Tapete HHV Records 149 Artikel

Seit ihrer ersten Veröffentlichung im Jahr 1995 verwöhnten uns Stereo Total mit überdrehter Unterhaltungsmusik jenseits des Massengeschmacks. Die gerne als Anti-Diva bezeichnete Françoise Cactus und der Multi-Nicht-Instrumentalist Brezel Göring haben – inklusive Soundtrack- und Theater-Arbeiten – insgesamt 16 Alben veröffentlicht.

Die Werkschau „Chanson Hystérique“ stellt die ersten zehn Schaffensjahre vor und ist leider durch den Tod von Françoise Cactus am 17. Februar 2021 die letzte Stereo Total - Veröffentlichung an der diese außergewöhnliche Künstlerin mitgewirkt hat.

Brezel Göring schreibt: „Statt eine Platte zu kaufen, haben wir selbst eine aufgenommen ... Diese Box enthält die Aufnahmen aus den ersten 10 Jahren von Stereo Total – die regulären Alben (mit Originalcover!) sowie seltene Stücke. Außerdem gibt es ein Buch – nicht über Stereo Total – sondern ein Katalog mit den Bildern von Françoise Cactus. Zwar verkörpern diese Zeichnungen und Gemälde die neuesten Trends in Sachen Kunst, Sex, psychotischen Störungen und Borderlinekitsch, aber eigentlich hatte Françoise mit diesen Bildern keine Karriere als Künstlerin angestrebt. Vielleicht wollte vielmehr die leeren Wände unserer Wohnung dekorieren ... Einen ähnlichen Impuls hatten wir auch bei unserer Musik: Wir haben mit Stereo Total die Lieder gespielt, die wir selbst gerne hören wollten. Unterhaltsam, jenseits der Zumutung des Massengeschmacks, naiv, pervers und immer ein bisschen daneben. Vor Konzerten hat mich Françoise oft ermahnt, nicht zu genau zu spielen. Das Publikum würde sonst denken, da liefe eine Platte. Das ist mir nicht schwergefallen, wo ich selbst teure Instrumente wie eine 50-€-Gitarre klingen lassen kann und so gut wie alles, was wir spielen, auf Fehlern beruht.

Diese Box war das letzte Projekt, an dem Françoise gearbeitet hat. Durch ihren traurigen Tod ist diese Veröffentlichung nun der Abschluss von Stereo Total und der Abschied von der großartigen und einzigartigen Françoise Cactus: Genau beschreiben lässt sie sich nicht – und erklären schon gar nicht. Aber hören Sie selbst ...“

Limitiert auf 150 Exemplare in Grün, nur bei HHV Records.

So unbestritten die wunderbar kreative Kraft der Destruktion im Fall von z.B. Keith Moons Sprengsatzlegungen, Niki de Saint Phalles Schießbildern oder Pogo in der Straßenbahn ist, so unbesonnen wird leider auch schnell dahergeplappert, dass jede Zerstörung immer auch ein Anfang ist. DIE Offenbacher Küchenzerstörung zumindest ist einer, nämlich der Opening Track des neuen LUNSENTRIO-Albums 69 Arten DEN Pubrock Zu Spielen und somit auch der Startschuss beim neuen Label (tapete).

Das Lunsentrio sind: An Klavier und Synthesizern Nick McCarthy (bis vor kurzem Gitarist und Keyboarder bei den Rockbands Franz Ferdinand und Ffs) und am Schlagzeug Sebastian „Seb-I“ Kellig (Dub-Produzent in London im East Londoner Sausage Studio, das er gemeinsam mit Nick betreibt), sowie drittens der in Berlin lebende Künstler und Lyriker Hank Schmidt in der Beek, aus dessen Feder die Texte kommen. Viertens spielt Martin Tagar (Friends of Gas, Das Weiße Pferd) die Lunsengitarre und schließlich am Bass Albert Pöschl (Suzie Trio, Das Weiße Pferd, Murena Murena, Grexits, The Sound of Money, King of Japan, Jason Arigato, u.v.a.), in dessen Münchner Echokammer alles vom aktuellen Album aufgenommen wurde, was nicht in Nicks Sausage-Studio-Dependance auf dem bayrischen Land aufgenommen wurde.

