Ghostly International Electronic & Dance 52 Artikel

Bullion ist Nathan Jenkins, ein Produzent und Songwriter der elektronischen Musik, der Künstler, Genres und die britische Subkultur miteinander verbindet. Seine Credits reichen von Carly Rae Jepsen, Ben Howard, Nilüfer Yanya und Avalon Emersons Durchbruchsalbum „& The Charm“ bis zu Platten für Westerman und Joviale. Bullions gefeierte Solo-Veröffentlichungen sind bei Young, The Trilogy Tapes, Jagjaguwar und seinem eigenen Label Deek Recordings erschienen. Es ist ein kreativer roter Faden, den Bullion auf seinem neuen Überraschungsalbum „Affection“ verknüpft - ein warmes, gelegentlich schräges und wunderschön umgesetztes Pop-Album. Bullions Musik war schon immer schwer zu fassen, aber absolut unverwechselbar - und auf „Affection“ ist es ein großes Vergnügen zu hören, wie dieser kompromisslose Ansatz zum Teil durch Weichheit verstärkt wird. Das Album fragt laut nach der Bedeutung von Intimität in der Beziehung zu anderen und zu sich selbst. Nathan wendet auf Bullions neuestem Album an, was er seinen Künstlerkollegen schon seit Jahren im Studio ans Herz legt: offen für Abenteuer zu sein. „Affection“ betritt einen emotional präsenteren, oft verspielten Raum, mit den Kollaborateuren Carly Rae Jepsen und Charlotte Adigéry, die Songs zieren, in denen Gefühle Vorrang vor festen Bedeutungen haben. „Rare“ zum Beispiel entstand während der Sessions für Jepsens jüngstes Album in Toronto: hohe Energie, die sich schüchtern gibt, um etwas "tief im Herzen" auszudrücken. „World_train“ ist ein exzentrischer und brillant schräger Blickwinkel auf Bullions Liebe zum Pop, der mit seiner Lokomotivkraft eine verlorene Vergangenheit inmitten der Unsicherheiten des Alltags heraufbeschwört. „I can hardly understand what it takes to be a real man'", singt Bullion. „…and nobody can“, bestätigt Adigéry. Dennoch, Verbindungen - verpasste, eingebildete oder immer noch mögliche - umhüllen einen Großteil von „Affection“, mit der Panda Bear Kollaboration „A City's Never“, die entstand, nachdem Noah und Nathan zur gleichen Zeit in Lissabon lebten, sich aber nie wirklich trafen. Für Bullion geht es bei der Bereitschaft, andere in seinen Songwriting-Prozess einzubeziehen, sowohl um die Öffnung der Welt des Albums als auch um die Verbesserung des Werks und der Person. Durch die Vermischung von Beobachtung und Introspektive entzieht sich der Avant-Pop von Affection jeder Kategorisierung. Die Texte des Albums sind ebenso unaufdringlich und hingebungsvoll wie neugierig auf alternative Möglichkeiten des Seins. Nathan hat seinen Sound gemeistert, aber das Leben - mit seinen Erwartungen, Widersprüchen, Impulsen und Sehnsüchten - bleibt unkontrollierbar. „Affection“ ist ein unaufdringlich kraftvolles Streben nach einer mitfühlenderen Form des Vertrauens.

