Bureau B Electronic & Dance 81 Artikel

Limitiert auf 100 Stück.

Dumbo Tracks kehrt zurück mit seinem zweiten Album Move With Intention. Seit dem selbstbetitelten Debütalbum in 2022 ist viel passiert; Philipp Janzen hat groß eingeladen ins Kölner Dumbo-Studio. Dabei entstand eine Sammlung von neun freidrehenden, wandernden Kraut-Dance Grooves, die von Vocals von Portable, Ada, Marker Starling, Rubee Fegan und nothhingspecial begleitet werden.
In Abgrenzung zur ersten Platte - und in Anlehnung an seine eigene musikalische Sozialisation - bewegt Philipp Janzen sich auf diesem Album mehr Richtung Live-Band. Geblieben ist der kollaborative Leitgedanke von Dumbo Tracks, neu dazu kommen eine verstärkte Bereitschaft zur Eklektik und Experimentierfreiheit.
Ursprung des Albums war eine gemeinsame Italien-Reise: In mehreren Synthesizer-Jams skizzierten Philipp & KoProduzent Julian Stelter die Ideen, die zur Grundlage des Albums werden sollten. Zurück in Köln lud Philipp Freund:innen ins Studio ein, um die Tracks in Live-Dynamik weiter zu entwickeln. Für die finale Phase des Albums kamen schließlich Smile-Frontfrau Rubee Fegan, der kanadische Singer-Songwriter Marker Starling, der HouseRomantiker Portable, die Bonner Haunted-Pop-Künstlerin nothhingspecial und die Hamburger Techno-Visionärin
Ada hinzu.
Rubee Fegans lakonisch-anekdotische Beobachtungen begleiten vier der Songs. „Sip on the wave of her“, singt sie im ersten Track immer wieder, und lädt uns ein ins Album. So einen Gesangsstil hat Philipp schon lange gesucht und bei Rubee endlich gefunden. Der langjährige Mitstreiter Christopher Cummings (alias Marker Starling) leiht seinen Tenor "Slow Despair", einem beschwingten Workout von Drum-Machine und Orgel. Track drei - „What If“ mischt alles einmal auf, wenn oszillierende Acid-Basslines in Manchester-Warehouse-Attitüde sich mit verträumten Gitarrenriffs und poppigem Gesang rangeln. Wenig später nimmt uns Sängerin und Produzentin nothhingspecial mit in einen Teppich aus Herzschmerz und Erwartung. Im Titeltrack verlangsamt sich das Tempo und es entsteht eine melasseartige Traumlandschaft, ein schleifender
Groove, mitgezogen vom Gesang des in Paris lebenden Künstler Portable. Inmitten von gefilterten Hi-Hats und Widescreen-Sequenzern ist Portables gefühlvolle Stimme das Geleit für diesen Aufruf zur Achtsamkeit. „Mica“ fährt dann auf Kosmische Landpartie mit Synthesizer, Drumcomputer, Flöten und Adas Gesang. Auf „A Naked Star“ spannt Rubee ein sphärisches Voiceover, unter dem Orgeln in rollende Drums und Dub-Reverb übergehen. Das Album schließt mit "My Eyes Won't Close“; nothingspecial nimmt uns mit auf einen modularen Abstieg in die Verzweiflung.
Das alles ergibt ein herrlich eklektisches Album, eine anarchische Pop-Platte, die ihren eigenen Regeln folgt. Move With Intention ist sowohl elektronisch als auch lebendig, motorisch und pastoral, gefüllt mit Dancefloor-Grooves und Krautrock-Swaggern. In diesem Sinne ist die Absicht klar: das Regelwerk respektvoll zu zerreißen und sich weiterzuentwickeln.

Limitiert auf 100 Kopien.

Wir freuen uns eine ganz besondere Veröffentlichung ankündigen zu dürfen. Mit "Kisoque Of Arrows 2" hat Detlef Weinrich aka Tolouse Low Trax für Bureau B seine erste Compilation zusammenstellt. Ganz im Geiste der legendären Sampler von Les Disques Du Crépuscule oder Made To Measure ist ein Journal entstanden, das nicht nur ungewöhnliche Musikstücke zwischen raren, ungedeckten Perlen aus dem experimentellen Untergrund der frühen 1980er Jahre bis hin zu zeitgenössischen, unveröffentlichten Aufnahmen zu einem hybriden Ganzen verbindet, sondern vor allem eine sensible Collage von Cut Ups aus Beobachtungen, Erinnerungen und der nie endenden Suche nach einer nicht erklärbaren Schönheit ist. Die 11 Tracks bilden eine Sammlung eigenartiger Pop-Fusionen, zwischen Umwegen und Beiläufigkeit, zwischen der Abenteuerlust einer Nacht und der Sehnsuchtsschwere schwüler Nachmittagshitze, uneben und fragil, die sowohl eine Art Standortbestimmung von Tolouse Low Trax als Künstler und Kurator ist als auch den Geist vieler Nächte aus dem Düsseldorfer Salon des Amateurs atmet.

