Ostgut Ton Techno | Minimal | Tech-House 14 Artikel

Die Compilation Fünfzehn + 1 feiert 16 Jahre Ostgut Ton – und das Licht am Ende eines langen, dunklen Tunnels für sein Stammhaus Berghain.

Ursprünglich zur Veröffentlichung im Jahr 2020 geplant, reflektiert die vorliegende Musik die Verflechtung von Inhouse-Label und Klub bzw. dessen unterschiedlicher musikalischer Facetten. Ostgut-Ton-Künstler*innen und -Freund*innen arbeiteten gemeinsam an Stücken, die fünf Floors gewidmet sind – und im Vinyl-Boxset fünf 12"es zugeordnet werden. Die 20 Stücke sind musikalische Hommage an Räume, die die beteiligten Personen sowohl beeinflusst haben, als auch von ihnen beeinflusst wurden. Das Ergebnis sind mal funktionale, mal eher abstrakte klangliche Näherungen.

Nachdem die Pandemie den Klub vorübergehend zur Schließung zwang, stellt der gemeinschaftliche Charakter dieser Compilation einen Versuch dar, unterschiedliche Maße der Isolation zu überwinden und mit Erinnerungen an Musik und Räume zu ringen, die lange Zeit unzugänglich waren. Doch sicherlich nicht vergessen.

Die Compilation Fünfzehn + 1 feiert 16 Jahre Ostgut Ton – und das Licht am Ende eines langen, dunklen Tunnels für sein Stammhaus Berghain.

Ursprünglich zur Veröffentlichung im Jahr 2020 geplant, reflektiert die vorliegende Musik die Verflechtung von Inhouse-Label und Klub bzw. dessen unterschiedlicher musikalischer Facetten. Ostgut-Ton-Künstler*innen und -Freund*innen arbeiteten gemeinsam an Stücken, die fünf Floors gewidmet sind – und im Vinyl-Boxset fünf 12"es zugeordnet werden. Die 20 Stücke sind musikalische Hommage an Räume, die die beteiligten Personen sowohl beeinflusst haben, als auch von ihnen beeinflusst wurden. Das Ergebnis sind mal funktionale, mal eher abstrakte klangliche Näherungen.

Nachdem die Pandemie den Klub vorübergehend zur Schließung zwang, stellt der gemeinschaftliche Charakter dieser Compilation einen Versuch dar, unterschiedliche Maße der Isolation zu überwinden und mit Erinnerungen an Musik und Räume zu ringen, die lange Zeit unzugänglich waren. Doch sicherlich nicht vergessen.

A World Of Service ist das Ostgut Ton-Debüt der spanischen Producerin, DJ und Künstlerin Jasss alias Silvia Jiménez Alvarez, die hiermit ein breit gefächertes, persönliches Projekt kontinuierlicher Erkundung und existenziellen Ausdrucks verwirklicht.

Die Entwicklung von A World Of Service dreht sich um den Zerfall von Genres und unerwarteten Metamorphosen. Ursprünglich war es der Name einer monatlichen Radioshow, die Jasss in Berlin moderierte, bald wird es der Titel ihres umfangreichen, multisensorischen Tourkonzepts in Zusammenarbeit mit Ben Kreukniet sein, und hier ist A World Of Service kraftvoll klanglich konzentriert. Während des gesamten Albums sinniert Jasss über die gerade aktuellen menschlichen und technologischen Barrieren zur Interkonnektivität: Sowohl textlich als auch musikalisch dekonstruiert sie das Selbst, demaskiert Ängste und hinterfragt die Unzulänglichkeiten der Sprache in Bezug auf Geschlecht, Identität und zwischenmenschliche Beziehungen. Indem sie als Antwort darauf ihr eigenes fließendes, nuanciertes Lexikon formt, sucht Jasss nach einem tieferen Verständnis ihres multiplen Selbst, das durch ungezügelte jugendliche Wut und die Weisheit von Reife entsteht, die Liminalität mit abstrakter Elektronik und barockem Industrial Pop durchquerend. Visuell unterstrichen wird dies durch Matt Lamberts unheimliches, florales Coverporträt sowie den unverwechselbaren Duft von feuchter Erde, Blumen und Hölzern, den Meri Bonastre für das Album entwickelt hat und auf der Innenhülle des Vinyl aufgetragen wurde.

Auf die fantasievolle Nostalgie ihrem Debütalbums Weightless [iDEAL Recordings, 2017] sowie ihre fulminante 12" für Whities / AD 93 folgend, hebt A World Of Service persönliche und gesellschaftliche Konzepte unter, sucht nicht nach Antworten, sondern schwelgt in der einzigartigen Spannung, die von Fragen erzeugt wird. Jasss ist höchst fokussiert doch musikalisch ungezügelt, was sich in den klanglichen Veränderungen von A World Of Service widerspiegelt: Von der computerisierten Sehnsucht und dem Zerschmettern eines gebrochenen Herzens in „Luis“ über die zerklüftete und wortlose Tundra von „Vapor Dentro“ , der faszinierenden Gegenüberstellung von warmem, verführerischen spanischen Gesang zu starren Stelen aus muskulösem Industrial und Bass-Grind („Camelo“ ) bis hin zum erhebenden, maximalistischen Industrial-Pop von „Wish“ , dem Closer des Albums.

Mit steigender Intensität durch den Pandemie-Ära-Trip-Hop des Titeltracks „A World Of Service“ singt Jasss: „Pleasure / Is nowhere to be found inside this world of service / I call to be my life.“ ‚ Pleasure‘ , Vergnügen also, mag ihr trügerisch erscheinen, aber in ihrer Entschlossenheit, in diesem technologischen Zeitalter mit ihren verschiedenen Identitäten Frieden zu schließen, bietet Jasss einen unwiderstehlichen Einblick in eine essentielle künstlerischer Stimme.

