Sacred Bones Vinyl, CD & Tape 194 Artikel

In den letzten zehn Jahren hat sich DANIEL DAVIES zu einem gefeierten Komponisten atmosphärischer, synthielastiger Instrumentalmusik entwickelt - für Film- und Fernseh-Musik, an der Seite von JOHN CARPENTER auf den "Lost Themes"-Alben des Regisseurs und auf Solo-Veröffentlichungen wie "Signals And Spies". In seinem früheren musikalischen Leben war DAVIES jedoch ein Rocker, der mit Bands wie YEAR LONG DISASTER und KARMA TO BURN durch die ganze Welt tourte. Mit seinem neuen Solo-Album "Ghost Of The Heart" kehrt DAVIES zu dem Alt-Rock-Sound zurück, den er vorübergehend beiseite gelegt hatte, und ergänzt ihn mit dem, was er beim Produzieren von Soundtracks und Instrumentalmusik gelernt hat. "Ein Rockalbum zu schreiben ist ein Ausdruck der Gefühle des Künstlers, während es bei der Vertonung eines Films darum geht, Klanglandschaften zu schaffen, die die Geschichte eines anderen ergänzen", sagt DAVIES. "Bei diesem Album wollte ich die schweren Gitarrenriffs aus meiner Rockzeit mit den atmosphärischen Synthesizerklängen verbinden, mit denen ich als Komponist experimentiert habe."Die Songs auf "Ghost Of The Heart" lassen sich nicht in ein bestimmtes Subgenre einordnen: Sie sind stimmungsvoll, schwer und ein wenig proggig, aber mit einer starken Pop-Sensibilität und viel Melodie. Das Album verrät DAVIES' Vorliebe für eingängige, zukunftsweisende Bands wie RADIOHEAD und BLUR, aber vor allem fühlt sich "Ghost Of The Heart" natürlich an, so als würde er etwas Grundlegendes über sich selbst als Musiker wiederfinden. DAVIES nahm "Ghost Of The Heart" im Laufe des Jahres 2023 mit dem Produzenten John Spiker auf, seinem langjährigen Freund und Mitarbeiter. Spiker steuert auch den Bass bei, während Matt Flynn Schlagzeug spielt. Alles andere auf der Platte wird von DAVIES selbst eingespielt.

Jim Jarmusch und Carter Logan (Gründungsmitglieder von Sqürl) kehren mit einer klanglichen Erkundung des filmischen Werks des dadaistischen Pioniers Man Ray zurück, einem fesselnden Projekt, das Musik und Film miteinander verschmilzt. In den vergangenen acht Jahren haben Sqürl das Publikum mit ihrer Live-Vertonung von Man Rays Kurzfilmen in ausverkauften Konzerten an renommierten Orten wie dem Centre Pompidou in Paris, der Queen Elizabeth Hall in London und dem Art Institute of Chicago verzaubert. Der Höhepunkt ihrer Bemühungen fand im Frühjahr 2023 statt, zum 100. Jahrestag von Man Rays erstem Ausflug ins Filmemachen, als der neu restaurierte Film "Die Rückkehr zur Vernunft" bei den Filmfestspielen von Cannes seine Premiere feierte. Der von Womanray (Marieke Tricoire) und Cinenovo (Julie Viez) produzierte Film ist eine Anthologie mit vier Stummfilm-Kurzfilmen von Man Ray - Étoile de mer (1928), Emak bakia (1926), Le Retour á la Raison (1923) und Les Mysteres du Château de Dé. (1929) - jeweils gepaart mit einer Originalpartitur von Sqürl. Jarmusch und Logan, zwei multidisziplinäre Künstler, die für ihre Experimentierfreudigkeit bekannt sind, wollten mit diesen Partituren einen ekstatischen Zustand schaffen, einen Raum zwischen Bewusstsein und Unterbewusstsein, Realität und Surrealem. Das daraus resultierende Album "Music for Man Ray", das aus einer Live-Aufnahme im Centre Pompidou in Paris im Februar 2023 hervorging, enthält verzerrte Gitarren, hypnotische Rückkopplungen, Loops und affektierte Synthesizer Logan: "Es ist eine Reise, auf die wir das Publikum mitnehmen wollen, indem wir Themen in diesen Filmen beleuchten. Sie sind eigenständig, aber es gibt auch wiederkehrende Anklänge im gesamten Programm." Jim Jarmusch fügt hinzu: "Wir sind sehr stolz darauf, die Begleitband von Man Ray zu sein." Nun erblicken sowohl der Film als auch die daraus resultierende Musik in Form von "Music for Man Ray" das Licht der Welt - beide stehen als Zeugnis für die kreative Synergie zwischen Man Rays bahnbrechendem Kino und der innovativen musikalischen Interpretation durch Sqürl.

