Grönland Vinyl, CD & Tape 84 Artikel

„Das Gegenteil von Anarchie ist Verwaltung.

Das Gegenteil von Origami freie Entfaltung.

…

aber was ist das Gegenteil von Heilbronn?“



…diese Antwort bleibt uns der Track „So muss es sein“ für den Moment schuldig. Ansonsten lässt Textor aber keine Fragen offen und nichts zu wünschen übrig, auf einem phänomenalen, neuen Album, das in diesen Tagen bei Grönland Records erscheint. Es bzw. er „beschäftigt sich mit verschiedenen Dingen“ (Zitat aus dem Track „Bibimbap“). Dieser hochwillkommene Beitrag zum Stand der Dinge im deutschsprachigen Rap ist unschätzbar, sein Status inzwischen unangreifbar, seine Skills sowieso legendär.



So feingliedrig und schlank der Meister, so heavy das Werk. „So tun als ob“ ist, für manche vielleicht überraschend, ein reines Rap-Album geworden. Gut so! Keine ausgedehnten Exkursionen im Segment des gesungenen Lieds und des Orchestralen mehr, nur wenige Verweise auf Jazz oder Folk, ganz anders als etwa auf dem letzten Textor-Soloalbum, „Schwarz, Gold, Blau“ von 2012. Höchstens ein paar Spuren der dichten, eklektischen Sampling-Strukturen, die das Schaffen seines Duos Kinderzimmer Productions seit Mitte der 90er Jahre prägte. „So tun als ob“ ist gleichzeitig knochentrocken und voll im Saft, abgespeckt und fett, taufrisch und gut abgehangen. Diese Gegensätze vereinen zu können ist Ausweis seiner Meisterschaft – im Texte bauen, im Tracks bauen, nicht zuletzt im Abliefern.



In seinem Kreuzberger Studio hat Textor mit viel Muße – je nach Sichtweise hat er zehn oder auch nur ein Jahr dafür gebraucht – eine Kollektion minimalistischer Beats für maximalen Impact gebaut, mit nur wenigen, wohldosierten Ornamenten. Das Gros im Alleingang, bei drei Tracks kam Support von Quendolin Fender. Die Beats bilden untenherum ein stabiles Fundament, lassen obenherum aber viel Platz und Luft für elf brandneue, mal verwinkelte, mal straighte, mal rasante, mal kunstvoll verschleppte Gedankengänge, wie sie in der zuletzt eher öden, deutschen Raplandschaft ihresgleichen suchen. Die Skills eines alten Hasen treffen auf das Herz eines jungen Hüpfers, das immer noch unverdrossen in ihm schlägt.



Die wenigen Gäste auf diesem Album bringen keine zusätzlichen Rap-Strophen, sondern setzen gesangliche Glanzlichter: Steffi Frech auf „Kein Gefühl“, Fama M’Boup auf „Es dreht sich“ und Kenchi & The Sun auf „Klickediklick“. Den Rest stemmt Textor mühelos im Alleingang, seine Versatilität in Tempo und Duktus geben das problemlos her. Das satte Mastering von Rashad Becker von Dubplates und Mastering verleiht dem Werk nicht nur den letzten Schliff, sondern auch eine Autorität, die „So tun als ob“ zu DEM Rap-Album des Jahres machen – etwas für HipHop-Kids aller Altersklassen und jeglicher Couleur.



In der Tat: „So muss es sein.“



Hans Nieswandt

Grönland Records veröffentlicht ein Dokument eines einzigartigen – wenn auch bisher wenig bekannten – Auftritts von Brian ENO, Holger Czukay & J.PETER Schwalm, bei dem sie von Raoul Walton und Jern Atai, Mitglieder von Schwalms Band Slop Shop, begleitet wurden. Der als "High-Altitude-Food-Performance with Incidental Music by Slop Shop and Brian Eno" angekündigte Auftritt, bei dem die Teilnahme von Can-Mitbegründer Czukay vorab geheim gehalten wurde, wurde am 27. August 1998 vor der Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland in Bonn aufgenommen, bei der Eröffnungsparty für eine Ausstellung der Multimedia-Installation "Future Light-Lounge Proposal" von Eno. Der Titel des Albums, das auf Vinyl, CD und über alle digitalen Plattformen erscheint, leitet sich vom ungewöhnlichen Namen der Veranstaltung ab: Sushi. Roti. Reibekuchen

