens Of Denial". Die Tracks entstanden in den letzten vier Jahren als fruchtbare Kollaboration zwischen Car Seat Headrest und 1 Trait Danger, einem elektronischen CSH-Nebenprojekt, bestehend aus dem CSH-Drummer Andrew Katz und Toledos Alter Ego Trait. So wurde das Album letztlich doppelt aufgenommen: Einmal live in voller Bandbesetzung mit Gitarren, Drums und Bass und einmal in einer MIDI-Version, nur mit synthetisch erzeugten Sounds. Durch den Mix wurden die beiden Ansätze dann miteinander verflochten und um zusätzliche Aufnahmen ergänzt. Nachdem Will Toledo zu Beginn seines Schaffens als Car Seat Headrest bis zum Signing bei Matador Records in 2015 je nach Zählweise (hier streiten sich die Geister) zwischen acht und 12 Alben veröffentlichte, fühlen sich nun die vier Jahre Pause seit "Teens of Denial" wie ein ganzes Leben für den in Seattle lebenden Musikaholic. Doch das zur Band angewachsene Projekt um Mastermind Toledo war keinesfalls untätig, sondern erfand sich und ihre Weise Musik zu machen kurzerhand neu. "I wanted to make something that was different from my previous records, and I struggled to figure out how to do that. I realized that because the way I listened to music had changed, I had to change the way I wrote music, as well. I was listening less and less to albums and more and more to individual songs, songs from all over the place, every few days finding a new one that seemed to have a special energy. I thought that if I could make an album full of songs that had a special energy, each one unique and different in its vision, then that would be a good thing.", schreibt Toledo dementsprechend zur Entstehungsgeschichte.

Bei all dem Medienrummel, der die Strokes bereits vor der Veröffentlichung ihres Debütalbums verfolgte, ist es eigentlich nur passend, dass sie den Titel Is This It? gewählt haben. Auf der Basis von nur fünf Songs, die auf zwei Singles verteilt wurden, wurden die Strokes als so ziemlich alles begrüßt, von den Rettern des Rock'n'Roll bis hin zu dem göttlichen Erlöser höchstpersönlich. Ganz sicher hätten nur wenige Bands dem unglaublich hohen Erwartungsdruck standhalten können, dem dieses Quintett ausgesetzt war, aber die Bedenken der Band waren unbegründet: Is This It? ist eines der aufregendsten und energiegeladensten Debütalben, das aus der in einen langen Dornröschenschlaf versunkenen Clubszene New Yorks entsprungen ist.

The Strokes sind tatsächlich durch und durch eine echte New-York-City-Band -- wie Velvet Underground macht sich diese Gruppe von Künstlertypen aus den feinen Vororten auf den Weg in das Herz der Stadt und seine altbewährten Themen wie Sex, Drogen und Rock & Roll. Ihr Sänger und Songschreiber mit dem fantastischen Namen Julian Casablancas präsentiert seine Texte mit einer lässigen Nonchalance, die bei Songs wie dem Titeltrack, bei "Soma", "Hard To Explain" und dem überaus schönen "Barely Legal" über sein Alter hinwegtäuschen kann. Bei Stücken wie "NYC Cops", "Last Night" und "The Modern Age" erinnert die Band jedoch eher an Künstler wie Television und The Stooges. Sie sind sexy, entwickeln ihren ganz eigenen Stil, und sie sind unverkennbar cool -- hoffentlich ist diese Band die Zukunft des Rock'n'Roll! --Robert Burrow