Mit "Morphing Polaroids" legt die gebürtige Japanerin und seit 2018 in Berlin lebende Saeko Okuchi alias Saeko Killy ihr Debütalbum bei Bureau B vor. In den letzten Jahren konnte sie sich in der Berliner Szene rund um den Club Sameheads einen Namen als DJ und Live-Künstlerin machen. Nachdem 2021 ihre erste EP "!"#$%&"( )* - Dancing Pikapika" auf dem Osakischen Label Chill Mountain erschien, folgte eine fruchtbare Jamsession während des pandemiebedingten Lockdowns, aus der schließlich die 11 Titel umfassende LP "Morphing Polaroids" hervorging. Das Ergebnis ist ein kontemporärer Leftfield-Clubsound, der mühelos Elemente von Dub, Post-Punk und Kraut mit elektronischen Beats vereint.

Dieter Moebius ist einer der wichtigsten Protagonisten der avantgardistischen elektronischen Musik in Deutschland (er ist/war Teil von Cluster und Harmonia). "Tonspuren" stammt aus dem Jahr 1983 und war sein erstes Soloalbum. Es enthält akribisch gefertigte Perlen elektronischer Musik mit Sinn für Pop-Melodien. Zum 40-jährigen Jubiläum des Albums gibt es eine auf 500 Exemplare limitierte, handnummerierte, rote Vinyl-Edition. [eng] Dieter Moebius is one of the most important protagonists of avant-garde electronic music in Germany (He is/was part of Cluster and Harmonia). "Tonspuren" dates back to 1983 and was his first solo album. It features meticulously fabricated pearls of electronic music with a sense of pop melody. For the 40th anniversary of the album we"re making a limited red vinyl edition, hand numbered, 500 copies.

"Oui Bitte", das elfte Studioalbum von Station 17, wurde in intensiver Arbeit und nicht selten bis spät in die norddeutsche Nacht auf dem Forellenhof in Nordhastedt produziert. Mit müden Augen saß das Musikerkollektiv so für gewöhnlich zu vorgerückter Stunde beisammen und hörte die Takes durch, die das Tagwerk hervorgebracht hatte. Ist der zwingende Rhythmus als Königsdisziplin der 1989 gegründeten Band in ihrem Werk immer schon angelegt, ergab sich spätestens beim housigen "Hausmann" kollektiv der Wunsch: hier muss ein Remix her! Der Wunsch wuchs und legte sich über das gesamte Album ... Remixalben haben dabei in der über 30 Jahre währenden Geschichte des Kollektivs bereits Tradition: 2001 erschien beim legendären Label Mute Records, das nicht nur Depeche Mode zu Ruhm verholfen hatte, das Album "Mikroprofessor" mit Remixen von etwa DJ Koze, Thomas Fehlmann, Justus Köhncke oder To Rococo Rot. Im Jahr 2011 folgten die "Goldstein Variationen Remixes", darunter Versionen von Erobique, Tobias Thomas, aber auch von Ada und Mense Reents, die uns auch hier wiederbegegnen. Zaghaft fing die Band also an, ihre Lieblingsproduzent/innen anzufragen, die ohne Umschweife komplett zusagten. So stand schon bald ein hochkarätiges Remixalbum mit dem Who-is-Who der hiesigen Landschaft elektronischer Musik im Raum. Und auch, wenn die Grundlagen der Stücke wiedererkennbar sind, ist hier ein gänzlich neues Hörerlebnis entstanden, das durch die Versiertheit der Beteiligten und ihre Expertise zu einem eigenständigen Werk gewachsen ist, das sich auch losgelöst vom Ausgangsmaterial genießen lässt. Wie von Zauberhand entsteht ein zugleich stringenter und abwechslungsreicher Vibe, der "Oui Mixe" zu mehr macht als nur eine Ergänzung zu "Oui Bitte".

Christoph Dallach, Andreas Dorau und Daniel Jahn stellen mit Echo Neuklang eine Compilation vor, die der Frage auf den Grund geht, wie der Krautrock nachgewachsene Musikergenerationen geprägt hat. Der durchaus umstrittene Begrifft steht für eine letztlich ungreifbare Musik, deren einzige verbindende Gemeinsamkeit eine Geisteshaltung, eine Suche nach dem Neuen ist. Diese Zusammenstellung beginnt 1981 und reicht bis ins Jahr 2023. Die darauf versammelte Musik demonstriert, wie die Idee von dem, was in den 1970er Jahren als Krautrock beschrieben wurde, in den Folgejahrzehnten von verschiedenen Künstler:innen mit unterschiedlichsten Ansätzen neu und divers verhandelt wurde und ohne sich irgendwelchen Genre-Formalien zu unterwerfen.

