Dead Oceans HHV Records 176 Artikel

Die beliebte Band Bright Eyes mit der dritten Welle von Veröffentlichungen im Rahmen ihres laufenden Companions-Reihe. Das Projekt sieht vor, dass die Band ihren gesamten Katalog neu auflegt, wobei jedes Originalalbum von Neueinspielungen begleitet wird. Diese Companion EPs enthalten dazu Gastauftritte von Johanna and Klara Söderberg (aka First Aid Kit), Gillian Welch und Alynda Segarra (Hurray For The Riff Raff) sowie Coverversionen von "Wrecking Ball" von Gillian Welch und "When You Were Mine" von Prince.



Eines der Dinge, die Conor Oberst auffielen, als er und seine Band durch mehr als zwanzig Jahre Musik gingen, war, dass er vielleicht tatsächlich die ganze Zeit über denselben Song geschrieben hat. Natürlich nicht klanglich, aber konzeptionell. Diese letzte Welle enthält mit Noise Floor frühe Bright Eyes-Songs, die so roh sind, dass Oberst sie damals nicht direkt veröffentlicht hat, sowie mit Cassadaga und The People's Key die ausgefeiltesten und anspruchsvollsten Alben der Band. Als Bright Eyes mit Cassadega auf Tournee gingen, spielten sie 7 ausverkaufte Abende in der Town Hall in New York. Was gibt es Erwachseneres als einen Rockstar? Und doch ... "Thematisch unterscheiden sich diese frühen Songs gar nicht so sehr von denen, die ich jetzt mache", sagt Oberst und schüttelt den Kopf. "Es hat etwas Bestätigendes und Entmutigendes an sich. Man fragt sich: Habe ich mich wirklich verändert oder bin ich gewachsen? Aber vielleicht liegt es auch nur daran, dass ich von Anfang an wusste, worüber ich schreiben wollte. Es war eine interessante Reise, all diese alten Songs wieder aufzugreifen und neu zu interpretieren.“

Die beliebte Band Bright Eyes mit der dritten Welle von Veröffentlichungen im Rahmen ihres laufenden Companions-Reihe. Das Projekt sieht vor, dass die Band ihren gesamten Katalog neu auflegt, wobei jedes Originalalbum von Neueinspielungen begleitet wird. Diese Companion EPs enthalten dazu Gastauftritte von Johanna and Klara Söderberg (aka First Aid Kit), Gillian Welch und Alynda Segarra (Hurray For The Riff Raff) sowie Coverversionen von "Wrecking Ball" von Gillian Welch und "When You Were Mine" von Prince.



Eines der Dinge, die Conor Oberst auffielen, als er und seine Band durch mehr als zwanzig Jahre Musik gingen, war, dass er vielleicht tatsächlich die ganze Zeit über denselben Song geschrieben hat. Natürlich nicht klanglich, aber konzeptionell. Diese letzte Welle enthält mit Noise Floor frühe Bright Eyes-Songs, die so roh sind, dass Oberst sie damals nicht direkt veröffentlicht hat, sowie mit Cassadaga und The People's Key die ausgefeiltesten und anspruchsvollsten Alben der Band. Als Bright Eyes mit Cassadega auf Tournee gingen, spielten sie 7 ausverkaufte Abende in der Town Hall in New York. Was gibt es Erwachseneres als einen Rockstar? Und doch ... "Thematisch unterscheiden sich diese frühen Songs gar nicht so sehr von denen, die ich jetzt mache", sagt Oberst und schüttelt den Kopf. "Es hat etwas Bestätigendes und Entmutigendes an sich. Man fragt sich: Habe ich mich wirklich verändert oder bin ich gewachsen? Aber vielleicht liegt es auch nur daran, dass ich von Anfang an wusste, worüber ich schreiben wollte. Es war eine interessante Reise, all diese alten Songs wieder aufzugreifen und neu zu interpretieren.“