Wenn Tür und Angel sich in diesen flachen Zeiten gute Nacht sagen, ist eigentlich schon alles gesagt: „Egal, was kommt / egal, was ist.“ Um die Müdigkeit nicht überhand nehmen zu lassen, sondern ihr gepflegt ein Bein zu stellen, haben Strizi Streuner und Kevin „Click“ Hamann sich zusammengefunden, wo und als man sich nicht treffen durfte. Elf Lieder später ist heute und das „Museum der eigenen Irrtümer“ hat seine Flügeltüren weit geöffnet. Ob Du es nun tatsächlich mit deinen Sandalen betreten darfst oder ob Du nur eine virtuelle Führung durch einen übellaunigen Protoroboter erhältst, ist vollkommen gleich. Schließlich sind wir doch alle nur „zu blöd für die Reparatur“. Keine großen Gesten unter der Mütze und doch viel mehr als nur Skizzen. Bei den Zutaten kann ja nur was Gutes rauskommen: wenn sich zwei der umtriebigsten und spannendsten Pop-Künstler hierzulande wieder zusammentun. Endlich wieder mal ein Album, dass die Menschheit eben als Album hören sollte, unaufgeregt und ohne Single-Hit-Zwang, eindeutig in Heimarbeit entstanden, ohne dass sich je der Eindruck von Bauernmalerei einstellt. Melodien und Zeilen, die durch ihre Direktheit niemanden unberührt lassen. „Wenn einer nirgends hinwill“, kann er immer noch ein Hummelhotel konstruieren oder mit einer Flasche Bier auf der Holzbank am Ende der Welt sitzen und somit weitaus vernünftiger handeln als achtundneunzigkommasieben Prozent seiner Artgenossen, so viel ist sicher. R. Engler

Nach "Wir können nix dafür" und seinem Doppelalbum "Ich hab einen Vertrag unterschrieben 1&2" erscheint nun Krämers drittes Studioalbum "Die traurigen Hummer". Es erinnert an sein Debüt vor genau zehn Jahren, greift Gedanken von damals auf und spinnt sie weiter. Krämer, dessen Soloauftritte rar sind, weil er mit seinem Bandprojekt Die Höchste Eisenbahn so viel zu tun hatte, scheint mit seinem aktuellen Album ein Kapitel zu schließen. Die Lieder der Platte sollten, so hört man, schon vor zwei Jahren erscheinen. Stattdessen erschien ein vertonter Monolog, in dem sich Krämer in den "klügsten und heitersten Songs, die je über Dienst nach Vorschrift geschrieben wurden" (Süddeutsche Zeitung) über Verträge Gedanken machte. Auf dem neuen Album finden sich nun all die verspielten Melodien und cleveren Arrangements wieder, wie man sie aus "Wir können nix dafür" und den ersten beiden Eisenbahn-Alben kennt. Die Texte beschäftigen sich mit Versagensangst ("Auffliegen"), Kindern ("Finster"), Depression ("Schwarzes Licht"), Wut und Gesellschaft ("Nackt und einsam") und Krämers Lieblingsthema Stadtflucht ("Jetzt"). Lieder, die man immer und immer wieder hören möchte, um jedes Mal etwas Neues darin zu entdecken. Mal erinnert die Platte an Talking Heads ("Austauschbar"), mal an den L.A.-Slacker-Sound von Mac DeMarco, mal an den reduzierten Folk von Aldous Harding. Erneut hat Krämer selbst produziert und mit seiner Band - Hanno Stick (Schlagzeug), Alex Binder (Bass) und Andi Fins (Tasten) - einen abgehangenen Vibe geschaffen. Da sind leiernde Synthis, Klarinetten (Wencke Wollny) und Geigen (Liv Solveig), ein Duett mit Larissa Pesch und dazwischen der heisere Krämer, in der Schönheit seiner Sprachspiele niemals prätentiös. "Die traurigen Hummer" ist ein wahrhaft großes Album von "einem der besten deutschen Singer/Songwriter" (Musikexpress).

Endlich! Nach dem Vorabschmankerl "Hallo Mama" erscheint das erste Album der im Hamburger Speckgürtel ansässigen Revuetruppe HGich.T. Auf "Mein Hobby: Arschloch" performen sie ihre Hits "Hauptschuhle", "Tutenchamun" und auch "Tripmeister Eder" auf eine Art und Weise, die kein Hörer je vergessen wird und auch nicht vergessen will. Sie definieren die Worte "Rave", "Freiheit (der Kunst)" und "Freakout" nicht neu, sondern sie definieren sie. Härtester Hardtrance trifft auf eine unheimliche Zauberwelt. The Prodigy wirken neben HGich.T wie die Bewohner des Meerschweinchendorfes in Hamburgs Tierpark Hagenbeck. HGich.T hingegen sind der einhörnige Säbelzahntiger, bei dem man nicht weiß, ob er gerade gute oder schlechte Laune hat. Hunderttausende Youtube-Nutzer, die staunend die Kurzfilme von HGich.T ansehen ("Tutenchamun" mit bisher über einer halben Million Aufrufe), fragen sich: "Funktionieren HGich.T eigentlich auch, wenn man die charismatischen Künstler nicht sieht? Und wie spricht man HGich.T eigentlich aus?" Zu Frage eins: ja. Zu Frage zwei: HaGehIchTeh.

