Pop Vinyl LP Sale 329 Artikel

Limitiert auf nur 500 Stück.

Nach dem Knaller-Debut "Mondo Cherry", das mehrmals nachgepresst wurde und dem Folgekracher "Fettucini" kommt nun das langerwartete, dritte Album des genialen Dreigestirns aus Hamburg, "Dubbies On Top". Die erste Single, "Alle Männer" teasert ein fantastisches Album an.

Mintgrüne LP und 12" mit Bonus Remixen. Exklusiv bei Tapete und HHV. Limitiert auf 500 Stück.

Der King is back! King Rocko Schamon! Mit einem Album vollgepackt mit eigenen Liedern, selbst geschrieben, selbst gesungen. Dabei wollte er das eigentlich nicht mehr machen, Soloalben aufnehmen. Aber das hat auch keinen Spaß gemacht, es sein zu lassen. Neben den Tätigkeiten am Theater, mit Studio Braun, als Autor ("Dorfpunks" u.a.), Keramiker und Schauspieler, ist Rocko nun also auch wieder das, was er schon immer war, womit es doch anfing, Mitte der 80er, ein Barde. Er kann einfach alles! Er ist eben der King!

Nach zwölf Jahren ohne Plattenveröffentlichung unter eigenem Namen und mit eigenen Songs (also abgesehen von dem Tribute-Machwerk „Die Vergessenen“ und mit einigen Fraktus-Tonträgern) veröffentlicht Rocko Schamoni im Herbst 2019 sein achtes reguläres Album: Musik für Jugendliche. Übrigens gerade rechtzeitig zu seinem 35-jährigen Bühnenjubiläum, denn im Jahr 1984 begann seine lange, schlingernde und Haken schlagende Bühnenkarriere. Zwar schwor Schamoni bei seinem letzten regulären und titellosen Album im Jahr 2007 der Musikproduktion und dem ewigen ermüdenden Veröffentlichungsreigen ab, aber nach zwölf Jahren hat der Delinquent schlichtweg vergessen, warum er eigentlich im Gefängnis sitzt. Dieser Abschied sollte übrigens nie ein Abschied von der Musik sein, im Gegenteil, er sollte die Musik von ihrer Zweckorientiertheit in Schamonis Leben befreien, was – nach eigenem Bekunden – durchaus gelungen ist. Nun hat sich allerdings wieder genug angesammelt: Töne, Noten, Stimmungen, Akkorde, Worte, Melodien, Sentimentalitäten, Liebesbekundungen, Referenzen, schlicht: Musik. Die Deluxe-Edition enthält:
- Das Album als limitierte Deluxe LP (colored Vinyl - mintgrün) mit Klappcover
- Bonus-12“ mit 6 Bonustracks (colored Vinyl - mintgrün)

Almut Klotz, möge sie in Frieden ruhen, wurde bekannt als Musikerin durch ihre Arbeit mit dem Popchor Berlin, den Bands Parole Trixi und Lassie Singers sowie als Autorin ("Aus dem Leben des Manuel Zorn", "Tamara und Konsorten" und zuletzt "Fotzenfenderschweine"). Gemeinsam mit Christiane Rösinger betrieb sie das Label Flittchen Records. Die ersten beiden Bücher entstanden mit ihrem Partner, dem Universaltalent Christian Dabeler (Musiker, Songwriter auf vielen Platten, die nicht einmal alle auf Discogs gelistet sind, Schauspieler: Rollo Aller, Deichbullen, Autor, u.a.). In "Fotzenfenderschweine", das Almut Klotz über ihre Liebe schrieb, kann dem Paar noch näher gekommen werden. Im Original-Infotext von 2007 heißt es: "Klotz + Dabeler legen sich nicht gerne fest und lassen auch dem Hörer die Freiheit. All die schönen Texte sind gebettet in wundersamsten Glamour-Pop, der sich allerdings nicht zu schade ist, auch mal ins Piepige zu wandern und allen den Vogel zu zeigen. Da kann man schon mal pathetisch werden: “Menschen an sich” ist eines dieser seltenen Alben, von denen man sich – trotz oder gerade wegen all der unbeantworteten Fragen – von Anfang an seltsam verstanden und umarmt fühlt. Bonbon: Die Vinylausgabe kommt mit einem alternativen Coverfoto!

Limitiert auf 200 Exemplare für den europäischen Markt.

Neuauflage zum HHV Summer of Jazz 2020. Limitiert auf 300 Stück.

Dem Jazz aus dem Wunderland für Erwachsene hat sich der Hamburger Musiker und Schauspieler Jacques Palminger mit seinem 440Hz Trio schon lang verschrieben. Palminger bricht dabei gängige Jazz-Strukturen. Das ist nicht verwunderlich, denn man kennt den Mann aus dem Humortrio Studio Braun oder aus dem Fake-Band-Dok-Film Fraktus. Nun tanzt er lasziv durch das Paris der Sechzigerjahre, klettert unendliche Tonleitern hoch zum schönsten Lied der Welt und segelt mit seinem Schiff durch ein bittersüßes Schlagermeer.

Limitiert auf 300 Stück, die mit einer 7" Flexi-Disc kommt.

Superorganism kehren im Juli mit ihrem zweiten Album World Wide Pop zurück, ihrer ersten neuen Musik seit dem selbstbetitelten Debüt von 2018.