Auf der Bühne mit 7 brillanten Sängerinnen und ganz frei von Musikinstrumenten präsentiert Kat Frankie eine A-cappella-Show über die Bedeutung von Körperlichkeit. Dieses genreübergreifende und dynamische Konzert bietet neue Arrangements älterer Songs sowie eigens für diesen Anlass komponiertes Material. Elemente aus Gospel, R&B, mittelalterlichen Balladen und modernem Pop lassen eine dramatische und freudvolle Performance entstehen. Sie erkundet die Unabhängigkeit im physischen Sinne sowie das Weltall, in dem Himmelskörper zwar autonom sind, und doch auf Umlaufbahnen liegen, die durch dieselben Kräfte entstanden sind.

Parallel zur Veröffentlichung des neuen Albums "Todesverachtung To Go" über Grönland Records, erscheinen auch vier Klassiker der legendären Hip Hop-Formation Kinderzimmer Productions nach langer Zeit wieder neu auf Vinyl: "Die Hohe Kunst Der Tiefen Schläge" (1998), "Wir Sind Da Wo Oben Ist" (2002), "Irgendjemand Muss Doch" (2004) und "Asphalt" (2007).

Parallel zur Veröffentlichung des neuen Albums "Todesverachtung To Go" über Grönland Records, erscheinen auch vier Klassiker der legendären Hip Hop-Formation Kinderzimmer Productions nach langer Zeit wieder neu auf Vinyl: "Die Hohe Kunst Der Tiefen Schläge" (1998), "Wir Sind Da Wo Oben Ist" (2002), "Irgendjemand Muss Doch" (2004) und "Asphalt" (2007).

Mulays kaleidoskopartiger Alt-Pop/Alternative-R&B-Sound existiert in seinem eigenen Universum. Die Debüt-EP 'ANTRACYTE' (2021) der Berliner Künstlerin verbindet ihre warme, beseelte Stimme, eingängige Melodien, unorthodoxe Strukturen und elektronische Klangteppiche zu einem neuen, charakteristischen Sound. Es folgen Kollaborationen mit dem Berliner Rapper/Produzenten LLUCID sowie dem Rapper Kelvyn Colt für den Soundtrack zum Kinofilm 'FLY', bevor Mulay mit 'IVORY', aufgenommen mit Rick Vincent Will und LLUCID, ihren zweiten Songzyklus veröffentlicht, der thematisch erstmals auch Licht berührt. Beide divergenten Werke erscheinen nun gemeinsam als limitierte LP, symbolisch gepresst auf klar und schwarz marmorstruckturiertem Vinyl samt Posterbeilage.

Zum 50. Jahr der Veröffentlichung des Debütalbums von NEU! bringt Grönland Records diesen genreprägenden Meilenstein von einer der großen kosmischen Bands aus Westdeutschland in zwei superlimitierten Sonderformaten als Picture Disc und Cassette heraus.

Wie kein anderer deutscher Musiker des neuen Jahrtausends schafft der Songwriter dabei den Spagat, ein Staubkorn zu beleuchten und gleichzeitig zu abertausenden Fans zu sprechen. Und so schafft Philipp Poisel es, sowohl auf dem Haldern Pop Festival die bisweilen eher anspruchsvolle Indie-Hörerschaft mitzureißen als auch regelmäßig in den Casting- und Talentshows der Privatsender interpretiert zu werden. Seine Studioalben 'Bis nach Toulouse' und 'Wo fängt dein Himmel an?' sowie sein Live-Album 'Projekt Seerosenteich' verkauften sich jeweils über 250.000 Mal und erreichten damit alle drei Platin-Status. Auf den digitalen Plattformen wurden seine Lieder insgesamt weit über 450 Million Mal gestreamt. War 'Mein Amerika' noch ein Album, auf dem er den titelgebenden Sehnsuchtsort konkret bereiste, träumt er sich auf seinem neuen Album 'Neon' nun vielmehr auf und davon, aus der Heimat und der Provinz heraus, in Vergangenheit und Zukunft. Auch zwischen den Zeiten vermag der Mensch weite Strecken zurückzulegen und es zeigt sich: 'Neon' ist ein Meilenstein der Fantasie und weiß uns mit derselben Intensität zu begeistern wie auch schon Philipps bisherige Alben.