Die Liga der gewöhnlichen Gentlemen ... sind sie Troglodyten, welche mit heiligem Ernst über Hemden, Speiseeis und Ferien singen? Sind sie vollkommen aus der Zeit gefallen, mit ihrem aus zerkratzen alten Madness-, 60s-Pop-, A&m-, Northern-Soul- Platten destillierten DIY-Sound? Oder gerade deshalb modern? Schaffen sie nicht gerade aufgrund ihrer Sturheit stets etwas Eigenes, etwas Neues, ja etwas Modernes? Ja, Ja und nochmals Ja! möchte man nach Hören der "Gschichterln aus dem Park Café" ausrufen. Die Liga der gewöhnlichen Gentlemen ist die größte kleine Popband der Welt! Zumindest aber die größte kleine Popband West-Hamburgs.

Die Liga der gewöhnlichen Gentlemen ... sind sie Troglodyten, welche mit heiligem Ernst über Hemden, Speiseeis und Ferien singen? Sind sie vollkommen aus der Zeit gefallen, mit ihrem aus zerkratzen alten Madness-, 60s-Pop-, A&m-, Northern-Soul- Platten destillierten DIY-Sound? Oder gerade deshalb modern? Schaffen sie nicht gerade aufgrund ihrer Sturheit stets etwas Eigenes, etwas Neues, ja etwas Modernes? Ja, Ja und nochmals Ja! möchte man nach Hören der "Gschichterln aus dem Park Café" ausrufen. Die Liga der gewöhnlichen Gentlemen ist die größte kleine Popband der Welt! Zumindest aber die größte kleine Popband West-Hamburgs.

Zum 15jährigen Jubiläum erscheint der Schrottgrenze-Klassiker als Picture Vinyl. Limitiert auf 500 Stück. Mit einem Bonustrack. Fünfzehn Jahre sind immerhin nichtmal ein Sechsteljahrhundert. Dennoch ist es nicht wirklich einfach, sich gewisser Sentimentalitäten zu erwehren, wenn zu diesem Jubiläum das für die Entwicklungsgeschichte dieser Band zweifelsohne wichtigste Album zur Wiederveröffentlichung auf ansehnlicher Picture-Disc schreitet. "Château Schrottgrenze" erschien demnach im Jahre 2006 und stellte für die Band den endgültigen Kipp-Punkt aus der Adoleszenz heraus dar. Gegründet als Punkband, vollzogen Schrottgrenze über die Jahre den Aus- und Aufstieg zur Gitarrenpopgruppe mit international anerkannten Anhaltspunkten. Wesentlich näher an REM, The Clean als an Terrorgruppe oder gar den Foo Fighters, vermitteln die zur Sparsamkeit angehalten Arrangements und eine derart punktgenau und akzentuiert vorgehende Rhythmusgruppe eine Aufgeräumtheit und Klarheit, die damals ihresgleichen gesucht haben und die fünfzehn Jahre später die vom damaligen Infozettelschreiber vorausgesehene hohe Halbwertszeit unter Beweis stellen. Dank eines klug bestückten Referenzsetzkastens (durch Zitate und Coverversion offensichtlich in der Manege: The Cure, Guided By Voices und die Berliner Halsstarrigkeit Mutter) und der präzisen Produktion von Tobias Levin vermag "Château Schrottgrenze" auch in diesem furchtbar beschissen begonnen habenden Jahrzehnt eine Sonderstellung zu behaupten. Die von einer gewissen Uneindeutigkeit und sanften Melancholie geprägten Texte haben die Zeit ebenso gut überdauert - und dass mit "Zu Staub" ein auf der ursprünglichen LP vom damaligen Label aus gelinde gesagt erratischen Gründen eliminiertes Stück nun enthalten und sicherlich eines der wichtigsten Lieder des Albums geworden ist: das macht diese Auflage erfreulich, begrüßenswert und unumgänglich.

Limitiert auf 600 Stück als Coke Bottle colored vinyl. Auf der Rückseite ist eine Limitierung von 700 angeben. Da wurden diese 600 und die 100 in clear für HHV zusammengezählt.