Mit dreizehn Tracks, die das Unendliche und das Intime erforschen und sich mit Freundschaft, Zeit, Verbundenheit und dem Universum befassen, kehrt World Wide Pop zurück und reflektiert den Widerspruch, hoffnungsvoll und neugierig zu sein, wenn man mit unerbittlichem Konsum und überwältigendem Lärm konfrontiert wird. Superorganism entscheiden sich für Optimismus und glauben an die Macht der Popmusik und an all das, was sie bewirken kann. World Wide Pop schlägt eine Brücke zwischen dem Persönlichen und dem Existenziellen und liefert dabei eine Tasche voller Melodien, die mit trockenem Humor gespickt sind.

World Wide Pop bringt auch eine Reihe von internationalen Kollaborateuren mit sich, darunter Stephen Malkmus, Chai, Pi Ja Ma, Dylan Cartlidge und der legendäre Musiker und Schauspieler Gen Hoshino.

Limitiert auf 300 Stück. Nur eine pro Kunde.

Endlich wieder auf Vinyl verfügbar. Das erste Album von Jacques Palminger und dem 440Hz Trio, bestehend aus Richard von der Schulenburg, Olve Strelow und John Raphael Burgess.

Die iranisch-amerikanische Singer-Songwriterin Rahill veröffentlicht ihr Solo-Debüt Album ‘Flowers At Your Feet' auf Big Dada, ihrer neuen Label-Heimat, bei der sie sie sich neben ihren talentierten Labelkolleg:innen Yaya Bey und Lyzza einreiht. Das Album, auf dem 14 Tracks zu hören sein werden, enthält Kollaborationen mit Beck und Jasper Marsalis (Slauson Malone). Es folgt auf Rahills nostalgische 2022er Cover-EP, „Sun Songs“, und zeigt, wie sie sich auf eine Reise der Selbstakzeptanz und Selbstliebe begibt.

Sie reflektiert über ihre Kindheit und Familie und ehrt die Menschen und Momente, die sie geprägt haben. Das Projekt greift auf Elemente von Triphop, Jazz und Alternative Rock zurück, untermauert von Rahills ehrfürchtiger und nachdenklicher Lyrik. Das Album wurde während des Lockdowns in mehreren Phasen aufgenommen und entstand in enger Zusammenarbeit zwischen Rahill und dem Produzenten Alex Epton (fka Twigs, Arca), der sofort die Kraft und das Potenzial von Rahills vorhandenen Solokompositionen erkannte, von denen sie einige bereits Jahre zuvor geschrieben hatte.

Rahill Jamalifard ist eine multidisziplinäre Künstlerin und Musikerin, die aus Lansing, Michigan, stammt und derzeit im Hudson Valley im Bundesstaat New York lebt. Als Gründungsmitglied der Brooklyner Garage-Rock-Band Habibi erspielte sich Rahill den Ruf, eine eklektische Bandbreite an Einflüssen zu verarbeiten und sie in fesselnde und gewichtige Popsongs zu destillieren, die sich an den Modi und Melodien des iranisch-amerikanischen Haushalts orientieren, in dem sie aufgewachsen ist - ein Erbe, das sie durch wiederholte Reisen in den Iran weiter pflegt.

Diese Vorliebe für die iranische Kultur und Musik findet sich zunehmend auch in ihrem Soloprogramm wieder. Als versierte DJ tritt Rahill häufig auf und kuratiert eine monatliche Auswahl für NTS Radio. Ihre visuelle Kunst (darunter eine kürzlich erschienene Sammlung sogenannter „primitiver“ Buntstiftporträts, „I'm This I'm That I'm In The World“) wurde international ausgestellt. Ihr scharfer Blick für Ästhetik hat sie zu Kollaborationen in der Modewelt geführt, vor allem zu einer Live-Performance von Songs aus „Flowers At Your Feet“ und „Haenim“ (ein Stück aus ihrer vorhergehenden EP, „Sun Songs“) für Maryam Nassir Zadehs SS23-Show auf der New York Fashion Week.

Am 22. September erscheint Kylies brandneues Studioalbum "Tension", ein Album voller euphorischer, kraftvoller Dancefloor-Banger und temperamentvoller Pop-Songs.



"Tension" besteht aus elf Tracks voller vergnügungssüchtiger, fröhlicher Pop-Melodien, die den Moment an sich reißen, wobei der hypnotische Elektro-Song "Padam Padam" das Album eröffnet.



Über 'Tension' sagt Kylie: "Ich habe dieses Album mit einem offenen Geist und einer leeren Seite begonnen. Anders als bei meinen letzten beiden Alben gab es kein 'Thema', sondern es ging darum, das Herz, den Spaß oder die Fantasie des jeweiligen Moments zu finden und immer zu versuchen, den Song zu bedienen. Ich wollte die Individualität eines jeden Songs feiern und in diese Freiheit eintauchen. Ich würde sagen, es ist eine Mischung aus persönlicher Reflexion, ausgelassenem Clubleben und melancholischem Hochgefühl."



In ihrer glanzvollen Karriere hat Kylie weltweit über 80 Millionen Tonträger verkauft, 5 Milliarden Streams und 8 britische Nummer-1-Alben. Zu ihren zahlreichen Auszeichnungen gehören 3 Brit Awards, 2 MTV Awards und ein Grammy. Sie ist die einzige weibliche Künstlerin, die in fünf aufeinanderfolgenden Jahrzehnten ein Nr.-1-Album in Großbritannien veröffentlicht hat. Ihr Glastonbury-Auftritt 2019 war der meistgesehene TV-Moment in der Geschichte des Festivals. In vielerlei Hinsicht steht sie allein in der Pop-Arena - ein Superstar, dessen ständige Neuerfindungen und Erkundungen sie fest in der Gegenwart verwurzeln, während sie gleichzeitig einen Großteil unserer kollektiven Vergangenheit definiert und feiert.

