HHV Exclusives 301 Artikel

Limitierte Auflage von 1000 Stück, nur erhältlich bei HHV!

Yussef Dayes veröffentlicht sein mit Spannung erwartetes Debüt-Solo-Studioalbum 'Black Classical Music' auf Brownswood. Zusammen mit Kamaal Williams brillierte der Multiinstrumentalist und Visionär auf dem Yussef Kamaal-Album 'Black Focus', das den Jazz FM Newcomer-Award 2016 gewann und zum Meilenstein der aktuellen Londoner Jazzbewegung avancierte. 'Black Classical Music' ist ein 19-Track-Werk, das die Zuhörer durch einen Spiegel auf die Vergangenheit und Gegenwart des einflussreichen Künstlers blicken lässt, während es Themen wie Zuhause und Familie erforscht. Inspiriert wird Yussef von seinen musikalischen Helden Miles Davis und Rahsaan Roland Kirk und seinen ausgedehnten Reisen rund um den Globus, die sein Studium des Rhythmus vertieft haben. Ehrenvolle Features auf 'Black Classical Music' bringen Chronixx, Jamilah Barry, Tom Misch, Shabaka Hutchings, Miles James, Sheila Maurice Grey, Nathaniel Cross, Theon Cross and the Chineke! Orchester, sowie Venna, Rocco Palladino, Charlie Stacey und Elijah Fox.

Diese Ausgabe ist weltweit auf 500 Exemplare limitiert und nur bei HHV erhältlich. Nach dem hochgelobten ersten Band der Reihe setzt der japanische Jazzexperte Yusuke Ogawa die Erkundung von WaJazz mit einer weiteren unverzichtbaren Sammlung von Musik fort, die etwas einzigartig Japanisches enthält - dieses Mal mit dem Schwerpunkt auf dem King Records-Katalog. Mit zeitloser Musik von Isao Suzuki, Toshiaki Yokota, Akira Miyazawa, Takeru Muraoka, Yasuaki Shimizu, Masahiko Togashi, George Otsuka und vielen mehr!

- Gatefold 180g Doppel-Vinyl-LP, reverse board print
- Mit ausführlichen Track-by-Track-Liner Notes von Yusuke Ogawa
- Alle Titel wurden von King Record Co. Ltd. in Tokio, Japan, lizenziert.
- Mastering und Lackschnitt durch Jukka Sarapää im Timmion Cutting Lab, Helsinki, Finnland
- Artwork von Nker

"Es ist mir eine große Freude, dir den zweiten Band der Reihe "Japanese Jazz Spectacle" vorzustellen. Nach der ersten Zusammenstellung, die sich auf Aufnahmen aus dem Nippon Columbia-Katalog konzentrierte, wühlen wir uns diesmal in die Archive von King Records. Es ist fast unmöglich, das ganze Bild des Wa-Jazz in ein paar Kompilationsalben zu fassen, da es sich um ein so breites und tiefes Genre handelt. Wenn wir jedoch Titel aus den Sammlungen von Nippon Columbia und King Records herausnehmen - beide Labels haben ein umfangreiches Archiv an Jazzmusik - können wir vielleicht einen Teil seines Reizes und seiner Essenz erahnen. Auch dieses Mal habe ich die Musikauswahl mit dieser Idee im Hinterkopf getroffen. Die Musik auf dieser Zusammenstellung wurde zwischen 1962 und 1985 aufgenommen und ist eine kurze Geschichte des japanischen Jazz auf King Records. Zuhören ist Glauben, also hoffe ich, dass diese Titel dein Herz erobern und du den Charme des japanischen Jazz genießen wirst." - Yusuke Ogawa

Yusuke Ogawa leitet seit 2001 den Universound-Store in Tokio, der sich auf Jazz und gebrauchte, seltene und gesammelte Schallplatten spezialisiert hat. Außerdem ist er Reissue Supervisor, Labelmanager, DJ und Musikautor. Ogawa ist bekannt für sein umfangreiches musikalisches Wissen, seinen Blick für Details und seine Archivierungsfähigkeiten. Er hat an mehr als 250 Wiederveröffentlichungen und Zusammenstellungen mitgewirkt, darunter die hoch gelobten Serien Deep Jazz Reality und Project Re:Vinyl. Er ist Mitautor des Wa-Jazz Disc Guide und der Bücher Independent Black Jazz of America.

Limitierte Auflage von 300 Exemplaren für unseren 2023er Summer of Jazz, der sich auf den südafrikanischen Jazz konzentriert.
Nur bei HHV erhältlich.

Das fünfzehnköpfige, kaleidoskopische Ensemble IzangoMa veröffentlicht zwar erst im kommenden Frühjahr sein Debüt auf dem angesehenen britischen Label Brownswood Recording, aber die Wurzeln des Kollektivs reichen zurück bis zum Zusammentreffen von Sibusile Xaba (Gesang/Keyboards) und Ashley Kgabo (Synthesizer/Snare Drum/Drum Machine) im Jahr 2016. Das Album ist der logische nächste Schritt auf einer Reise. Sibusile Xaba zeigt eine neue Seite seines virtuosen Talents bei Kardinal Oppositions mit dem vertrauten Folk-Sound, für den ihn die Largesse kennt. Auf dem Album-Opener "Agenda Re-member" lachen die Könige, während die Musik unbeschwert über Frequenzen kaskadiert, die Freude und positives Leben ausdrücken. In dieser Welt, der Welt von IzangoMa, singt der Mond süße Melodien und die Kinder freuen sich über ihr Lachen. Sorgen sind nur eine Ablenkung, und Freude ist das höchste Ziel. Sie ist eine Erklärung der Liebe in ihrer höchsten, klarsten und ungehemmtesten Form.

Limitierte Auflag von 500 Stück, nur bei HHV erhältlich!

20 years HHV: unser Team hat aus jedem dieser Jahre ein für uns besonders relevantes und liebgewonnenes Album ausgewählt. Wir veröffentlichen in Kollaboration mit einigen unserer befreundeten Labels monatlich exklusive und limitierte Pressungen dieser Platten.

Exklusiv bei HHV gibt es eine zweite Sonderauflage dieses umwerfenden Albums. 200 Stück, orange.

Ausgezeichnetes französisches Bibliotheksmusik-/Soundtrack-Album des Saint Tropez Orchestra. Aufgenommen im Studio Des Fontaines in nur 25 Stunden und mit der gleichen Hammond-Orgel, die einem ehemaligen Mitglied einer der Hausbands im Nachtclub Zoom Zoom in Saint Tropez gehörte (die mit ziemlicher Sicherheit für Ikonen wie Brigitte Bardot auf der Bühne verwendet worden wäre). Michel Polnareff, Jacques Dutronc, Serge Gainsbourg, Jane Birkin usw.) Dieses Album enthält nur Killer, keine Filler.

Inspiriert von den klassischen Bibliotheksmusikklängen von 1968–75 (denken Sie an The Mohawks oder sogar Booker T & The MG’s auf Acid), ist dies die Art von Sammlung, von der Digger, Library-Freunde und Psychedelic-Funk-Fans träumen, sie in irgendeiner staubigen Gegend zu finden.