Jimi Tenor war schon immer so etwas wie ein Renaissance man. Bereits als er seine Heimat Finnland zu Beginn der 1990er Jahre verließ, um zunächst nach New York zu gehen und später quer durch Europa zu ziehen, entdeckte er schnell das, was er als sein Ikigai bezeichnet, seine große Freude im Leben: Musik in DIY-Manier aufzunehmen und zuhause mit einfachen Mitteln zu produzieren, spontan und intuitiv. Daran hat Tenor über die inzwischen mehr als 30 Jahre seiner musikalischen Karriere hinweg stets festgehalten, ganz egal ob auf Solopfaden seiner frühen elektronischen Alben in den 90er Jahren oder später in den unterschiedlichsten Besetzungen und Kollaboration (u.a. Tony Allen, Kabu Kabu oder Abdissa Assefa). "Multiversum" ist nun sein drittes Album beim Hamburger Label Bureau B. Die Zusammenarbeit zwischen Jimi Tenor und Bureau B begann mit der Veröffentlichung der Werkschau "NY, Hel, Barca" im Jahr 2020 und setzte sich im Frühjahr 2021 mit Herausgabe der Raritäten-Sammlung "Deep Sound Learning" fort. Während Tenor in den vergangenen 20 Jahren vor allem Jazz und Afrobeat Platten aufnahm, kehrte er auf der Bühne weiterhin oft zu seinen minimalistischen Wurzeln zurück. Begeistert von dieser Space Musik, die Jimi Tenor nur mit Synthesizer, Flöte und Saxophon ausgestattet während seiner Solo Auftritte erschafft, lud Bureau B ihn ein, endlich auch eine Platte mit diesem einfachen, aber erstaunlich wirkungsvollen Setup aufzunehmen. Nur wenige Monate später schickte Tenor eine beachtliche Sammlung neuer Stücke an Bureau B; allesamt in kurzer Zeit in seinem Heimstudio in Helsinki entstanden. Unter dem Titel "Multiversum" erscheinen diese Tracks nun als Album und beweisen einmal mehr Jimi Tenors Vielseitigkeit. Basierend auf Drum-Machine-Beats und Synthesizer-Loops, nimmt Tenor den Hörer mit hinaus in eine offene, schier unendliche Weite, in die man sich nur fallenzulassen braucht. Dabei ergeht er sich nie in Standards - Jimi Tenor ist ein Meister des Unvorhersehbaren und macht nun auf zwölf neuen Stücken Intuition und Spielfreude hörbar. "Multiversum" ist eine Liebeserklärung an den DIY-Geist, irgendwo zwischen Bedroom Jazz und Deviant Techno. Parallel zum neuen Album erscheint das Buch "Omniverse" als eine der ersten Veröffentlichungen in der neuen Kollaboration zwischen Bureau B/Tapete Records mit dem Mainzer Buchverlag Ventil. Ein beeindruckendes Künstlerportrait in Form von Fotos und Geschichten, die sich quer durch Jimi Tenors Musikkarriere und Lebensstationen ziehen.

Limitiert auf 150 Exemplare. Gelbe Doppel-LP-Edition.

'Destiny Waiving' schließt eine gemeinsame Trilogie ab, die 2011 mit 'Underrated Silence' begann und 2013 mit 'Tomorrow Is Another Day' fortgesetzt wurde (zu dieser Zeit wurde Schnauss auch ein Vollzeitmitglied von Engineers). Die ersten Sessions begannen Anfang 2017 in Ulrichs Heimstudio im Osten Londons, und die Endabmischung wurde dort Ende 2020 abgeschlossen. Trotz der langwierigen Konzeption wurden die meisten Tracks im Laufe des Jahres 2017 fertiggestellt, teilweise beeinflusst durch Improvisationssets in London, Dublin und der St James' Church in Birmingham (als Teil des Seventh Wave Electronica Festivals).

Erhältlich als LP/CD/Digital sowie als limitierte Edition mit einer Bonus-Disc mit alternativen Versionen mit zusätzlichen Live-Schlagzeugen des Von Spar-Schlagzeugers Jan-Phillip Janzen.