Der aus Seattle stammende Produzent Jeff McIlwain, alias Lusine, kehrt mit seinem 9. Album Long Light zurück und feiert damit sein zwanzigjähriges Bestehen bei Ghostly International. Lusine, der als Einfluss für unzählige elektronische Künstler wie die Londoner Loraine James und andere gilt, ist bekannt für viszerale, kinetisch neugierige Musik, die Techno, Pop und experimentelle Kompositionen miteinander verbindet. In den letzten Jahren hat McIlwain sein Handwerk mit mehr kollaborativer, songorientierter Arbeit in die Höhe getrieben. Long Light" zeigt die durchgehende Linie; seine charakteristischen Looping-Muster und Texturen sind dynamisch und dennoch minimalistisch wie immer. Strukturell geradlinig, straff und hell, strahlt das Material als das direkteste in seinem Katalog, mit Gesangsbeiträgen von Asy Saavedra, Sarah Jaffe und den Sensorimotor-Kollegen Vilja Larjosto und Benoît Pioulard. Lusine hat seinen Sound schon früh gefunden, aber er hat nie aufgehört, an seinem Potenzial zu feilen, geduldig die Ablenkungen zu dekonstruieren und die Rätsel zu lösen. Mit Long Light erreicht ein prozessgeleiteter Künstler ein außergewöhnlich erfreuliches Niveau an Klarheit und Unmittelbarkeit. McIlwain sieht den Titel, der der lyrischen Phrase "long light signaling the fall again" entnommen ist, die Benoît Pioulard für das spätere Titelstück geschrieben hat, als einen Leitfaden, der mehrere Bedeutungen widerspiegelt. "Es gibt diese Art von Paranoia, bei der man nicht weiß, was real ist, es ist ein Zeitalter der großen Angst und es gibt all diese Ablenkungen", erklärt McIlwain. "Es ist wie ein Spiegelkabinett." Dem langen Licht zu folgen ist der einzig wahre Weg, und diese Metapher wendet er auf die Aufnahmen des Albums an, die ebenfalls einen zyklischen Charakter haben, ähnlich wie die Jahreszeiten. Wie der Beginn des Herbstes schließt das Album eine Periode der Kultivierung ab; "Musikmachen ist ein Kampf und man muss eine Menge Geduld haben." Long Light ist der Beweis dafür, dass das, was jenseits des Lärms, am Ende des figurativen Tunnels liegt, all die Arbeit wert ist, die man auf dem Weg dorthin geleistet hat. In der gesamten Sammlung identifiziert McIlwain das zentrale Klangelement, einen Gesangsausschnitt oder eine einfache Beatsequenz, auf dem alles andere aufbaut. Auf dem Opener Come And Go" vervielfältigt er eine Gesangseinlage seiner langjährigen Mitarbeiterin Vilja Larjosto zu einem himmlischen Chor, der an den Sensorimotor-Hit Just A Cloud" erinnert. Es ist die Bass-Hook auf der Single "Zero to Sixty", die sich um die Stimme von Sarah Jaffe windet, deren geschmeidiger Tonumfang und coole Darbietung die Quelle für Lusines unverwechselbares Mapping ist.

Der britische Produzent Michael Greene alias Fort Romeau kehrt nach einer Reihe von der Kritik gefeierten Singles und EPs mit "Beings Of Light", dem lang erwarteten Nachfolger von "Insides" aus dem Jahr 2015 und seiner zweiten LP auf Ghostly International, in das Langspielformat zurück. Obwohl er ein produktiver Künstler ist, der viele seiner Produktionen auf den Dancefloor ausrichtet, sieht Greene das Album immer noch als ultimative Absichtserklärung, "ein Raum, um sich auszubreiten, um in ganzen Absätzen zu sprechen, anstatt in verkümmerten Sätzen." In den letzten Jahren hat er mehrere stilistische Fragmente erforscht (darunter die Sommer-Hymne "Pablo" von 2018, die von Pitchfork als Best New Track gefeiert wurde), aber angesichts der verlängerten Pause für die Dance-Community im Jahr 2020 sah sich Greene gezwungen, sich auf ein größeres Werk zu konzentrieren. Mit einer Back-to-Basics-Mentalität sammelte er mehr als ein Dutzend Stunden an Sounds und fragte sich während der Sessions: "Bewegt dich die Musik? Ist sie ehrlich?" Herausgekommen ist "Beings Of Light", eine ausdrucksstarke Sammlung von Ambient-Sounds für verregnete Tage, Disco im Mondschein und traumähnlichem Techno auf der Suche nach der Kraft, die in unserem Unterbewusstsein steckt.Die Single "Spotlights" ist Greenes Ode an das romantische New York City, das in unseren Herzen lebt, nächtlich und sorglos. Es ist ein treibendes Highlight des Albums, das sich durch ein Vocal-Snippet auszeichnet, welches den Titel mit einer luftigen Gelassenheit wiederholt, die an klassische House-Songs erinnert. "Ramona" wiederum ist ein traumhafter Minimal-House-Song, der den geliebten Robert Johnson Club in Offenbach, Deutschland, ehrt. Hazy, geräumig und langanhaltend, Greene hat den Beat mit dem System im Hinterkopf entworfen, "auch mit einer starken Anspielung auf die modernere Linie der außergewöhnlichen Minimal House Musik aus Frankfurt", sagt Greene. Wie bei früheren FORT ROMEAU-Platten hat sich Greene auch bei "Beings Of Light" von Bildern inspi...

