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Previous Industries sind drei Chicagoer mit einer langen gemeinsamen Geschichte - Open Mike Eagle, Video Dave und Still Rift - die derzeit in LA leben. In einer Stadt, in der Zugezogene oft sagen, dass es ihnen schwer fällt, mit neuen Leuten in Kontakt zu treten, haben diese Jungs einen Weg gefunden, das zu umgehen, indem sie in die Vergangenheit eintauchen. Sie rappen über alles Mögliche, aber immer gestärkt durch Nostalgie und gemeinsame Erinnerungen. „Service Merchandise“, ihr Debütalbum als Einheit, ist nach einer weitgehend untergegangenen Einzelhandelskette benannt, wie auch viele der Songs auf dem Album. Previous Industries umkreisen das tote Einkaufszentrum als spirituelles Konzept und behandeln Nostalgie, Herzschmerz, Freude und Wegwerfbarkeit aus drei verschiedenen Blickwinkeln, wobei sie Beats von Child Actor, Quelle Chris und Smoke Bonito einflechten. Das Album wurde von Kenny Segal (Armand Hammer, Billy Woods) gemischt und vom GRAMMY-prämierten Toningenieur Daddy Kev (Flying Lotus, Thundercat) gemastert.

"Blue Hearts" ist vielleicht die direkteste Konfrontation in BOB Moulds vier Jahrzehnte währender Karriere - eine wütende 14-Track-Sammlung, die von ihrem Schöpfer als "the catchiest batch of protest songs I've ever written in one sitting" beschrieben wurde. Das Album nahm BOB Mould im berühmten Electrical Audio in Chicago mit Unterstützung seines langjährigen Mitarbeiters Beau Sorenson auf. Die Rhythmus-Sektion um Schlagzeuger Jon Wurster und Bassist Jason Narducy knüpft mit ihrem Spiel an die bahnbrechende Vergangenheit des Singer-Songwriters an und bleibt gleichzeitig fest im Zeitgeist verankert. Das Vorgänger-Album "Sunshine Rock" präsentierte BOB Mould "violently happy" (Rolling Stone) - "Blue Hearts" ist hingegen stürmisch und kritisch pointiert. Die Alben fungieren somit als Moulds Yin und Yang. BOB Mould beschäftigt sich auf "Blue Hearts" mit den Verwüstungen des Klimawandels, der destruktiven Gewalt der Menschen und wird zeitweise sehr persönlich.

Rotes Vinyl, inklusive MP3 Download Coupon.Als er 2011 von Scion angesprochen wurde, um ein Album für dieMusik-Promotion-Abteilung der Automarke aufzunehmen, konnte sich Reigning Sound Frontmann Greg Cartwright nicht weigern - trotz oder geraden wegen der prekären Existenz seiner Band zu dieser Zeit. "Mehrere Besetzungswechsel hatten sich ergeben. Die Ursprungsbesetzung, das "Memphis-Quartett", war längst aufgelöst, und ich dachte über die Möglichkeit nach den Namen Reigning Sound zurückzulassen", so Cartwright. "Ich hatte beschlossen eine Pause einzulegen, um an Produktionen für andere Leute zu arbeiten und Songs zu schreiben für The Parting Gifts, meine Zusammenarbeit mit Coco Hames." Aber plötzlich hatte Reigning Sound dieses Toyota Angebot auf dem Tisch, und es gab keine Band. Neben Cartwright war die eine Konstante der letzten drei Reigning Sound Jahre Keyboarder Dave Amels, der ansonsten in der Brooklyn-Soul-Combo The Jay Vons Schwarzarbeit machte. Etwa zur gleichen Zeit war Dan Auerbach von den Black Keys nach Nashville gezogen und kümmerte sich dort in seinem Privatstudio darum, dem Gitarrensound der Parting Gifts Platte den letzten Schliff zu verpassen. "Dan war begierig darauf, etwas im neuen Studio zur Vorbereitung auf eine bevorstehende Sitzung mit Dr. John zu tun, und bot er mir etwas Studiozeit sowie seine Produktionsunterstützung an. Da saß ich nun ohne Band in einem Nashville-Studio, die Uhr tickte. Ich rief in Brooklyn an und The Jay Vons sagten ja. Ich rief Scion an und bat um drei Flugtickets und Hotelzimmer. In wenigen Stunden war die Band auf dem Weg nach Nashville. In zwei Tagen nahmen wir fünf Songs auf. Ich habe diese fünf mit drei Outtakes der vorherigen Reigning Sound LP "Love and Curses" mit Lance Wille am Schlagzeug und Dave Gay am Bass kombiniert.", erzählt Cartwright und fügt hinzu: "Greg + The Jay Vons ist die bis heute gültige Reigning Sound Besetzung." Nach der Veröffentlichung von "Abdication...." brachten Reigning Sound 2014 die beliebte "Shattered" LP raus. Cart...

