Secretly Canadian Vinyl, CD & Tape 138 Artikel

Weniger als ein Jahr nach ihrem Album "Through and Through" kehrt Baby Rose mit "Slow Burn" zurück, einer Sammlung von Songs, die ihre Klangpalette von progressivem R&B zu einer raueren, reichhaltigeren und weitläufigeren Linse amerikanischer Musik erweitern. Hier behauptet sich Rose nicht nur als einmalige Sängerin, sondern auch als formidable Songwriterin, die die Punkte verbindet, an denen Muscle Shoals auf Psych trifft, Psych auf Jazz, Jazz auf Americana, und die richtigen Musiker bringen alles zusammen. Produziert von BADBADNOTGOOD, fanden Rose und die Band eine sofortige und scheinbar endlose Quelle der Inspiration; was als Einleitung begann, wurde zu einem Tag, zu einem Song, zu einer Nacht, zu "Slow Burn". Baby Rose war bereits eine kraftvolle Performerin - sie kann die Bühne mit Robert Glasper teilen, ohne in Schweiß auszubrechen, oder einen epischen Film wie Creed III, für den sie den Abschlusssong sang, mit stählerner Zuversicht beenden. Als Rose sich das erste Mal mit BADBADNOTGOOD traf, war sofort eine Verbindung da, und gemeinsam nahmen sie die Leadsingle "One Last Dance" gleich bei diesem ersten Treffen auf. Es war Roses erster Freestyle-Song, und er brachte entscheidende Teile ihrer Vision auf den Punkt. "Ich wusste schon immer, dass es neue Räume und Sounds gibt, in die ich vordringen kann", erklärt Rose. "Ich war schon immer an verschiedenen Sounds interessiert, die diese raueren Texturen einbringen."Während die Geschwindigkeit ihrer Zusammenarbeit Rose begeisterte und überraschte, waren das Potenzial und die Endergebnisse es nicht. "Wir haben uns schnell bewegt", sagt sie, "und es war wirklich wie ein Wasserhahn. Sobald wir "One Last Dance" hatten, wurde klar, dass alles fließen würde." Die Songs auf "Slow Burn" wurden zum Teil von Roses Erfahrungen inspiriert, die sie auf den Fahrten zwischen den Wohnorten ihrer Familie machte: dem Lärm und Chaos von DC und der ruhigen Landschaft von Carolina. Rose drehte die Musik auf und ließ ihre Gedanken schweifen, um Raum für innere Monologe u...