Jimi Tenor blickt auf eine beinahe 30 jährige Karriere und mittlerweile über 20 veröffentliche Alben auf den renommiertesten Labels wie Warp Records, Sähkö oder Kitty-Yo zurück. Dennoch gibt sich der finnischen Komponist und Multiinstrumentalist niemals mit der Rolle des renommierten Popkünstlers zufrieden, sondern ist auch heute noch ungebrochen aktiv und immer auf der Suche nach neuen Möglichkeiten, seinen ureigenen Sound aus Jazz, Afrobeats und experimenteller elektronischer Musik fortzuschreiben. Nach Veröffentlichung der Compilation "NY, Hel, Barca" im vergangenen Jahr, die sich Tenors Frühwerken und ausgewählten Stücken seiner ersten sechs Alben widmete, erscheint mit "Deep Sound Learning" nun eine Zusammenstellung unveröffentlichter Tracks aus den Jahren 1993 bis 2000. Tenors kreatives Output in dieser Zeit war derart enorm, dass er unzählige DAT-Tapes mit Aufnahmen an sein damaliges Label Warp Records schickte, das diese in einem Tresor in seinem Büro sammelte. Einige der auf diesen Tapes enthaltenen Stücke fanden ihren Weg auf Tenors LPs - andere blieben bis heute unveröffentlicht. Gemeinsam mit Jimi Tenor hat Bureau B dieses beeindruckende, bisher ungehörte Material nun geborgen und daraus eine Doppel-LP/-CD zusammengestellt, das weitaus mehr ist als eine Archivschau. Die 19 Tracks der Compilation führen die Hörer hinaus auf eine unendlich weite Spielwiese, auf der sich rudimentäre polyrhythmische Drum-Machine-Tracks neben ungestümen 303-gesteuerten Minimal-House-Skizzen ebenso versammeln wie Tenors ureigene Future-Jazz-Kompositionen und in sich versunkene DowntempoArrangements. "Deep Sound Learning" dokumentiert die unbändige Experimentierfreude eines Künstlers, der innerhalb von nur sieben Jahren seines Wirkens so viel Facettenreichtum offenbart, wie es andere über Dekaden hinweg nicht vermögen. Jimi Tenor zeigt sich als unermüdlich Suchender und Forschender, dessen Neugierde und Schaffenskraft keinen Anfang und kein Ende zu kennen scheinen.

Das zehnjährige Bandjubiläum vor Augen, veröffentlichen Camera im Februar 2021 mit „Prosthuman“ ihr fünftes Studioalbum. Passend zu einer Gegenwart, in der sich Realitäten plötzlich tagtäglich wandeln, wird auch die Berliner Combo um Schlagzeuger Michael Drummer nicht müde, sich zu verändern – personell wie musikalisch. „Neue Methoden verändern die Erfahrung, und neue Erfahrungen verändern den Menschen“ – dem Prinzip von Karlheinz Stockhausen folgend, überraschen Camera auf „Prosthuman“ erneut mit einer weiter gefassten Idee ihrer selbst, ohne dabei die über eine Dekade aufgebaute eigene Note zu verlieren. Dabei verwundert es kaum, dass Camera in manchen Plattenläden bereits ihr eigenes Fach neben Krautrock-Pionieren wie NEU!, Can oder La Düsseldorf belegen. War das Vorgänger-Album „Emotional Detox“ hörbar geprägt vom Aufeinandertreffen gleich zwei virtuoser Tasteninstrumentalisten (Steffen Kahles und dem Camera-Gründungsmitglied Timm Brockmann), musste für „Prosthuman“ Ersatz für beide gefunden werden. „Ein schwieriger Prozess“, wie Michael Drummer betont, zählte er die Keyboarder doch – zu jeweils unterschiedlichen Schaffensphasen – zum Rückgrat des ansonsten fluktuierenden Bandgefüges. Ein entscheidender Input kam schließlich von unerwarteter Seite: Tim Schroeder, der Camera seit einer gemeinsamen, sechswöchigen Tournee durch die USA im Jahr 2017 als Performance- und Videokünstler unterstützt, etablierte sich während zahlreicher Jams und Aufnahmesessions gewinnbringend an den Synthesizern. An der Gitarre vervollständigt wurde die Dreierformation durch den ebenso brillanten, wie experimentierfreudigen Musiker und Komponisten Alex Kozmidi, wobei auch Michael Drummer an manchen Stellen selbst Gitarrenriffs beisteuerte. Dass Veränderung und Reibung zwei nützliche Freunde der Kreativität sind, daran hat sich Drummer als einziges ständiges Mitglied von Camera gewöhnt. Auch mit den Freuden und Ärgernissen der Isolation – zu Pandemiezeiten plötzlich ein Massenphänomen – kennt sich der Quasi-Frontmann der Band aus, verbringt er doch seit Jahren – mal allein, mal mit den jeweiligen Mitmusikern – viel Zeit im bandeigenen Studio, das im Keller eines ehemaligen Fabrikgeländes im nicht ganz so hippen Süden von Berlin einquartiert ist. Das mitten im Aufnahmeprozess, der sich von Juni 2019 bis Juni 2020 erstreckte, aufkommende, virusbedingte Isolations-Gebot stellte insofern keine allzu große Herausforderung dar. Viel Engagement, viel Enthusiasmus und – offensichtlich – sehr viel Zeit seien dennoch notwendig gewesen, sagt Drummer, um das musikalische Raster für „Prosthuman“ zu finden. Das beeindruckt insofern, als dass einem dieses zehn Stücke umfassende Album in vielen Teilen – trotz verändertem instrumentalen Fokus – wie eine konsequent weitergesponnene Fortsetzungsgeschichte erscheint. Die Platte wirkt nicht wie ein Anfang, nicht wie ein Ende – eher wie ein Mittendrin, das keines der Vorgängeralben direkt referenziert, aber das zu jeder Zeit an die mit „Radiate!“ (2012), „Remember I Was Carbone Dioxide“ (2014), „Phantom Of Liberty“ (2016) und „Emotional Detox“ (2018) zurück gelegte Strecke erinnert. Das weithin als Konstante agnoszierte Schlagzeugspiel von Michael Drummer erweist sich dabei in fortschreitendem Maß als das entscheidende und verbindende Element. Egal, ob er seine Schläge mit präzis ausgespielter Aggression platziert wie im umstandslos voran galoppierenden Eröffnungstrack „Kartoffelstampf“ oder mit beschwingter Lässigkeit in den versöhnlichsten Stücken der Platte „Freundschaft“ und „Chords4 / Kurz Vor“. Julian Cope verglich die in den 1960ern und 1970ern losgetretene Krautrock-Bewegung einmal sehr treffend mit „Dr. Whos Zeitmaschine. Man geht durch ein enges Portal und kommt dann in einen gigantischen, dynamischen Raum.“ Camera haben das in der deutschen Musikgeschichte lange als verschüttet gegoltene Portal zu Beginn der 2010er für sich entdeckt und es, ohne zu fragen, ob sie das dürfen, forsch durchschritten. Wegen ihrer DIY-Konzerte in U-Bahn-Schächten und auf Straßenkreuzungen, damals noch mit Camera–Gründungsmitglied und Gitarrist Franz Bargmann, der heute mit Timm Brockmann das Ambient-Duo Brockmann // Bargmann betreibt und fester Bestandteil der Live-Band von Michael Rother (neu!, Harmonia) ist, erhielten sie von Außenstehenden die Bezeichnung „Krautrock-Guerilla“. Fünf Alben später ist es offensichtlich, dass jedweder Epigonen-Stempel für das Projekt Camera zu kurz greift, zu vereinnahmend bewegt sich Michael Drummers Kollektiv innerhalb des „gigantischen, dynamischen Raums“, wobei besagtes Portal mittlerweile weit aufgestoßen scheint und länderübergreifend immer neue Wellen an Krautrock-Inspirierten hereintreten. Hat man erst einmal den Eingang gefunden, ist ja auch genug Platz da – für alle und alles.