Transparentes rosa Vinyl! Ein Trommelwirbel, ein wenig Atmosphäre, und los geht`s! Hier ist die 12-Song-Variante des zweiten Redd Kross Albums ,Teen Babes von Monsanto" von 1984 2018 von Merge Records in der Versión Especial neu aufgelegt. Das Album verfügt über eine speziell entwickelte Verpackung, die es ermöglicht, zwischen zwei verschiedenen Frontcovern mit nur einem Handgriff zu wählen! Diese Vintage Teenager von Redd Kross muss man gehört haben, so wie auf Monsanto präsentiert: 100% echte, chemisch inspirierte Brillanz, angetrieben von frisch verdautem Junk Food. "The title says it all. Speedy, sloppy pop loaded with fuzzed-up guitars and whiny vocals. Mostly covers (Stooges, Kiss, Bowie), it's a great little statement of purpose from these '70s hard-rock babes-turned-adults." - ALL MUSIC

Die Peak Edition ist aus blickdichtem gelbem Vinyl und enthält ein Fotoheft mit Ephemera der damaligen Zeit! The Spinanes waren die aus Portland, Oregon stammende Sängerin und Gitarristin Rebecca Gates und die Schlagzeugerin Scott Plouf und wurden von Sub Pop im Post-Nirvana-Rausch aufgegriffen. Gates war eine Gitarrenmanipulatorin, die kunstvoller, poetischer und sinnlicher war als ihre Kolleginnen, mit einer Stimme voller Emotion und Wärme, einem tiefen, ausgeprägten Unterscheidungsmerkmal unter den vielen ähnlich klingenden Girly-Mädchen. Plouf war ein kraftvoller Schlagzeuger, präzise und punktgenau, Nuancenreich und mit genug Mod-Style, um Paul Weller stolz zu machen. Ihre Dringlichkeit wirkte soft, aber sie prügelten hart. Ihr Debütalbum ,Manos" nahmen sie mit Brian Paulson bei AmRep in Minneapolis auf. Nur wenigen Acts gelingt es, derart die vielgerühmte Live-Energie im Studio einzufangen. ,Manos" wurde ein College-Radio-Hit und als Indiepop- oder Indie-Rock oder Alternative kategorisiert, hatte aber auch einen Hauch von Art-Rock, Folk, Emo, Math-Rock, Postrock, sogar Jazz und dabei ähnlich dem Spirit von 90er Jahre Bands wie Unrest, Sebadoh und Versus. Gates wollte, dass ,Manos" wirklich magisch wird - so wie die erste Verlaines Platte oder ein Replacements Album - die man auflegen kann, wenn man sich schrecklich fühlt. Benannt nach einem falsch gehörten Jesus Lizard Text klingt "Manos" nach rauchigen Lokalen und Tanzparties in Punkhäusern: schwammig, eng, angespannt, intensiv, schwindelerregend, hauchdünn, schnell, weltlich/müde, anspruchsvoll und primitiv, stressig und beruhigend. Zwölf Songs und kein Blindgänger. ,Manos" war 1993 ein Original auf einem überfüllten Musikmarkt. Hier ist ein Vierteljahrhundert später die Neuauflage auf Merge Records.