"Freunde kommt alle und bringt eure grauen Wolken mit!" PeterLicht Beton UND Ibuprofen - das neunte Album von PeterLicht Er hat das Ende des Kapitalismus besungen, sein iphone an der Biegung des Flusses begraben und das absolute Glück gesucht. Er hat Worte geworfen und das Geworfene gelesen. Er hat die Gegenwart umkreist, beschworen, geatmet und intoniert. Seit acht Alben sucht und findet PeterLicht Worte und Klänge. Worte und Klänge für uns. Für unser Taumeln zwischen Wachstum und Erschöpfung, zwischen Systemkritik und Schnäppchenmarkt. Jetzt und hier, Ende 2020, hat der Zustand der Welt PeterLicht eingeholt: " ... yeah yeah yeah, mmhh, je mehr ich daru¦êber nachdenke, merke ich: ich habe eine schlechte Zeit und ich habe den Eindruck, dass auch die Gesellschaft eine schlechte Zeit hat. Oder die Welt. Sie ist erkrankt an einer Krankheit, mit dem Namen Krankheit. Und es ist einerlei, ob diese Krankheit "Depression" heißt oder "Leistungsgesellschaft" oder "Erschöpfung" oder "Klima" oder "Rassismus" oder "Nationalismus" oder "Mauer". " Melancholie ist nicht länger privat, Melancholie ist der Zustand der Welt. Der Prophet ist zum Zeitdiagnostiker geworden. In "Beton UND Ibuprofen" reicht er uns zärtlich die Hand und zeigt uns die Wege durch seine Realität, die nun die unsere ist: "Wenn Du was hast, muss du was nehmen." "Wenn die Dämonen kommen, ist jeder der ein Mensch ist ein Freund." Beton UND Ibuprofen: Ein Album, das um den dunklen Grund kreist, die Katastrophe besingt. Und das mit jedem Song die Welt rettet. Und sich selbst. Und uns. Weil PeterLicht davon singt. Von den Zuständen, in denen wir leben. Mit seinem Gesang drehen wir uns hinaus und schweben. Und wenn es nur fu¦êr einen Song ist. Fu¦êr die Dauer eines Songs rettet uns das Vinyl. Oder Spotify. Oder die Liebe. Oder PeterLicht. Tapete Records proudly presents: "Peterlicht - Beton UND Ibuprofen", ein dunkelschillerndes Meisterwerk

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Es kreisen die Finger, es mahnen die Mahner. Trotzdem Partytime! Mit Los Angeles keift die alte Hauruckmaschine HGich.T erneut ins Netzwerk deiner Gefühle und lässt hocherfreut die Bässe pumpen. "Los Angeles steht für positive Zwischenräume. Ein sonniger Platz zwischen geplagten Nervenzellen. Wir hätten das Album also auch Dancing Synaptischer Spalt nennen können", lacht Dr. Diamond (Keyboard) und erntet dafür kollektives Naserümpfen, das in schallendes Gelächter übergeht. Alles wie immer in der HGich.T-Jurte? Jein!Es regieren Traumcollagen par excellence - Musik für Kopf und Club. Hama und Techno Andrey pumpen gleich zu Beginn als definitive Fan-Pleaser. Sound- und Story-Zirkus geben hier die Marschrichtung vor? Es blubbert und stampft, doch es bleibt nicht dabei. Pass auf! Es sind einmal mehr die kleinen Umwege und Verzweigungen, die Los Angeles so interessant machen. Der blanke Horror, Plastiktüte, ein deutlicher Fingerzeig auf die gesellschaftliche Verrohung, lädt zum längeren Nachdenken ein, während Prolo Polo und Der Knecht das verkopfte Dickicht wieder auflösen. Saubere Sachen zum Durchdrehen und Lachen? Wer will es wissen?! Mit "Wo wohnt bescheuert" haben HGich.T jedenfalls erneut einen echten Klassiker auf der Bank, der textlich Fragen aufwirft, die sich jeder selbst beantworten kann. Auch der Rest des Albums lässt rätseln, hoffen und punktet locker ums Eck. Dave Meier (Eine Hommage an Dave Mustaine), Dr. Geilser Hardstyler und Girlsday? Sauber serviert!Und zum Schluss gibt es ein Wiedersehen an der Tanke. Danke! Los Angeles - das ultimative HGich.T-Mitmachalbum!Hier kommen Sonnenschein, Freiraum und Abgrund in einen Topf. Probieren muss sein.

