Suicide Squeeze HHV Records 40 Artikel

Suck My Shirt" ist das vierte Album für THE Coathangers. "Es balanciert auf dem schmalen Grat zwischen Zu-viel-Denken und Einfach-Machen", erklärt Gitarristin Crook Kid (Julia Kugel) in Bezug auf ihr Songwriting. Diese Zweischneidigkeit wird beim Album Opener ,Follow Me" sofort deutlich. Der Song hat eine klassische Coathangers Melodie mit dem heiseren Gesang von Stephanie Luke, der sich dem typisch kantigen Garagenrock der Coathangers hingibt. Doch dann kommt der Refrain und schlägt mit einem der eingängigsten Hooks in der Geschichte der Coathangers zu, just bevor es mit dem dissonanten Gekreische einer Gitarre weitergeht. Von da aus geht es mit ,Shut Up" weiter, einem Titel, der sich an der koketten Rotzigkeit der ersten Platte orientiert. Der Song hat seine spitzen Gitarrenriffs und den herausgerufenen Refrain, doch hier klingen die Coathangers weniger wie die Gute-Laune-Version von Huggy Bear und mehr wie der Art Pop der späten Minutemen. Alte Coathangers Fans werden die neuen Versionen von "Merry Go Round," "Smother," "Adderall," und "Derek's Song" von ihren limitierten 7"s erkennen. Hier im Kontext des Album zeigt sich, dass diese Songs ins Ganze passen und keine isolierten Tracks am anderen Ende des Coathangers-Spektrums sind. Wenn sich das Album dann mit der demütigen Pop-Perfektion von ,Drive" dem Ende zuneigt, ist es schwer zu glauben, dass wir hier dieselbe Band hören, die ihren Ruf rotzigem Bombast wie ,Don't Touch My Shit" verdankt.

L.A. WITCH melden sich mit dem neuen Album "Play With Fire" zurück. Vollgepackt mit reverb-lastigem Grunge- und Punk-Rock'n'Roll sind L.A. WITCH kühner, frecher und rockiger, als auf ihrem Debütalbum. Zwischen ihrem Tourneeplan, der Verfügbarkeit von Studios und dem Zeitplan für die Veröffentlichung von der Platte blieben L.A. WITCH lediglich zwei Monate um den Großteil der Arbeit für "Play With Fire" zu erledigen. Die Band isolierte sich im Januar und Februar, also vor den COVID-Maßnahmen, um einem effektiven Schreibprozess nachzugehen. Zwar haben L.A. WITCH sich auf ihrem neuen Album nicht komplett neu erfunden, aber definitiv sind sie mit den druckvollen Riffs und den fuzzigen Gitarren auf einem Song wie "I Wanna Lose" offensiv nach vorne geschritten. Selbst die Botschaft des Songs, eine Niederlage als Ausgangspunkt für Wiedergeburt und Erlösung zu sehen, übt eine Tiefe aus, die sich für die Band neu anfühlt. Im Laufe von "Play With Fire" durchquert die Band musikalisch die Geschichte des amerikanischen Rock'n'Roll von seiner rauen Kreuzung aus Blues und Country-Musik über die Psychedelia der 60er Jahre bis hin zur frühen Punk-Szene der 70er Jahre und dem Art-Rock aus New York City der frühen 80er Jahre. Trotz der stilistischen Breite auf "Play With Fire" gibt es auf den neun Titeln des Albums ein einheitliches Klangbild, so als besäße das Trio junger Musikerinnen alte rockige Seelen, die an die Klänge ihrer früheren Jugend anknüpfen.

Fünftes Album von Holy Wave aus Austin, Texas. Im Tarot steht die Karte der Fünf Kelche für Verlust und Trauer. Die Karte zeigt eine verhüllte Gestalt mit gesenktem Kopf, die über drei verschüttete Kelche blickt, während sie die beiden verbleibenden Gefäße ignoriert. Die Fünf Kelche wird im Allgemeinen so interpretiert, dass sie ein verzweifeltes Verharren in der Vergangenheit und die Unfähigkeit darstellt, die positiven Dinge der Gegenwart zu schätzen. Die Tarotkarte wurde zur Muse für das sechste Album von Holy Wave, "Five of Cups". Zu Beginn ihrer Karriere lehnten sich Holy Wave in ein ruhiges Reich der Psychedelik zurück und verzichteten auf lange Jams und Gitarren-Heldentaten zugunsten eines verträumten Pop-Ansatzes. Als sich die Band weiterentwickelte, wich der frühe Sgt. Peppers-meets-the-Velvets-Sound ausgefeilteren Melodien und einer ausgefallenen Instrumentierung und lenkte ihre Musik weg von sonnengebleichter Nostalgie hin zu einer farbenfrohen Dimension, in der sich Klänge der Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft vermischten. Wie Pink Floyd in den frühen 70er Jahren haben Holy Wave es verstanden, auf ihrem neuen Album aus dem Pathos ein Gefühl tiefer Erheiterung zu zaubern, indem sie dunkle Elemente durch eine Linse filtern und sie in ein Kaleidoskop des Lichts verwandeln. Five of Cups eröffnet mit dem Titeltrack, der von Anfang an den auditiven und thematischen Modus Operandi des Albums festlegt. Die lysergische Texturpalette von Holy Wave wird sofort in den wabernden Synthie-Leads und dem Gitarren-Jangle des Songs deutlich, aber die untypischen Akkordfolgen und die Gesangsmelodie lenken die Musik weg vom anodynen Eskapismus hin zu einer nachdenklichen Auseinandersetzung zwischen Selbstbestimmung und Defätismus. Holy Wave reiten weiter auf dem wehmütigen und phantasmatischen Zug von "Bog Song" und schwanken zwischen Anschwellungen von strengen Moll-Akkorden und überlagerter elektrischer Orchestrierung. Die zuvor veröffentlichte Single "Chaparral" spielt mit der Nostalgie der Band und verwebt Verweise auf ihre Vergangenheit in El Paso zu einem Teppich des transzendentalen Triumphs. Wie so oft bei klassischer, albumorientierter Rockmusik entfaltet sich die wahre Magie erst in der zweiten Hälfte von Five of Cups. Auf "The Darkest Timeline" rekrutieren Holy Wave ihre Freunde Lorena Quintanilla und Alberto Gonzalez von dem Psych-Duo Lorelle Meets The Obsolete aus Baja California, Mexiko, um ihren berauschenden After-Mid-Night-Grooves zusätzliche ätherische Schichten hinzuzufügen. "Nothing in the Dark" funktioniert nach einem ähnlichen Prinzip, wobei ein gleichmäßiges, treibendes Schlagzeugmuster als Fundament für bandverwaschene Synthesizer, arpeggierte Gitarrenakkorde, Fuzz-Sounds und ruhige Vocals dient. Die Überlegungen von Five of Cups zur Bekämpfung von Niederlagen und Enttäuschungen werden im letzten Stück des Albums, "Happier", direkt aufgegriffen. Wieder einmal auf der melodischen Linie zwischen Melancholie und luftiger Raffinesse, untersuchen Holy Wave das synthetische Konstrukt des Glücks in unserem modernen Zeitalter und wie oft die Erlangung von Komfort jegliches wahre Gefühl von Freude vermissen lässt. Dennoch ist dies kein nihilistisches Klagelied. Vielmehr ist es eine beschwingte Erinnerung daran, dass die Bandbreite menschlicher Erfahrung von Natur aus Höhen und Tiefen erfordert und dass Euphorie oft in der Suche außerhalb des Vertrauten zu finden ist.