Limitiert auf 100 Stück, rot.

„IG-POP“ heißt das neue Album von David Julian Kirchner. Nachdem er mit seinem Vorgänger-Projekt Kirchner Hochtief und dem zugehörigen Album „Evakuiert das Ich-Gebäude“ (Staatsakt, 2019) in einem (größen-)wahnsinnigen Kunstprojekt Unternehmer spielte, mitsamt Konkurs und Abwicklung, und damit alle und nicht zuletzt sich selbst komplett überforderte, schlägt sich der Mannheimer Künstler nun auf die Seite der Gewerkschaften: Die IG-POP stellt dabei so etwas wie ein solidarisches Bündnis aller Solo-Selbstständigen und kreativen Kulturarbeiter*innen dar – bzw. formuliert es die Sehnsucht nach einem solchen Bündnis: Raus aus Zwangsindividualisierung.

Es gibt Neuinterpretationen altbekannter Arbeiterlieder, vom „Einheitsfrontlied“ bis zur „Internationale“ oder „Die schlesischen Weber“. Selten klang Heinrich Heine so funky und Erich Weinert so aktuell. Dazu gibt es Songs aus Kirchners eigener Feder, von der IG-POP-Gewerkschaftshymne, über den Flower-Power-Rock aus „Wir gehen in die Sonne“ bis zum Verwaltungsschlager „Papierkramland“ mit Gastarbeiter-Musiker-Legende Ozan Ata Canani. Auf den Pfaden von Devo, Billy Bragg, Franz-Josef Degenhardt, Die Sterne und Heaven17 schafft David Julian Kirchner ein schlüssiges Gesamtkonzept, dass aber auch ohne konzeptionellen Überbau als mitreißendes Pop-Album funktioniert.

Kirchner traut sich, auf „IG POP“ den Klassenkampf in den Mittelpunkt seiner Arbeit zu stellen und verspricht er uns etwa in dem Eisler/Busch-Stück „Der heimliche Aufmarsch“ die sozialistische Weltrepublik, die jedoch in seiner Interpretation mit geisterhaft heruntergepitchter Stimme wie aus einer fernen Vergangenheit in unsere Gegenwart hinüberweht. Interessanterweise eine Thematik, die vielen Leuten in Zeiten der sogenannten Stapelkrise seltsam daneben vorkommt. Keine Zeit für die großen Utopien mehr? Vielleicht.

Doch was, liebe Zweifler*innen, wenn ganz tief unter dem meterhohen Krisenstapel das Hauptproblem tatsächlich nach wie vor in der Verteilung des (materiellen wie informellen) Eigentums an den Produktionsmitteln und der (Selbst-)Ausbeutung der Arbeiter*innen liegt?! Die so banale wie selten angesprochene Erkenntnis also, dass der sich seit Jahrhunderten aufstapelnde Wohlstand von Anfang an instabil und einsturzgefährdet war, um im Bild zu bleiben? Auch wenn die Arbeiter*innen vielleicht nicht mehr direkt vor der eigenen Türe, sondern beispielsweise in Bangladesch ausgebeutet werden und unserer Care-Arbeit heute von Menschen aus Osteuropa für uns vor Ort erledigt wird.

Was also, um noch ein paar Fragen anzuschließen, wenn die Entfaltung der Produktivkräfte durchaus ein Motor des Fortschritts ist, die damit verbundene, ewige Wachstumswirtschaft aber auch maßgebliche Kraft der Mensch-gemachten Klimakatastrophe? Und was ist, wenn uns die Unternehmen aus Silicon Valley und ihre Influencer*innen und alle, die es gern sein würden, in einer endlosen Dauerwerbesendung für Erfolg und individuelle Selbstverwirklichung den ganzen Tag über diese Sachverhalte hinwegtäuschen? Was ist, wenn auch der Pop, möge er noch so links und solidarisch gedacht sein, am Ende doch immer nur in stumpfen Konsum endet? Wo die fossilen Brennstoffe herkommen, braucht man 2022 wohl auch niemandem mehr zu erklären.

Diese Fragen ausgerechnet in einem Infotext für ein Indie-Pop-Album im Jahre 2022 zu stellen, in einer Zeit, in der die politische Linke in nahezu allen Ländern so am Boden und zerstritten scheint, wie nie zur vor, kann man durchaus problematisch finden. Man kann aber genauso gut feststellen, dass keines der alten Arbeiterlieder auf diesem Album an Aktualität verloren haben, wie etwa das „Einheistfrontlied“ aus der Feder von Berthold Brecht: „Und weil der Mensch ein Mensch ist / Drum braucht er was zum essen bitte sehr / Es macht ihn kein Geschwätz nicht satt / Das schafft kein Essen her“

Gegen solche Zeilen kann auch 2022 niemand gegen antweeten! Und digitaler Kapitalismus ist eben auch nur Kapitalismus. Manche würden sogar sagen: ein noch viel Schlimmerer. Was uns direkt zum IG-Pop-Artwork führt:

„Der Avatar, ein Apple Memoji, stellt David dar, wie sich die jungen Kämpfer:-/nnen der TikTok-Kulturrevolution inszenieren: infantilisiert, künstlich und hyper-emotionalisiert. Kleine Schweisstropfen (und sogar eine Träne?) brechen das Bild dezent im Falle des DJK Designs und machen Arbeiter-David fast lebendig, trotz seiner ekligen Apple-Maske. Die Ästhetik ist überzeichnet, manisch, hyper-plastisch und selbstsüchtig, so wie die mediale Blase und so wie jede gute Propaganda. Der Avatar ist die Vermummung des Jetzt!“, schreibt Max Hathaway über sein Design.