It has been nine years since Urlaub in Polen announced they were disbanding with the release of their fifth album Boldstriker. However, drummer Jan Philipp Janzen and multi-instrumentalist and singer Georg Brenner have always made up one of those rare and highly unlikely bands who, despite market laws to the contrary, have put the context of their own work above fads and opportunity without ever denying that they inhabit a particular historical moment. On All, their unexpected sixth album, it becomes immediately clear that the term »reunion«, at least in the sense we’ve gotten used to, does not do justice to this particular ocurance. All is light years away from offering a lukewarm rehashing of ancient recipes for success - the album is highly ambitious and sounds fresh in its concentrated performance—not unlike a debut. This is because the considerable advantages of a long-term musical relationship are at display throughout the record. Not only with regards to the tightness of performance, which was and is every bit as unbelievable as everyone says, particularly those who have been privy to their ecstatic live performances, but also regarding a level of musical familiarity withone another; a rare feat that has always carried the band’s musical explorations, and which balances the dynamics and structures of All as a whole. This interplay is accentuated by the record’s production, for which Janzen (among others a founding member part of Von Spar, current drummer of Die Sterne and producer of Die Sterne, The Field, PTTRNS, Albrecht Schrader etc.) and Brenner are also responsible.

Urlaub in Polen have also always been a band that defies categorization. All is probably their most formally coherent album so far, but it is nevertheless anything but a work of genre: What the songs on All have in common is an architecture evoking Krautrock, developing sprawling synthesizer and guitar workouts on the foundations of finely woven rhythm arrangements. The echoes of West Coast Pop (the harmonies and the bass!), of Rhineland Tech House and of early Dire Straits (the vocals and the guitar production!) make All a characteristically versatile and international affair. The album shares with their previous efforts the interest and attention for sonic textures and contrasts, but showcases more constraint and focus. In place of noise, details and the enormous joy of playing between Brenner and Janzen come to the fore, equally in the stoic Desert Kraut hits »Impulse Response« and »THDT,« the polyrhythmic »Overall«, or the discoid »Proxy Music.« All as a musical statement thus bears witness to the fact that Urlaub in Polen’s artistic vision is not centred by musical niche or content, but by formal considerations and the ever new presence of playing together: All, in this sense, stands for nothing more and nothing less than the latest expansion of their oeuvre.

Neun Monate nach der Veröffentlichung ihres Albums "Six Lenins" lassen THE PROPER ORNAMENTS wieder von sich hören.
Was bei "Mission Bells" auffällt ist akribische Sorgfalt, der Blick fürs Detail, der nie Selbstzweck ist, sondern immer den Song und den Sound im Blick behält. Durchaus denkbar, dass, wer "Mission Bells" hört, sich an Aufnahmen der Velvet Underground, der Swell Maps, Spiritualized oder Cluster erinnert fühlt. Aber in Wahrheit ist es gar nicht so einfach, auf diesem insgesamt fünften Album der Proper Ornaments unterschiedliche Einflüsse auszumachen. Schließlich hat die Band im Lauf der Jahre immer mehr zu sich selbst gefunden und benötigt schon lange keine Inspiration mehr von außen. Die PROPER ORNAMENTS sind natürlich keine Retro-Band, trotz ihres Faibles für Gitarren. Es ist eben so, dass dieses Instrument zumindest James Hoare und Max Oscarnold seit ihrem neunten Lebensjahr immer begleitet hat.
"Mission Bells" ist ein herausragendes Album geworden, ein musikalischer Malstrom, dessen Harmonien die geneigte Hörerschaft unwiderstehlich in einen somnambulen Zustand versetzen, gefangen zwischen Traum und Wirklichkeit. Die Schönheit liegt darin, dass man ihm gar nicht entfliehen möchte, selbst wenn das postmoderne Leben uns nach draußen locken will.

Limitiert auf 500 Stück.

CD1: Wichtig (plus 4 Bonus Tracks)
CD2: In Echt
CD3: Posen
CD4: Von allen Gedanken schätze ich doch am meisten die interessanten
CD5: Wo ist hier?
CD6: Klammer zu (Raritäten und B-Seiten)
CD7: Live in der Markthalle, 1996

1989 – Die sogenannte Neue Deutsche Welle ist schon lange durch, Punk hatte schon zwei Jahre zuvor das 10-jährige Dienstjubiläum und dann fällt zu allem Überfluss auch noch die Mauer. Das kann ja heiter werden! Ebenfalls 1989: Frank Spilker zieht vom kleinen Kaff (Bad Salzuflen) ins große Kaff (Hamburg). Angeödet vom (Indie-)Rock jener Tage ist er auf der Suche nach etwas Neuem. Auf der Suche nach einem neuen Sound, auf der Suche nach einer eigenen Sprache, auf der Suche nach Mitstreitern für eine neue Soul Vision im Sinne des großen Kevin Rowland. Und im Hafen und im Club und in der Kneipe finden sich Frank Spilker, Thomas Wenzel, Christoph Leich und Frank Will. Das war Ende 1990. „1990“ wie das schon klang: Nach Neuanfang, es klang modern, es klang nach Science Fiction. Wie passend dann auch der unbescheidene Name „Die Sterne“. Aber welche Band, die was auf sich hält, will schon bescheiden sein? Nur die öden und die unpoppigen, die Deutschen aus dem Radio.