Die "Gothics" glaubten an das Do-it-yourself-Punk-Ethos, dass jeder ein Instrument in die Hand nehmen könne. Graue Wolken zogen auf, und in der unwahrscheinlichen Stadt Hamburg gründete eine dreiste und eindringliche Bande von fünf Frauen, Caro May, Rita Simon, Manuela Rickers, Fiona Sangster und Anja Huwe, Xmal Deutschland. Und wie es sich für einen echten Punk gehört, taten sie dies ohne musikalische Vorkenntnisse. Die 7“ Single "Schwarze Welt" wurde 1981 auf dem lokalen Punk-Label ZickZack veröffentlicht und stellte die Band als einen beunruhigenden Schwarm von Intensität vor. Die Dringlichkeit des repetitiven Klagelieds, die wirbelnde Manie, die sich auf der B-Seite mit "Die Wolken" und "Großstadtindianer" fortsetzt, deren krude Synthesizer-Geräusche die Spannung noch steigern. Vor allem der einzigartig giftige deutsche Gesang von Huwe wurde schnell in die ungezügelte und aufkeimende Szene der glamourösen Düsternis eingebettet. Die Unabhängigkeit des Punks vom starren Griff der Tradition erlaubte es der Band, Trost in einer Anti-Establishment-Kunst und -Musik zu finden, weit entfernt von den Konventionen der Vergangenheit. Mit ihrem Pfauenhaar und den dick mit Kajal umrandeten Augen bewahrte sich die Musik von Xmal Deutschland sowohl eine Unruhe als auch eine Zartheit, die mit der Veröffentlichung der Single "Incubus Succubus" im Jahr 1982 die Grenzen der "Neuen Deutschen Welle" (ähnlich wie ihre Kollegen und Freunde DAF und Einstürzende Neubauten) überschritt. Sie wurde sofort zu einem Post-Punk-Klassiker. Die Gitarre wühlt sich durch die Melodie, während die schaurige Primitivität von Huwes Stimme andeutet, dass sie vielleicht, nur vielleicht, die alptraumhafte Kreatur ist, vor der man sich in Acht nehmen muss. Die B-Seiten, "Zu Jung Zu Alt" und "Blut Ist Liebe", halten sich an strenge militaristische Tanzbeats, während sie in Aufregung wimmeln. Im selben Jahr trat die Band in London als Support für die Cocteau Twins auf; das war die Plattform, die sie brauchten, um in die Arme der zerrissenen Netzmassen zu stürzen. „Early Singles 1981-1982“, ist eine Karte der grundlegenden Bewegungen von Xmal Deutschland, nur Sekunden vor dem Abheben. Die Bonustracks auf der Compilation, "Kaelbermarsch" und eine düstere Live-Version von "Allein", unterstreichen die Verschmelzung von Härte mit der quixotischen Dekadenz atmosphärischer Synthesizer. Das Streben der Band nach etwas Größerem ist spürbar, zu einer Zeit, in der nach dem Aufkommen von Punk neue Möglichkeiten des Musikmachens offenstanden.