Wiener Eleganz trifft Islands Traumwelten! Im Dunklen zwischen den Tagen liegt etwas in der Luft. Es mag dieser Sanftmut sein, wie er auf unseren Gesichtern wohnt, wenn wir schlafen. Die zartbitteren Melodien. Oder doch die tanzbare Leichtigkeit. Was es auch ist, fest steht: Über Nacht ist leicht zu lieben. Und OEHL wissen, was sie tun. Es ist deutschsprachiger Pop in einer neuen Qualität, den der Wiener Liedermacher Ariel Oehl und der isländische Multiinstrumentalist Hjörtur Hjörleifsson da entwerfen. Ziemlich trockene Beats, feinste Bass-Riffs und dreamy Synth-Zauber: Das reicht hier schon ganz oft, das ist die Grundlage, auf der Ariel Oehl uns seine poetischen Miniaturen darbietet – immer ein wenig melancholisch, immer mit einem Zauber in der Stimme. Ein Wiener halt, der aber aufgefangen wird von Hjörleifsson, nimmermüde, dauerkreativ. "Eigenständig, klug und künstlerisch besonders", nennt Herbert Grönemeyer seine Label-Schützlinge. Und wir sagen dazu: Diese Musik nimmt dich mit, hüllt dich ein, ist voller Reiz. OEHL machen Musik, die so neu klingt und gleichzeitig intim. Sie passt auf die Tanzfläche ("Keramik", "Wolken") ebenso wie auf einen Herbstspaziergang ("Tausend Formen") und ins Bett ("Neue Wildnis"). Es ist Pop, der sich speist aus Kunst und Literatur. Und nein, verhandelt wird hier nicht nur die Liebe, es geht um den Zauber des Vater-Seins (geschrieben für Sohn Elon: "Keramik"), um die Trauer ("Über Nacht"), um Politik ("Anlegen"). Eigentlich also um den großen, ganzen Sinn und die Suche danach. Es ist Musik, die das Graue kennt, die zwischen Hell und Dunkel daheim ist, in der Zeit zwischen den Tagen und uns damit wieder einmal beweist, dass das Leben eben vor allem aus Zwischentönen besteht. OEHL machen ernsthafte Musik mit großer Leichtigkeit. Wie gut das tut.

Jetzt erscheint mit "Todesverachtung To Go" das siebte Album der Kinderzimmer Productions, mit dem sie ihren sehr früh und eigeständig entwickelten Ansatz weiterverfolgen. Teil des Plans ist es, planlos schier endlose Räume zu bauen, in denen sich Bassläufe verirren können, durch die Orgeln spuken, Stimmen abheben und Drums wie Heuballen rollen. Nur hier hat Textor genügend Platz, sich durch ein Niemandsland zwischen Gymnasiastensprech und Battle-Rap zu assoziieren. Es geht um Mehrdimensionalität in Text und Musik, also nicht zwingend, was man sagt, sondern "die Art, in der man Scheiße labert". Und am Ende ist das Rap, wie es immer schon Rap war. "Die Leute dachten, ich mach smarten Rapp, doch ich bin – dödum dödum – 'Shark Attack'!" So rappt es Textor in "Es kommt in Wellen", der ersten Single, einem brummenden, smarten, funkigen, unterhaltsamen Brecher, der anrollt wie zugekiffte Deichkinder und zum "Arsch versohlen mit Badeschlappen" lädt. Als Gäste surfen mit: Fettes Brot, Flo Mega und Fantasma Goria.

Nach der umfangreichen und limitierten Boxset-Retrospektive "Michael Rother - Solo (Remastered)" des wohl einflussreichsten E-Gitarristen aus Deutschland und Mitglieds der Bandprojekte NEU! und Harmonia, erscheinen nun seine vier ersten Solowerke erstmals einzeln, digital remastered von den Original-Tapes: "Flammende Herzen" (1977), "Sterntaler" (1978), "Katzenmusik" (1979) und "Fernwärme" (1982). Insbesondere die LPs waren - mit Ausnahme einer US-Pressung von "Flammende Herzen" in 2010 - seit Mitte der 1980er Jahre nicht mehr erhältlich.