Der Hamburger Musiker und DJ RVDS schließt sich mit dem meditativen, ohrenschmeichelnden Klangkunstwerk „Moods and Dances 2021“, einem musikalischen Geschenk aus einer Zeit, in der die Zukunft Vergangenheit sein wird, dem Label Bureau B an.
Inspiriert von der sphärischen Exotik und den fantasievollen Elektroniksounds der Library Music, beschwört Richard von der Schulenburg Palmen, Pyramiden, Promenaden und Portale herauf, die vom Zentrum eines Holodecks aus beobachtet werden. Die Stücke nehmen uns mit auf eine Reise durch den wilden Geräte-Dschungel in Richards Privatstudio und lassen sich als Hommage an die Klang-Schattierungen in seiner Sammlung verstehen. Ob mit geschmolzener 303 auf dem Gipfel des Mount Acid, ob improvisierter Jazz auf den Fendertasten oder live mit Bühnen-Pathos, Richards Musik ist in jedem Fall eine eindringliche, allumfassende Erfahrung. Gut möglich jedoch, dass diese Erfahrung noch nie unmittelbarer war als auf seinem neuesten Werk. Wir werden an die digitalen Ufer von „Mrs Yamaha’s Summer Tune“ gespült, wo Salzwasser glitzert, wo polierte Trommelstöcke glänzen und unaufdringliche Percussion erklingen. Die „Caravan of the Pentamatics“ führt uns zwischen Bäumen hindurch ins Landesinnere und schneidet eine Seidenstraße durch äthiopische Jazztöne und verschlungene Rhythmen, bis sie auf die geheimnisvolle Präsenz der Farfisa Sphinx trifft. Über einem sphärischen Bass schweben kryptische Melodien, ungreifbar und unwiderstehlich, so lange, bis sie von einem Sandsturm verschluckt werden. Das sanfte, jazzige „Roland’s Night Walk“ gönnt uns ein wenig Erholung von den Gottheiten der Wüste, auch wenn Schüsse in der Ferne und das unentwegte Zirpen der Zikaden der spröden Majestät des sanften Tastenspiels zusätzliche Spannung verleihen. Die Morgendämmerung bringt Kummer, vermittelt durch mit Tau benetzte Melodien und leidvollen Tönen aus Richards DX7, und doch ... irgendwo wird getanzt, zu dem treibenden Bass, dem gespenstischen Gesang und den arabesken Sounds von „The Space Pentas“, einem kosmischen, sich unentwegt steigernden Boogie. Durstig von den Derwischtänzen, ist es nur folgerichtig, wenn wir uns in der „Wersimatic Space Bar“, einer Bar vollgestopft mit allerhand Exoticas, ein paar Drinks genehmigen. Im vorletzten Stück feiert der Boogie seine Rückkehr als derangiertes, dementes und diabolisches Chaos direkt vom „Planet Dragon“, übersetzt in einem Wettkampf der Soundeffekte. Abschied bringt immer, egal auf welchem Planeten, einen süßen Schmerz mit sich, der in „The End (Lala)“ unter Mithilfe von Raumsirenen, schlaftrunkenen Bässen und anfallartigem Rauschen in getragenem Tempo wundervoll eingefangen wird. Ganz sicher hatten Library Music sowie die verwendeten Geräte einen erheblichen Einfluss auf dieses Album, und dennoch transportiert dieser faszinierende, intergalaktische Trip weitaus mehr Leidenschaft als jedes Potpourri. Er ist spielerisch, poetisch und enigmatisch zugleich, also in jedem Fall ein waschechter RVDS.
- Patrick Ryder