Julien Ehrlich und Max Kakacek konnten die erstaunlichen Unterschiede in den Songs hören, die sie für ihr drittes Album als Whitney, Spark schrieben - die beschwingten Drumloops, die mühelosen Falsett-Hooks, die überschwänglichen Keyboardlinien. Plötzlich klangen sie wie eine neu erfundene Band, deren einstmals klappriger Folk-Pop nun mit nie dagewesenem Schwung und Glanz erstrahlte. Aber konnten sie das auch sehen? Also beschlossen Julien und Max, es in dem Ad-hoc-Studio herauszufinden, das sie sich im Wohnzimmer ihres gemieteten Bungalows in Portland eingerichtet hatten - ein gemeinsamer Ausweg aus dem Jahr 2020 inmitten von Trennungen und Schließungen. Irgendwo zwischen Mitternacht und Morgengrauen spielten sie jede Nacht ihre neuesten Kreationen, während sich eine Baumarkt-Diskokugel über ihnen drehte und verlangsamte Musikvideos von Megastars leise auf YouTube abgespielt wurden. Passten ihre eigenen Popsongs - die so viel unmittelbarer und moderner waren als ihre verschwommenen Ursprünge - zu solchen Big-Budget-Rollen? "Wir kamen zu dem Schluss, dass wir zu diesem Zeug keine Super-8-Videos mehr drehen wollten", erinnert sich Julien mit einem Grinsen. "Wie wäre es mit etwas, das mehr Hi-Fi und Kinoqualität hat?" Als das Filmmaterial und die Melodien zusammenkamen, wussten Julien und Max, dass sie es geschafft hatten, dass sie endlich Whitneys Sound gefunden hatten. Spark macht Whitney wieder zu einem zeitgemäßen Syndikat des klassischen Pops. Ein Dutzend fantasievoller und liebenswerter Tracks umhüllen einnehmende Melodien mit Dilla-Beats im Paisley-Stil und üppiger Elektronik. Darüber hinaus reduziert Whitney drei Jahre extremer emotionaler Höhen und Tiefen auf 38 flotte, aber tiefgründige Minuten. Jeder dieser 12 Tracks ist eine singbare Lektion darüber, was sie (und eigentlich wir) alle überlebt haben. Die widerspenstige Langeweile des Openers "nothing REMAINS", der verheerende Verlust von "TERMINAL", die sonnendurchflutete Erneuerung von "real Love": So überraschend es auch klingen mag, Spark ist für Whitney weniger eine radikale Neuerfindung als vielmehr eine ehrliche Abrechnung damit, wie es sich anfühlt, wenn du dich aus deiner Vergangenheit in deine Gegenwart bewegst, wenn du die nächsten Schritte in deinem Leben und in deiner Karriere auf einmal und ohne Entschuldigung machst. Spark hat sich die Wärme und Leichtigkeit von Whitneys früherem Werk bewahrt; diese Lieder leuchten mit der Neuheit des Jetzt. Wenn du genau hinhörst, wirst du feststellen, dass in "Spark" häufig von Rauch und Feuer die Rede ist - eine doppelte Bedeutung für die Inspiration von etwas Neuem oder das Niederbrennen von Altem. Max und Julien waren tatsächlich im Herbst 2020 in Portland, als der Rauch der nahegelegenen Brände die Stadt in Rekordhöhe erstickte. Es war schrecklich und tragisch, aber sie machten weiter. "We found a way to live while the world was burning/Real life was caving in", singt Julien fast fröhlich in "back THEN", einer Hymne auf die Suche nach dem, was auf der anderen Seite des Elends liegt. In diesen düsteren Tagen sprechen Wissenschaftlerinnen und Wissenschaftler immer öfter von "scrutiny", einem evolutionären Wunder, das manche Bäume dazu bringt, nur in der Zeit des Feuers Samen zu bilden. So fühlt sich Spark oft an _ Whitneys Umstände waren auf so vielen Ebenen so belastend, dass sie "die Vergangenheit zum Trocknen aufhängten" und neu begannen, um nach dem Brand eine neue Version von sich, ihrer Beziehung und ihrer Band zu finden. Max und Julien sind jetzt wieder in Chicago und teilen sich eine gemütliche Wohnung mit einem kleinen Studio, in dem sie bereits an den Songs für das nächste Whitney-Album arbeiten. Sie haben auch beide eine glückliche Beziehung. Jetzt, wo sie die Vergangenheit ruhen lassen, ist für Max und Julien alles neu. Spark ist nicht nur Whitneys bestes Album, es ist auch ein inspirierendes Zeugnis für Durchhaltevermögen und Erneuerung, für beste Freunde, die einander genug vertrauen, um sich gegenseitig auf die andere Seite dieser Leidenszeit zu tragen.

Nach dem ausgiebig gefeierten Meisterwerk ,Slave Ambient" (2011) erscheint nun zwei Jahre später - im März 2014 - das dritte Album der aus Philadelphia stammenden Band THE WAR ON DRUGS. "Lost in the Dreams" heißt das neue Glanzstück der Band um Adam Granduciel, deren Gründungsmitglied Kurt Vile mittlerweile solo unterwegs ist. Mit der Veröffentlichung des letzten Albums ,Slave Ambient" gelang der Band der langersehnte und verdiente Durchbruch. Daraufhin tourte die Band zwei Jahre lang von North Carolina bis New York City durch alle Rockclubs, spielte auf unzähligen Festivals und in Late Night-TV-Shows, die Amerika so zu bieten hat. Mit dieser Erfahrung im Gepäck tüftelte Granduciel gemeinsam mit dem Produzenten Jeff Zeigler (Lymbyc Systym, Kurt Vile u.a.) am neuen, dritten Album. Die Band komplett machen außerdem Dave Hartley (Bass) und Robbie Bennet (Piano u.a.), die auch im privatem Leben zu Granduciels engstem Umfeld gehören.Er sagt selbst zu seinem neuen Werk: ,Ich wollte, dass es ein Projekt unter Freunden wird. Jeder einzelne in der Band nimmt unser Projekt ernst. Davon handelt auch unser Album - Freundschaft, Erwachsen werden, das Leben leben und einander zu helfen."Diese persönliche und berufliche Weiterentwicklung ist auch im Sound der Band zu hören. Nicht zuletzt ist Granduciel nicht nur Kopf einer Indie-Rockband, sondern hat auch eine unverkennbare Stimme, um sich der Welt mitzuteilen.