Etapp Kyle kehrt mit Nolove zurück zu Ostgut Ton – und einem neuen Projekt, das eine vier- Track-EP, einen Kurzfilm und eine Online-Ausstellung mit Fokus auf die Westukraine umfasst. Genauer gesagt beziehen sich die Musik und das Artwork auf die Städte Kamjanez-Podilskyj und Czernowitz in der Bukowina, wo Etapp Kyle aufwuchs und sein Interesse an elektronischer Musik entwickelte. Während die Bukowina heute Teil der Ukraine ist, gehörte es vormals zum ehemaligen Fürstentum Moldau, der Habsburgermonarchie, dem russischen Kaiserreich, dem Königreich Rumänien und der Sovietunion. Jene turbulente Geschichte und geografische Lage an der Grenze von Rumänien und Moldawien führte zu einer extrem facettenreichen Geschichte an kulturellem Einfluss, wie der Kurzfilm zum Stück „Nolove“ zeigt. Jugend-, Mode- und Musikkultur existieren dort Seit’ an Seit’ mit Religion, Gewalt und Krieg – als auch größeren politischen Anstrengungen. Diese EP zeigt die musikalische und künstlerische Entwicklung von Etapp Kyle, die er im Studio und in der DJ-Booth seit Veröffentlichung seiner letzten 12” EP Alpha (Ostgut Ton, 2017) gemacht hat. Die vier Stücke auf Nolove sind minimalistische, detailreiche elektronische Explorationen inspiriert von persönlichen Erinnerungen an Czernowitz und der kulturellen Identität der Ukraine. Vorwärtsdenkend in Rhythmus und Melodie finden sich auf der EP sorgfältig ausproduzierte Dancefloorminiaturen regionaler Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft.

Oh, lovely appearance of death, No sight upon earth is so fair; Not all the gay pageants that breathe, Can with a dead body compare.– Charles Wesley, A Funeral Hymn for a Believer, 1780. So beginnt New Atlantis, das vierte Studioalbum des langjährigen Berghain-Residents Efdemin alias Phillip Sollmann. Jene Worte, gesungen von der amerikanischen 60er-Kunstikone William T. Wiley und eingebettet in glühend schwellende Drones, setzen einen gänzlich anderweltlichen Ton für Sollmanns erste Soloveröffentlichung auf Ostgut Ton. Im Lauf von acht Stücken oszilliert New Atlantis zwischen schnellem, kaleidoskopischen Techno, vielschichtigen Drones und akustischer Instrumentierung. Erstmals verschmilzt Sollmann die deepen Dancefloor-Modulierungen seines Alter Egos Efdemin mit den Klangkunst- und experimentellen Musikprojekten unter seinem bürgerlichen Namen. Zu Letzteren zählen seine von Harry Partch inspirierte Performance Monophonie (Volksbühne, Elbphilharmonie / Kampnagel, Ruhrtriennale, 2017) und die EP Panama / Suez, als Trio geschrieben mit den Experimentalmusikern Oren Ambarchi und Konrad Sprenger (A-TON, 2018). Utopische Musiktraditionen standen schon lange im Mittelpunkt von Sollmanns Denken – für New Atlantis diente ihm Francis Bacons unvollendeter Roman gleichen Titels aus dem 17. Jahrhundert als Inspiration. Darin beschreibt Bacon eine fiktive Insel, die sich ganz der sozialen Entwicklung durch die Synthese der Künste, Wissenschaft, Technologie und Mode verschrieben hat. Im Buch werden futuristische, akustische Werkstätten erdacht – von Bacon ‚sound-houses‘ genannt. In jenen werden Musikinstrumente vorgehalten, die in der Lage sind, die Ganzheit an Klängen des Universums zu erzeugen. Eine 400 Jahre alte Prophezeiung der heutigen digitalen Klangrealität. Bei Sollmann schwillt und ebbt Bacons Vision auf 50 Minuten in unterschiedlichen Tempi und Tönen, sind utopische Musiktraditionen ineinander verwoben: wogende Modularsynth-Lines, früher Detroit- Techno, klingbare Holzperkussion, Trance, dröhnende Orgeln, Hackbretter und Stromgitarren, Drehleier, reine Stimmung, Poesie, Hymnen und raunende Stimmen. Mal – wie im 14-minütigen Titelstück – stimmen sie ein in epische Rhythmusreisen; hier entladen sie sich als sich kurz öffnende Klangportale („Temple“), dort fordert eine desolate menschliche Stimme („Oh, Lovely Appearance Of Death“) die Befreiung aus dem körperlichen Gefängnis und ein Übersetzen ins Utopia des Jenseits.

Nach gut siebeneinhalb Jahren gibt es endlich wieder eine neue EP des langjährigen Berghain-Residents Norman Nodge; Embodiment verkörpert vier neue Stücke deepen und berauschenden Technos. Aufgewachsen in Brandenburg verbrachte Nodge die Neunziger als DJ, Promoter und Mentor von Marcel Dettmann und Marcel Fengler, 2005 begann seine Residency im Berghain. Seitdem nimmt er eine Sonderstellung innerhalb Berlin Technos ein, mit einem Sound, der sowohl kraftvoll, dubbig und hypnotisch ist – kann man nachhören in seinem Berghain 06-Mix und auf verschiedenen 12”es sowie Compilation-Beiträgen auf Ostgut Ton, als auch auf den EPs für Dettmanns MDR-Label.