Parallel zur Xmal Deutschland Wiederveröffentlichung erscheint das Solo-Debüt der unvergleichlichen Frontfrau von Xmal Deutschland, Anja Huwe. Auf Einladung ihrer langjährigen Freundin Mona Mur überdachte Huwe ihre jahrzehntelange Auszeit von der Musik. Gemeinsam arbeiteten sie in Berlin eineinhalb Jahre lang, komponierten, spielten und produzierten die Stücke von Grund auf neu, aus denen schließlich das Album "Codes" wurde. Ein wesentlicher Bestandteil des Gesamtsounds war der Beitrag von Manuela Rickers, die ihren berühmten Gitarrenstil beisteuerte. Ursprünglich inspiriert von den Tagebuchaufzeichnungen von Moshe Shnitzki, der 1942 im Alter von 17 Jahren seine Heimat verließ, um als Partisan in den höhlenartigen weißrussischen Wäldern zu leben, geht es in "Codes" um die menschliche Erfahrung und darum, was Extreme mit einem Menschen anstellen können. "Das Ergebnis ist ein poetischer, musikalischer Kosmos, der folgende Themen umfasst: Wald, Angst, Schmerz, Verlust, Gewalt und Einsamkeit, aber auch Schönheit, Sehnsucht, Hoffnung und den Willen zu überleben", erklärt Huwe. Mit der eleganten Produktion von Mur und Huwe und dem Mixing und Mastering von Jon Caffery (Joy Division, Gary Numan, Einstürzende Neubauten) krachen und verbreiten sich epische Builds, die glatten Synthesizer-Drones des Sounds fühlen sich manchmal sogar klaustrophobisch an. Xmal Deutschland, die heute als Wegbereiter der Post-Punk-Bewegung gelten, waren in den 1980er Jahren nie selbstgefällig, sondern stets mitreißend in ihrem Angriff. Die Rückkehr von Huwe ist nicht anders. Unerwartet, aber längst überfällig, ist „Codes“ wie eine fehlende Seite in den Geschichtsbüchern des Post-Punk, die frisch aufgetragene Farbe auf der jahrzehntealten Leinwand - sie ist das Produkt des unermüdlichen Willens, zu ihren eigenen Bedingungen zu überleben.

Parallel zur Xmal Deutschland Wiederveröffentlichung erscheint das Solo-Debüt der unvergleichlichen Frontfrau von Xmal Deutschland, Anja Huwe. Auf Einladung ihrer langjährigen Freundin Mona Mur überdachte Huwe ihre jahrzehntelange Auszeit von der Musik. Gemeinsam arbeiteten sie in Berlin eineinhalb Jahre lang, komponierten, spielten und produzierten die Stücke von Grund auf neu, aus denen schließlich das Album "Codes" wurde. Ein wesentlicher Bestandteil des Gesamtsounds war der Beitrag von Manuela Rickers, die ihren berühmten Gitarrenstil beisteuerte. Ursprünglich inspiriert von den Tagebuchaufzeichnungen von Moshe Shnitzki, der 1942 im Alter von 17 Jahren seine Heimat verließ, um als Partisan in den höhlenartigen weißrussischen Wäldern zu leben, geht es in "Codes" um die menschliche Erfahrung und darum, was Extreme mit einem Menschen anstellen können. "Das Ergebnis ist ein poetischer, musikalischer Kosmos, der folgende Themen umfasst: Wald, Angst, Schmerz, Verlust, Gewalt und Einsamkeit, aber auch Schönheit, Sehnsucht, Hoffnung und den Willen zu überleben", erklärt Huwe. Mit der eleganten Produktion von Mur und Huwe und dem Mixing und Mastering von Jon Caffery (Joy Division, Gary Numan, Einstürzende Neubauten) krachen und verbreiten sich epische Builds, die glatten Synthesizer-Drones des Sounds fühlen sich manchmal sogar klaustrophobisch an. Xmal Deutschland, die heute als Wegbereiter der Post-Punk-Bewegung gelten, waren in den 1980er Jahren nie selbstgefällig, sondern stets mitreißend in ihrem Angriff. Die Rückkehr von Huwe ist nicht anders. Unerwartet, aber längst überfällig, ist „Codes“ wie eine fehlende Seite in den Geschichtsbüchern des Post-Punk, die frisch aufgetragene Farbe auf der jahrzehntealten Leinwand - sie ist das Produkt des unermüdlichen Willens, zu ihren eigenen Bedingungen zu überleben.