Messer sind wieder da. Pünktlich zum zehnten Bandjubiläum markiert ihr viertes Album eine musikalische Rückkehr zu den Wurzeln, blickt aber dennoch in die Zukunft. "No Future Days" verweist zunächst auf CAN als Urväter einer eigenständigen deutschen Pop-Musik, ebenso darf man an den nihilistischen Kampfruf des Punks denken. Und doch werden solche Assoziationen zugleich negiert. Messer nämlich machen ihr eigenes Ding, das erheblich komplexer und tiefgehender ausfällt als man auf den ersten Blick glauben könnte. Dokumentierte der Vorgänger "Jalousie" von 2016 eine Band, die damals nicht genau wusste, wie und in welche Richtung es mit ihr weitergehen würde, so entpuppt sich "No Future Days" als ein Album, auf dem die wieder als Quartett spielenden Messer nun in klassischer Bandkonstellation auf musikalische Reduktion setzen. Der Sound ist deutlich kompakter und homogener als zuvor, die Stimme von Sänger Hendrik Otremba bewegt sich nicht im Vordergrund, sondern integriert sich mehr denn je in eine Klangwelt, die Bassist Pogo McCartney, Gitarrist Milek und Drummer Philipp Wulf durch ihr dichtes Zusammenspiel hervorbringen. Erkennbar an jener Schwellenzeit zwischen den 1970er- und 80er Jahren inspiriert, in welcher der britische Post-Punk den Dub und den Reggae umarmte, steht die Produktion von "Anorak" symptomatisch für die musikalische Entwicklung von Messer. Die im Herbst 2019 erschienene Vorabsingle zeigt deutlich auf, wie souverän sich die Band aus dem großen Archiv der Poptradition bedient, ohne ihre im Verlauf der letzten Dekade erarbeitete Vision eines selbständigen Sounds zu verraten. "No Future Days" zeigt in diesem Sinne eindringlich, wie wenig das alte Label des Post Punk-Revivals, das sie vor vielen Jahren mit heraufbeschworen, noch auf die Münsteraner passt. Erstmals in der Bandgeschichte entstand die Musik dabei komplett vor den anspielungsreichen, poetisch vielschichtigen Texten von Otremba, der mit seinem aktuellen Roman "Kachelbads Erbe" im Literaturbetri...

"Whole New Mess" von Angel Olsen ist ihr erstes solo eingespieltes Album seit ihrem Debüt 2012. Als höchst intimes und verletzliches Porträt, welches in schwierigen Zeiten persönlicher Unruhe entstand, zeigt "Whole New Mess" wie Olsen sich durch eigene offene Wunden und schwermütige Gedankengänge arbeitet - all das mit nur ein paar Gitarren und Mikrofonen, isoliert in einer ein Jahrtausend alten Kirche im pazifischen Nordwesten. "Whole New Mess" folgt auf Olsens grandioses Album "All Mirrors" aus dem vergangen Jahr. So sollten zumindest neun der insgesamt elf Stücke auf "Whole New Mess" jedem, der mit "All Mirrors" vertraut ist, ein Stück weit bekannt vorkommen. Songs wie "Lark", "Summer" und "Chance": sie alle finden ihren Platz auch auf dem neuen Album - nur eben in einer reduzierten Form und mit teils anderen Titeln versehen. Die Stücke sind jedoch bei Weitem keine Demoaufnahmen von "All Mirrors". Vielmehr ist "Whole New Mess" als eigenständiges, charakterfestes Album zu verstehen. Sollte man sich die üppigen orchestralen Arrangements und cineastische Bandbreite von "All MIrrors" als Vertonung vorstellen, mit der Olsen der Welt ihre emotionalen Narben offen legte, so ist "Whole New Mess" der entstehende Sound, wenn Olsen versucht, Sinn in Form und Ausmaß dieser Wunden zu finden. Das Resultat ist atemberaubend, überzeugend offenherzig und einschüchternd persönlich zu gleich. Seite an Seite mit "All Mirrors" betrachtet, ist "Whole New Mess" eine ergreifende und deutliche Erinnerung daran, dass Songs mehr sind als nur eine Kollektion an Worten, Akkorden und Melodien. Vielmehr sind sie Geflechte aus Stimmungen, Momenten und Ideen - Eigenschaften, die sich von einem Monat auf den nächsten verändern können, und dabei genau so viel ausdrücken wie eine perfekte Progression oder ein eleganter Akkord. Als für sich stehende, aufrichtige und entschlossene Begutachtung, wie es ist, zu lieben, zu verlieren und zu überleben, sind diese elf Songs in diesem Sinne etwas komplett Neues. Sie bilden den Sound zu Angel Olsens Weg durch die Art von Sorgen, die wir alle selbst nur zu gut kennen - aufgenommen für sich selbst und jede und jeden, die es ebenso brauchen könnten.