Die Versuchung, Bill Fay zu mythologisieren, kann überwältigend sein. Sein Status als unbesungener Held hat sich langsam, aber stetig, über fünfundzwanzig Jahre hinweg entwickelt und mit jedem neuen Album kommen Fans hinzu, darunter prominente Musiker wie Jeff Tweedy, Kevin Morby, Adam Granduciel und Julia Jacklin, um nur einige zu nennen. Fay war jahrzehntelang ebenso produktiv wie unterschätzt, innerhalb seines Katalogs ist die Bill Fay Group seine bedeutendste Zusammenarbeit. Nach seinem selbstbetitelten Debüt Bill Fay (1970) und dem Klassiker "Time of the Last Persecution" (1971) hatte Decca Records kein Interesse ein drittes Album zu veröffentlichen. Bill Stratton, Gary Smith, Rauf Galip formierten sich mit Fay zur Bill Fay Group und nahmen zwischen 1978 und 1981 in mehreren Sessions, trotz minimaler finanzieller Mittel, ein brillantes Album auf. Die Bandmitglieder beschwören ein elegantes Gegengewicht zu seinem Gespür für das Unauffällige. "Tomorrow Tomorrow and Tomorrow" bringt die galaktischen Qualitäten des frühen Rock, die Komplexität der Jazz-Improvisation und Fays erdigen Folk-Zauber zusammen. Zur Zeit der Fertigstellung fand sich aber leider kein Label für das Projekt. Erst 2005 brachte David Tibet auf seinem Label Durtro Records eine unvollständige, nur auf CD erhältliche Version heraus. Eine Neuauflage von 2006 machte das Album auf Vinyl erhältlich, allerdings mit stark gekürztem Tracklisting, es fehlten neun Songs. Jetzt endlich erscheint Tomorrow Tomorrow and Tomorrow weltweit in voller Länge. Es enthält die 22 Original-Songs des Albums, dazu 6 Bonustracks, sowie seltene und bisher unveröffentlichte Fotos von den ursprünglichen Aufnahmesessions von "Tomorrow Tomorrow and Tomorrow".

Bill Fay hat immer über den Versuch gesungen, die universellen Fragen zu verstehen: die der Natur, der Spiritualität und der Menschheit. Seine Lieder sind "beruhigende Hymnen für eine andere chaotische Zeit", sagt er. Ursprünglich 2010 von David Tibet (Current 93) veröffentlicht, erschien Still Some Light als Doppel-CD, bestehend aus 70er Jahre Demos (Disc 1) und Heimaufnahmen von 2009 (Disc 2). Dead Oceans präsentiert diese Sammlung von Aufnahmen in zwei Teilen. "Still Some Light: Part 1" wurde bereits im Januar 2022 veröffentlicht und enthält die Demos der 70er-Jahre-Alben "Bill Fay" und "Time Of The Last Persecution". Der zweite Teil, "Still Some Light: Part 2", enthält die Home Recordings aus dem Jahr 2009, von denen einige in späteren Versionen auf den Dead Oceans Alben "Life Is People" und "Who Is The Sender" wieder auftauchten. Dazu lanciert das Label l eine spezielle Serie von limitierten 7"-Singles mit zeitgenössischen Neuinterpretationen von Bill Fay Songs von Kevin Morby, Steve Gunn, Julia Jacklin und Mary Lattimore. Bill Fays Worte und Melodien bleiben vom Lauf der Zeit und den wechselnden Trends unberührt; und hier, neben den Originalaufnahmen, führen uns die neuen Versionen wie die Originale durch einen weiteren Moment des Chaos.