Der legendäre Hip-Hop-Pionier DJ Muggs und der häufige David-Lynch-Kollaborateur Dean Hurley haben gemeinsam den Original-Soundtrack zum 2023 beim Sundance-Filmfestival uraufgeführten Spielfilm "Divinity" geschrieben und produziert, der am 24. November über Sacred Bones auf CD und LP erscheinen wird. "Divinity" ist eine dystopische Science-Fiction-Odyssee, die von Steven Soderbergh produziert und vom visionären Regisseur Eddie Alcazar inszeniert wurde. Das Zusammenspiel von DJ Muggs und Dean Hurley ergibt einen Soundtrack, der "Divinity" über den Bildschirm hinaus zu einem multidimensionalen Erlebnis macht und den Hörer zu einer unvergesslichen Klang-Odyssee auf unbekanntem Terrain einlädt. Inmitten der außergewöhnlichen Ästhetik und Thematik des Films ist die Filmmusik eine zehn Tonnen schwere Hantel aus Klanggewichten. Mit 8-Bit-Samplern, Wavestation-Synthesizern, erweiterten Chor- und Streichertechniken schafft es der Soundtrack, wild zwischen den Arenen von Musik und Sounddesign zu pendeln. Ein Klangerlebnis, das die gleiche Intensität wie der Film einfängt und wiedergibt. Tracks wie "The Brothers" und "Reflective Dreams" überschlagen sich mit Vangelis-esken Tönen und malen mit breiten Strichen cineastische Erhabenheit und ätherische Wunder. "Main Titles" und "Infinity Techno" hingegen schwingen sich zu unerbittlichen, strafenden Klängen auf, mit brutaler, pulsierender Energie, die für das verdrehte, unerbittliche Streben nach Unsterblichkeit steht. Ein herausragendes Stück des Albums ist zweifellos "Divinity 2 Infinity: The Odyssey" featuring Kult-Hip-Hop-Legende Kool Keith. Der Song wurde speziell für den Film geschrieben und ist eine gelungene Reminiszenz an die End-Credit-Songs der 90er Jahre, die damals auf die Themen des jeweiligen Films zugeschnitten wurden.

Der legendäre Hip-Hop-Pionier DJ Muggs und der häufige David-Lynch-Kollaborateur Dean Hurley haben gemeinsam den Original-Soundtrack zum 2023 beim Sundance-Filmfestival uraufgeführten Spielfilm "Divinity" geschrieben und produziert, der am 24. November über Sacred Bones auf CD und LP erscheinen wird. "Divinity" ist eine dystopische Science-Fiction-Odyssee, die von Steven Soderbergh produziert und vom visionären Regisseur Eddie Alcazar inszeniert wurde. Das Zusammenspiel von DJ Muggs und Dean Hurley ergibt einen Soundtrack, der "Divinity" über den Bildschirm hinaus zu einem multidimensionalen Erlebnis macht und den Hörer zu einer unvergesslichen Klang-Odyssee auf unbekanntem Terrain einlädt. Inmitten der außergewöhnlichen Ästhetik und Thematik des Films ist die Filmmusik eine zehn Tonnen schwere Hantel aus Klanggewichten. Mit 8-Bit-Samplern, Wavestation-Synthesizern, erweiterten Chor- und Streichertechniken schafft es der Soundtrack, wild zwischen den Arenen von Musik und Sounddesign zu pendeln. Ein Klangerlebnis, das die gleiche Intensität wie der Film einfängt und wiedergibt. Tracks wie "The Brothers" und "Reflective Dreams" überschlagen sich mit Vangelis-esken Tönen und malen mit breiten Strichen cineastische Erhabenheit und ätherische Wunder. "Main Titles" und "Infinity Techno" hingegen schwingen sich zu unerbittlichen, strafenden Klängen auf, mit brutaler, pulsierender Energie, die für das verdrehte, unerbittliche Streben nach Unsterblichkeit steht. Ein herausragendes Stück des Albums ist zweifellos "Divinity 2 Infinity: The Odyssey" featuring Kult-Hip-Hop-Legende Kool Keith. Der Song wurde speziell für den Film geschrieben und ist eine gelungene Reminiszenz an die End-Credit-Songs der 90er Jahre, die damals auf die Themen des jeweiligen Films zugeschnitten wurden.