Und so schufen Spilker, Wenzel, Leich und Will etwas Anderes, etwas bis dato nicht Gehörtes. Ein Amalgam aus Punk & Parliament, ein Amalgam aus DIY und Diskurs. Ohne fette Gitarren, aber dafür mit Orgel. Und, jetzt wird es noch interessanter: Sie hatten damit Erfolg. Sie traten im Fernsehen auf (MTV, Viva), sie füllten Hallen, sie hatten Hits. Mit einem eigenen Sound, mit einer eigenen Idee, mit intelligenten Texten, mit Hemden aus dem Second-Hand-Laden …mit Orgel! Nenne eine andere Band die so war/ist?

2020 – Die Sterne waren so erfolgreich, dass ihre frühen Alben inzwischen vergriffen sind. Umso mehr freut sich Tapete Records das frühe Werk dieser Ausnahmeband mit dieser Box wieder verfügbar zu machen.

Das Boxset enthält die ersten 5 Studioalben, Raritäten, unveröffentlichte Live-Aufnahmen und ein ausführliches Booklet mit vielen Fotos und Linernotes von Tino Hanekamp, Christoph Jacke, Chris v. Rautenkranz.

2020, wie das schon klingt.

Der King is back! King Rocko Schamon! Mit einem Album vollgepackt mit eigenen Liedern, selbst geschrieben, selbst gesungen. Dabei wollte er das eigentlich nicht mehr machen, Soloalben aufnehmen. Aber das hat auch keinen Spaß gemacht, es sein zu lassen. Neben den Tätigkeiten am Theater, mit Studio Braun, als Autor ("Dorfpunks" u.a.), Keramiker und Schauspieler, ist Rocko nun also auch wieder das, was er schon immer war, womit es doch anfing, Mitte der 80er, ein Barde. Er kann einfach alles! Er ist eben der King!

Dies ist die Standard-Version des Albums. Wir haben auch eine exklusive Doppel-LP-Version im Angebot!

Nach zwölf Jahren ohne Plattenveröffentlichung unter eigenem Namen und mit eigenen Songs (also abgesehen von dem Tribute-Machwerk "Die Vergessenen" und einigen Fraktus-Tonträgern) veröffentlicht Rocko Schamoni im Herbst 2019 sein achtes reguläres Album: Musik für Jugendliche. Übrigens gerade rechtzeitig zu seinem 35-jährigen Bühnenjubiläum, denn im Jahr 1984 begann seine lange, schlingernde und Haken schlagende Bühnenkarriere. Zwar schwor Schamoni bei seinem letzten regulären und titellosen Album im Jahr 2007 der Musikproduktion und dem ewigen ermüdenden Veröffentlichungsreigen ab, aber nach zwölf Jahren hat der Delinquent schlichtweg vergessen, warum er eigentlich im Gefängnis sitzt. Dieser Abschied sollte übrigens nie ein Abschied von der Musik sein, im Gegenteil, er sollte die Musik von ihrer Zweckorientiertheit in Schamonis Leben befreien, was - nach eigenem Bekunden - durchaus gelungen ist. Nun hat sich allerdings wieder genug angesammelt: Töne, Noten, Stimmungen, Akkorde, Worte, Melodien, Sentimentalitäten, Liebesbekundungen, Referenzen, schlicht: Musik.
Aus hunderten von auralen Skizzen und Fragmenten entstanden neun Songs und eine Reprise, die sich stimmungsvoll aufgespannt wissen wollen zwischen dem 70er-Jahre-Italo-Pop eines Lucio Battisti, Filmscore-Zitaten des Schamoni-Idols Morricone oder aber der soulesken Trockenheit eines Michael Kiwanuka. Die Produktion der Platte ging einher mit der Krankheit und dem Tod von Schamonis Vater und so finden sich in der Musik und in den Texten immer wieder Versatzstücke dieses Verlustes, vom Abschiednehmen von geliebten Menschen (Wiederholung: Schamonis Mutter starb kurz vor der Veröffentlichung seines letzten regulären Albums), gewohnten Lebenssituationen oder gleich ganzen Kulturzusammenhängen; Texte, in denen Schamoni das Ende der menschlichen Welt trocken und abgeklärt berechnet.
Mit dem Vorrücken in die direkte Todeszone - denn nach dem Tod der Eltern ist die nächste Generation, die gehen muss, immer die eigene - mit den aufgewirbelten Erinnerungen, die so ein Abschied auslöst, erscheint die eigene Jugend wieder stärker im Fokus. Ein Prozess des Reflektierens und Abgleichens, des Verstehens für Entscheidungen der Vorangegangenen und für das eigene Werden und Vergehen beginnt. Irgendwann begreift man: die eigene Jugend vergeht nie. Sie steht für immer in ihrem ganzen Glanz fest in der Zeit und der Erinnerung. Und man kann sie doch nie wieder berühren.