Mancher kennt Florian Sievers als Teil des Popduos Talking To Turtles. Unter dem Künstlernamen Das Paradies schreibt und singt Sievers das erste Mal in seiner Muttersprache, und das macht er beeindruckend leicht. Sievers Musik ist von Indierock der Sorte 'Slacker von Weltruhm' geprägt und mit feinen Soundtupfern aus der Reggae-, Dub- und Deephouse-Welt versehen, es herrscht eine freundliche, fast hippieeske Stimmung. Die Wort- und Klangwelt von Das Paradies kauzt Sievers als Teilzeit-Eremit in seinem Leipziger Studio zusammen, nur eine Stunde ICE-Bordrestaurant vom fensterlosen aber legendären Berliner Einhornstudio seines Freundes und Produzenten Simon Frontzek entfernt. Als Zeitauskoster sind seine Beobachtungen und die daraus resultierenden Phrasen wunderbar ausgereift. Ist das richtige Wort gefunden, lässt er es gleich wieder ziehen. Pop als Zen-Meditation in einer Welt, in der die Menschen wieder in ihren Standpunkten verhärten. "Das Universum weiß es auch nicht, wie ihm gerade so ist. Was wie ein Ja aussieht, könnte auch ein Nein sein. Das mit uns allen, war doch gar nicht so ernst gemeint." Ein Album, das uns mit diesen Zeilen entlässt, kann eine Befreiung von der Paranoia sein oder ein Plädoyer für die Entspannung oder beides.

Die beiden Ambient/Krautrock/Avantgarde-Meisterwerke "Plight & Premonition" (1988) und "Flux & Mutability" (1989) entstanden Ende der 1980er im Can-Studio bei Köln, bestehen aus jeweils zwei überlangen Tracks und gelten als Klassiker ihres Genres. An den Aufnahmen waren neben Sylvian und Czukay auch die beiden Can-Musiker Jaki Liebezeit (an beiden Alben) und Michael Karoli sowie Marcus Stockhausen, Trompeter und Sohn des berühmten Komponisten Karl-Heinz Stockhausen, beteiligt (letztere nur an "Flux & Mutability"). Der Re-Release auf Grönland erscheint in chicen Doppelformaten mit neuen Linernotes des renommierten britischen Journalisten David Topp. Beide Alben sind NICHT Bestandteil der jüngst erschienenen Holger Czukay-Retrospektive "Cinema" und seit ihrer Original-Veröffentlichung damals auf Venture/Virgin Records und limitierten Reissues Anfang der 1990er in Japan und UK nicht mehr erhältlich gewesen.

Packaging 2CD: Doppel-CD im Digipack mit 2 weiß-matten Trays & 16-seitigem Booklet
Packaging 2LP: Schwarzes Doppel-Vinyl in bedruckten Innentaschen im Gatefold-Cover

"Alles ist Gut", im Original Anfang 1981 auf Virgin Records erschienen, war das dritte Album der Deutsch-Amerikanischen Freundschaft aka DAF und das erste, auf dem sie als Duo agierten. Die Aufnahmen fanden von Dezember 1980 bis Januar 1981 in Conny Planks legendärem Studio bei Köln statt, der das Album auch produzierte. Robert Görl spielte alle Instrumente ein, während Gabi Delgado die Vocals schrieb und einsang. Das Idee zum Cover-Artwork kam von Gabi Delgado, für die Fotos zeichnete die renommierte Fotografin Sheila Rock verantwortlich. "Alles Ist Gut" war das erfolgreichste DAF-Album, hielt sich über 40 Wochen in den deutschen Charts und wurde vom NME als eines der 10 besten Alben des Jahres gekürt. Es enthielt die wegweisenden Club-Hits "Der Mussolini" und "Alle Gegen Alle", und mit "Der Räuber Und Der Prinz" und "Ich Und Die Wirklichkeit" weitere Favoriten.

"Manchmal führt das Schicksal Regie auch in Sachen Musik. Herbert Grönemeyers neues Album Mensch erscheint zu einer Zeit, in der sich Deutschland in einem Gefühlsaufruhr befindet, die Flutkatastrophe im Osten die Gemüter aufwühlte und den nicht verarbeiteten Ossi-Wessi-Konflikt mit Elbe-Wasser hochspülte, die durch Aktienkurven verschütteten Werte wie Hilfsbereitschaft und Mitgefühl neu aktivierte. Und all das in Wahlkampfzeiten, in denen jetzt mit Menschlichkeit gepokert und gepunktet wird. Dabei ist Grönemeyers Album Trauerarbeit, die er seit 1999 aufgrund eigener Schicksalsschläge leistete, um aus der tiefsten inneren Leere ("Unbewohnt" und "Der Weg") wieder neuen Lebensmut, ja Lebenslust zu gewinnen ("Viertel vor", "Das Meer").