Mittlerweile sollte jeder wissen, dass John Carpenter nicht nur ein gefeierter Filmemacher ist, sondern auch ein musikalischer Maestro, dessen Soundtracks zu einem Synonym für die Genres Horror, Spannung und Science-Fiction geworden sind. Sein angeborenes Kompositionstalent und sein tiefes Verständnis dafür, wie Musik das Erzählen von Geschichten bereichern kann, haben die Welt des Kinos unauslöschlich geprägt und in den Plattensammlungen der Menschen eine eindringliche Präsenz hinterlassen. Die Songs auf „Anthology II" wurden wie zuvor alle mit seinen musikalischen Mitarbeitern Daniel Davies und Cody Carpenter neu aufgenommen.

Mittlerweile sollte jeder wissen, dass John Carpenter nicht nur ein gefeierter Filmemacher ist, sondern auch ein musikalischer Maestro, dessen Soundtracks zu einem Synonym für die Genres Horror, Spannung und Science-Fiction geworden sind. Sein angeborenes Kompositionstalent und sein tiefes Verständnis dafür, wie Musik das Erzählen von Geschichten bereichern kann, haben die Welt des Kinos unauslöschlich geprägt und in den Plattensammlungen der Menschen eine eindringliche Präsenz hinterlassen. Die Songs auf „Anthology II" wurden wie zuvor alle mit seinen musikalischen Mitarbeitern Daniel Davies und Cody Carpenter neu aufgenommen.

Mit wenig mehr als einer unerbittlichen Reihe von Live-Auftritten und einem zweimal gepressten (und anschließend ausverkauften) selbstbetitelten Demo hat sich die in New York ansässige Band Lathe of Heaven als ein starkes und zusammenhängendes Element inmitten der Flut von Punk und synthiegetriebenem Pop-Revival erwiesen, das derzeit im US-Underground wuchert. Die 2021 gegründete Band setzt sich aus Mitgliedern bemerkenswerter Brooklyner Projekte wie Pawns, People's Temple, Porvenir Oscuro, Android, Hustler und anderen zusammen. Obwohl diese Liste vergangener und alternativer musikalischer Bestrebungen ein breites Spektrum an Genres und Fähigkeiten aufzeigt, kann Lathe of Heaven nur als eine Abkehr von solchen Einflüssen verstanden werden und erforscht einen völlig eigenen Sound. Nun, fast zwei Jahre später, sind Lathe of Heaven endlich bereit, ihr Debütalbum "Bound by Naked Skies" zu veröffentlichen. Die elf Tracks umfassende LP verbindet Elemente von düsterem britischem New-Wave und finnischem Post-Punk zu einer nuancierten Gegenüberstellung von 80er-Jahre-Soundwahn. "Bound by Naked Skies" greift Themen der klassischen und zeitgenössischen Science-Fiction auf, die den einzigartigen und bewussten Sound prägt, und verdankt seinen literarischen Einflüssen ebenso viel wie der Musik. Als kraftvolle Hommage an die unheimlichen Welten der Autoren Arthur C. Clarke, Octavia Butler, Ken Liu und natürlich Ursula Le Guin (nach deren Roman die Band benannt ist), verweben sich Themen der Kosmologie ("Ekpyrosis"), Simulation ("Heralds of the Circuit-Born"), Geisteskrankheit ("Moon-Driven Sea") und Ontologie ("Entropy", "The Spider" etc.), und ziehen sich wie ein roter Faden durch das Album. Ein Einblick in die Gedankenwelt derer, die von der Ungewissheit der erschreckenden und gar nicht so fernen Zukunft der Menschheit geplagt werden.