Mintgrüne LP und 12" mit Bonus Remixen. Exklusiv bei Tapete und HHV. Limitiert auf 500 Stück.

Der King is back! King Rocko Schamon! Mit einem Album vollgepackt mit eigenen Liedern, selbst geschrieben, selbst gesungen. Dabei wollte er das eigentlich nicht mehr machen, Soloalben aufnehmen. Aber das hat auch keinen Spaß gemacht, es sein zu lassen. Neben den Tätigkeiten am Theater, mit Studio Braun, als Autor ("Dorfpunks" u.a.), Keramiker und Schauspieler, ist Rocko nun also auch wieder das, was er schon immer war, womit es doch anfing, Mitte der 80er, ein Barde. Er kann einfach alles! Er ist eben der King!

Nach zwölf Jahren ohne Plattenveröffentlichung unter eigenem Namen und mit eigenen Songs (also abgesehen von dem Tribute-Machwerk „Die Vergessenen“ und mit einigen Fraktus-Tonträgern) veröffentlicht Rocko Schamoni im Herbst 2019 sein achtes reguläres Album: Musik für Jugendliche. Übrigens gerade rechtzeitig zu seinem 35-jährigen Bühnenjubiläum, denn im Jahr 1984 begann seine lange, schlingernde und Haken schlagende Bühnenkarriere. Zwar schwor Schamoni bei seinem letzten regulären und titellosen Album im Jahr 2007 der Musikproduktion und dem ewigen ermüdenden Veröffentlichungsreigen ab, aber nach zwölf Jahren hat der Delinquent schlichtweg vergessen, warum er eigentlich im Gefängnis sitzt. Dieser Abschied sollte übrigens nie ein Abschied von der Musik sein, im Gegenteil, er sollte die Musik von ihrer Zweckorientiertheit in Schamonis Leben befreien, was – nach eigenem Bekunden – durchaus gelungen ist. Nun hat sich allerdings wieder genug angesammelt: Töne, Noten, Stimmungen, Akkorde, Worte, Melodien, Sentimentalitäten, Liebesbekundungen, Referenzen, schlicht: Musik. Die Deluxe-Edition enthält:
- Das Album als limitierte Deluxe LP (colored Vinyl - mintgrün) mit Klappcover
- Bonus-12“ mit 6 Bonustracks (colored Vinyl - mintgrün)

Beinhaltet das Originalalbum mit bedruckter Innenhülle, eine Bonus 10" mit 4 exklusiven Akustik-Versionen, die CD in Stecktasche und eine Jutetasche! Deutsches Pop-Singer-Songwriting das Harmonie, Melancholie und tänzelnder Leichtigkeit vereint.
Ganz großartig!
Poppig leichtes Singer-Songwriting, Harmonie und Melodie - Die Höchste Eisenbahn klingen wieder ganz wunderbar. Nachdem die Band 2011 zunächst als reines Liveprojekt gegründet worden war - man trat mit wechselnden Gästen auf, unter denen zum Beispiel Judith Holofernes und Gisbert zu Knyphausen waren - machte man 2012 Nägel mit Köpfen und gründete die heute bestehende, vierköpfigen Band. In den kommenden Jahren folgten zwei Alben, die beide noch selbstproduziert waren. Nun endlich folgt mit "Ich glaub dir alles" das dritte Album und dieses Mal holten sich die Berliner als Produzenten Moses Schneider (u.a. Tocotronic, Dendemann) ins Studio. Zum ersten Mal klingt ein Eisenbahn-Album so energetisch, frisch und unverkleidet als stünde man live mit ihnen auf der Bühne. Bernd Begemann schrieb über die Band einmal von _ÇÜPop-Finesse und Indierock-Lässigkeit' - die beweisen sie wieder. Mit deutschen Pop-Songs die sowohl Alltags-Geschichten wie auch lakonische Lebensphilosophie sind. Das ist einfach (und) schön: beschwingte Melancholie.