serpentwithfeet, der in Baltimore geborene Sänger und Songwriter, geht als vielseitiges Talent mit natürlichen Schritten von Kapitel zu Kapitel in seiner Karriere. Sein drittes Album Grip ist auf der Tanzfläche schwarzer Schwulenclubs beheimatet und handelt von den intimen Momenten, die sich dort und danach ereignen, ganz gleich, an welchem Ort. Es erforscht die kleinen Momente der körperlichen Berührung und wie sie entstehen. Ob es ein Griff um die Taille oder das Gesicht ist, serpentwithfeet schafft es, alle Blickwinkel zu erkunden. Grip und der Black-Gay-Club stehen in einem interessanten Verhältnis zueinander: Der Club ist öffentlich; die Tanzfläche ist offensichtlich ein Ort, an dem sich die Menschen gegenseitig anschauen und beobachten. Gleichzeitig ist der Black Gay Club ein sicherer Gemeinschaftsraum, er ist "für uns" und in dieser Hinsicht sehr privat, sehr intim. Diese Clubs boten ihm eine andere Atmosphäre, einen anderen Komfort und ein anderes Gefühl des Willkommenseins, das ihn auf eine neue Weise förderte. Von Anfang bis Ende durchlebt Grip klanglich die Höhen und Tiefen nicht nur einer Clubnacht, sondern auch einer Romanze. "Damn Gloves (ft. Ty Dolla $ign and Yanga YaYa)" fängt den Adrenalinrausch eines nächtlichen Höhepunkts mit einem wummernden Bass ein, der in eine Dance-Produktion eingebettet ist, die die Geschwindigkeit des Herzschlags nachahmt, wenn die Intimität zwischen zwei Liebenden hoch kocht. "Spades" nutzt eine süße, gitarrenbetonte Melodie, um einen zärtlichen Moment zu schaffen, wie es ein Slow-Dance tun würde. "Lucky Me" ist süß und ehrlich, ohne irgendetwas, das vom eigentlichen Moment ablenkt. Seine Stimme, eine glitzernde Gitarrenmelodie und bezaubernde Synthies dienen als treibende Kraft, um eine neue Romanze zu fördern. Es ist ein Werk, das die Momente hervorhebt, die dem Herzen am nächsten sind. Im Laufe seiner siebenjährigen Karriere hat er seine Vielseitigkeit durch R&B-Musik bewiesen, die sowohl düster als auch spirituell und fröhlich ist. serpentwithfeet geht immer wieder an die Grenzen seiner Kunst.