Und dennoch decken sich viele der persönlichen, poetischen und allegorischen Textzeilen frappant mit der momentanen Stimmung im Land, was die Hitsingle "Mensch" beweist, Grönemeyers erste Nummer eins in den Single-Charts und die neue Hymne der Stunde. Songs wie "Neuland" und "Kein Pokal" wirken wie knirschende Sandkörnchen in der geölten Phrasendresch-Maschine des bundesrepublikanischen Alltags, sozusagen als humaner Subtext aus dem Blickwinkel der Zuhörer auf das Unausgesprochene zwischen den Zeilen.

Musikalisch überspringt der Bochum-Star aus Göttingen mit seinem britischen Co-Produzenten Alex Silva leichtfüßig wie nie die Genres, von der nachdenklichen Pianoballade zum vehementen Gitarrenrock auf "Neuland" (mit Guano Apes-Gitarrist Hennig Rümenapp als einer von vieren), vom ausgelassenen Mambo über Dance-Rhythmen auf "Blick zurück", von opulenten Streicherarrangements bis hin zum nostalgisch verfremdeten Trichtermikrofon auf dem Abschiedslied "Dort und hier". Beim Bonus-Hidden-Track "Demo - Letzter Tag" verbreitet ein improvisierter Gospelchor Hoffnung.

Zyniker, die Grönemeyer Gefühlsduselei vorwerfen, kann man getrost vergessen. Auch jene so genannten Coolen ohne jegliche Gefühlsbeziehung verdrücken dann und wann heimlich ein Tränchen vor dem CD-Player. Mit dem allzu menschlichen Plädoyer Mensch geht das sogar auf hohem Niveau." - Ingeborg Schober

Als Gitarrenlegende Michael Rother bei einem Konzert der Secret Machines unlängst plötzlich geisterhaft auf der Bühne stand und mit den US-Nachwuchskrauts sein "Deluxe" rockte, knisterte der kleine Hamburger Club vor Magie. Das Stück findet sich auf dem zweiten und letzten Harmonia-Album von 1975, welches nun zum zweiten Remaster-Schub historischer Krautrock-Alben gehört. "Deluxe" ist ein repetitiv rockendes Meisterwerk voll studiotechnisch veredelter Saitenmalerien und wild pumpenden E-Orgeln. Dazu rufen Rother, Moebius und Roedelius manchmal Kraftwerk-hafte Slogans, deren Monotonie genauso hypnotisch wirkt wie die Melodiemosaiken. Hinreißend! Parallel erscheinen in gleicher Digipack-Aufmachung Klassiker von Cluster ("Zuckerzeit", 1974) und Os Mundi ("43 Minuten", 1972) sowie titellose Alben von Electric Sandwich (1972), Novalis (1975) und Kin Ping Meh (1975). Zu den ersten Käufern werden die Secret Machines gehören. Garantiert.

Dieses Album entstand, nachdem Herbert als erster deutschsprachiger Künstler für die legendäre MTV-Serie Unplugged eingeladen wurde. Herbert Grönemeyers "Unplugged" ist mehr als nur ein Muss für jeden Fan, es ist Pflicht. Akustisch perfekt, musikalisch vielseitig und genial, präsentiert sich dieses Album. Für Grönemeyer-Fans und -Kenner sind besonders die alten Lieder ein Genuss. Doch auch die verschiedenen Songs der Platte "Chaos" erklingen in ihrer Neuinterpretation sogar klangvoller und besser als auf der im Studio aufgenommenen CD. Keine Frage, eine große Ehre für MTV, mit Herbert diese Platte herauszugeben!

Grönland legt den vergriffenen Backkatalog des legendären Can-Musikers Holger Czukay wieder auf. Den Anfang macht das 1981'er Album "On The Way To The Peak Of Normal" mit Gastmusikern wie Conny Plank, Jaki Liebezeit und den frisch verstrittenen Postpunks von S.Y.P.H. Ein perfektes Beispiel für die gelungene Zusammenarbeit von Krautrockpionieren mit der aufstrebenden Postpunk/NDW-Generation um 1980. Die experimentelle, konzentrierte Freak-Out-Seite dieser Zeit - weit jenseits von Dieter Thomas Hecks Hitparade. Erhältlich als weisse Vinylauflage und als limitierte Picture Disc. Das Tracklisting der Grönland-Neuauflage enthält den späteren CD-Bonus Track "Fragrance" erstmals auf Vinyl, sowie das bislang unveröffentlichte Fragment "Private Philharmonist", das mit einem weiteren Titel auf einer A-Seiten-Doppelrille zu finden ist - eine weitere exklusive Besonderheit für Vinylfreaks!

