Merge Rock & Indie 145 Artikel

"Gold Past Life" ist das neueste Werk des Indie-Folk-Rockers Eric D. Johnson alias Fruit Bats. Die von Johnsons weichem Falsett geprägte Musik beschreibt er selbst als "rustikaler Bee Gees-Sound". "Gold Past Life" enthält mehr Keyboard-Einflüsse als frühere Fruit Bats-Veröffentlichungen des ehemaligen The Shins-Mitglieds und eine ganze Reihe von Gästen, u.a. Meg Duffy (Hand Habits), Greta Morgan (Springtime Carnivore, Vampire Weekend) und Neal Casal (Circles Around The Sun). "Gold Past Life" markiert sowohl ein Ende als auch einen Anfang. Es ist der Abschluss einer unbeabsichtigten thematischen Trilogie von Platten, die mit "EDJ" 2014 begann (eine Solo-CD nach Namen, aber eine Fruit Bats-Veröffentlichung im Geiste) und mit "Absolute Loser" 2016 einen Höhepunkt erreichte. Diese drei Alben entstanden in Jahren des Verlustes und der anhaltenden Angst vor dem aktuellen politischen Klima. "Ich habe Musik geschrieben, um mich zu trösten", sagt Johnson über diese Zeit. Aber diese Lieder auf "Gold Past Life" stellen auch Neuanfänge dar - Reisen, die darauf warten, dass sie es durch schwierige Zeiten schaffen. Tatsächlich ist die Vorstellung, in einen Van zu steigen, um sich buchstäblich und metaphorisch zu bewegen, genau das, worum es bei "Gold Past Life" geht. Es geht darum, Vorstellungen von idealisierter Nostalgie ("Gold Past Life") und den Prozess der Erdung in der Gegenwart abzulehnen, sowohl geografisch ("A Lingering Love", "Ocean") als auch spirituell ("Drawn Away"). Mit "Gold Past Life" will Johnson mehr Optimismus und Hoffnung in die Welt bringen: "Fruit Bats macht existenzielle Make-Out-Musik", beschreibt er mit einem Lächeln. "Aber du kannst auch gerne tiefer eintauchen, wenn du willst. Gute Popmusik sollte so erhaben sein." [ENG] Gold Past Life marks both an end and a beginning. It's the end of an unintentional thematic trilogy of records that began with 2014's EDJ (a solo record by name, but a Fruit Bats release in spirit) and hit a peak with 2016's Absolute Loser. They encompassed years of loss, displacement, and the persistent, low-level anxiety of the current political climate. They were written in the wake of friends who left these earthly confines and families that could have been. "I wrote music to comfort myself," says Johnson of those times. "It was a soothing balm." But these salves, these songs on Gold Past Life, also represent new beginnings-the journeys that await after making it through troubled times. In fact, the notion of getting in a van to move on-literally and metaphorically-is exactly what Gold Past Life is all about. It's about rejecting notions of idealized nostalgia ("Gold Past Life") and the process of grounding oneself in the present, both geographic ally ("A Lingering Love," "Ocean") and spiritually ("Drawn Away"). "Fruit Bats makes existential make-out music," he describes with a chuckle. "But you're also welcome to dive into it deeper if you want. Good pop music should be sublime like that."

Secret Stratosphere wurde im Mai 2021 live im Yellowhammer Brewing in Huntsville, Alabama, aufgenommen. William Tyler und seine psychedelischen Mitstreiter The Impossible Truth haben erstklassige Stücke aus dem umfangreichen Katalog des Nashville-Gitarristen neu interpretiert und dabei ein neues Licht auf einst bekannte Songs geworfen. Mit der knisternden Combo aus Jack Lawrence (Raconteurs, Dead Weather), Brian Kotzur (Silver Jews, Country Westerns) und Luke Schneider (Solo, Margo Price) dehnt das Quartett die Dynamik von Tylers Kompositionen auf ihr volles interdimensionales Potenzial aus und legt eine tiefe Unterströmung von kosmischen und Post-Rock-Einflüssen frei. Indem er diese Einflüsse sowohl bei seinen Favoriten als auch bei neuen Songs herauskitzelt, bestätigt "Secret Stratosphere" William Tylers Platz als einer unserer brillantesten Gitarristen, Bandleader und Komponisten. Er nennt den Abschluss "Area Code 601" frech eine "Hawkwind meets Charlie Daniels Band-Nummer" - bevor er das Publikum mit diesem bisher unveröffentlichten Kracher nach Hause schickt, der irgendwo zwischen bewusstseinserweiterndem Prog und bierwerbungsträchtigem Southern Rock angesiedelt ist.

Die Mount Moriah Frontfrau kennt man ansonsten auch als Co-Sängerin der Angel Olsen Live-Band, auf diesem Zweitwerk ist eher Folk-Rock angesagt.