serpentwithfeet, der in Baltimore geborene Sänger und Songwriter, geht als vielseitiges Talent mit natürlichen Schritten von Kapitel zu Kapitel in seiner Karriere. Sein drittes Album Grip ist auf der Tanzfläche schwarzer Schwulenclubs beheimatet und handelt von den intimen Momenten, die sich dort und danach ereignen, ganz gleich, an welchem Ort. Es erforscht die kleinen Momente der körperlichen Berührung und wie sie entstehen. Ob es ein Griff um die Taille oder das Gesicht ist, serpentwithfeet schafft es, alle Blickwinkel zu erkunden. Grip und der Black-Gay-Club stehen in einem interessanten Verhältnis zueinander: Der Club ist öffentlich; die Tanzfläche ist offensichtlich ein Ort, an dem sich die Menschen gegenseitig anschauen und beobachten. Gleichzeitig ist der Black Gay Club ein sicherer Gemeinschaftsraum, er ist "für uns" und in dieser Hinsicht sehr privat, sehr intim. Diese Clubs boten ihm eine andere Atmosphäre, einen anderen Komfort und ein anderes Gefühl des Willkommenseins, das ihn auf eine neue Weise förderte. Von Anfang bis Ende durchlebt Grip klanglich die Höhen und Tiefen nicht nur einer Clubnacht, sondern auch einer Romanze. "Damn Gloves (ft. Ty Dolla $ign and Yanga YaYa)" fängt den Adrenalinrausch eines nächtlichen Höhepunkts mit einem wummernden Bass ein, der in eine Dance-Produktion eingebettet ist, die die Geschwindigkeit des Herzschlags nachahmt, wenn die Intimität zwischen zwei Liebenden hoch kocht. "Spades" nutzt eine süße, gitarrenbetonte Melodie, um einen zärtlichen Moment zu schaffen, wie es ein Slow-Dance tun würde. "Lucky Me" ist süß und ehrlich, ohne irgendetwas, das vom eigentlichen Moment ablenkt. Seine Stimme, eine glitzernde Gitarrenmelodie und bezaubernde Synthies dienen als treibende Kraft, um eine neue Romanze zu fördern. Es ist ein Werk, das die Momente hervorhebt, die dem Herzen am nächsten sind. Im Laufe seiner siebenjährigen Karriere hat er seine Vielseitigkeit durch R&B-Musik bewiesen, die sowohl düster als auch spirituell und fröhlich ist. serpentwithfeet geht immer wieder an die Grenzen seiner Kunst.

Joey Dosik - von Quincy Jones als ein Künstler bezeichnet, den
man im Auge behalten sollte - veröffentlicht über Secretly
Canadian eine Deluxe Version seiner Game Winner EP,
angereichert mit vier Bonustracks. Joey ist ein wesentlicher Teil
einer Szene von Musikern in L.A., die Vintage Klänge in die
Gegenwart tragen. Durch unermüdliches Touren war Joey 2017
fast durchgängig unterwegs - sei es mit Vulfpeck, Lake Street Dive
oder aufgrund seiner eigenen Konzerte. Als passionierter
Basketball und NBA Fan, trat er sogar für das NBA Publikum im
Madison Square Garden, Staples Center und anderen ikonischen
Stadien in den USA auf. ,Game Winner" ist eine heitere und
gefühlsgeladene Sammlung Songs, die locker von der Sprache und
den Weisheiten des Basketballs inspiriert sind - Joeys erster
großen Liebe (seine ersten Erinnerungen rühren von den
Besuchen diverser Lakers Spiele) bevor die Musik in sein Leben
trat. "My dad used to say, 'Sports is a metaphor for life'," erinnert
sich Joey. "At first look "Game Winner" is about basketball; but it
is a song that holds multiple meanings, it is universal."

Seit 2017 war Donnelly viel auf Tour. Während eines kalten Winters in Westaustralien, kehrte sie im Juni 2018 zurück nach Hause, um ihr Debüt aufzunehmen. Um das Album noch weiter zu verfeinern, rekrutierte sie eine komplette Band bestehend aus ihren besten Freunden - die Bassistin Jennifer Aslett, den Schlagzeuger Talya Valenti und den Gitarristen George Foster - und arbeitete mit dem Produzenten Dean Tuza zusammen, der die Songs auf abenteuerliche Art und Weise unterstützt, ohne ihnen dabei etwas von der Intimität und Herzlichkeit zu nehmen."Beware of the Dogs" ist von einem sarkastischem Augenzwinkern und vollem Herzen durchzogen, auf dem Stella Donnelly in 13 lebenserhaltenden Liedern die Kraft beweist, für sich selbst, ihre Freunde und ihre Rechte einzustehen.Ihr Debüt ist ein Porträt, in dem sie sich Donnelly als Künstlerin zeigt, die ihre Stimme vollkommen beherrscht und ihren einladenden Charme und ihren messerscharfen Witz in authentisch rohen Songs einsetzen kann.