Das Album selbst ist vollgestopft mit den heftigen Drum-and-Percussion-Breaks, nach denen B-Boys und -Girls verrückt sind, und mit der Art von Sample-Quellenmaterial, nach dem die Produzenten ständig suchen. Es ist ein Meisterwerk und Sie brauchen es.
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Karate Boogaloo aus Melbourne, Australien präsentieren mit Stolz "Hold Your Horses", ihre fesselnde neue Langspielplatte mit originalen Instrumentalstücken. Henry Jenkins, Hudson Whitlock, Callum Riley und Darvid Thor sind das Herzstück von Melbournes aufkeimender Instrumental-Soul-Bewegung und machen seit ihrer Schulzeit gemeinsam Musik. Die vier Freunde lernten sich in der Highschool kennen und haben die großen Instrumental-Bands wie Booker T & The MG's und The Meters genau studiert. "Hold Your Horses" ist Karate Boogaloos eigene Interpretation von instrumentalem Funk. Eine echte Reise vom Anfang bis zum Ende, bei der jedes Stück nahtlos in das nächste übergeht und eine Welt mit kinematischen Momenten, skurrilen Melodien und unheimlichen Dissonanzen erschafft, und von unbestreitbarem Super Heavyfunk untermauert wird. Alle Songs für "Hold Your Horses" wurden gemeinsam im Studio geschrieben, ohne dass eines der Mitglieder vorgefertigtes Material einbrachte. Es ist ein Prozess, der speziell darauf ausgelegt ist, die Stärken der Band und ihre Beziehung zueinander zu maximieren. Um das Erlebnis noch zu verstärken, erzeugt das LP-Cover (entworfen von dem in Melbourne lebenden visuellen Künstler Drez) ein interaktives optisches Kunsterlebnis, wenn die Innenhülle aus dem Umschlag entfernt wird. Karate Boogaloo ist ein Quartett, das mehr ist als die Summe seiner Teile; und die Teile allein sind sehr, sehr gut.

Limitiert auf 1000 Kopien!

20 years HHV: unser Team hat aus jedem dieser Jahre ein für uns besonders relevantes und liebgewonnenes Album ausgewählt. Wir veröffentlichen in Kollaboration mit einigen unserer befreundeten Labels monatlich exklusive und limitierte Pressungen dieser Platten.

Der vierte Longplayer von Sault war die meist geliebte Platte in unserer HHVs Supreme 100 of 2020 Liste, ausgewählt von 150 Journalisten, Musikern, Labelmachern und Plattensammlern.

Limitiert auf 500 Kopien!

20 years HHV: unser Team hat aus jedem dieser Jahre ein für uns besonders relevantes und liebgewonnenes Album ausgewählt. Wir veröffentlichen in Kollaboration mit einigen unserer befreundeten Labels monatlich exklusive und limitierte Pressungen dieser Platten.

Ursprünglich wurde das Album 2011 in einer limitierten Auflage veröffentlicht und ein paar Jahre später, 2016, neu aufgelegt. "Zurzeit gibt es in Städten auf der ganzen Welt viele großartige Afrobeat-Revival-Bands, die den Sound und Groove von Fela Kutis legendärem Sound nachahmen. Doch überraschenderweise haben sich nur wenige der neuen Gruppen von einer orthodoxen Interpretation des Genres entfernt oder echte Innovationen hervorgebracht. ...Ikebe Shakedown ist hier, um das zu ändern. Die Band nimmt die typischen Afrobeat-Elemente - große Unisono-Hörner, schlüpfrige Basslinien, knackige kleine Gitarrenlicks - und mischt sie mit geschmackvollen Grooves, die aus dem bläsergetriebenen Funk der 70er Jahre stammen. -Marlon Bishop, Wnyc

Ikebe Shakedown, das selbstbetitelte Album und Ubiquity Records-Debüt der Band aus Brooklyn, spielt mit Elementen von Cinematic Soul, Afro-Funk, Deep Disco und Boogaloo auf die richtige Art und Weise. Mit dem Selbsttitel des Albums wollen wir dem Publikum die vielen Facetten der Band näher bringen, um ein umfassenderes Verständnis für unsere Arbeit zu schaffen", sagt Bassist Vince Chiarito. "Unser Sound ist so gewachsen, dass er unsere Einflüsse einbezieht, ohne dabei einen bestimmten zu repräsentieren. Es klingt einfach nach uns", fügt er hinzu.

Diese Edition ist auf 500 Exemplare limitiert und wird mit Guts geteilt. 350 sind über HHV und 150 über Guts erhältlich.

"Alle DJs haben ihre eigene Art, ihr Set zusammenzustellen. Manche wählen die Platten ganz spontan aus und vertrauen auf ihren Instinkt, andere schreiben eine genaue Liste auf ein Blatt Papier und weichen nie davon ab; das Set ist eine Küche, in der der DJ der Chef ist. Es ist egal, wie es gemacht wird, solange es richtig gemacht wird und allen Spaß macht, das ist das Wichtigste.

Ich glaube, ich kombiniere diese beiden Methoden, wenn ich mein Set aufbaue, nur dass ich statt von einer Mahlzeit von einer Geschichte spreche. Eine Geschichte, die sich über verschiedene Stile, Länder und Atmosphären erstreckt und die ich jeden Abend auf eine andere Art und Weise erzähle. Allerdings mit einer Methode, die ich respektiere.

Zwischen den neuen Sachen, die ich von den Labels bekomme, den Sachen, die mir Freunde und Fans schicken, und dem, was ich selbst entdecke, habe ich genug, um jeden Abend ein anderes Set von A bis Z zu machen! Doch bevor diese Leckerbissen die Tanzfläche beglücken können, muss jedes einzelne Stück einen ganz bestimmten Prozess durchlaufen.

Der erste Schritt besteht darin, meine Tracks in hoher Qualität zu digitalisieren. Da ich in einer Woche mehrere Termine habe, kommt es nicht infrage, kistenweise Schallplatten an Orte zu schleppen, die manchmal weit voneinander entfernt sind. Das WAV-Format ist mein bester Freund geworden. Mit ihm kann ich einige Tracks bearbeiten, Teile herausschneiden oder andere verlängern. Manchmal ist ein langes Intro nicht nötig, während ein furioses Break sich etwas länger wiederholen muss.

Der zweite Schritt besteht dann darin, die Tracks nach Genre und Herkunft zu klassifizieren. So entsteht eine richtige Bibliothek, in der jeder Titel seinen eigenen Platz hat. Erreichbar (fast) ohne zu suchen. Ich kenne die Erfahrung nur zu gut, sich in der eigenen Sammlung zu verirren, zu versuchen, die Buchrücken zu lesen, eine Platte auf halbem Weg aus dem Regal zu ziehen, nur um sie sofort wieder hineinzustellen. Nein, das ist nicht die richtige... Wo habe ich die andere denn hingelegt?...

Aus diesen Ordnern ziehe ich dann die Titel, die Teil der dritten Phase sein werden: die Auswahl für das DJ-Set. Nichts ist in Stein gemeißelt, die Titel kommen und gehen regelmäßig. Ich habe sowohl ganzjährige Hausbesetzer als auch Bewohner, die für ein paar Wochen vorbeikommen. Oder Tage. Von dort aus beginne ich, die Geschichte auszuarbeiten, die ich drei oder vier Stunden lang erzählen werde.