Eine erfolgreiche Strategie unserer Zeit scheint übrigens, jegliche Kritik am Kapitalismus und seinen digitalen Plattformen und neuen Spielarten sofort unter Boomer-Verdacht zu stellen. Ja, wer will schon mit den ewig Gestrigen sprechen? Den Hängengebliebenen? Abgesehen davon, dass ihrer Pullis vielleicht ganz chic waren, wenn man heute nur die richtigen Sneakers dazu trägt. Doch wir kommen schon wieder vom Thema ab, bzw. nein eigentlich nicht: Wir befinden uns nur mittendrin in all den vielen Nebenwidersprüchen! Und könnten ewig so weitermachen.

Fassen wir also lieber zusammen: Dieser Text will in der Hauptsache ein Pop-Produkt verkaufen. Die Inhalte im Pop sind im Grunde komplett austauschbar. Sicher sorgt es im Betrieb für eine gewisse Abwechslung, dass wir heute mal ein Album anbieten, das nicht nur klassische Liebes- oder Party-Songs bietet, und mit der Geschichte der Gewerkschaften und Arbeiterlieder mindestens zwei interessante inhaltliche Fäden aufnimmt, abgesehen davon, dass David J. Kirchner selbst eine äußerst interessante Person ist, die aktuell mit der SWR-Produktion „Deutschrand“ in der ARD-Mediathek zu sehen ist. Eine Doku-Serie über die Menschen in der deutschen Provinz, in der Kirchner sich andere Lebensmodelle anschaut und viele Fragen stellt.

„Girls get up, boys boycott! Auf geht’s! Maschinen stop! Probt den Aufstand! Roter Knopf! Alles tanzt wie Iggy Pop! Das ganze Land, unter Schock! Skandal, Skandal die IG-Pop!“

So oder so: Es bleibt das vielleicht größte Rätsel unserer Zeit, warum es gerade der Linken aktuell nicht gelingt, eine politische Agenda zu formulieren, die alle solidarisch unter einem Dach vereint. Auch davon handelt die IG-Pop. Und auch wenn vermutlich niemand unmittelbar nach dem Hören dieses Albums eine Revolution anzetteln wird, hoffen wir mit dem Album zumindest ein Scherflein zu den aktuellen linken (kultur-)politischen Richtungsfragen beizutragen. Dass die IG-Pop durchaus Party-tauglich ist, wird sie bei ihren vielen Live-Shows unter Beweis stellen können.

Limitiert auf 100 weiße Exemplare, die es nur bei HHV gibt.

Wir schreiben das Jahr 2022 nach Jesu Geburt. DER MANN melden sich zurück. Acht Jahre nach ihrem Debütalbum „Wir sind der Mann“ rufen Ramin Bijan, Maurice Summen, Michael Mühlhaus und Johannes von Weizsäcker mit TOP: „Wer auch immer uns vermisst hat: Wir sind wieder da!“

Im Frühsommer 2021 nämlich begab sich die Berliner Band für einen Monat ins Studio und spielte aus zuvor erarbeiteten Songskizzen eine neue Platte ein. Und hier ist nun TOP.

Zum Personellen: Man bräuchte schon ein Organigramm, um nachvollziehen zu können, welche (Ex)-Mitglieder von DER MANN, Die Türen, Baked Beans, Erfolg sowie Ja, Panik, The Chap und Blumfeld nun mal auf welcher Position in welcher dieser Bands gespielt haben und warum respektive warum dann wieder kurzzeitig nicht. Es reicht aber zu wissen, dass Sänger Maurice Summen und Bassist Ramin Bijan seit ihrer Teenager-Zeit, also seit mehr als 30 Jahren, zusammen Musik machen und das Gravitationszentrum von DER MANN sind.
Neben den aktuell nun vier Musikern sind auch die Künstler und Designer Helmut Kraus und Sebastian Kaltmeyer erneut dabei, als Band-Mitglieder, die bei DER MANN für das Visuelle zuständig sind. Außerdem ist auf einigen Songs der Berliner TOP-Drummer Moritz Baumgärtner zu hören.

DER MANN ist also wieder auferstanden. Damit passt er nicht nur vom Namen her bestens in eine Welt, in der ein großer Teil derselben den Ablauf eines Jahres noch immer ernsthaft an den Lebens- und Sterbedaten eines einzelnen, vor mehr als zwei Millennien geborenen und ständig wiederauftauchenden Dudes ausrichtet. DER MANN passt damit auch bestens in eine Zeit, in der sich die Menschen vor lauter fundamentaler Unsicherheit und einem daraus erwachsendem Bedürfnis nach dem Gewohnten in ein Spiegelkabinett des schon Bekannten begeben haben, in denen fortwährend das Beste der 70er, 80er und 90er läuft und nur ganz manchmal das Beste von Heute. Wer könnte es ihnen verdenken.