Los Angeles` neuer Soul-Pionier Joey Dosik verfeinerte sein
Handwerk als Teil einer aufkeimenden Los Angeles-Szene, die die
klassische Popmusik neu erfindet, um in der Gegenwart zu
gedeihen. Mit ,Inside Voice", das eine Reihe von Dosiks engsten
Kollaborateuren aufweist - darunter Moses Sumney, Miguel
Atwood-Ferguson, Mocky, Coco O, Theo Katzman und andere -
liefert Joey Dosik eine Tiefe, die in einem Debüt selten erreicht
wird. Das Ergebnis ist jetzt schon ein Klassiker. Ein Album voller
Emotionen, die verweilen und summen. Es ist unfassbar eingängig
und begleitet dich tagelang. Man kann ,Inside Voice" entweder
gelegentlich anhören oder stundenlang auf repeat laufen lassen. So
oder so begeistert das Album - Joey Dosik schreibt Musik für
Menschen und das grandios gut! Auf Albumlänge beweist er
bemerkenswertes Talent, der klassische Soulsound wird
weiterentwickelt und Dosiks unheimliches Talent für Songwriting
und sein bemerkenswerter Stimmumfang weisen den Weg.
,Inside Voice" folgt Dosiks gefeierter Debüt-EP Game Winner, die
Anfang des Jahres von Secretly Canadian wiederveröffentlicht
wurde..

Cameron bietet uns lebhafte Portraits von Außenseitern, die die
Welt ohne Illusion betrachten. Aufgenommen in Berlin, Los
Angeles und Las Vegas und produziert von Alex Cameron und
Foxygens Jonathan Rado, erscheinen diese Songs zuerst schamlos
unterhaltsam, der treibende Rhythmus und die ansteckenden
Melodien werden permanent von Roy Molloys warmen Hornspiel
verschönert. Doch die Liebeslieder und Hymnen auf das
persönliche Durchhaltevermögen – zum Beispiel der Song
„Stranger's Kiss", Camerons ergreifendes Duett mit Angel Olsen
(die ebenfalls auf ,Candy May" im Hintergrund singt), oder
,Runnin' Outta Luck", mitgeschrieben und mitgesungen von
Brandon Flowers von The Killers - beinhalten genauso viel
pure Menschlichkeit wie kluges Gespür für die unmögliche
Einsamkeit dieser Zeit. Die Songs auf Forced Witness sind
lebendig und reich an Details von gelebten Leben. Falls in diesen
Songs Dunkelheit herrscht, dann nicht weil Tabus reizen, sondern
weil Cameron weiß, dass Beichten eine erlösende Kraft besitzt
und weil Menschen meistens dann am allerschönsten sind, wenn
ihre Welt gerade zusammen gebrochen ist.

Die Songs von Faye Webster sind ein direkter Draht zum menschlichen Unbewussten, und "Underdressed at the Symphony" dokumentiert, was passiert, wenn man beginnt, aus den Trümmern der alten Routinen ein neues Selbst aufzubauen. Schon ihre zuvor veröffentlichten Songs "But Not Kiss" und "Lifetime" zeigen das selten erforschte Gebiet emotionaler Intimität, in dem Verlangen und Leidenschaft im Konflikt mit Trost, Verständnis und sogar platonischer Liebe stehen. Diese Themen finden sich in “Underdressed at the Symphony” wieder, zusammen mit hyper-spezifischen Symbolen, die ein Bild von Websters Leben zeichnen, wie z.B. "eBay Purchase History" oder die Objekte, die sie bei "Lego Ring"begehrt.