Limitiert auf 200 Stück. Nur bei HHV.

Diese besondere Edition kommt vierfarbig, mit einem Weiß-Cremeton als Grundlage und dreifarbigen Splattern in dunkelgrün, orange und gelb. Jede Platte ist ein Unikat.

Der Hamburger Musiker und DJ RVDS schließt sich mit dem meditativen, ohrenschmeichelnden Klangkunstwerk „Moods and Dances 2021“, einem musikalischen Geschenk aus einer Zeit, in der die Zukunft Vergangenheit sein wird, dem Label Bureau B an.
Inspiriert von der sphärischen Exotik und den fantasievollen Elektroniksounds der Library Music, beschwört Richard von der Schulenburg Palmen, Pyramiden, Promenaden und Portale herauf, die vom Zentrum eines Holodecks aus beobachtet werden. Die Stücke nehmen uns mit auf eine Reise durch den wilden Geräte-Dschungel in Richards Privatstudio und lassen sich als Hommage an die Klang-Schattierungen in seiner Sammlung verstehen. Ob mit geschmolzener 303 auf dem Gipfel des Mount Acid, ob improvisierter Jazz auf den Fendertasten oder live mit Bühnen-Pathos, Richards Musik ist in jedem Fall eine eindringliche, allumfassende Erfahrung. Gut möglich jedoch, dass diese Erfahrung noch nie unmittelbarer war als auf seinem neuesten Werk. Wir werden an die digitalen Ufer von „Mrs Yamaha’s Summer Tune“ gespült, wo Salzwasser glitzert, wo polierte Trommelstöcke glänzen und unaufdringliche Percussion erklingen. Die „Caravan of the Pentamatics“ führt uns zwischen Bäumen hindurch ins Landesinnere und schneidet eine Seidenstraße durch äthiopische Jazztöne und verschlungene Rhythmen, bis sie auf die geheimnisvolle Präsenz der Farfisa Sphinx trifft. Über einem sphärischen Bass schweben kryptische Melodien, ungreifbar und unwiderstehlich, so lange, bis sie von einem Sandsturm verschluckt werden. Das sanfte, jazzige „Roland’s Night Walk“ gönnt uns ein wenig Erholung von den Gottheiten der Wüste, auch wenn Schüsse in der Ferne und das unentwegte Zirpen der Zikaden der spröden Majestät des sanften Tastenspiels zusätzliche Spannung verleihen. Die Morgendämmerung bringt Kummer, vermittelt durch mit Tau benetzte Melodien und leidvollen Tönen aus Richards DX7, und doch ... irgendwo wird getanzt, zu dem treibenden Bass, dem gespenstischen Gesang und den arabesken Sounds von „The Space Pentas“, einem kosmischen, sich unentwegt steigernden Boogie. Durstig von den Derwischtänzen, ist es nur folgerichtig, wenn wir uns in der „Wersimatic Space Bar“, einer Bar vollgestopft mit allerhand Exoticas, ein paar Drinks genehmigen. Im vorletzten Stück feiert der Boogie seine Rückkehr als derangiertes, dementes und diabolisches Chaos direkt vom „Planet Dragon“, übersetzt in einem Wettkampf der Soundeffekte. Abschied bringt immer, egal auf welchem Planeten, einen süßen Schmerz mit sich, der in „The End (Lala)“ unter Mithilfe von Raumsirenen, schlaftrunkenen Bässen und anfallartigem Rauschen in getragenem Tempo wundervoll eingefangen wird. Ganz sicher hatten Library Music sowie die verwendeten Geräte einen erheblichen Einfluss auf dieses Album, und dennoch transportiert dieser faszinierende, intergalaktische Trip weitaus mehr Leidenschaft als jedes Potpourri. Er ist spielerisch, poetisch und enigmatisch zugleich, also in jedem Fall ein waschechter RVDS.
- Patrick Ryder