Für ,The Louder I Call, The Faster It Runs", ihr triumphales
fünftes Album, flogen Jenn Wasner und Andy Stack aka Wye
Oak für rund eine Woche in verschiedene Städte - sie nach
Durham, North Carolina, er nach Marfa, Texas - um in
Homestudios hockend ihre Song Skizzen zu sortieren und
miteinander zu verbinden. Das Ergebnis ist die größte, breiteste
und kühnste Musik, die Wye Oak jemals produziert hat. ,The
Louder I Call, The Faster It Runs" verfolgt eine Litanei moderner
Unpässlichkeiten, jeder Song liefert einen neuen Konflikt und
pinnt ihn an Klangwände, wobei Lyrik und Komposition genial
untrennbar verbunden sind. Der Titeltrack des Albums ist eine
Spirale von Angst und Überschwang, deren Strophen und Refrain
zu Kaskaden von unwiderstehlichen Harmonien führen. Einmal am
Ende angelangt, hat es sich zu einer wunderbaren Pop-Hymne
entwickelt - inklusive einem Zauber, der gegen das Übel unserer
Welt gerichtet ist. ,The Louder I Call, The Faster It Runs" kommt
zu einer Zeit des immensen Zweifels, in der unsere persönlichen
Probleme unendlich verschärft werden durch eine Welt, die in
existenzieller Gefahr erscheint. Die zwölf Songs beantworten die
Herausforderung, indem sie Selbstreflexion und Entschlossenheit
ausstrahlen, Schwünge und musikalische Kompliziertheit als
Schutz gegen den Wahnsinn des Augenblicks ausstrahlen.

Die aus der DIY-Punkszene Washingtons stammende Musikerin Eva Moolchan veröffentlicht als Sneaks ihr neues Album "Happy Birthday" via Merge! Sneaks besitzt den Flow von ESG, das Improvisationstalent von Arthur Russell und die Coolness der Slits, schrieb das Missy Magazine zum Vorgänger "Highway Hypnosis". Moolchan führt damit die Zusammenarbeit mit dem Mixing-Engineer Carlos Hernandez und dem legendären Produzenten Jacknife Lee fort, die auch schon bei "Highway Hypnosis" involviert waren. Für "Happy Birthday" drehten sie nun noch mehr auf und kreierten ausgefeiltere Post-Punk-Melodien als je zuvor. Mit ihrer ausgeprägten Vorliebe für Astrologie und einer gehörigen Portion Riot-Grrrl-Spirit, hämmerndem Bass und ansteckenden Beats stellt Moolchan Fragen des Lebens, motiviert die Zuhörer*innen aber ebenso, ihre eigenen Antworten zu finden. "Do You Want to Go Out Tonight?" fragt Moolchan im Opener. Nach dieser aufregend-gelungenen Platte mehr denn je!

"Gold Past Life" ist das neueste Werk des Indie-Folk-Rockers Eric D. Johnson alias Fruit Bats. Die von Johnsons weichem Falsett geprägte Musik beschreibt er selbst als "rustikaler Bee Gees-Sound". "Gold Past Life" enthält mehr Keyboard-Einflüsse als frühere Fruit Bats-Veröffentlichungen des ehemaligen The Shins-Mitglieds und eine ganze Reihe von Gästen, u.a. Meg Duffy (Hand Habits), Greta Morgan (Springtime Carnivore, Vampire Weekend) und Neal Casal (Circles Around The Sun). "Gold Past Life" markiert sowohl ein Ende als auch einen Anfang. Es ist der Abschluss einer unbeabsichtigten thematischen Trilogie von Platten, die mit "EDJ" 2014 begann (eine Solo-CD nach Namen, aber eine Fruit Bats-Veröffentlichung im Geiste) und mit "Absolute Loser" 2016 einen Höhepunkt erreichte. Diese drei Alben entstanden in Jahren des Verlustes und der anhaltenden Angst vor dem aktuellen politischen Klima. "Ich habe Musik geschrieben, um mich zu trösten", sagt Johnson über diese Zeit. Aber diese Lieder auf "Gold Past Life" stellen auch Neuanfänge dar - Reisen, die darauf warten, dass sie es durch schwierige Zeiten schaffen. Tatsächlich ist die Vorstellung, in einen Van zu steigen, um sich buchstäblich und metaphorisch zu bewegen, genau das, worum es bei "Gold Past Life" geht. Es geht darum, Vorstellungen von idealisierter Nostalgie ("Gold Past Life") und den Prozess der Erdung in der Gegenwart abzulehnen, sowohl geografisch ("A Lingering Love", "Ocean") als auch spirituell ("Drawn Away"). Mit "Gold Past Life" will Johnson mehr Optimismus und Hoffnung in die Welt bringen: "Fruit Bats macht existenzielle Make-Out-Musik", beschreibt er mit einem Lächeln. "Aber du kannst auch gerne tiefer eintauchen, wenn du willst. Gute Popmusik sollte so erhaben sein." [ENG] Gold Past Life marks both an end and a beginning. It's the end of an unintentional thematic trilogy of records that began with 2014's EDJ (a solo record by name, but a Fruit Bats release in spirit) and hit a peak with 2016's Absolute Loser. They encompassed years of loss, displacement, and the persistent, low-level anxiety of the current political climate. They were written in the wake of friends who left these earthly confines and families that could have been. "I wrote music to comfort myself," says Johnson of those times. "It was a soothing balm." But these salves, these songs on Gold Past Life, also represent new beginnings-the journeys that await after making it through troubled times. In fact, the notion of getting in a van to move on-literally and metaphorically-is exactly what Gold Past Life is all about. It's about rejecting notions of idealized nostalgia ("Gold Past Life") and the process of grounding oneself in the present, both geographic ally ("A Lingering Love," "Ocean") and spiritually ("Drawn Away"). "Fruit Bats makes existential make-out music," he describes with a chuckle. "But you're also welcome to dive into it deeper if you want. Good pop music should be sublime like that."