Transparentes Vinyl, limitiert auf 3,000 Stück. Die an der Westküste der USA lebende Komponistin, Künstlerin und Produzentin Kaitlyn Aurelia Smith startete ihre Musikkarriere als Teil der Folk-Band Ever Isles. Doch als ihr Nachbar ihr eines Tages einen Buchla 100 Synthesizer zeigte, wandte sich die US-amerikanische Künstlerin ganz der Elektrizität zu und widmete sich seit 2015 ihrer Solo-Karriere mit mehreren von der Kritik gefeierten Alben. Seit der Veröffentlichung von "The Kid" (2017) vertiefte sie ihre Forschungen zu den endlosen Möglichkeiten elektronischer Instrumente sowie zu Formen, Bewegungen und Ausdrucksformen, die in der Beziehung des physischen Körpers zu Klang und Farbe zu finden sind. Es ist dieses lebensleitende Interesse, das die grundlegenden Frequenzen ihres neuen Albums "The Mosaic of Transformation" bildet. Es ist ein helles, sinnliches Gleiten durch ungebundene Wellenphänomene. "Mit diesem Album will ich meine Wertschätzung und Liebe zur Elektrizität zeigen", sagt Smith. Das Album ist eine ganzheitliche Manifestation von verkörperten Bewegungen. Smiths charakteristische Neugier auf die Textur mündet auf natürliche Weise in eine propriozeptive Studie von Melodie und Klangfarbe. Wenn man die Platte in einem einzigen Song zusammenfassen könnte, dann ist es die 10-minütige Schlusssuite, eine schwärmerische Collage namens "Expanding Electricity". Symphonische Phrasen etablieren das Stück, bevor die glitzernden elektrischen Schläge und die synthetische Vibraphonhelix in den Fokus gerückt werden. Bald erdet Smiths Stimme alles mit einem intuitiven Stimmhaken, der durch konzentrische Spiralen aus harfen- und hornähnlichen Klängen harmonisiert und verstärkt wird. Smiths Musik fängt nicht so sehr eine bestimmte Emotion ein, sondern vielmehr die Freuden des Besitzes eines Körpers und die Fähigkeit, dieses Gefäß mit Hingabe und einem beständigen, offenen Herzen mit Hilfe von Elektrizität in euphorischem Ausmaß im Raum zu manövrieren.