Die Peak Edition ist aus blickdichtem gelbem Vinyl und enthält ein Fotoheft mit Ephemera der damaligen Zeit! The Spinanes waren die aus Portland, Oregon stammende Sängerin und Gitarristin Rebecca Gates und die Schlagzeugerin Scott Plouf und wurden von Sub Pop im Post-Nirvana-Rausch aufgegriffen. Gates war eine Gitarrenmanipulatorin, die kunstvoller, poetischer und sinnlicher war als ihre Kolleginnen, mit einer Stimme voller Emotion und Wärme, einem tiefen, ausgeprägten Unterscheidungsmerkmal unter den vielen ähnlich klingenden Girly-Mädchen. Plouf war ein kraftvoller Schlagzeuger, präzise und punktgenau, Nuancenreich und mit genug Mod-Style, um Paul Weller stolz zu machen. Ihre Dringlichkeit wirkte soft, aber sie prügelten hart. Ihr Debütalbum ,Manos" nahmen sie mit Brian Paulson bei AmRep in Minneapolis auf. Nur wenigen Acts gelingt es, derart die vielgerühmte Live-Energie im Studio einzufangen. ,Manos" wurde ein College-Radio-Hit und als Indiepop- oder Indie-Rock oder Alternative kategorisiert, hatte aber auch einen Hauch von Art-Rock, Folk, Emo, Math-Rock, Postrock, sogar Jazz und dabei ähnlich dem Spirit von 90er Jahre Bands wie Unrest, Sebadoh und Versus. Gates wollte, dass ,Manos" wirklich magisch wird - so wie die erste Verlaines Platte oder ein Replacements Album - die man auflegen kann, wenn man sich schrecklich fühlt. Benannt nach einem falsch gehörten Jesus Lizard Text klingt "Manos" nach rauchigen Lokalen und Tanzparties in Punkhäusern: schwammig, eng, angespannt, intensiv, schwindelerregend, hauchdünn, schnell, weltlich/müde, anspruchsvoll und primitiv, stressig und beruhigend. Zwölf Songs und kein Blindgänger. ,Manos" war 1993 ein Original auf einem überfüllten Musikmarkt. Hier ist ein Vierteljahrhundert später die Neuauflage auf Merge Records.

In dem Moment, als die Nadel auf die neue A Giant Dog-Platte fällt, krümmt sich die eigene Vorstellung davon, wie eine A Giant Dog-Platte klingen soll, wie Raum und Zeit um ein Raumschiff, das mit Lichtgeschwindigkeit fliegt. Bite ist ein Konzeptalbum, in dem es um Charaktere geht, die sich in einer virtuellen Realität namens Avalonia bewegen und zugleich ist es das erste Album von A Giant Dog mit eigenen Songs seit Toy von 2017. Sabrina Ellis, Andrew Cashen, Danny Blanchard, Graham Low und Andy Bauer - auf ihrem Höhepunkt als Musiker, fordern sie sich mit komplexeren Arrangements heraus und versetzten sich hinein in die Köpfe der Figuren, die dieses vermeintliche Paradies Avalonia bewohnen. "Wir mussten uns in den Hauptfiguren wiederfinden oder uns in die Hauptfiguren hineinversetzen. Wir entwickelten sie, lernten ihre Gedanken, Emotionen und Motivationen kennen und brachten diese dann in neun Songs zum Ausdruck", erklärt Ellis. Themen wie Sucht, Geschlechterfluidität, ethisches Leben in einer kapitalistischen Gesellschaft, körperliche Autonomie, Geiz, Trauer und Zustimmung sprudeln unter dem versprochenen Glück von Avalonia. Dies wird in Songs wie "Different Than" deutlich, in dem Ellis singt: "My body can't explain the things my mind don't comprehend", als ob der gesellschaftliche Geschlechterdruck seine Protagonistin aus ihrer Haut herausquetscht. Die Songs auf Bite sind voller Bombast und erinnern abwechselnd an den raumfahrenden Opernrock des Electric Light Orchestra und die hohe Dramatik einer Ennio Morricone Filmmusik. Der erzählerische Bogen des Albums ist von epischer Tragweite, seine Charaktere stehen vor unmöglichen Unwahrscheinlichkeiten und sind mit dem sicheren Untergang konfrontiert, und ist so bequem vergleichbar mit der Sci-Fi-Grandezza von Thin Lizzy's Jailbreak wie auch mit der High Fantasy von Dio und Iron Maiden. Passenderweise sind A Giant Dog bis an die Zähne bewaffnet mit neuen Ideen zu dieser Erzählung gekommen, mit Synthesizern und Streichern, um das zu schaffen, was Ellis als...