Der Beginn des Sets ist immer derselbe. Ich begrüße die Tänzerinnen und Tänzer sanft. Ich lasse sie mit einem musikalischen Aperitif aus Tracks mit 80/90 BPM auf ihre Plätze gehen - etwas, das viele DJs nicht oder nicht mehr tun.

Das Ende ist immer das gleiche. Der sanfte Abschied von den Tänzern. Ich lasse sie friedlich untergehen. Ihr Abend mit mir ist vorbei, aber vielleicht beginnt für sie schon ein anderer, intimerer Abend.

Zwischen diesen beiden Momenten dreht sich alles um die Geschichte selbst, mit ihren Cumbia-, Reggae-, Hip-Hop-, lusophonen Musik-, Funk- und Soul-Jazz-Anleihen... Eine reichhaltige Geschichte, die sich in der Stimmung des Moments und auf der Tanzfläche selbst erzählt. Je nach allgemeiner Stimmung kann die Steigerung der musikalischen Kraft nach einer Stunde und dreißig Minuten Vorprogramm beginnen oder erst nach 45 Minuten. Der Höhepunkt wird mit dem Afro-House-Teil erreicht, einer furiosen Passage, in der überdrehte Musik aus Simbabwe und Punkmusik aus Südafrika in einem totalen Experiment mit Tracks aufeinandertreffen, die so verstörend sind, dass sie die Beine der Tänzer aus dem Takt bringen. Dies ist ein Moment des Bruchs in der Erzählung, dessen einziger Zweck es ist, die Verbindung zur Tanzfläche wiederherzustellen, sobald er vorbei ist, und die Geschichte mit noch größerem Interesse neu zu beginnen.

Diejenigen, die bereits mein DJ-Set gesehen haben, wissen: Jede meiner Geschichten ist einzigartig.

Ich hoffe, du wirst diejenige genießen, die ich dir in diesem dritten Band erzähle.

Pura Vida

Guts"

Limitiert auf 300 Stück.

Limitiert auf 500 Exemplare auf durchsichtigem Vinyl zum 20. Geburtstag von HHV.

20 years HHV: unser Team hat aus jedem dieser Jahre ein für uns besonders relevantes und liebgewonnenes Album ausgewählt. Wir veröffentlichen in Kollaboration mit einigen unserer befreundeten Labels monatlich exklusive und limitierte Pressungen dieser Platten.

Diese auf eintausend Stück limitierte Edition gibt es nur für HHV Kundschaft.

Urlaub. Nicht nur in Italien.

Ein Rucksacktrip durch Australien, ein Lagerfeuer im Schrebergarten.

Im Auto mit den FreundInnen durch die Lüneburger Heide oder einfach kurz Ferien im Kopf, in der verregneten Mittagspause oder mit einem Glas Schorle auf dem Balkon.

Und dazu gehört Musik, Musik, Musik!

Grooves, die rollen wie ein Intercity in die Ferne, Rhodes-Akkorde weich wie der Sand am Strand und Synthesizer, die funkeln wie die Reflexionen auf dem Ozean.

Musik, so bunt wie ein Hawaiihemd und so wärmend wie die Morgensonne.

Herzlich willkommen auf Erobiques zweitem Album: „Erobique No.2“

Hier sind sogar die Songtitel in Urlaubsstimmung:

„Ahoj!“ grüßt der junge „Springinsfeld“. Die „Mantas“ gleiten elegant um die „Acquamarina“. „Salut les Copines!“ rufen wir ins Nachbarboot. „Kommt doch mit auf den ‚Ravedave!‘“ schallt es fröhlich zurück. „Riding Low“ heißt die Devise, und der „Arpeggiator“ verdichtet auf wundervolle Art und Weise die „Synaesthesie“ der vernebelten Sinne. Das „Italotape“ im Kassettendeck spielt den „Hitsong von uns Beiden“. Das ist alles so schön „Verkackt“, das klingt doch wie „Zukunftsmusik“!

Carsten Meyer brachte 1998 unter dem Namen „Erobique“ sein Debut „Erosound“ heraus. Genau 25 Jahre später veröffentlicht der nun 50-jährige sein zweites Erobique-Album auf seinem eigenen Label A-sexy.

Dreizehn abwechslungsreiche Tracks und Songs zwischen Feriendisco und Rhythmusbox-Rave, aufgenommen und produziert mit vielen seiner FreundInnen und WegbegleiterInnen.

25 Jahre, das ist ziemlich genau die Zeit, die Disco von den legendären Loftparties des Pioniers David Mancuso zu den beeindruckenden Massenspektakeln der Auftritte von Daft Punk gebraucht hat.

Oder aber von Meyers Geburt bis zu seiner ersten Langspielplatte. Warum also erst jetzt ein zweites Album als „Erobique“? Auftritte improvisiert Meyer seit Jahren vor tanzendem Publikum. Selbst seine Hits „Easy Mobeasy“ und „Urlaub in Italien“ sind keine Popsongs im eigentlichen Sinne, sondern entstanden aus spontanen Eingebungen, im Adrenalinrausch, mitten auf der Party, mitten im Moment! Mitgesungen und wieder verklungen. Live mitgeschnitten und raus damit. Bloß nicht wiederholen! Jedes Erobique-Konzert ist ein Versuch, Unvorhergesehenes, Ungeahntes und Unfälle zu einem einzigartigen Dabeisein-Moment zu bauen. „Fehler ist King“ sagte der geistreiche Knarf Rellöm einmal - und Carsten Meyer ist der King der Fehler!

Wie soll man solche Momente denn bitteschön im Studio hervorzaubern, so ganz ohne Fete, ohne die Energie, die auf so einem Kindergeburtstag für Erwachsene auf die Bühne zurückschwappt?

Meyer entsann sich eines anderen Erobique-Hits, und wandelte seinen Titel entsprechend ab:

Er kollaborierte mit einer Überdosis Freude!

Schlagzeuger Lucas Kochbeck (The KBCs, Bacao Rhythm & Steel Band), der Carsten mittlerweile auch bei seinen Live-Gigs unterstützt, sowie Nachbar und Kumpel Christoph M. Kaiser, (ehemals Bassist bei den Jeremy Days, mittlerweile Filmmusik- und Popstratege) legten das Groove-Fundament mit leuchtenden Kacheln, wie einst im Trinity, Hamburgs legendärer 80er-Disko.

Sophia Kennedy kam zum Singen aus dem Nachbarstudio vorbei und Lieven Brunckhorst schleppte gleich den ganzen Bläsersatz von Jan Delays Big-Band Disco No1 mit vors Mikrofon.

Harfen, Xylophone und Violinen nahm Meyer in seinem Musikraum beim Hamburger Fischmarkt oder bei Tobias Levin, in dessen Electric-Avenue Studio mit Fleetblick, auf.

Es ging nach Berlin, wo Carsten sich endlich mit seinem Held Siriusmo traf, um einige Ideen durch den elektronischen Wolf zu drehen. Nicola Rost von Laing schaute vorbei und hinterließ unfassbar dichte Chöre und herrliche Gesänge.

Zum Schluß wurden alle Spuren ins schwäbische Ludwigsburg gebracht, wo Freundeskreis-DJ und Discoexperte Martin Welzer alias DJ Friction dem ganzen Wahnsinn einen unglaublich warmen und dancefloor-freundlichen Gesamtklang verschraubt hat.