DER MANN haben sich musikalisch und visuell dafür entschieden, den Zeitpunkt Ende der 1970er und Anfang der 1980er fest zu umarmen. Das Cover: in der Ästhetik von Heaven 17s „Penthouse and Pavement“. Die dazu passenden Lifestyle-Accessoires: Kreditkarte, Rolex und Rolodex. DER MANN ist nämlich ein Yuppie. Auch so ein Wiedergänger, nur sieht der heute aus wie Christian Lindner und kommt auch mal im Hoodie daher. Was die musikalischen Ausdrucksformen angeht, hätten Gitarre, Schlagzeug, Bass und Synthesizer genau so auch schon vor 40 Jahren gespielt werden können.

Was DER MANN auf TOP jedoch thematisieren, ist eindeutig heutig. Es geht um Oberflächen-Phänomene. Im flotten Opener „SUV“ und dem zum Offbeat schunkelnden „Bewertungslied“ etwa um das fortwährende Hypen, Rummeinen und Raunen in den sozialen Medien. Es geht, im nachdenklich-sanften “Country, Western, Coaching & Consulting“ oder im Postpunk-Boogie-Hybrid “Peyote Retreat” um psychedelische Techniken, die mal subversiv waren, aber mittlerweile längst von Konzernen zur Mitarbeitermotivation und Umsatzsteigerung aufgesogen wurden. Und es geht um den Staat, der sich mit Fördergeldern und Stipendien eine Subkultur leistet (“Rock’n’Roll & Sozialstaat”), die sich dann überlegen kann, ob es die Hand, die sie füttert, überhaupt noch interessiert, ob sie nun gebissen wird oder nicht.

Kurz: Es geht auf TOP um alles, was einen in der spätkapitalistischen Gegenwart so richtig angruseln kann. Bei dem man aber, siehe Staatsgelder und Social Media, kaum NICHT nicht mitmachen kann, legt man Wert darauf, überhaupt in der Welt stattzufinden.

„Im Herz schmeißt du Steine/Im Kopf bist du müde“. In dieser Zeile steckt die ganze unausweichliche Ambivalenz, die TOP durchzieht. Keine Handlungsanweisungen, keine Rebellion, kein echter Ausweg, nirgends. DER MANN ist kein junger Aufrührer mehr, der noch glaubt, die Welt verändern zu können. DER MANN ist Ende 40, Anfang 50, also genau in dem Alter, in dem die Kinder für gewöhnlich auf dem Gröbsten raus sind und zu Hause etwas Ruhe einkehrt. Aber der Rücken und die Knie machen noch gut genug mit, dass er jetzt den Gipfel seiner Schaffenskraft erklimmen kann. Er ist erfahren und altgedient genug, um in der Firma in die C-Suite aufzusteigen. Als CEO weiß er, dass er nicht mal besonders viel Glück hatte, geschweige denn sich besonders anstrengen musste, sondern einfach nur so gut wie alle Privilegien auf seiner Seite hatte. Was ihm zunehmend unangenehm wird.

„Wir sind total privilegiert“, sagt Maurice Summen dazu – beziehungsweise zum anhaltenden Untergrund-Status seiner Männer-Band. „Aber wir haben recht wenig daraus gemacht.“

Aber nicht doch! TOP ist ist ein Alpha-Werk von einem Album geworden.

Anne Waak

Auf 100 Stück limitiert!

Das Jahrtausend war ein langer böser Streich / wir haben uns angeguckt und wussten sofort: so, jetzt reicht’s.“ Die Welt da draußen geht vor die Hunde. Also, nicht erst seit gestern. Und morgen ist es auch noch nicht vorbei. Beschissene Zeiten also. Denen könnte man jetzt natürlich mit Zynismus begegnen. Oder mit Verzweiflung. Aber vielleicht ja auch nicht. Vielleicht könnte man auch Hoffnung schöpfen, gerade weil es so viel einfacher wäre, jetzt in Schwarzmalerei und bitterem Lachen zu verfallen. Und vielleicht ist es auch okay, etwas zu brauchen, was uns inmitten der Apokalypse bei Laune hält.

Und so ist WIR SIND SCHÖN entstanden, Jens Friebes neuntes Album, das, wie schon die Vorgängeralben, pünktlich vier Jahre nach dem letzten (FUCK PENETRATION von 2018) ebenfalls auf Staatsakt erscheint. Es ist ein heiter-melancholisches, ironisch-ernsthaftes, lässiges Stück Musik, das eben keinen Bock auf Abstumpfung und Einkehr hat. Das hymnisch-schöne, den Kitsch mit selbstironischer Ernsthaftigkeit umfassende und vor allem tröstliche Titelstück „Wir sind schön“ bringt es auf den Punkt: die bessere Welt da draußen, wir können sie uns selbst bauen. Trotz allem. „Es ist ein anti-nihilistisches Album“, sagt Friebe. No Future ist ja schon nicht verkehrt, aber gar nicht mehr so lustig, wenn die Future wirklich eher brennende Erde in Aussicht stellt. Es ist aber nicht so, dass das Problematische getilgt wird. Es erscheint auf der Platte in verschiedensten Formen: In der nahezu sozialrealistischen Schilderung einer durchs mehrgliedrige Bildungssystem zerstörten Jugendfreundschaft mit dem schönen – zwischen stadtsoziologischer Abhandlung und Märchen schillerndem – Titel „Die Schrumpfende Stadt“, in dem niederschmetternden Protokoll gescheiterter Self-Care („Das Nichtmehrkönnen“) oder der rätselhaft düsteren Phantasie „Was haben wir getan“. Doch an diesen Stimmungstiefpunkten versackt man als Hörer*in nie, sondern wird immer wieder raus- und raufgerissen ins Euphorische, Utopische. Oder, wie bei dem mitreißenden Protestsong „Sing it to the Converted“, ins Kämpferische. Doch was zuerst klingt, wie die schiere Wiederholung banaler Parolen, erweist sich im nächsten Moment als Reflektion über die Notwenigkeit, banale Parolen zu wiederholen. Denn, das haben nicht erst die letzten Jahre gezeigt, auch ans scheinbar Selbstverständliche muss immer wieder erinnert werden. Oder, wie es bei Friebe heißt: „Predigt denn die Priesterin nicht zu den Bekehrten / Wie lang wären sie bekehrt, wenn sie sie nie hörten?“