"Auf dem schwarzen Kanal" ist eine der herausstechendsten und gesuchtesten Veröffentlichungen in Conrad Schnitzlers umfangreichem Katalog. 1980 als einzige von Schnitzlers Platten bei einem Majorlabel veröffentlicht, war diese Maxi und insbesondere das Titelstück ein Flirt mit dem zeitgleich aufkommenden experimentellen New Wave und klang dennoch so eigenwillig wie keine andere Musik zu jener Zeit.Die zusammen mit Wolfgang Seidel entstandenen und in Peter Baumanns Berliner Paragon Studio aufgenommen vier Tracks sind ein bissiger, dissonante Mutant Disco Trip, der bis heute nichts von seiner Faszination eingebüßt hat. Bureau B freut sich dieses lange vergriffene Werk endlich wieder verfügbar zu machen!

Limitiert auf 159Stück. Nur bei HHV,

TLTs viertes Soloalbum "Jumping Dead Leafs" ist eine sinnliche Illusion geheimnisvoller Kräfte… 38 Minuten purer Exorzismus, romantisch-dionysische Sexyness, angeheizt aus mechanischen Beschwörungsformeln, gemischt mitvspektralen Stimmen vergessener imaginärer Menschenstämme, „Divina Commedia“ Poesie einer Physikerinv(„Incomprehensible Image”) und weiteren mystischen Atemzügen… fordernde Musik… für Körper und Seele ...vEin Meister der Irritation, der sein Talent bis hin zu Album-, Tracktiteln und weiteren Komponenten offenbart (wervwürde schon „Milk in Water“ gießen?). Repetitive, minimalistische Musik kann manche Seele nervös machen, doch es scheint besser zu sein, im Falle von „Jumping Dead Leafs“ primitive Musik ins Gespräch zu bringen - trotz eines gewaltfreien Anarchismus... Aber das sind alles nur aussichtslose Versuche, TLT einer stilistischen Regionoder Familie zuzuordnen. Auch die Last des Erbes der klassischen europäischen Musik, die in der Popmusik mündete, scheint seinen wilden Verstand nicht zu beeinträchtigen. Obwohl es nicht verwunderlich wäre, die süßen Spuren eines J.S. Bach in deutscher elektronischer Musik zu spüren, gibt es bei TLT die klare Aussage, nicht ins sirupartige Gefängnis der Tradition hinabzusteigen. D.W. ist ein Zauberer ... einer, der empirisch gelernt hat, die verschleierte Sprache der Trance zu sprechen… jahrelang war er auf Tournee und experimentierte mit allen Arten von Publikum und Veranstaltungsorten - von Clubs bis zu Museen, von der Mongolei bis nach Brasilien, von seinen Auftritten mit seinen Bands Kreidler oder Toresch bis hin zu Soloshows, unterstützt von einem begrenzten Setup, das er ebenso bei seinen Aufnahmen verwendet: eine MPC, rudimentäre Synthesizer, wenige Effekte und ein Mixer. Kein Toningenieur steht ihm bei, denn nur D.W. kennt jene intime geheime Sprache, die nur er zu äußern weiß. Ohne Vorwarnung wirken die Zauberkräfte seines jüngsten Albums… von den ersten Sekunden bis zur letzten Epiphanie von „Sales Pitch“ …. Roher Dub-Zauber, der sich auch dem HipHop zuwendet und eine deutliche Distanzierung von seinen früheren Industrial-Inspirationen markiert...
Ferner nutzt TLT sein Wissen über Techno, der Psychedelic („Inverted Sea“), des UK-Bass („Jumping Dead Leafs“) und wischt es ungeniert gegen den Strich. Wir alle neigen dazu, Sklaven zu sein, ohne uns dessen
bewusst zu sein. Aber es sollte ein Gleichgewicht zwischen sklavischem Sein und selbstbewusster Existenz
bestehen. TLTs musikalische Antworten darauf sind irritierend, denn sie propagieren in einer Welt des SchwarzWeiß-Denkens und der politischen Korrektheit den kühnen Aufruf, die Balance des Sklavischen und Individuellen neu zu vermessen … in der Musik gibt es schließlich keine Moral ... sein jüngstes Werk enthüllt nichts anderes, als eine unerklärlich befreiende, unmittelbare Erfahrung. Musik, die sich in der Vergangenheit umschaut und zugleich weit in der Zukunft schwebt... Von seiner intuitiven Aufnahmetechnik, die sich hauptsächlich auf die Kunst des „One-Take“ stützt, seiner Verehrung des Fehlers und dem in sich drehenden Kern der repetitiven Musik: „Jumping Dead Leafs" atmet all dies aus und bleibt stets pure Gegenwart.