Zurück zum Zeichenbrett: Das Coverartwork ist, wie alle A-sexy Veröffentlichungen,

von Meyer höchstpersönlich gemalt und gestaltet, schließlich war sein ursprünglicher Berufswunsch ja Schulbuchillustrator.

So entstand im Laufe eines Sommers eine musikalische Pralinenschachtel, die nicht nur die Holiday-Playlist seiner Fans und HörerInnen bereichern wird, sondern auch sein mehrere Quantenbyte tiefes Archiv von Ideen und Skizzen ein kleines bisschen dünner werden ließ.

Denn außerhalb seiner Diskomessen, landauf-landabwärts, ist Meyer im letzten Vierteljahrhundert ja nicht untätig geblieben:

In den Jahren von 1998 bis 2006 entwickelte er mit DJ Koze und Cosmic DJ als International-Pony hypermodernen Elektronik-Soul.

Er betreute zusammen mit Jacques Palminger und Chris Dietermann beim Projekt „Songs for Joy“ am Maxim-Gorki-Theater Berlin Hobby-SongtexterInnen beim Popmusizieren, so entstand 2007 der heimliche Hit „Wann Strahlst Du?“ mit dem tollen Text von Barbara Stützel.

Überhaupt, Theater: Für den Theaterregisseur Herbert Fritsch arrangierte er die Hits von Gino Paoli und Hugo Wolff für überdrehte Abende am Schauspielhaus Zürich (2016) und am Residenztheater München (2015), für Stefan Pucher drehte er die Märchen Hans Christian Andersens durch den Heimorgelwolf (2010).

Für die Kollegen von Studio Braun brachte er die „Dorfpunks“ am Schauspielhaus Hamburg zum Klingen, direkt danach entwickelte er mit ihnen den authentischen Neue-Welle Sound für deren Mockumentary „Fraktus“, die 2012 in die Kinos kam.

Da wären wir also bei Film-und Fernsehmusiken. Auch hier gab es in den vergangenen Jahren für Meyer einiges zu tun. Am schönsten gelang ihm der Soundtrack für die beliebte Fernsehserie „Der Tatortreiniger“ mit Bjarne Mädel in der Titelrolle.

Ganz nebenbei brachte der „Tausendsassa“ (Zitat Peter Bursch) auch einige Alben auf seinem eigenen Label A-sexy heraus: Rumpel-Funk als „Babyman“, feinsten Chanson-Pop mit Palminger und Yvon Janssen für „Yvon im Kreis der Liebe“ und warmen, modernen Hammond-Jazz mit den „Hamburg Spinners“.

Und jetzt endlich sein Jubiläumsalbum, die Silberhochzeit mit sich selbst.

25 Jahre Carsten und Erobique, together forever und glücklich wie noch nie!

Auf die nächsten…Halt nein. So lange wollen wir nicht warten!

Limitierte Auflage von 200 Exemplaren für unseren Summer of Jazz 2023, der sich auf den südafrikanischen Jazz konzentriert. Nur bei HHV erhältlich.

Das Album "Yakhal' Inkomo" des Mankunku Quartetts aus dem Jahr 1968 ist knapp über 30 Minuten Jazz in Perfektion. Dieses kompakte und auf den Punkt gebrachte Album würde sich problemlos in die Kataloge der wichtigsten Jazzlabels wie Blue Note, Prestige und Impulse einreihen. Yakhal' Inkomo" wurde jedoch ursprünglich auf dem südafrikanischen Plattenlabel World Record Co. veröffentlicht, was dazu führte, dass es für Jazzsammler zu einem schwer zugänglichen und begehrten Stück wurde. Erstpressungen erzielen auf dem Sammlermarkt manchmal Preise von bis zu 1.000 Pfund. Es gilt seit langem als eines der besten südafrikanischen Jazz-Alben und der DJ und Moderator Gilles Peterson untermauerte dies, als er es in seine Radiosendung "The 20 - South African Jazz" aufnahm, die sich auf das Beste des Genres konzentriert. Der Tenorsaxofonist Winston "Mankunku" Ngozi nahm die Session am 23. Juli 1968 in den Manley van Niekerk Studios in Johannesburg auf. Sie wurde von Dave Challen aufgenommen und von Ray Nkwe produziert. Die Session besteht aus zwei Originalwerken von Mankunku auf der A-Seite, "Yakhal' Inkomo" & "Dedication (To Daddy Trane and Brother Shorter)", und auf der B-Seite aus der Horace Silver-Komposition "Doodlin" und einer John Coltrane-Nummer "Bessie's Blues". Auffallend ist, dass die von Mankunku geschriebenen Kompositionen nicht nur mit Silver und Coltrane mithalten können, sondern sogar die besseren Stücke auf der Platte sind - ein Beweis für das wunderbare Schreiben und Spielen von Mankunku. Bei "Yakhal' Inkomo" spielen die großartigen Musiker Agrippa Magwaza am Bass, der Schlagzeuger Early Mabuza und der Pianist Lionel Pillay mit. Pillay war indischer Abstammung, was die Gruppe zu einer gemischtrassigen Gruppe machte. Schon die Aufnahme des Albums war ein Akt des Widerstands, da sie die damaligen Apartheid-Beschränkungen durchbrach. Der Titel "Yakhal' Inkomo" bedeutet "das Brüllen des Stiers". Das schwarze Publikum hätte dies als verschlüsselte Gemeinschaftssymbolik und als einen Akt des Protests verstanden, aber es entging der Aufmerksamkeit der weißen Regierung. Für diese Ausgabe haben wir die Dienste von Miles Showell, dem Mastering- und Lackschneidetechniker der Abbey Road Studios, in Anspruch genommen, um ein spezielles Master mit halber Geschwindigkeit von den Original-Masterbändern zu schneiden. Miles hat bereits an den Wiederveröffentlichungen von Arthur Verocai, Marcos Valle und Ian Carr mitgewirkt und auch dieses Mal sind wir von der Fülle und Klarheit seiner Arbeit überwältigt. Wir haben sie auch als Replikat mit dem Cover und den Etiketten der Originalversion der World Record Co. herausgebracht. Ray Nkwe, der Produzent und Präsident der Jazz Appreciation Society of South Africa, schreibt auf dem Cover: "Dies ist die LP, auf die jeder Jazzfan gewartet hat", und Ray hat sich nicht geirrt: Es ist ein zeitloser Jazzklassiker.

Grüne Vinyl-Edition, limitiert auf 100 Exemplare. Nur bei HHV Records erhältlich.