Ähnlich unmittelbar ergreifend und vertrackt zugleich ist „Frei“: Was ist Freiheit? Neoliberale Ausbeutung, ein Privileg der Bessergestellten, wie es gewisse Bundesfinanzminister predigen? Oder nackte Haut im Sonnenlicht, Feiern, Wind in den Baumwipfeln, entfesselte Wut? Ja, das ist irgendwie auch Satire, aber eben nicht nur: Friebe belässt es nicht dabei, wie ein müder Kabarettist einfach nur einen Missstand anzuprangern. Zwischen den verschobenen Drums, der minimalistischen Instrumentierung und samtigen Grooves und Backgroundgesängen (wie auch auf anderen Tracks von Elektrik Diva MALONDA und Pola Lia Schulten) dringt auch die tatsächliche, wahrhaftige Sehnsucht nach einer Freiheit durch, die sich nicht durch antisoziale Wirtschaftsordnung und kommerzielle Verwertung auszeichnet.

Sollen wir lachen oder weinen? Vielleicht einfach beides, so wie auf „Ende aller Feiern“, einer sixties-poppigen, subtil queeren Dreiecksgeschichte, mit einer der wohl besten Lines, die es je in einen deutschsprachigen Break-Up-Song geschafft haben: „Wir haben uns alles erzählt/Nur zuletzt wollt’ ich nicht alles wissen/ich glaube das hast du gemerkt/und mich zum Abschied gebissen.“

Stillstand war noch nie Jens Friebes Ding, aber diesmal ist es musikalisch noch etwas weiter von dem Indierockhabitus entfernt, der noch FUCK PENETRATION oder NACKTE ANGST ZIEH DICH AN WIR GEHEN AUS (2014) ausmachte. Ja, ein Hang zu Hymnen, zum Crooner-haften und zum Geschichtenerzähler gehört zu Jens Friebe immer dazu, aber diesmal spielen afrodiasporische Musikrichtungen dann doch eine größere Rolle. Mehr Soul, mehr Grooves, eine gewisse Smoothness, die der Hoffnung, die immer wieder zwischen ironischer Distanz und realistischer Gegenwartsbeschreibung auf WIR SIND SCHÖN aufblitzt, ziemlich gut steht.

Obwohl das echte Schlagzeug fast ganz vom Drumcomputer ersetzt wurde, wirkt Staatsakt-Kollege Chris Imler auch auf diesem Album wieder stilprägend mit Synths und zusätzlichen Percussion mit. Auf „Die Schrumpfende Stadt“ (wo außerdem Herman Herrmann am Bass zu hören ist) programmierte er den Beat. Mense Reents (Goldene Zitronen, Sophia Kennedy) mischte „Der Wahn“ und „Ende aller Feiern“. Die Produktion übernahm wie bei allen Alben seit DAS MIT DEM AUTO IST EGAL (2007) wieder Berend Intelmann.

WIR SIND SCHÖN ist ein Gegengift für unsere Zeit, eine Umarmung all der Ambivalenzen, die wir tagtäglich ertragen müssen und eine Adrenalininjektion hinein ins Herz der Apathie. Die Welt ist kompliziert, aber das ist okay. Denn: „Wenn sich unsere Augen an die Dunkelheit gewöhnen / Sieh uns an und du wirst sehen: Wir sind schön!“

Text: Aida Baghernejad

Limitiert auf 150 Exemplare im Gatefold-Cover, mit Bonus-Instrumental LP.

Das normale Album ist Schwarz, die Instrumentals sind Magenta. Mieke Miamis "Montecarlo Magic", das Nachfolgealbum ihres Debüts "In the Forest", (2016, Sonar Kollektiv) dunkelt nicht mehr durch den Wald, aber es herrscht auch wahrlich kein Lichtzwang. Eher eine besondere, positive Stimmung, die nach Innen und Außen strahlt, einen Zustand beschreibt, der zugleich innere Einkehr und Reise zu sein scheint: Florida, Kalifornien und Brandenburg schmiegen sich hier ganz nah aneinander. Vielleicht klappert noch ein Fluss durch das Bild und sicher spielen irgendwo Zauberer*innen mit Dingen verstecken: berauscht, verträumt und ganz sicher leicht zu finden. Denn in dieser Welt soll niemand gar nichts herumsuchen. Finde, was du willst, sagt Mieke.