“Underdressed at the Symphony” wurde mit ihrer langjährigen Band in den Sonic Ranch Studios in Texas aufgenommen und schwelgt in Experimentierfreudigkeit, Verspieltheit und Abenteuerlust. Vocoder-Momente, Schnörkel eines Orchesters, gruselige Harmonien und Synthesizer kommen zum Vorschein, ohne die räumliche Qualität von Websters früherer Musik zu beeinträchtigen, sodass ihre Texte nach wie vor genügend Raum haben, mit zusätzlichen Bedeutungsebenen an die Oberfläche sprudeln. Matt „Pistol“ Stoessels Pedal Steel-Klänge sorgen für genau den richtigen Schimmer, während Nels Cline von Wilco seine unbestreitbar gefühlvollen Fingerfertigkeiten zu einer Reihe von Songs beisteuert. Das Zusammenkauern an der buchstäblichen Grenze zwischen den USA und Mexiko bot den Musiker*innen Raum zum Isolieren, Konzentrieren und Experimentieren. Alle Songs auf diesem Album sind Live-Aufnahmen, von denen einige bereits beim ersten oder zweiten Take aufgenommen wurden und Websters Talent zeigen, aus einem ganz bestimmten, scheinbar kleinen Moment eine universelle Erfahrung zu ziehen.

Niemals war der Entstehungsprozeß eines SONGS:OHIA Albums so wesentlich in seinem Gesamtgefühl wie bei "Didn't It Rain", dem mittlerweile sechsten Album der Band, das von Edan Cohen aufgenommen wurde. Das gesamte Album wurde live ohne Overdubs eingespielt, die gesamte Band spielte in einem Raum. Kaum eine Armlänge voneinander entfernt, teilten sich die Sänger Jason Molina, Jennie Benford und Jim Krewson ein einziges Mikrophon. Das Resultat ist ein Sound voller Wärme und Persönlichkeit, der an Aufnahmen aus den frühen und Mitte der 70er Jahre erinnert. Von einem gleichnamigen Song von Mahalia Jackson inspiriert, kommt der Titeltrack als wunderschöner Song über die Höhen und Tiefen des Lebens. Jason Molina hat eine Platte geschaffen, die noch persönlicher und heilender ist, als seine vorangegangenen Arbeiten; was für Neil Young "After The Goldrush" war, ist für Molina "Didn't It Rain".

Es ist vier Jahre her, dass Cherry Glazerr ihr glänzendes drittes Album "Stuffed and Ready" veröffentlicht haben, aber Clementine Creevy hatte es nicht eilig. "Ich habe diese Jahre damit verbracht, mich selbst und meine Beziehungen unter die Lupe zu nehmen und darüber zu schreiben", sagt sie. "Ich schätze, ich komme mit einer Menge Mist klar." Cherry Glazerr ist seit Creevys Highschoolzeit viel unterwegs, und als die Pandemie ausbrach, tauchte sie in eine statische Existenz ein. Creevy beschreibt Cherry Glazerrs ehrgeiziges neues Album "I Don't Want You Anymore" als ihre bisher persönlichste und roheste Musik, eine Sammlung von Songs, die diese Zeit der Selbstaufgabe verarbeiten. Es ist das erste Album, das sie seit Cherry Glazerrs Garage-Rock-Debüt "Haxel Princess" selbst produziert hat, das vor fast einem Jahrzehnt erschien, als Creevy noch ein Teenager war. Creevy beschreibt "I Don't Want You Anymore" als ein "reifes" Album, was mehr mit ihrer persönlichen Entwicklung zu tun hat, als mit dem Album selbst, das in wahrer Cherry Glazerr-Manier am besten als Extremely Fun beschrieben werden kann. Für die Produktion des Albums hat sich Creevy mit dem Produzenten Yves Rothman zusammengetan, der vor allem für seine Arbeit mit Yves Tumor bekannt ist. Die Leadsingle "Soft Like a Flower" ist ein Beispiel für diese Entwicklung. Ein düsteres Gitarrenriff leitet den Track ein, bevor Creevys unverhüllter Gesang einsetzt. Sie singt von einer verzehrenden Besessenheit und wird im Refrain von ihrer langjährigen Bandkollegin Sami Perez unterstützt. Es ist ein stolzes, gefühlvolles Stück, das Creevy einen "Evanescence-Moment" nennt. "Es ist ein echter `losing your fucking shit'-Style", sagt sie. "Ich wollte, dass dieses Album nur aus Herz und Seele besteht. Völlig offen." "I Don't Want You Anymore" nutzt das Element der Überraschung zu seinem Vorteil; jeder Track ist eine radikale Neuinterpretation dessen, was Cherry Glazerr ist und sein kann. "Bad Habit" beginnt mit einer spiralförmigen Gesangsschleife, die Creevy zu Hause aufgenommen hat, und entwickelt sich zu einem delirierenden Downtempo-Dance-Track, ohne dass jemals eine Gitarre zum Einsatz kommt. Der darauf folgende Track "Ready for You" wird im funkigen Stakkato gesungen, und die anfänglich sparsame Bassline in der ersten Strophe wird schließlich von einem massiven, statischen Gitarrenriff überholt, das einen daran erinnert, dass es sich hier im Kern um ein Rockalbum handelt. Dies sind Songs, die das Leben des Hörers untermalen, eine Partitur, die zu jeder Gelegenheit passt. Das titelgebende Stück ist ein Versprechen an eine namenlose Person, aber der sich wiederholende Text in der Bridge könnte genauso gut als Liebesbrief an den Hörer dienen: "In the end, you're always holding me."