Manchmal, sagt Mitski, fühlt es sich so an, als wäre das Leben ohne Hoffnung, ohne Seele oder ohne Liebe einfacher. Aber wenn sie die Augen schließt und darüber nachdenkt, was ihr wirklich gehört, was nicht beschlagnahmt oder zerstört werden kann, dann sieht sie Liebe. "Das Beste, was ich je in meinem Leben getan habe, war, Menschen zu lieben", sagt Mitski. "Ich wünschte, ich könnte all die Liebe, die ich habe, nach meinem Tod zurücklassen, damit ich all das Gute, all die gute Liebe, die ich geschaffen habe, auf andere Menschen ausstrahlen kann." Sie hofft, dass ihr neuestes Album "The Land Is Inhospitable and So Are We" diese Liebe noch lange nach ihrem Tod ausstrahlen wird. Wenn man es hört, fühlt es sich genau so an: wie eine Liebe, die das Land heimsucht. "Dies ist mein amerikanischstes Album", sagt Mitski über ihr siebtes Album, und die Musik fühlt sich an wie ein tiefes Zeugnis dieses Landes, mit all seinen privaten Sorgen und schmerzhaften Widersprüchen. Auf diesem Album, das klanglich das umfangreichste, epischste und weiseste von Mitski ist, scheinen die Lieder Wunden zu schlagen und sie dann aktiv zu heilen. Hier reist die Liebe durch die Zeit, um unsere zarten Tage zu segnen, wie das Licht von einem fernen Stern. Das Album ist voll von den Schmerzen der erwachsenen, scheinbar alltäglichen Herzensbrechungen und Freuden, die oft nicht besungen werden, sich aber enorm anfühlen. Es ist ein kleines Epos. Vom Boden eines Glases über eine von Erinnerungen und Schnee matschige Einfahrt bis hin zu einem Güterzug, der durch den Mittleren Westen rast, und bis hin zum Mond - es fühlt sich an, als ob alles und jeder vor Schmerz schreit und sich nach der Liebe krümmt. Die Liebe ist das unwirtliche Land, das uns zuwinkt und uns dann zurückweist. Diesen Ort zu lieben _ diese Erde, dieses Amerika, diesen Körper _ erfordert aktive Arbeit. Es mag unmöglich sein. Die besten Dinge sind.

Die beliebte Band Bright Eyes mit der dritten Welle von Veröffentlichungen im Rahmen ihres laufenden Companions-Reihe. Das Projekt sieht vor, dass die Band ihren gesamten Katalog neu auflegt, wobei jedes Originalalbum von Neueinspielungen begleitet wird. Diese Companion EPs enthalten dazu Gastauftritte von Johanna and Klara Söderberg (aka First Aid Kit), Gillian Welch und Alynda Segarra (Hurray For The Riff Raff) sowie Coverversionen von "Wrecking Ball" von Gillian Welch und "When You Were Mine" von Prince.



Eines der Dinge, die Conor Oberst auffielen, als er und seine Band durch mehr als zwanzig Jahre Musik gingen, war, dass er vielleicht tatsächlich die ganze Zeit über denselben Song geschrieben hat. Natürlich nicht klanglich, aber konzeptionell. Diese letzte Welle enthält mit Noise Floor frühe Bright Eyes-Songs, die so roh sind, dass Oberst sie damals nicht direkt veröffentlicht hat, sowie mit Cassadaga und The People's Key die ausgefeiltesten und anspruchsvollsten Alben der Band. Als Bright Eyes mit Cassadega auf Tournee gingen, spielten sie 7 ausverkaufte Abende in der Town Hall in New York. Was gibt es Erwachseneres als einen Rockstar? Und doch ... "Thematisch unterscheiden sich diese frühen Songs gar nicht so sehr von denen, die ich jetzt mache", sagt Oberst und schüttelt den Kopf. "Es hat etwas Bestätigendes und Entmutigendes an sich. Man fragt sich: Habe ich mich wirklich verändert oder bin ich gewachsen? Aber vielleicht liegt es auch nur daran, dass ich von Anfang an wusste, worüber ich schreiben wollte. Es war eine interessante Reise, all diese alten Songs wieder aufzugreifen und neu zu interpretieren.“