Gleich der Opener "Californio" lässt mich an einen Aufenthalt in Los Angeles denken, ein imaginiertes Los Angeles, mehr gedacht als real. Absurd: ich war noch im Februar 2020 dort eingeladen. Silver Lake, im ersten Licht eines neuen Tages. Einen Frühlingsmorgen entlang schreitend, höre ich aus dem Garten einer Hippie-Kommune diesen Chor mit hellem Glocken-Piano, Space-Echos und feinem Refrain herüberwehen. „Californio ...“. Wie nah mir das geht? Sehr. Ich möchte gerne dorthin zurück, wo diese Musik spielt und realisiere, dass das genauso dort, in jenem fernen LA zu einer bestimmten Zeit wie im Jetzt und Hier in mir passiert. Schön verschobene Gleichzeitigkeit. Die Ende 2020 vorab veröffentlichte Single "Horse" erzählt ziemlich viel davon: Bassklarinette und das stete Angerauschte, locker, lässig, gespielt. Eine Atmosphäre aus Stimmen, Instrumenten, Delays und, wenn überhaupt nötig, mehr gemalt als geplant, das Bild einer (in sich) mehrstimmigen Welt.

Unisono anders: Bridges und von vorne nach hinten gerutschte Chöre, die mal Lead mal Back singen. Großzügig überlagern sich Themen, Strophen, Refrains zu Song-Welten. Die du gerne so oder so hören kannst, sagt die Künstlerin. Alle geraten ineinander übereinander, ohne Anstrengung und mit geiler Trübung: Montecarlo Magic.

Ein Bekenntnis: Ich habe ja sofort gedacht: „‘Californio‘ = Los Angeles, Garten, Welt, Musik und diese verborgene und doch fassbare neue Bescheidenheit, Hippie-USA.“ Ich habe das alles gedacht. Doch dann erzählt mir Mieke von Geisterschiffen, von Seelen und Wanderungen und von Gefahr? Nein, passt schon. Jeder Traum ist wahr, Ja und Nein, A und Nicht-A eins: „So many out-of-the-way things had happened lately, that Alice had begun to think that very few things indeed were really impossible.“ '***

Bald folgt dann schon diese Coverversion von den Beatles! Wer macht denn sowas? "Cry Baby Cry" Vielleicht die Fab Four in ihrer Los Angeles Zeit? Wiki sagt Indien. Weißes Album, Lennon auf dem Peak. Angeblich mag er das Stück später nicht mehr, hier passt es. Und Mieke Miami wird sozusagen, für einen ganz kurzen Moment, die bescheidenste John Lennon der Welt und träumt dann weiter, und die Band, die sie eigentlich selber ist, träumt sich neben ihr her.

Eine Platte wie ein Garten: „The king was in the garden Picking flowers for a friend who came to play.“ '**. So schön wieder was von John Lennon zu hören und easy translated. Danke Mieke.

Und wo ich mich gerade noch hörend nach Los Angeles und Indien gedacht habe, und dabei irgendetwas Geheimnisvolles und Einfaches gemacht habe, führt mich die Platte nun - via Autoscooter und Abbey Road - über London nach San Francisco: Swimming Pool. Ein Straßen-von-Franzisko-Feeling, mit Gitarren und Chören – und genauso drückenden wie angenehm-undeutlichen, souligen Grooves. Nix Urban Soul allerdings, sondern Landstraßen-Soul, der gerade (und weit über das Jetzt hinaus) ein irres Fernweh triggert. Und zugleich auflöst, denn wer höret, der staunet - und begreift: Brandenburg, Florida, Kalifornien: It´s all here. Dieses melancholische Fernweh verweht gerne ganz im Blütenstaub der Orte und Gegenden unseres Begehrens. Mehr denn je.

Der letzte Song: „Golden Ships“ ist dann eigentlich mein Lieblings-Titel, denn dann kann ich schon wieder von vorne anfangen mit dieser Zauber-Musik.

Mieke Miami - Montecarlo Magic erscheint im zweiten Corona-Sommer auf Fun in the Church. Dit passt

„Die Kerzen laufen jetzt im Radio, ich hab’s dir doch gesagt“, singt Felix Keiler, Gitarrist und Sänger der Kerzen gleich im Album-Opener „Staub zu Staub“. Tatsächlich hatte schon ihr Debüt-Album „True Love“ (2019) der damals noch in Ludwigslust wohnenden Band ein paar veritable Hits zu bieten, die im Radio auf Rotation liefen.

Zu Felix Keiler gehören Jelena Von Eisenhart-Rohe an Gesang und Keyboards, Fabian Rose am Bass und Lucas Wojatschke am Schlagzeug. Vor etwa zwei Jahren, also pünktlich zum Pandemie-Start, zog die Band schließlich um nach Berlin.
Und hatte unerwartet viel Zeit, um Stücke für ihr zweites Album „Pferde & Flammen“ zu schreiben, das nun am 27.05.2022 erscheint. Die fertigen 10 Songs haben sie allerdings nicht in Berlin aufgenommen, sondern in Köln mit dem Produzenten und Kerzen-Fan der ersten Stunde Jochen Naaf. A perfect match: Der Kölner Produzent, der zuletzt mit Bosse oder Giant Rooks in den Charts unterwegs war, und die Die Kerzen haben zusammen eine fantastische Pop-Platte produziert. Ein New-Romantic-Update, das wie die perfekte Melange aus Purple Schulz und den Cocteau Twins klingt.