1984 aufgenommen und veröffentlicht, hielt sich Herbert Grönemeyers "Bochum" Album 79 Wochen lang in den deutschen Album-Charts. Während weltweit Michael Jacksons "Thriller" das erfolgreichste Album des Jahres wurde, ging dieser Titel 1984 in Deutschland an "4630 Bochum". Mit über 2,5 Millionen verkauften Exemplaren nimmt es unter den meistverkauften Alben in Deutschland Platz 3 ein. Es wurde 5-mal mit Platin ausgezeichnet.

Remastered Reissue von Wandermüde, einem exquisit-seidigen Stoff aus den kombinierten Fäden des deutschen Klangkünstlers Stephan Mathieu und des hochgelobten David Sylvian. Das 2012er Werk erscheint erstmals auf Vinyl, beide Formate enthalten einen unveröffentlichten Bonustrack. Als Interpretation von David Sylvians kathartischem Meilenstein Blemish (2003), mit dem dieser mit seiner musikalischen Vergangenheit brach, ist Wandermüde ein feines, futuristisches Gemälde elektroakustischer Kunst. Es erforscht die ruhigeren, elektronischen Seiten beider Persönlichkeiten, liefert experimentelle, drone-eske Formen und lammfromme Themen, und mit dem Gitarristen/Elektronikkünstler Christian Fennesz ist wieder ein Blemish-Gast mit von der Partie.

David Sylvian kündigt eine überarbeitete, remasterte Wiederveröffentlichung von 'Sleepwalkers' an, die zudem den bislang unveröffentlichten Track 'Modern Interiors' enthält. Aber von vorne: In den 2000er Jahren produzierte David Sylvian zwei seiner stärksten und eigenwilligsten Solo-Werke, 'Blemish' und 'Manafon'. Doch diese Platten erzählen nicht die ganze Geschichte. Parallel nämlich arbeitete Sylvian an einer Reihe von Kooperationen und Nebenprojekten mit anderen Größen der Pop- und Improvisationsmusik, der elektronischen und zeitgenössischen klassischen Musik. Die besten dieser Aufnahmen versammelte er auf 'Sleepwalkers', 2010 erstveröffentlicht und nun sorgfältig neu sequenziert und abgemischt: die Früchte einmaliger Begegnungen und lebenslanger Partnerschaften; sie springen von Glückseligkeit zu Intrigen, von Romantik zu Sinnlichkeit, während archetypische Experimente in den üppigsten Pop münden.

Neuauflage des 2019er Albums des Hamburger Songwriters, ewigen Geheimtipps und Kritikerlieblings Niels Frevert auf schwarzem 180g Vinyl. Produziert von Philipp Steinke (BOY, Revolverheld, Kettcar), erhielt 'Putzlicht' frenetische Zustimmung von Kritikerseite.

'Ein Meisterstück seiner fast 30jährigen Karriere.' - dpa

Der Bruch kam 2019 mit dem Album Putzlicht, mit dem sich Frevert nach fünf Jahren Pause neu erfand, das Korsett des Liedermachers abstreifte. Plötzlich war alles größer und druckvoller, als hätten The War On Drugs seine Schreibklause gestürmt. Pseudopoesie geht noch weiter – auch dank des neuen Produzenten Tim Tautorat (Faber, Provinz, Tristan Brusch). Freverts Lieder feuern nicht zum Durchhalten an, spenden keinen Trost, geben keinen Rat. Sie legen sanft den Finger auf die Wunde, da wo Träume verkümmern und Herzen verhärten, schieben dich sachte zur Tür und lassen dich da stehen mit dem Schlüssel in der Hand. Das ist große, zuweilen fast schmerzhaft schöne Popmusik, die das Leben und die Menschen ernst nimmt, aus Alltäglichkeiten das Drama unserer Existenz schält und neuerdings immer einen Ausweg bereithält: den radikalen Neuanfang, die Flucht in ein neues Leben, so als Idee. Aufgenommen mit der Live-Besetzung von Putzlicht ist es das erste Mal, dass seine Band zwischen zwei Alben komplett zusammenbleibt. Niels Frevert scheint angekommen zu sein: zwischen den Stühlen, auf der äußeren Umlaufbahn oder einfach nur auf dem Weg zum ewigen Weiter.