SPELLLING , das Moniker der experimentellen Pop-Künstlerin Chrystia Cabral, kehrt mit "SPELLLING & the Mystery School" zurück, einer Sammlung reichhaltiger neuer Versionen von Songs aus ihrer Diskografie. Aufgenommen im Studio mit ihrer Tourband, folgen diese neuen Interpretationen Cabrals fesselnder Karriere - von ihrem Debüt "Pantheon Of Me" aus dem Jahr 2017 über das multidimensionale, synthie-basierte Projekt "Mazy Fly" aus dem Jahr 2018 bis hin zu ihrem ausladenden dritten Album "The Turning Wheel" aus dem Jahr 2021, das den extravaganten Orchestrierungen, die sie komplett selbst geschrieben und produziert hatte, neues Leben einhaucht. "Mit diesem Album wollte ich die Art und Weise einfangen, wie sich diese Songs entwickelt haben", sagt Cabral über "SPELLLING & the Mystery School", auf dem ihre hypnotisierende Stimme von einem neuen Klanguniversum aus verträumten Streichern (Del Sol Quartet und Divya Farias), eindringlichem Klavier (Jaren Feeley), treibender Trip-Hop-Percussion (Patrick Shelley) und Bass (Giulio Xavier Cetto), schreddernder E-Gitarre (Wyatt Overson) und dramatisch anmutendem Hintergrundgesang (Toya Wil-lock und Dharma Moon-Hunter) umhüllt wird. Insgesamt fasst das Album die transportative SPELLLING-Live-Erfahrung zusammen, durch die Cabral mit ihrer eigenwilligen Bühnenpräsenz ein spirituelles Gefühl der Gemeinschaft und Verletzlichkeit bei ihrem Publikum hervorruft. "Ich möchte, dass die Leute das Gefühl haben, dass eine Alchemie stattfindet und dass sie sich der magischen Seite des Klangs bewusst werden", erklärt sie. Ihre mythischen Lieder, welche die Ideen von Selbstverständnis und politischer Geschichte hinterfragen, bringen so die anderen Dimensionen ihrer Musik - Verspieltheit, Unschuld, Neugier und Freude - zum Vorschein.

Das 2019 von Sacred Bones gestartete Mort-Garson-Reissue-Projekt hat dafür gesorgt, dass Mort Garson und seine Moogs in Fernsehsendungen, Dokumentationen, Podcasts, Hip-Hop-Tracks und überall sonst zu hören sind, der Mann ist wieder ein kulturelles Phänomen. Wie eine Staude, die mit jedem neuen Frühling wiederkehrt, haben die Archive von Mort Garson nun eine weitere beeindruckende Blüte hervorgebracht, die noch mehr neue Facetten des Sounds dieses Mannes zeigt: verschiedene faszinierende Aufnahmen aus den frühen 1970ern, darunter ein Blaxploitation-Soundtrack und Werbemusik, aber die Krönung des Sets ist zweifellos Garsons Musik zur Live-Übertragung der Mondlandung von Apollo 11 im Jahr 1969, die damals in den CBS-Nachrichten zu hören war. Ein kleiner Schritt für den Menschen, ein großer Sprung für Moog. In sechs Minuten zaubert Garson ausgedehnte Fantasien, surrende Mooncraft-Sounds, Schwerelosigkeit und glitzernde Etüden: süß, forschend, skurril, ein bisschen kitschig, und alles zu einem glorreichen Ganzen verwoben. Für Fans von Brian Eno, Wendy Carlos, Suzanne Ciani, Tangerine Dream, Giorgio Moroder, Hiroshi Yoshimura.

Das 2019 von Sacred Bones gestartete Mort-Garson-Reissue-Projekt hat dafür gesorgt, dass Mort Garson und seine Moogs in Fernsehsendungen, Dokumentationen, Podcasts, Hip-Hop-Tracks und überall sonst zu hören sind, der Mann ist wieder ein kulturelles Phänomen. Wie eine Staude, die mit jedem neuen Frühling wiederkehrt, haben die Archive von Mort Garson nun eine weitere beeindruckende Blüte hervorgebracht, die noch mehr neue Facetten des Sounds dieses Mannes zeigt: verschiedene faszinierende Aufnahmen aus den frühen 1970ern, darunter ein Blaxploitation-Soundtrack und Werbemusik, aber die Krönung des Sets ist zweifellos Garsons Musik zur Live-Übertragung der Mondlandung von Apollo 11 im Jahr 1969, die damals in den CBS-Nachrichten zu hören war. Ein kleiner Schritt für den Menschen, ein großer Sprung für Moog. In sechs Minuten zaubert Garson ausgedehnte Fantasien, surrende Mooncraft-Sounds, Schwerelosigkeit und glitzernde Etüden: süß, forschend, skurril, ein bisschen kitschig, und alles zu einem glorreichen Ganzen verwoben. Für Fans von Brian Eno, Wendy Carlos, Suzanne Ciani, Tangerine Dream, Giorgio Moroder, Hiroshi Yoshimura.