Nachdem das Album lange Zeit vergriffen war, gibt es nun das Sojourner Box Set von Magnolia Electric Co. erstmalig auf Vinyl in Form einer 4xLP-Kollektion. Das Box Set ist das Ergebnis der Arbeit von dreizehn Musikern, fünf Locations, vier Toningenieuren und einem Songwriter. Die vier LPs, aus denen sich das Set zusammensetzt, stammen aus vier verschiedenen Aufnahmesessions, die Magnolia Electric Co. nach der Veröffentlichung ihres Debütalbums "What Comes After the Blues" durchführten. Aus diesen Aufnahmesessions ging das zweite Album der Band, Fading Trails, hervor. Aber die vier Sessions in ihrer Gesamtheit kartieren die Himmelskarte von Magnolia Electric Co.: ihre Sternbilder und Sternschnuppen, ihre Americana-Stampfer und mageren Folk-Klagelieder. Und natürlich das Gravitationszentrum, das Jason Molinas schwermütige, unvergleichliche Stimme ist. Die als "Nashville Moon" bekannte Session wurde von Steve Albini in seinen Electrical Audio Studios in Chicago, Illinois, aufgenommen. Die "Sun Session" genannten Aufnahmen wurden in den legendären Sun Studios in Memphis, Tennessee, gemacht. Die Session "Black Ram" wurde von David Lowery in seinen Sound Of Music Studios in Richmond, Virginia, aufgenommen und enthält eine völlig andere Besetzung: Lowery, Rick Alverson, Andrew Bird, Molly Blackbird, Miguel Urbiztondo und Alan Weatherhead. Die als "Shohola" bekannte Session wurde von Jason Molina allein mit Gitarre und Mikrofon aufgenommen. Mit den LP-Covern, die den Original-Illustrationen der Box nachempfunden sind, und mit dem Poster der Originalbox ist diese Vinyl-Ausgabe des Sojourner Box Sets die bisher ehrgeizigste und robusteste Veröffentlichung von Magnolia Electric Co.

JASON MOLINA ist kein Mann, der gerne lange am gleichen Ort verweilt. Im Laufe seiner mittlerweile 12 Jahre umspannenden Karriere unter seinem eigenen Namen oder mit SONGS:OHIA und der MAGNOLIA ELECTRIC CO. hat er an neun verschiedenen Orten gelebt, mit einem Dutzend verschiedener Begleitbands gearbeitet und in mindestens genauso vielen verschiedenen Umfeldern aufgenommen. "Fading Trails" fasst drei dieser Inkarnationen und vier der Umfelder zusammen: die Aufnahmesessions mit Steve Albini in seinen Electric Audio Studios, die mit David Lowery im Sound Of Music Studio, die Aufnahmen in Memphis und Songs aus den Shohola-Sessions, die bei MOLINA zu Hause aufgenommen wurden. Ziel der Aufnahmen war es, ein homogenes Wesen zu schaffen und zu definieren, was MAGNOLIA ELECTRIC CO. wirklich ist. Die Definition ist nicht einfach. Im genauen Gegensatz zur Hydra hat die MAGNOLIA ELECTRIC CO. einen Kopf...