Rendez Vous wurde 1975 von Gemelli lizenziert und ist möglicherweise ein heiliger Gral in Nicolais langjähriger Karriere als Komponist. Der Orchesterleiter und Musikredakteur ist seit mindestens 30 Jahren aktiv und sein majestätisches Opus ein überwältigendes Datenmaterial für jeden Avantgarde-Freak oder Kinobesessenen. Während seines Klavier- und Kompositionsstudiums am Konservatorium Santa Cecilia in Rom freundete er sich mit Ennio Morricone an, mit dem ihn eine lange Zusammenarbeit verband, die schließlich dazu führte, dass Nicolai für Morricone dirigierte und gemeinsam mit ihm Filme vertonte. Nicolai komponierte auch eine Reihe von Giallo-Filmen und schrieb viele Filmmusiken für den Regisseur Jesús Franco. Seine Arbeit wurde in den Quentin Tarantino-Filmen Kill Bill: Volume 2 und Once Upon a Time in Hollywood. Spannung! Das ist so ziemlich das, worum es bei dieser Platte geht. Rendez Vous ist ein imaginärer Soundtrack, der sich als gefragte obskure Bibliothek entpuppt hat, und zeigt die vielfältigen Fähigkeiten des Komponisten und seiner Ehemaligen. Möglicherweise spielt Morricone in mehreren Episoden - Diffidenza und Subdolamente - gedämpfte Trompete und sorgt so für aufregende Erlebnisse, ähnlich wie die Maestro-Soundtracks zu den frühen Filmen von Dario Argento (was nicht heißt, dass Nicolai nicht auch der Dirigent bei einigen Abenteuern im Kino-Tonstudio war, wie z.B. 'L'Uccello Dalle Piume Di Cristallo', ' Il Gatto A Nove Code' oder '4 Mosche Di Velluto Grigio').

Exklusive Vinyl-Edition auf lila Vinyl, limitiert auf 100 Exemplare, nur bei HHV

"Grains" ist das dritte Studioalbum von Move 78. Das Album wird voraussichtlich am Freitag, dem 3. November 2023, auf Vinyl und digital über Village Live Records veröffentlicht.

Die acht Tracks des Albums wurden ursprünglich als Jam-Sessions in den Trixx-Studios im Oktober 2021 aufgenommen. Diese anfänglichen Ideen wurden dann in den letzten 18 Monaten mehrfach zerhackt, neu arrangiert und neu abgemischt und mit einer Fülle von Heimaufnahmen kombiniert.

Die 32 Minuten Musik stellen eine Weiterentwicklung der für die Band typischen Mischung aus frei fließendem, improvisiertem Jazz und programmiertem, automatisiertem Hip-Hop dar. Neben der Kernbesetzung Doron Segal (Synthesizer), Nir Sabag (Schlagzeug), Hal Strewe (Bass), Meravi Goldman (Waldhorn) und Aver (Sampler/Produktion) gibt es auf dem Album Kollaborationen mit Aquiles Navarro an der Trompete (Irreversible Entanglements), A. J. Nilles an der Bratsche (Irreversible Entanglements), A. J. Nilles an der Bratsche (Irreversible Entanglements) und A. J. Nilles an der Gitarre (Irreversible Entanglements). J. Nilles an der Bratsche (Berliner Philharmoniker), Eric Owusu an der Percussion (Àbáse / Jembaa Groove) und dem aufsteigenden Stern der deutschen Soul/Jazz-Szene, der Sängerin Douniah (Melting Pot Music).

Limitiert auf 100 Exemplare, exklusiv bei HHV erhältlich! Nur 2 pro Kunde!

Seltenes Soul-Funk-Album aus Philadelphia von 1982 * Erste offizielle Vinyl-Wiederveröffentlichung seit 1982Karin Jones (geboren und aufgewachsen in Philadelphia) machte ihre ersten musikalischen Schritte als Sängerin in der Kirche. Sie verfügte über ein äußerst talentiertes Gehör und war eine versierte Pianistin, Schlagzeugerin und Perkussionistin, die sich größtenteils ohne formale Ausbildung entwickelte. Im Vor-Teenager-Alter gründete Karin zusammen mit ihren beiden älteren Schwestern eine Soulgruppe namens The Jonesettes, die von ihrem Vater geleitet wurde. Sie veröffentlichten 1971 eine Single mit dem Titel "Once I Had Love / Stop, Look & listen" auf Cougar Records und wirkten an dem Gospelklassiker "After While" von "Rev. Arvetra Jones And The Jonesettes" mit, der 1975 auf HSE Records erschien. 1976 erzählte ihr ein Freund von Stevie Wonder, dass Marvin Gaye Backgroundsängerinnen für seine neue Platte und die anschließende Tournee suchte. Karin sprach für Marvin vor und wurde sofort engagiert. Sie nahm die EP "Got To Give It Up" auf und ging auf Marvin Gayes London Palladium Tournee (die später als Doppel-Live-Album bei Motown 1977 veröffentlicht wurde). Bald darauf begann Karin Jones mit Session-Arbeiten für das renommierte Label Jobete Records, wo Teddy Pendergrass von ihrem einzigartigen Musikstil sehr beeindruckt war. Sie unterschrieb 1979 bei ihm als Managerin, aber aufgrund von Teddys eigenem hektischen Zeitplan löste sich die Vereinbarung ein Jahr später auf. Auf einem Kongress der Black Music Association in Philadelphia lernte Karin Jim Tyrrell kennen, der zu dieser Zeit sein eigenes Label T-Electric gründete. Karin unterschrieb bei T-Electric Records und nahm 1980 ein Album auf. Das Album wurde jedoch auf Eis gelegt, weil dem Label das Geld ausging. Nachdem es zwei Jahre lang verstaubt war, machte der Produzent Jim Tyrrell den Branchenveteranen Ron Alexenburg darauf aufmerksam, der Präsident von Handshake Records war. Alexenburg hörte das Album und fand es sehr gut. Er brachte Karin Jones dazu, bei seinem Label zu unterschreiben, und "Under The Influence Of Love" erhielt 1982 endlich seine wohlverdiente Veröffentlichung. "Under The Influence Of Love" ist ein Monster von einem Album, arrangiert von Dunn Pearson Jr. (bekannt für seine Arbeit mit Roy Ayers, Lou Ragland, Mary J. Blige, D'Angelo) und Bruce Hawes (Stevie Wonder, Kool And The Gang, The Temptations). All das wurde von Jim Tyrrell sorgfältig überwacht und produziert. Erwähnenswert ist auch, dass das Duett auf dem Album das einzige Mal ist, dass Eddie Levert von den legendären O'Jays mit einer weiblichen Künstlerin gesungen hat. Leider (und schockierend) verstarb Karin Jones 1984 plötzlich an einem diabetischen Koma. Seltsamerweise hatte sie ihr frühes Ableben vorausgesagt, während sie ihr Fotoshooting für das Album vorbereitete. Karin Jones war ein wahres Beispiel für ein helles Licht, das viel zu schnell erlosch. Zum Glück bleibt uns das einzigartige (und sehr seltene) Dokument ihres Albums "Under The Influence Of Love". Das gesamte Album ist voll von herzzerreißendem Modern Soul, Deep Disco, Boogie-Funk und einer großen Bandbreite an Tempi... all das wird von Karins unverkennbarem Gesang gekrönt. Ebenfalls enthalten ist der Hit "Ready, Ready Love", der einer der größten Songs der Londoner Stepperszene (oder besser bekannt als "Rare Groove") und fast unmöglich zu bekommen war (es sei denn, du hattest tiefe Taschen). Bis heute ist es ein begehrtes Juwel und ein "heiliger Gral" für Fans und Sammler gleichermaßen. Tidal Waves Music präsentiert nun stolz die erste offizielle Vinyl-Neuauflage dieses seltenen Philadelphia-Albums, das auf dem Gebrauchtmarkt hohe Preise erzielt (ursprünglich wurde es 1982 auf Handshake Records And Tapes veröffentlicht und seitdem von minderwertigen Bootlegs geplagt). Diese einzigartige Platte kommt als luxuriöse 180g White North American Vinyl Edition (streng limitiert auf 500 Exemplare) mit Obi-Streifen und mit dem Original-Artwork.