Die zwölf Songs auf 'UNITY' sind ein wilder Trip durch einen dicht gewebten musikalischen Dschungel, in dem es zirpt und surrt und zwitschert, Western Twang auf spacige Synthie-Flächen und Rock-Pop auf Dub und sexy Slow Funk. Manche Songs erzählen von biblischen Wundern, andere sind flammende politische Kampfreden, und wieder andere sind Cover: von einem Country-Klassiker, einem Sheryl-Crow-Hit, oder sogar von einem Bob-Dylan-Song mit deutschem Text ('Die Antwort weiß ganz allein der Wind', was man sich wirklich nur als eine der ganz großen Liederkünstlerinnen erlauben darf). Vielförmig ist das Spiel mit Texturen, Sample und Alltagsgeräuschen auf 'UNITY'. Und inmitten dieses satten Sound- und Themen-Blattwerks ist da natürlich diese Stimme, die in einem Wimpernschlag von opernhaft zu dämonisch umschwenken kann, von wahnsinnigen Höhen in furchteinflößende Tiefen, als wolle sie die Geschlechter miteinander kurzschließen. Nina Hagen schreit und zischt, schmettert und sprechsingt, reibt und überschlägt sich in elektronischen Verzerrungen. Sie führt musikalische Zwiegespräche. Mit uns und mit sich selbst. Wie aus einer anderen Welt hallt ihre Stimme hinüber in unsere Gegenwart. Kurzum: 'UNITY' ist ein grelles, warmherziges und vielfältiges Nina-Hagen-Spektakel, das belegt, dass sie mit 67 Jahren so produktiv wie eh und je ist.

Auf 'Lobes', dem achten offiziellen We Are Scientists-Studioalbum, erleben wir das liebenswerte und dynamische New Yorker Duo in der spielerischen und kreativen Form ihres Lebens. 'Lobes' folgt dem erst 2021 erschienenen Indie-Rock-Masterpiece 'Huffy', was darauf hindeutet, dass die neuen Songs zur fast gleichen Zeit entstanden sind, was sie allerdings nicht davon abhält, in ein gänzlich anderes musikalischen Universum zu diffundieren, wie die beiden Teasersingles und Elektro-Rock-Knaller 'Operation Error' und 'Less From You' beweisen.

Nina Hagen, die schönste und schrillste Brandstifterin zwischen Punk und Pop, Ost und West und Outta Space, die Deutschland je hervorgebracht hat, ist endlich zurück - mit ihrem neuen Album 'UNITY' auf Grönland Records.

Die zwölf Songs auf 'UNITY' sind ein wilder Trip durch einen dicht gewebten musikalischen Dschungel, in dem es zirpt und surrt und zwitschert, Western Twang auf spacige Synthie-Flächen und Rock-Pop auf Dub und sexy Slow Funk. Manche Songs erzählen von biblischen Wundern, andere sind flammende politische Kampfreden, und wieder andere sind Cover: von einem Country-Klassiker, einem Sheryl-Crow-Hit, oder sogar von einem Bob-Dylan-Song mit deutschem Text ('Die Antwort weiß ganz allein der Wind', was man sich wirklich nur als eine der ganz großen Liederkünstlerinnen erlauben darf). Vielförmig ist das Spiel mit Texturen, Sample und Alltagsgeräuschen auf 'UNITY'. Und inmitten dieses satten Sound- und Themen-Blattwerks ist da natürlich diese Stimme, die in einem Wimpernschlag von opernhaft zu dämonisch umschwenken kann, von wahnsinnigen Höhen in furchteinflößende Tiefen, als wolle sie die Geschlechter miteinander kurzschließen. Nina Hagen schreit und zischt, schmettert und sprechsingt, reibt und überschlägt sich in elektronischen Verzerrungen. Sie führt musikalische Zwiegespräche. Mit uns und mit sich selbst. Wie aus einer anderen Welt hallt ihre Stimme hinüber in unsere Gegenwart. Kurzum: 'UNITY' ist ein grelles, warmherziges und vielfältiges Nina-Hagen-Spektakel, das belegt, dass sie mit 67 Jahren so produktiv wie eh und je ist.

Nina Hagen, die schönste und schrillste Brandstifterin zwischen Punk und Pop, Ost und West und Outta Space, die Deutschland je hervorgebracht hat, ist endlich zurück - mit ihrem neuen Album 'UNITY' auf Grönland Records.