Das Weihnachtsalbum von Bright Eyes beginnt mit einer von Klavier, Flöte, Ambient-Geräuschen und Sägeinstrumenten getriebenen Version von "Away in a Manger" und hilft dabei, Gelegenheits-Weihnachtsmusikliebhaber auszusortieren. Die gläubigsten Jünger von Conor Oberst hatten bereits 2002 mit der ursprünglichen Saddle Creek-Veröffentlichung von "A Christmas Album" gelernt, dass die Wärme der Weihnachtszeit nur noch von ihrem Potential an Melancholie übertrumpft wird. Oberst und eine kleine Armee von Freunden in seinem Haus jamborieren durch Weihnachtsklassiker wie "Have Yourself a Merry Little Christmas", "God Rest Ye Merry Gentlemen" und "Oh Little Town of Bethlehem". Festtagsstimmung, wenn sie mit Obersts Markenzeichen, dem Zittern in der Stimme, vorgetragen wird, klingt eher wie ein Klagelied als wie eine Hymne der kirchlichen Freude. Die zerbrechliche, hausbackene, und etwas scheuklappenartige Stimmung, die das Album durchdringt entspricht, sowohl seltsam als auch befriedigend, wahrscheinlich mehr dem wahren Geist der Jahreszeit.

Lang erhofftes Reissue des von Kritikern hochgelobten dritten Albums von Califone inklsuive einer Bonus-LP mit unveröfentlichen Songs.

Indiepop aus England und eine tolle Entdeckung für die Leute, die Bands wie Daughter oder Porridge Radio mögen.

Dies ist Kevins Magnum Opus, ein Konzeptalbum über Spiritualität und
Religion. Nach seinen vier vorherigen Soloalben und unzähligen Platten in
verschiedenen Band-Konstellationen und Zusammenarbeiten ist Kevin
Morby zu einem wahren musikalischen Autor geworden. Jetzt, mit der
üppigen Doppel-LP "Oh My God", liefert Morby einen grandiosen
Director's Cut seiner bisher größten Aussage, sowohl episch im Umfang
als auch im Sound, ab. Ein Werk, das mit Fug und Recht als bisheriger
Höhepunkt seines Schaffens bezeichnet werden darf. In seiner
bisherigen Arbeit hat Morby die Allgegenwart eines offensichtlichen
religiösen Themas bemerkt. Obwohl Morby sich nicht im Geringsten als
"religiös" identifiziert, erkennt er in sich selbst ein spirituelles Wesen mit
einer weltlichen Einstellung zum Seelenvollen. Und so setzte er sich in
dem Bestreben, diesen Gedanken frontal und ein für alle Mal anzugehen,
in seinen persönlichen Kirchen - Flugzeuge und Betten - hin und schrieb,
was sein erstes wahres Konzeptalbum werden sollte. Wenn "Singing
Saw" Kevins L.A.-Platte war und "City Music" seine Ode an New York,
dann lebt "Oh My God" im Himmel, über dem Wetter, nirgendwo und
überall gleichzeitig.