Ja, Die Kerzen sind große Musik-Auskenner*innen und tragen dabei immer den unbedingten Willen zum allgemeinverständlichen Pop-Song im Herzen. Nur logisch also, dass es auch auf diesem Album inhaltlich weiterhin um alle möglichen Spielarten der Liebe und der damit verbundenen Beziehungsgeflechte und Lebenskonstellationen geht. Eines Lebens zwischen wilden Nächten („Flammen“) und romantischen Zweierbeziehungen („Pferde“).
Wo die Kerzen im Song noch die Frage stellen „Willst Du Pferde oder Flammen?“ ist sich die Band in der Formulierung ihres Album-Titels nach ein paar Schnäpsen schnell einig geworden: Pferde & Flammen! Warum sich auf eines bescheiden, wenn man beides haben kann? Dass es nicht immer einfach ist, all das unter einen Hut zu bringen, davon handelt dieses Album, also von nicht weniger als all unseren Begierden und Wünschen und Hoffnungen. Kurz: von großer Popmusik! Mal bittersweet, mal in bester Party- und Geberlaune.

Hörbar sind sie nach wie vor große Fans des Achtziger-Jahre-Pops: Von China Crisis bis The Smiths, von Hall & Oates zu Chris Rea oder Kate Bush. Doch die Aneignung und Transformation ins Hier & Jetzt gelingt ihnen so mühelos und jenseits jeden Retro-Verdachts, dass wir sie hier umstandslos zur vielleicht stilsichersten Popband der Republik der Gegenwart ausrufen möchten. Vermutlich waren sie dies auch schon zuvor, doch Jochen Naaf hat ihre Stärken nochmal konsequent herausgearbeitet: Keilers schwelgend gläsernes Gitarrenspiel, Eisenharts Dream-Wave-Sirenengesang, Roses Jaco-Pastorius-Gedächtnisbass und Wojatschkes Power-Drumming, das immer mindestens so groß wie Tears For Fears klingen will.

Unbedingt herauszustellen ist auch nochmal der besondere Humor der Band, den sie eher mit zeitgenössischen Berliner Künstler*innen wie Fuffifuzzig oder Luis Ake teilen, als mit den großen Wave-Posern der 80er Jahre. Allein wie sie in der Hit-Single „Cabriolet“ die Story vom Diebstahl eines gelben Ford Escort-Cabriolets erzählen, in der ein Pärchen in bester Bonnie & Clyde-Manier durchbrennt, und das im Jahr 2022, in der solche Plots höchstens noch in Serien wie Stranger Things vorkommen, aber ganz sicher nicht im Real Life der GenZ, ist einfach nur herzerwärmende, tanzbare Romcom.Das Real Life findet heutzutage ja ohnehin in der Hauptsache im Swipe-Modus auf dem Smartphone-Display statt. Mit der richtigen Selbstinszenierung zwischen Humana- und Gucci-Look. Und der Selbstvergewisserung vorm Spiegel: „Zu schön um heut allein zu sein“, wie es Die Kerzen so treffend formulieren. Wie gut für uns alle, dass sich diese Band irgendwann am vielleicht unwahrscheinlichsten Pop-Ort des Landes, in Ludwigslust, gefunden hat. Denn die langjährige Freundschaft und die Intimität, die sie in ihrer Musik mit uns allen teilt, macht sie zu etwas ganz Besonderem.

Und wenn dann am Ende des Albums die Protagonist*innen ihre (Fern-)Beziehung mal wieder in den Sand gesetzt haben und den Blutmond, so rot wie das Cover, anheulen, dann schalten wir bequem auf Repeat und lassen uns erneut vom großen Herzschmerz, dem Verschwenden der Jugend, von wilden Nächten und dem Ende der Welt erzählen. Und erinnern uns, dass da doch noch immer ein ganzes gefährliches Leben auf uns wartet. Nix wie hin da! Läuft dann sicher bald auch wieder im Radio.

Limitiert auf 200 Stück in weiß.

Der unerwartete Split der Indie-Hoffnung SCHNIPO SCHRANKE Ende 2019 mag die zahlreichen Fans der Hamburger Shooting Stars schockiert haben - schnell war für DANIELA REIS und ihren Partner ENTE (bereits Livemusiker des Duos) klar, dass sie berufen sind, die Ahnenfolge der großen Pop-Couples wie SONNY und CHER, COURTNEY und KURT, BRITNEY und JUSTIN oder YOKO und JOHN würdig fortzusetzen. Zwölf Songs enthält „Stabil Labil“, überwiegend, aber nicht nur von REIS gesungen, die vermehrt die E-Gitarre ins Zentrum rückt, während Beatbox und diverse Synth-Klangfarben den Rahmen bestimmen. Natürlich erinnert Einiges, insbesondere der tiefe, klare Gesang und die eigenwillige lyrische Welt an das Vorgängermodell, mindestens so groß sind aber die Unterschiede: weitaus abwechslungsreicher und insgesamt schwungvoller als zuvor zeigen sich DUCKS ON DRUGS auf ihrem Debüt, schaffen es, in jedem Song an eine andere Lieblingsband aus den letzten vier Indie-Jahrzehnten zu erinnern und jonglieren mühelos mit kunterbunten Versatzstücken aus Gitarren- und Electropop bis hin zu tanzbarsten Beats. „Stabil Labil“ bietet lebhafte und abwechslungsreiche Indie-Hits mit schrägem Charme, die Erwartungen gleichermaßen bedienen wie durchbrechen können - ein fulminanter Einstieg für das Hamburger Duo. Indie-Tipp!