100 Kopien bei HHV verfügbar!
Auf ihrem umfangreichen neuen Album "Water Made Us" stellt die Chicagoer Musikerin und Dichterin Jamila Woods die Frage, was es bedeutet, sich der Liebe voll und ganz hinzugeben. Auf "Water Made Us" umarmt Jamila neue Genres, verspielte Melodien und hypnotisierende Wortspiele, während sie durch die berauschenden Turbulenzen von Liebeswracks und Zuflucht watet. Während Jamila auf "heavn" (2017) ihre Community innerhalb der schwarzen feministischen Bewegung feierte und auf "Legacy! Legacy!" (2019) ihre Lebenserfahrungen durch die Geschichten schwarzer und brauner Künstlerinnen und Künstler verarbeitete, ist "Water Made Us" eine völlig neue Art der Selbstoffenbarung und damit ihr bisher persönlichstes Album. "Water Made Us", das sie zusammen mit dem in LA ansässigen Produzenten McClenney aufgenommen hat und auf dem langjährige Freunde aus Chicago wie Saba und Peter CottonTale zu hören sind, ist ein weitläufiges und intimes Porträt der Selbstreflexion, das geschickt die verschiedenen Phasen einer Beziehung widerspiegelt: Die Anfänge, in denen man leicht Kompromisse eingeht, kokettiert und Spaß hat; das vorsichtige Aushandeln von Momenten des Konflikts oder der Verletzung; die Trauer über etwas Verlorenes; und die zärtliche Erkenntnis am Ende von allem, dass die Person, die gegangen ist, einen nie wirklich verlässt, sondern bei einem bleibt, während man bereit ist, es noch einmal zu versuchen, erfrischt und beruhigt. Der Titel des Albums - eine Zeile aus dem Highlight des Albums "Good News" - ist eine subtile Anspielung auf das berühmte Toni-Morrison-Zitat "All water has a perfect memory and is forever trying to get back to where it was". Es ist dieses Gefühl - der Erinnerung, des Ortes und der Rückkehr - das als Pfeiler für den Bogen des Albums dient. "Water Made Us" erinnert uns daran, dass die Liebe im besten Fall ein warmer, stiller Ozean ist. Tief, schimmernd und endlos in seinem Wunder. Und im schlimmsten Fall kann die Liebe ein reißender Strom sein, der uns so weit von uns selbst entfernt, dass wir kaum den Weg zurückfinden, ja nicht einmal mehr wissen, wie wir schwimmen sollen. Und doch ergibt sich Jamila dieser Brandung - jeder Welle und jedem Sog - weil vielleicht sogar die schmerzhaftesten Enden eine Einladung sein können, die sie zurück nach Hause ruft, zurück ans Ufer, zurück zu sich selbst.

Limitiert auf 100 Exemplare

Wildfire war in tropischen Inselkreisen aufgrund ihrer hervorragenden Alben und Auftritte in Trinidad, Tobago, der Karibik, den US Virgin Islands und Französisch-Guadeloupe ein Begriff. 1962 begannen sie als "The Sparks" (eine angesehene Calypso-Gruppe, die eine Reihe erfolgreicher Singles veröffentlichte), aber mit der Veröffentlichung ihrer Hit-Single "Come On Down" von 1975 wurden sie zu Wildfire.

Wildfire hatte eine sehr fruchtbare Karriere und veröffentlichte vier Top-Alben und eine Vielzahl von Singles, bevor sie aufhörten. Unter der Leitung von Bandleader Oliver Chapman (Bassist und Gitarrist, Sänger, Arrangeur, Produzent und Co-Autor der meisten Songs der Band) und mit hochtalentierten Musikern spielten Wildfire in der Nische, die sie sich selbst geschaffen hatten, mit den großen Jungs.

Auf dem Album, das wir dir heute vorstellen (Time Is The Answer aus dem Jahr 1980), findest du die perfekte Mischung aus Funk, Soul und Disco, im Grunde die populären Sounds der Zeit, und alle Titel sind Originale. Das Album ist funkig und die Produktionsqualität kann sich mit jeder ihrer Kollegen und in den USA produzierten/aufgenommenen Platten messen. Die Leistung von Wildfire auf diesem Album ist mehr als hervorragend. Mit dieser Veröffentlichung übernahm die Gruppe zum ersten Mal die Kontrolle über die Produktion und die Veröffentlichung ihres Albums. Ebenfalls enthalten ist die Hit-Single "Say A Little Prayer For The Children", einer dieser Songs, die man nicht mehr aus dem Kopf bekommt.

Neben dem Virtuosen Oliver Chapman: Das Talent, das auf "Time Is The Answer" zu hören ist, ist außergewöhnlich. Anstey Hamilton verfügt über eine reiche, markante Tenorstimme. Arthur Byron, der auch den Gesang auf dem Album übernommen hat, hat einen schönen, rauen Ton, der dich jederzeit umhaut, wenn er loslegt. Fitzroy Isaac an den Keyboards und Donald Leid am Schlagzeug sind dafür verantwortlich, dass der Groove nicht abreißt. Clifford Wilson war wie Oliver von Anfang an in der Band. Er ist ein ruhiger Typ, der Bassgitarre spielt und Backgroundgesang singt. Außerdem hilft er Oliver, wenn sie gemeinsam Songs schreiben. Schließlich haben wir noch Cyllan Charles, der als die Stimme von Wildfire bekannt war. Cyllan übernahm die meisten Leadgesänge, seit er 1972 der Gruppe beigetreten war. Er war das erfahrenste Mitglied der Gruppe und kann einen wirklich in höhere Sphären bringen, wenn er auf der Bühne und auf dem Wachs sein Ding durchzieht.

"Time is the Answer" von Wildfire ist eine seltene und immer begehrtere LP. Voller hitverdächtiger Songs ist es nicht verwunderlich, dass das Album aufgrund seines süchtig machenden und originellen Klangs inzwischen ein begehrtes Objekt geworden ist. Es ist ein Muss für jeden, der etwas auf sich hält!