Die an der Westküste der USA lebende Komponistin, Künstlerin und Produzentin Kaitlyn Aurelia Smith startete ihre Musikkarriere als Teil der Folk-Band Ever Isles. Doch als ihr Nachbar ihr eines Tages einen Buchla 100 Synthesizer zeigte, wandte sich die US-amerikanische Künstlerin ganz der Elektrizität zu und widmete sich seit 2015 ihrer Solo-Karriere mit mehreren von der Kritik gefeierten Alben. Seit der Veröffentlichung von "The Kid" (2017) vertiefte sie ihre Forschungen zu den endlosen Möglichkeiten elektronischer Instrumente sowie zu Formen, Bewegungen und Ausdrucksformen, die in der Beziehung des physischen Körpers zu Klang und Farbe zu finden sind. Es ist dieses lebensleitende Interesse, das die grundlegenden Frequenzen ihres neuen Albums "The Mosaic of Transformation" bildet. Es ist ein helles, sinnliches Gleiten durch ungebundene Wellenphänomene. "Mit diesem Album will ich meine Wertschätzung und Liebe zur Elektrizität zeigen", sagt Smith. Das Album ist eine ganzheitliche Manifestation von verkörperten Bewegungen. Smiths charakteristische Neugier auf die Textur mündet auf natürliche Weise in eine propriozeptive Studie von Melodie und Klangfarbe. Wenn man die Platte in einem einzigen Song zusammenfassen könnte, dann ist es die 10-minütige Schlusssuite, eine schwärmerische Collage namens "Expanding Electricity". Symphonische Phrasen etablieren das Stück, bevor die glitzernden elektrischen Schläge und die synthetische Vibraphonhelix in den Fokus gerückt werden. Bald erdet Smiths Stimme alles mit einem intuitiven Stimmhaken, der durch konzentrische Spiralen aus harfen- und hornähnlichen Klängen harmonisiert und verstärkt wird. Smiths Musik fängt nicht so sehr eine bestimmte Emotion ein, sondern vielmehr die Freuden des Besitzes eines Körpers und die Fähigkeit, dieses Gefäß mit Hingabe und einem beständigen, offenen Herzen mit Hilfe von Elektrizität in euphorischem Ausmaß im Raum zu manövrieren.

Matthew Dear ist ein Gestaltwandler, der nahtlos zwischen DJ,
Dance Music Produzent und experimentellem Pop Auteur
oszilliert. Er ist Mitbegründer von Ghostly International und dem
dazugehörigen Dance Unterlabel Spectral Sound. Er schreibt,
produziert und mixt seine Songs. Er spreizt mehrere musikalische
Welten und gehört zu keiner. Jetzt schaut seine kaleidoskopische
Karriere auf fast 20 Jahre mit fünf Alben und zwei Dutzend EPs
plus Millionen von Reise-Meilen in der Rückansicht seiner
Biographie. ,Bunny" heißt das fünfte Album von Matthew Dear. Es
ist sein erstes seit 2012 und kündigte sich 2017 mit zwei Singles
an: das launische, dringende "Modafinil Blues" und das fröhliche
,Bad Ones" mit Tegan & Sara. ,Bunny" folgt neben diesen beiden
Stimmungen auch jeglichen anderen, indem Dear einen
Kaninchenbau mit verwirrenden Phrasierungen, Träumen und
Zwischenmusiken erschafft. Matthew Dear schlendert im
Schatten; er steht hell im Mondlicht. ,Bunny" ist eine doppelte
Vision von Avant-Pop; eine künstlerische Abrechnung eines
Universalgelehrten des 21. Jahrhunderts; mit splittriger Persona,
paradox paraphrasiert, ein gerendertes Rätsel.

Matthew Dear ist ein Gestaltwandler, der nahtlos zwischen DJ,
Dance Music Produzent und experimentellem Pop Auteur
oszilliert. Er ist Mitbegründer von Ghostly International und dem
dazugehörigen Dance Unterlabel Spectral Sound. Er schreibt,
produziert und mixt seine Songs. Er spreizt mehrere musikalische
Welten und gehört zu keiner. Jetzt schaut seine kaleidoskopische
Karriere auf fast 20 Jahre mit fünf Alben und zwei Dutzend EPs
plus Millionen von Reise-Meilen in der Rückansicht seiner
Biographie. ,Bunny" heißt das fünfte Album von Matthew Dear. Es
ist sein erstes seit 2012 und kündigte sich 2017 mit zwei Singles
an: das launische, dringende "Modafinil Blues" und das fröhliche
,Bad Ones" mit Tegan & Sara. ,Bunny" folgt neben diesen beiden
Stimmungen auch jeglichen anderen, indem Dear einen
Kaninchenbau mit verwirrenden Phrasierungen, Träumen und
Zwischenmusiken erschafft. Matthew Dear schlendert im
Schatten; er steht hell im Mondlicht. ,Bunny" ist eine doppelte
Vision von Avant-Pop; eine künstlerische Abrechnung eines
Universalgelehrten des 21. Jahrhunderts; mit splittriger Persona,
paradox paraphrasiert, ein gerendertes Rätsel.