„Goes West" klingt, als ob der frühere Lambchop-Gitarrist
William Tyler darauf einen Weg gefunden hätte, sich direkt auf das reiche und bittersüße emotionale Zentrum seiner Musik zu konzentrieren, ohne durch musikalische Nebenausflüge abgelenkt zu werden. Das liegt zum einen daran, dass sich Tyler - einer von Nashvilles versiertesten E-Gitarristen - diesmal bewusst dafür entschieden hat, auf seinem vierten Album ausschließlich zur akustischen Gitarre zu greifen. Und zum anderen erhielt William für seine neue Songsammlung diesmal Unterstützung u.a. von Meg Duffy und Bill Frisell (Gitarre), Brad Cook (Bassist und
Produzent), James Wallace (Keyboard), Griffin Goldsmith
(Schlagzeug) und Tucker Martine (Produzent) - die beste und sympathischste Truppe an Musikern, die Nashville zu bieten hat.

„Power Chords” ist nicht nur das kühnste Album von Mike Krol, mit 34 Minuten Spieldauer ist es auch das bisher längste und dabei gewohnt aggressiv und selbstbewusst, kratzig und roh, catchy as hell - aber etwas hat sich verändert. Krols Sound besitzt eine neue Intensität und damit auch die von ihm besungenen Geschichten. Krols Texte wandelten schon immer auf dem schmalen Grat zwischen Selbstakzeptanz und Selbstzerstörung,
aber bei den Songs von „Power Chords“ offenbaren sie ein neues Gefühl der Selbstwahrnehmung. Natürlich bedeutet das nicht, dass Krol ruhiger geworden ist. „Power Chords“ setzt dort an, wo „Turkey“ aufgehört hat und zeichnet Krols Reise zurück zum Punkrock nach, auf dem Weg ist er über eine Fundgrube von komplizierten Gitarrenlinien und kunstvoll mutierenden Melodien gestolpert. Und er schwingt die gleichen Einflüsse - Misfits, The Strokes, frühe Weezer, Ramones. Der Albumttitel referenziert sowohl die Gitarrentechnik als auch die damit verbundene
musikalische Erlösung. Um die Kraft dieser Akkorde zu
entdecken, nahm Krol über zwei Jahre lang an drei verschiedenen Orten (Nashville, Los Angeles und Krol's Heimat Wisconsin) auf.

Deluxe LP: Auf blickdichtes gelbes Vinyl gepresst plus schwarze Bonus 7" mit Solo-Akustik-Versionen der Album-Tracks "A Light Travels Down The Catwalk" und "Stay Lost". Dazu ein Lyrics-Heft als Beilage.

„ken" von Destroyer wurde von Josh Wells von Black Mountain produziert, der seit 2012 auch Schlagzeuger bei Destroyer ist. Aufgenommen wurde es im Jam Room/Studio Space, den die Band selbst The Balloon Factory nennt. Im Gegensatz zum Vorgänger ,Poison Season" wurde ken nicht als gemeinsame "Band" aufgenommen, obwohl jedes Bandmitglied an der Produktion beteiligt ist. "Sometime last year, I discovered that the original name for "The Wild Ones" (one of the great English-language ballads of the last 100 years or so) was "Ken." I had an epiphany, I was physically struck by this information. In an attempt to hold on to this feeling, I decided to lift the original title of that song and use it for my own purposes. It's unclear to me what that purpose is, or what the connection is. I was not thinking about Suede when making this record. I was thinking about the last few years of the Thatcher era. Those were the years when music first really came at me like a sickness, I had it bad. Maybe "The Wild Ones" speaks to that feeling, probably why Suede made no sense in America. I think "ken" also means "to know." - Dan Bejar