Tidal Waves Music präsentiert nun stolz die erste Neuauflage dieses fantastischen Island Funk-Soul-Klassikers (ursprünglich 1980 auf Wild Fire Records veröffentlicht) und dies ist auch das erste Mal, dass das Album außerhalb von Trinidad & Tobago veröffentlicht wird. Diese seltene Platte (Originale werden auf dem Sekundärmarkt für hohe Summen gehandelt) ist nun endlich wieder als limitierte 180g Vinyl-Edition erhältlich. Limitiert auf 100 Exemplare 180g Black ICE Color Vinyl Exklusiv für HHV

HHV Exclusive Edition auf weißem Vinyl, limitiert auf 80 Stück weltweit

Original-Master lizenziert von King Records Japan. Inklusive OBI und Beilage. Innocent Canon" ist eines der hoffnungslos obskuren japanischen Underground-Alben, die kaum jemand kennt. Es ist eine Art unveröffentlichter delirierender Groovadelic-Soundtrack, gespielt von einer Acid-getränkten japanischen Big Band mit kraftvollem Schlagzeugspiel, schweren Jazzdämpfen und delirierenden Orgel-/Gitarrenlinien und leuchtenden Erzählungen.Inomata war zu dieser Zeit ein bekannter Jazzmusiker, aber wie viele seiner Zeitgenossen ging er zwischen 1970-1972 mit psychedelischer Musik auf die schiefe Bahn. Bei der Veröffentlichung der Platte im Jahr 1970 gab es eine große Debatte unter japanischen Journalisten, die versuchten, der Platte ein Genre zuzuordnen. Der Versuch war vergeblich. Sie konnten nicht herausfinden, was es war. Rock? Jazz? Sie mussten akzeptieren, dass man nicht immer alles benennen kann. Takesi Inomata & Sound Limited machen Musik, die nichts mit stereotypen Genres zu tun hat; sie spielen, um einen Ausdruck moderner Sensibilität zum Leben zu erwecken. Der Titel des Albums, "Innocent Canon" (Unschuldiger Kanon), ist in Bezug auf dieses Konzept der Fließfähigkeit von Musik besonders interessant zu analysieren. Das Gleiche gilt für Kano Tenmei, einen talentierten Fotografen und DJ, der bei den Sessions die Rolle eines Erzählers übernahm, der laut improvisiert. Es macht nichts, wenn du nicht alles verstehst, was er sagt; was zählt, ist, dass du dich in diese komplexe emotionale Suche einfügen kannst. Sound Limited besteht aus 10 Mitgliedern, aber diese Zahl variiert oft; Inomata lässt die Tür immer für jeden offen, der sich der Band anschließen möchte, die auf einer sehr lockeren Philosophie basiert. Der Aufnahmeprozess dauerte nur 24 Stunden. Inomata erklärte schließlich: "Wir haben es geschafft, etwas Spannendes und Interessantes (in so kurzer Zeit) zu schaffen." Das Album beginnt mit einer säuerlichen "Introduction", die mit Orgel, Gitarre, Bass und Schlagzeug gespielt wird. Es folgt "Funeral", ein von Flöten dominiertes Stück über einem Orgelteppich; es ist Janis Joplin gewidmet. In einem Triumphzug aus Blechbläser-Riffs, Gitarren-, Saxophon- und Schlagzeug-Soli schreit Kano Tenmei in "Rebellion" "Nein, Nein..."; ein psychedelischer Funk-Shake von über 7 Minuten Länge. "Toy" erinnert an Samba, mit markanten Bläsern und einem E-Piano-Solo. "Melancholy" folgt einem kranken Gitarrenriff über einem Cha-Cha-Rhythmus, mit Piccolo-, Saxophon- und Orgelsoli. Darauf folgt das lange "Lonesome", das von einer Sitar eingeleitet wird. Der Anfang und das Ende des Songs sind atemberaubend, ebenso wie der schizophrene Mittelteil. Den Abschluss bildet das kurze "Return", eine Folk-Ballade mit akustischer Gitarre, Pfeifen, Klavier und Blockflöten. Man kann mit Fug und Recht behaupten, dass diese Improvisationssession hervorragende Ergebnisse hervorgebracht hat. Das Artwork ist originell und enthält einige sehr seltsame erotische Skizzen.

Limitierte blaue Vinyl-Edition - für die DACH-Region nur bei HHV erhältlich.

Angels & Queens - Part I" wurde im September 2022 veröffentlicht und erntete weltweit großen Beifall. Die Veröffentlichung wurde von dem Wunsch der Band bestimmt, die Veröffentlichung neuer Aufnahmen in diesem Jahr zu forcieren und das Album in zwei verschiedenen Kapiteln zu veröffentlichen. Das Album enthält eine neue Aufnahme der bahnbrechenden Debütsingle "Love and Hate in a Different Time" und Songs, die bereits zu festen Bestandteilen des Live-Sets der Band geworden sind: "Offering", "Glory" und "Great Wind".

HHV Exklusive auf blau / weißem Vinyl, limitiert auf 300 Exemplare

Wir freuen uns, euch diese exklusive Veröffentlichung von Pipers beliebter LP SUMMER BREEZE auf Ship to Shore präsentieren zu können, die seit ihrer Originalpressung in Japan 1983 kaum noch auf Vinyl zu finden ist.

Lehnt euch zurück und lasst euch von der sanften, wärmenden Umarmung der Musik in ein sorgloses Land der Grooves und des Synth-Pop-Funks entführen, wo der Sand weich ist und das Meer sanft an eure Zehen schwappt. Leckt euch über die Lippen und ihr werdet schwören, dass ihr die salzige Meeresluft schmecken könnt!

Limitiert auf 500 handnummerierte Exemplare!

20 Jahre HHV: Unser Team hat aus jedem dieser Jahre ein Album ausgewählt, das für uns besonders relevant und wertvoll ist. Jeden Monat veröffentlichen wir in Zusammenarbeit mit einigen unserer Lieblingslabels exklusive und limitierte Pressungen dieser Platten.

In nur zwei kurzen Jahren hat sich Dunham Records - ein Imprint von Daptone Records - als eine der fesselndsten kreativen Kräfte der Soulmusik etabliert. Der Gitarrist und Produzent Thomas "Tommy TNT" Brenneck ist der Kopf hinter Dunhams unauslöschlichem atmosphärischen Sound, der durch sein Flaggschiff, die Menahan Street Band, verkörpert wird. Nach der Veröffentlichung einer Handvoll wichtiger 45er-Scheiben bereitet sich Dunham Records darauf vor, mit dem Debütalbum seines ersten Sängers Charles Bradley die nächste Phase seiner Entwicklung einzuleiten.

Charles Bradleys Stimme ist das Ergebnis eines Lebens, in dem er sein Geld verdient hat. Er hat jahrzehntelang in verschiedenen Tagesjobs von Maine bis Alaska gearbeitet und in seiner Freizeit gesungen und gespielt, bevor er sich in seiner Heimatstadt Brooklyn niederließ und schließlich bei Dunham eine musikalische Heimat fand. In seinem unverkennbar rauen Timbre hört man die unverwechselbare Stimme der Erfahrung - jede Note und jeder raue Tonfall spiegeln seinen langen, manchmal steinigen persönlichen Weg wider. Es ist nur passend, dass der Produzent von No Time For Dreaming, Brenneck (auch Mitglied der Dap-Kings und der Budos Band), in Bradley einen verwandten musikalischen Geist erkennt - einen Sänger, dessen Auftritte sowohl rohe Kraft als auch ergreifende Schönheit ausstrahlen. Aufgenommen in den Dunham Studios und abgemischt in den international angesehenen "House of Soul"-Studios von Daptone Records, ist No Time For Dreaming der inspirierte Sound eines Erwachens.

Fun In The Church und HHV präsentieren diese auf 150 Stück limitierte Sonderausgabe auf aquamarine vinyl, die mit einem Lyric Fanzine ausgestattet ist. Diese Edition gibt es exklusiv bei HHV Records.