Die zwölf Songs auf 'UNITY' sind ein wilder Trip durch einen dicht gewebten musikalischen Dschungel, in dem es zirpt und surrt und zwitschert, Western Twang auf spacige Synthie-Flächen und Rock-Pop auf Dub und sexy Slow Funk. Manche Songs erzählen von biblischen Wundern, andere sind flammende politische Kampfreden, und wieder andere sind Cover: von einem Country-Klassiker, einem Sheryl-Crow-Hit, oder sogar von einem Bob-Dylan-Song mit deutschem Text ('Die Antwort weiß ganz allein der Wind', was man sich wirklich nur als eine der ganz großen Liederkünstlerinnen erlauben darf). Vielförmig ist das Spiel mit Texturen, Sample und Alltagsgeräuschen auf 'UNITY'. Und inmitten dieses satten Sound- und Themen-Blattwerks ist da natürlich diese Stimme, die in einem Wimpernschlag von opernhaft zu dämonisch umschwenken kann, von wahnsinnigen Höhen in furchteinflößende Tiefen, als wolle sie die Geschlechter miteinander kurzschließen. Nina Hagen schreit und zischt, schmettert und sprechsingt, reibt und überschlägt sich in elektronischen Verzerrungen. Sie führt musikalische Zwiegespräche. Mit uns und mit sich selbst. Wie aus einer anderen Welt hallt ihre Stimme hinüber in unsere Gegenwart. Kurzum: 'UNITY' ist ein grelles, warmherziges und vielfältiges Nina-Hagen-Spektakel, das belegt, dass sie mit 67 Jahren so produktiv wie eh und je ist.

Limitierte Deluxe-Reissue des ersten gemeinsamen Albums von Roedelius und Tim Story unter dem Moniker Lunz zum 20. Jubiläum. Spektakuläres, remastertes Doppel-Vinyl-Gatefold mit zusätzlichen Bonustracks aus den ursprünglichen Sessions samt Poster & OBI-Strip (sieht man von einem limitierten RSD-Release ab, ist dies die erste Lunz Vinylveröffentlichung). 14 zeitlos schöne Miniaturen, von denen jede mit einer surrealen Mischung aus Melodie, Textur und Stimmung eine einzigartige Verschmelzung von Zeit und Raum erzeugt. Eine geheimnisvolle Welt, in der das Unschuldige und das Verzweifelte miteinander verschmelzen.

Immer schon war William Fitzsimmons auch ein hervorragender Interpret fremden Materials. Auf seinen Konzerten covert er gerne Songs seiner Helden wie Bob Dylan, Björk oder Kanye West. Einmal auf seine persönliche Musikgeschichte zurückzublicken und einige seiner Lieblingssongs für ein ganzes Album zu interpretieren, war da der nächste logische Schritt. Seine zärtlich hingetupfte, wehmütig-elegische Version des Joy-Division-Klassikers 'Love Will Tears Us Apart‘ schreibt dem eher düsteren Original ein hoffnungsvolles Element ein, 'Annie’s Song' von John Denver wird bei Fitzsimmons zur anmutigen Meditation, Peter Gabriels 'Solsbury Hill' zum intim berückenden Kammerspiel. Bereits an diesen Beispielen lässt sich das beeindruckend breite Spektrum des Albums ablesen, das zudem Songs von Künstler:innen wie Sarah Siskind, Chelsea Cutler, Sufjan Stevens und Iron & Wine enthält. 'Diese Vielstimmigkeit war mir wichtig', sagt Fitzsimmons. 'Ansonsten gab es eigentlich keine Regeln. Das sind alles Songs, die ich liebe. Die Bedeutung der Songs für mich persönlich war mir wichtiger als ihre Popularität. Ich habe allerdings bewusst darauf verzichtet, allzu offensichtliche Heldinnen und Helden wie Joni Mitchell und Bob Dylan zu covern.' Die Songs auf 'Covers, Vol. 1' kommen aus verschiedensten Ländern, Genres, Epochen und haben unterschiedliche Bekanntheitsgrade. Bei Fitzsimmons aber werden sie alle eins, es ist eine Anverwandlung der denkbar wunderbarsten Art. Erfüllt von der Liebe zu den Originalen, aber versehen mit der einmaligen Signatur dieses besonderen Künstlers. Die Geschichten, die William ganz konkret mit diesen Songs verbinden, sind so vielfältig wie die Musik selbst.