LP im Klappcover.Die für einen Grammy nominierte Band HISS GOLDEN MESSENGER veröffentlicht mit "Jump For Joy" den Nachfolger von "Quietly Blowing It" aus dem Jahr 2021 und dem 2019er Album "Terms Of Surrender", das eine Grammy-Nominierung für das beste Americana-Album bekam.Musikalisch, textlich und konzeptionell ist "Jump For Joy" anders als alle bisherigen Alben von HISS GOLDEN MESSENGER. Zunächst einmal enthält es die optimistischsten und groovigsten Songs, die Bandleader, Sänger und Songwriter M.C. Taylor je gemacht hat. Die Erzählung ist in gewisser Weise autobiografisch, da er eine Figur geschaffen hat, die ihn durch die verschiedenen Erfahrungen, die er in seinem Leben als Musiker gemacht hat, repräsentiert. Wie der Albumtitel schon andeutet, durchdringt eine fröhliche Stimmung die Platte und bietet ein Gefühl von Freiheit in der Musik. Jeder, der eine Live-Performance von HISS GOLDEN MESSENGER erlebt hat, seit die Tournee nach der Pandemie wieder aufgenommen wurde, wird dies sofort erkennen. Taylor und seine Bandkollegen Chris Boemer (Gitarre), Alex Bingham (Bass), Nick Falk (Schlagzeug) und Sam Fribush (Tasten) haben noch nie besser geklungen. Die Band hat eine heikle Balance erreicht, indem sie gleichzeitig straffer und lockerer geworden ist. All dies wurde auf dem Album "Jump For Joy" eingefangen, das von Taylor produziert wurde.

Wye Oak, das Duo bestehend aus Jenn Wasner und Andy Stack, veröffentlicht mit Every Day Like The Last eine Sammlung brandneuer Songs und bereits veröffentlichter Singles, mit der die Band neue Wege beschreitet. Die neun Songs auf Every Day Like The Last stammen aus einer Zeit, in der sich Wye Oak nach mehr als einem Jahrzehnt kontinuierlicher Albumveröffentlichungen und Tourneen im Umbruch befanden. Die musikalische Partnerschaft von Jenn Wasner und Andy Stack erblühte in der Ungewissheit dieser Zeit, wann immer sie spürten, dass Wye Oak etwas zu sagen hatten. Sie gingen dazu über, schnell EPs und Singles zu schreiben, aufzunehmen und digital zu veröffentlichen. Klanglich kehrten Wasner und Stack zu den Grundlagen zurück. Sie balancierten das Organische und das Künstliche aus und nutzen Elektronik und Programmierung, um neue Texturen hinzuzufügen. Für Stack gibt es einen roten Faden, der sich durch das scheinbare Chaos zieht: "Freude im Untergang der Welt zu finden". Every Day Like The Last tut genau das, indem es den Hörer an die neuen Höhen erinnert, die Wye Oak seit 2018's The Louder I Call, The Faster It Runs erreicht haben, während es einen Blick ins Ungewisse wirft, was vor uns liegt. Der Titel dieser Sammlung erkennt diese Dualität an, indem er sie wie eine Frage stellt: "Jeder Tag wie der Tag davor" oder "Jeder Tag wie der letzte Tag auf der Erde"? "Beide Bedeutungen treffen zu", sagt Wasner. Es gibt keine einfachen Antworten.

Doppel-Vinyl im Klappcover! Nachdem er als Toningenieur für "In League With Dragons" 2019 gearbeitet hatte, schlug Matt Ross-Spang TMG Mastermind John Darnielle vor, für das nächste Album die komplette Mountain Goats-Band zu Sam Phillips Recording in Memphis, Tennessee zu schicken. Das wiederum führte zu der Entscheidung, Matt Ross-Spang für den Nachfolger zum Produzenten zu befördern. Aufgenommen in einer einzigen Woche mit "magischen" Mikrofonen, die vom Nashville Network geborgen wurden, und im selben Raum, in dem die Cramps ihr Debüt-Album 1980 aufnahmen, brennt die Unmittelbarkeit von "Getting Into Knives" hell in verzweifeltem Widerspruch. Auf "The Last Place I Saw You Alive" beschreibt Darnielle die Dunkelheit des Wissens, dass man einen geliebten Menschen nie wieder sehen wird, und sogar das Potenzial der Hoffnung wird untergraben. "Us worms turn into butterflies, I guess," singt er über die herzzerreißende Aufrichtigkeit, die eine halbe Sekunde nach der Erkenntnis, dass Würmer keine Raupen sind, über einem klingenden Klavier erklingt. An anderer Stelle erweckt "Wolf Count" Sympathie für einen gejagten Wolf, trotz der Träume des Wolfes von einem guten alten Blutbad. "Everything becomes a blur from six feet away," singt Darnielle in "Tidal Wave". Jahre bevor die Sorge um "social distancing" zu einem ständigen Gesprächsthema wurde, besteht das Lied stattdessen darauf, dass nicht jede Welle eine Flutwelle ist. "Some waves are slow things that cover you without you having noticed," erklärt Darnielle. Aber selbst diese etwas düstere Perspektive hat ihren Trost. "With the album, you either slam the door shut or you open on to the next path", erklärt Darnielle. "The trick is to sew up an ending, but at the same time open the doors to the theater and let the sunlight in."Alben wie "Getting Into Knives" fegt jeden aus dieser Tür hinaus und mitten hinein in ein riesiges Meer. Mit Liedern wie diesen taucht man vielleicht in tintengleiche Tiefen ein oder erreicht einen reinigenden Hauch von Luft. Lieder...