Nach 20 ereignisreichen Jahren als Schlagzeugerin, Sängerin, Produzentin und Komponistin in ihrer Heimatstadt São Paulo, verschlug es die Brasilianerin Mariá Portugal vor einiger Zeit nach Duisburg.
Am 12. November 2021 veröffentlicht sie mit Erosão nun ihr jüngstes Album. Ihr Debüt für Fun In The Church erscheint als Kooperation von selo Risco (Brasilien) und Fun in The Church auf Vinyl und digital.

Vorab der Versuch einer kurzen biografischen und künstlerischen Einordnung: 1984 in São Paulo geboren, begann Mária Portugal im Alter von neun Jahren mit dem Klavierunterricht; bevor sie zu Schlagzeug und Orchesterschlagwerk wechselte. 2007 nahm sie am Sommerkurs von Karlheinz Stockhausen in Kürten teil. Im Jahr 2011 absolvierte sie ihr Bachelorstudium in Komposition an der Universidade Federal de São Paulo. Das anschließende Masterstudium Kommunikation und Semiotik an der Pontifícia Universidade Católica de São Paulo schloss sie mit einer Untersuchung der kognitiven Beziehungen von Körper und Klang im Kontext von improvisierter Musik und Tanz ab. Sie arbeitete mit dem Experimentalmusiker und Schauspieler Arrigo Barnabé, veröffentlichte mit dem Instrumentalquintett Quartabê drei Alben und tourte mit Dona Zica und Fernanda Takai, mit denen ebenfalls Alben entstanden. Als Schlagzeugerin und Sängerin hat sie mit Künstler*innen wie Maggie Nicols, Elza Soares, Joëlle Léandre, Charlotte Hug, Caroline Kraabel, Sarah Gail Brand, und der Gruppe Metá Metá gearbeitet. Mit Jasper van’t Hof und Paul van Kemenade entstand 2017 das Album „Daytime Sketches“. Daneben komponierte sie Musik für Tanztheater, insbesondere für Felipe Hirsch und für Nova Dança 4, für verschiedene Theaterstücke, Videos, Kinofilme und Kunstinstallationen. Zusammen mit der Sozialanthropologin Jamille Pinheiro Dias produzierte sie das genreübergreifende OnlineRadioprogramm Livrofonia für Stanford University (us). Obzwar verwurzelt in der brasilianischen Songwriter-Tradition hat sie ein großes Interesse an elektronischer Musik, das nicht zuletzt ihrer Rezeption europäischer Improvisationsmusik entspringt. 2020 schließlich war Portugal „Improviser in Residence“ beim 13. Moers Festival, womit wir uns in großen Schritten der Gegenwart nähern – und ihrem jüngsten Album, das Zeiten, (transatlantische) Räume und eine Pandemie umspannt. Erosão nämlich besteht aus drei Ebenen: 1) dem ursprünglichen Songmaterial, 2) akustischen Improvisationen darüber und 3) elektronischen Manipulationen derer. In jeder Schicht ist sowohl die Erinnerung an - als auch das Vergessen des - Vorangegangenen aufgehoben, wie bei einem Stein etwa, der aus sich überlagernden Schichten aufgebaut ist, die sich durch mechanische und chemische Wechselwirkungen verändern, wenn man es weniger dialektisch denken möchte.Die erste Schicht und Grundlage von Erosão fußt aus Portugals Songwriting, auf jüngeren von ihr geschriebenen Stücken, die einerseits in der brasilianischen Liedtradition stehen, die von Dorival Caymmi über Itamar Assumpção und Arrigo Barnabé bis hin zu Caetano Veloso reicht, zugleich aber auch von Komponist*innen ihrer Generation wie Negro Leo, Lara Rennó, Kiko Dinucci und Maria Beraldo informiert sind
Anfang 2019, noch in der Experimental-Szene São Paulos beheimatet, nahm Portugal in der
Besetzung Saxophon, Klarinette/Bassklarinette, Gitarre, Klavier, Kontrabass, Schlagzeug und Gesang
eine Reihe an improvisierten Live-Sessions auf, als deren musikalisches Ausgangsmaterial acht
dieser Stücke dienten. Dazu eingeladen waren Musiker*innen von Bands wie Metá Metá, Música de
Selvagem, Quartabê und dem Quarteto Solto. Da es nicht möglich war, im Rahmen der AufnahmeSessions ihre Stimme akustisch vom Schlagzeug zu trennen, lud Mariá Tó Brandileone (5 a Seco) ein, ihre Texte an ihrer Stelle einzusingen. Diese Improv-Sessions bilden die zweite Ebene von
EROSÃO.
Im Jahr 2020 schließlich brachte sie das daraus entstandene Audiomaterial mit nach Moers, wohin sie
als "Improviser in Residence" eingeladen war. Während des Aufenthalts in Moers bearbeitete Portugal
das Material weiter und fügte den Aufnahmen ihre eigene Stimme, aber auch elektronische
Manipulationen zwischen Freiheit und Form, Zufall und Zweckgerichtetheit hinzu - die dritte und
letzte Schicht des Albums.
Von den ursprünglich aufgenommen acht Titel finden sich auf EROSÃO nur noch sechs Stücke
wieder, die in unterschiedlich engen Beziehungen zu ihrem Ausgangsmaterial stehen. Sie reichen von
nur geringfügigen Veränderungen (wie bei "Dois Litorais", dem nur wenige Stimm-Overdubs
hinzugefügt wurden) bis hin zu vollständig überarbeiteten Titeln, scheinbar ohne Bezug zum
Ausgangsmaterial (wie "Telepatía", eine Collage aus Material verschiedener Stücke und nicht
intendierten Nebengeräuschen aus den vorangegangenen Aufnahmesessions).

HHV Exklusive auf transparentem blauen Vinyl, limitiert auf 100 Stück weltweit

Die erste Wiederveröffentlichung überhaupt!! Der heilige Gral des psychedelischen Latin-Funks aus Nicaragua, 1974! Poder del Alma ("Soul Power") war eine Supergruppe, die sich aus einigen der besten Musiker der nicaraguanischen Szene zusammensetzte. Diese neunköpfige All-Star-Band wurde zusammengestellt, um bei dem berühmten Gratiskonzert von Santana in Managua zu Gunsten des Erdbebens von 1972 zu spielen. Nach diesem erfolgreichen Auftritt als Support des Latin-Rock-Superstars wurde aus einem One-Night-Stand der beliebteste nicaraguanische Act der 70er Jahre. Alle Mitglieder hatten bereits in den 1960er Jahren eine wichtige Rolle in der Geschichte der nicaraguanischen Musik- und Hippie-Szene gespielt. Zu ihnen gehören Román Cerpas (früher bei Bwana), René "Chapo Domínguez (Los Rockets), Edgar "El Gato" Aguilar... Wenige Monate nach dem Managua-Konzert mit Santana reiste Poder del Alma nach Guatemala, um in nur einer Woche Aufnahmesessions ihr erstes Longplay für Dideca (Discos De Centroamérica, S.A.) aufzunehmen. Trotz des geringen Budgets und des prekären Aufnahme-Equipments schaffte es die Band, einen kraftvollen Psychedelic-/Afro-/Funk-Rock-Sound mit E-Gitarre, Schlagzeug, Percussion, Bläsern und spanischem Männer-/Frauengesang aufzunehmen... mit Titeln wie "El Valle del Ayatimbo", "Ia-Taa Yo", "Zúmbale"...