Lapre war das gemeinsame Projekt von Rudolf Langer (ehemals Tyndal) und Peter Preuß, die sich 1983 in West-Berlin zusammenschlossen, um ihre Klangexperimente - Langer am Synthesizer, Preuß an der Gitarre - in nächtlichen Proberaumsessions auf Tonband zu bannen. Neben einer einzigen Single und einigen, in Kleinstauflagen herausgebrachten Kassetten, gab es zur aktiven Zeit von Lapre keine weiteren Tonträgerveröffentlichung. Erst 2018 erschien auf Bureau B mit "Auferstehung" eine Werkschau, die Material aus den Jahren 1983 und 1984 versammelte und erstmalig einer breiten Hörerschaft zugänglich machte. Mit "Banzai" folgt nun die zweite Lapre-Kollektion, auf der sich Aufnahmen aus dem Schaffenszeitraum zwischen 1985 und 1987 wiederfinden. War diese Musik zum Zeitpunkt ihrer Entstehung kaum mehr als ein Geheimtipp, der über die Grenzen der Berliner Untergrundszene hinaus nur wenig Aufmerksamkeit erlangen konnte, freuen wir uns umso mehr, diese Stücke nach über 30 Jahren endlich wieder verfügbar zu machen.

Limited to 100 copies as HHV Exclusive pink colored vinyl edition.

„It's the terror of knowing what this world is about“, sang David Bowie 1981. Ihm gelang das Kunststück, ein Lied mit einer solchen Zeile – und mit Queen als Backing-Band – zu einem Hit zu machen. Von Spars „Under Pressure“ weiß auch, worum es in dieser Welt geht, mit ihren Drohkulissen, verschärftem sozialen Wettbewerb und dem Verdrängungskampf im Übergang zum Überwachungskapitalismus. Vom ersten Beat an spürt man die Dringlichkeit dieser Musik. Trotzdem wirkt sie frei, fast schwebend und schafft Raum für Reflektion und Selbstbefragung.Von Spar verstehen das, was andere „Band“ nennen, als modulares System. Die Kreativgemeinschaft von Sebastian Blume, Jan Philipp Janzen, Christopher Marquez und Phillip Tielsch befindet sich in einem
Zustand konstanter Neukonfiguration. Von Spar sind eine Schnittstelle, ein Interface, das Zugang schafft zum Wieder-Entdecken und Neu-Erleben von nur scheinbar Bekanntem. „Under Pressure“ ist ihr fünftes Album, sofern man in der Zählung die live eingespielte Can-Hommage gemeinsam mit Stephen Malkmus unterschlägt. 15 Jahre sind seit ihrem Debüt „Die uneingeschränkte Freiheit der privaten Initiative“ vergangen, fünf Jahre seit dem Album „Streetlife“. Betrachtet man ihre Diskografie, bekommen Von Spar etwas Chamäleonhaftes. Ihre Platten sind Ergebnisse einer steten Wandlung, sie öffnen Wurmlöcher zu Postpunk, zu Krautrock oder zum Kunstpop der Achtzigerjahre. Die Konstanten: rhythmische Raffinesse und harmonische Quantensprünge, das An- und Abschwellen von Synthesizer-Arpeggi, rückwärts abgespielte Gitarren, die nichts von Rückwärtsgewandtheit haben. Die acht Songs auf „Under Pressure“ wurden in Von Spars Dumbo Studio in Köln aufgenommen. Entscheidende Beiträge stammen von Gästen aus Toronto, Tokio, New York, London und Nashville. Die prägende Stimme ist, wie schon bei „Streetlife“, die von Chris A. Cummings alias Marker Starling. Er legt sein unverkennbares Falsett über die Hälfte der Songs und will wissen: „Is there a cure for this / Unhappiness, happiness?“ Im Eröffnungsstück erkundet Cummings gemeinsam mit Eiko Ishibashi (u.a. Kafka's Ibiki, Jim O'Rourke, Merzbow) in einer japanischen Traumsequenz, wohin die Reise gehen kann, wenn man die Fesseln des Fleisches abstreift. Punk- und Reggae-Professorin Vivien Goldman (The Flying Lizards) greift den Gedanken auf und befreit sich in „Boyfriends (Dead Or Alive)“ von den Gespenstern der Vergangenheit. Lætitia Sadier (Stereolab) singt auf dem Kraut-Pop-Hit des Albums, „Extend The Song“, der mit seinem Motorik-Schwung ewig weiterlaufen könnte: „If someone would ask me / Could I go on?“ Antworten, mehr Fragen – das ist das große Leitmotiv dieser Songs. Eine entscheidende stellt der Low-Fi-Eigenbrötler und 400-Alben-Mann R. Stevie Moore auf „Falsetto Giuseppe“: „Should I Worry?“ Natürlich!
Arno Raffeiner