Sahne-farbenes Vinyl in limitierter Auflage! ,Don't You Think You've Had Enough?" Das fragte sich Jennifer Clavin, als sie einen Wendepunkt in ihrem Leben erreichte. Es ist auch der Titel des neuen Bleached-Albums, Jessie und Jennifer Clavins erste LP, die von einem Ort der Besonnenheit in völliger Nüchternheit geschrieben wurde. Diese neu entdeckte Perspektive dient als Leitmotiv in jeder Ecke des Sounds und ergibt ein mutiges, ehrliches und klanglich anspruchsvolles Album. Durchweg strahlen die Clavins die Kraft und den Mut aus, sich der Sucht zu stellen, die Vergangenheit loszulassen und sich für eine radikal andere Zukunft der Selbstliebe, Akzeptanz und neu gefundenen Ehrlichkeit zu öffnen. ,Don't You Think You've Had Enough?" folgt dem 2016er Album ,Welcome The Worms" und der 2017er ,Can You Deal?"-EP. Die Clavin-Schwestern begannen Anfang 2018, das Album in einem Übungsraum in Los Angeles und mit Freunden und Co-Autoren in Nashville zu schreiben. ,Writing these songs while sober became somewhat of a spiritual experience," sagt Jennifer. ,I had to let go, trust the process, and allow an energy beyond my control to be present." Beim Schreiben und Aufnehmen kümmerte sich Jessie um den Großteil der Instrumentierung und Jennifer um die Texte und Melodien - es war den Clavins wichtig, dass die gesamte Platte zu ihrer Dynamik als Schwestern zurückkehrt. Produzent Shane Stoneback (VAMPIRE WEEKEND, SLEIGH BELLS) half ihnen Türen zum Experimentieren zu öffnen, das Ganze forschend rüberkommen zu lassen, aber den Sound dabei eben eindeutig Bleached zuordnen zu können. Die daraus resultierende LP ist explosiv und setzt sich mit der Vergangenheit auseinander; ihre zwölf Tracks repräsentieren das instinktiv roheste Songwriting der Schwestern bis heute - und ihr bestes. Das Album schimmert vor Inspiration, die man auf Tourneen mit Künstlern wie The Damned und Paramore gefunden hat, deren Arena-tauglicher, prägnanter Pop ein spürbarer Einfluss war, der dazu beitrug, den Sound von Bleached in eine neue Sphäre zu bringen. [ENG] Don't You Think You've Had Enough? is what Jennifer Clavin asked herself when she hit a turning point in her life. It's also the title of the new record from Bleached, Jessie and Jennifer Clavin's first LP written from a place of sobriety. That newfound perspective serves as the guiding force, yielding a courageous, honest, and sonically ambitious album. It's a record about fighting both literally and figuratively for your life -- and the clarity born from that struggle. Writing began in early 2018, both in a Los Angeles practice space, and with friends and co-writers in Nashville. Producer Shane Stoneback (Vampire Weekend, Sleigh Bells) helped open every door to experimentation, wanting to be exploratory while keeping the sound singularly Bleached. The resulting LP is explosive, grappling with the past; its twelve tracks mark some of the sisters' most visceral, rawest songwriting to date -- and some of their best. The work glimmers with inspiration found in touring with the likes of The Damned and Paramore. That arenaready pop, incisively catchy, was a palpable influence helping to push Bleached's sound in a new direction. "Writing these songs while sober became somewhat of a spiritual experience," Jennifer says. "Like I was connecting with a power greater than myself. I had to let go, trust the process, and allow an energy beyond my control to be present."

Der Chicagoer Experimentalist Ryley Walker interpretiert das offiziell nie veröffentlichte 2001er-Album ,The Lillywhite Sessions" der Dave Matthews Band für eine neue Ära um. Walker liefert mit seiner Neubearbeitung des Materials eine kraftvolle und innige Meditation über die Drehungen und Wendungen einer
musikalischen Reise durch ein Leben voller enthusiastischer und neugieriger Zuhörer. Seiner reflektierten Performance ist es zu verdanken, dass die Dave Matthews Band im aktuellen Pop Zeitgeist langsam aber stetig einer Neubewertung unterzogen wird. Zusammen mit seinen Mitstreitern Andrew Scott Young
und Ryan Jewell verwandelt Walker den eher albernen Opner ,Busted Stuff" aus Matthews ,The Lillywhite Sessions" in seiner Version in einen lebhaften und jazzig angehauchten Post-Rock, der an die alten Chicagoer Helden The Sea & Cake bzw. Jim O'Rourkes goldene Drag City Tage erinnert. Aus einer Wand der
Verzerrung auftauchend, erklingt "Diggin' a Ditch" mit einem Power-Trio-Schlagzeug à la Dinosaur Jr. und schüttelt existenzielles Unbehagen ab, wie etwa Jungs in ihren Zwanzigern, die Rock-Songs in der Garage schreiben. Als Kind in den Vororten des Chicagoer Rust Belts aufgewachsen, also weit
abseits von kulturellen Hochburgen, lehrte ihn dort die Dave Matthews Band, wie man Musik spielt und liebt. Walkers Version von "Grace is Gone" ist ein Beweis für diese Liebe, die ihn zum
Musiker gemacht hat. Walker ist mit den ,Lillywhite Sessions" durch eine Tür gegangen, die vor langer Zeit von der Dave Matthews Band aufgestoßen wurde, um eine Welt voller musikalischer Möglichkeiten dahinter zu finden. Mit ,The Lillywhite Sessions" hat er wiederum seine eigene geschaffen.