Deutsches Pop-Singer-Songwriting das Harmonie, Melancholie und tänzelnder Leichtigkeit vereint.
Ganz großartig!
Poppig leichtes Singer-Songwriting, Harmonie und Melodie - Die Höchste Eisenbahn klingen wieder ganz wunderbar. Nachdem die Band 2011 zunächst als reines Liveprojekt gegründet worden war - man trat mit wechselnden Gästen auf, unter denen zum Beispiel Judith Holofernes und Gisbert zu Knyphausen waren - machte man 2012 Nägel mit Köpfen und gründete die heute bestehende, vierköpfigen Band. In den kommenden Jahren folgten zwei Alben, die beide noch selbstproduziert waren. Nun endlich folgt mit "Ich glaub dir alles" das dritte Album und dieses Mal holten sich die Berliner als Produzenten Moses Schneider (u.a. Tocotronic, Dendemann) ins Studio. Zum ersten Mal klingt ein Eisenbahn-Album so energetisch, frisch und unverkleidet als stünde man live mit ihnen auf der Bühne. Bernd Begemann schrieb über die Band einmal von _ÇÜPop-Finesse und Indierock-Lässigkeit' - die beweisen sie wieder. Mit deutschen Pop-Songs die sowohl Alltags-Geschichten wie auch lakonische Lebensphilosophie sind. Das ist einfach (und) schön: beschwingte Melancholie.

Dies ist die reguläre, einfache LP mit 14 Stücken. Bei uns gibt es auch die limitierte Doppel-LP mit 20 Stücken.

Ein Plattentitel mit zwei Ausrufezeichen, der soviel bedeutet wie "was für ein Theater" und den Hörer und die Hörerin einstimmt auf Lieder wie "Cinemascope". Im Breitwandformat werden auf dieser gelegentlich sehr unterhaltsamen Platte Themen wie persönliche Verletzungen ("Ich bin cool"), Verrat ("Mes copines"), Persönlichkeitsdefizite durch Drogenmissbrauch ("Methedrine"), Wut ("Hass-Satellit"), Selbstüberschätzung ("Brezel says"), Selbstmord ("Le Spleen"), Trauer ("Dancing with a memory") und seelische Qual ("Elektroschocktherapie") zu Gehör gebracht.

"Ich bin eine Sprachkünstlerin, die den Humor in Kauf nimmt", soll Françoise Cactus einmal über sich selbst gesagt haben. Dem ist nichts hinzuzufügen, allerdings hat sie den gewohnten Stereo Total-Wortwitz nicht in allen Texten dieser Platte zum Zuge kommen lassen. Viele Stücke erinnern an ernste und verzweifelte Lieder, die sie in der Zeit ihrer ersten Band "Les Lolitas" geschrieben hat. Trotzdem schimmert in "Keine Musik" oder "Einfach" noch der anarchische Humor, der Stereo Total auszeichnet.

Musikalisch orientiert sich diese inzwischen zwölfte Stereo Total-Schallplatte an überhaupt nichts mehr. Konnte man auf früheren Alben noch von Einflüssen (Chanson, Trash, Disco, R'n'R, Punk, NDW) und musikalischen Stilmitteln sprechen, so sind Stereo Total jetzt in einem Universum angekommen, das nur ihnen allein zu gehören scheint und das an nichts Bekanntes mehr erinnert. Die gekonnte Produktion von Françoise Cactus auf 8-Spur-Kassetten-Technik trägt zum außergewöhnlichen Klangerlebnis bei. Brezel Göring spielt wie immer auf Musikinstrumenten, die wohl Kinder in gutbürgerlichen Haushalten niemals zu Gesicht bekommen haben: Plastikbabyorgeln und schauderhafte Mäuseklaviere, dazu Selbstbaugitarren, die von einem handwerklich unbegabten Schreiner zusammengeleimt worden zu sein scheinen.

1. Stereo Total machen nach wie vor elektronische Musik, mit Flohmarkt-Casio-Klängen, die als direkte Kritik an dem was man unter elektronischer Musik versteht gelesen werden kann. Wahrscheinlich läßt sich jedes Musikinstrument in gesellschaftliche Koordinaten übersetzen, und in diesem Sinne sprechen die Arbeitmittel von Stereo Total eine deutliche Sprache.

2. Stereo Total machen weiterhin auch immer noch LoFi-Garage-Rockmusik, die alle männlichen Klischees, die man mit Gitarrenmusik verbindet, lächerlich macht mit einem Gegenentwurf, der in Françoise Cactus' Schlagzeugspiel als Feminismus, Anti-Professionalismus und subversivem Dilettantismus mitschwingt.

Es fällt schwer, Stereo Total irgendwohin einzuordnen, wahrscheinlich muss man einfach mit Flann O'Brien sagen: "Wann wird es je wieder ihresgleichen geben?"

Ach so, für die jüngeren unter euch: Stereo Total haben zu einer Zeit angefangen Musik zu machen, als es noch kein Internet, keinen Euro, kein wiedervereinigtes Deutschland und bevor es überhaupt Bands und Musik gegeben hat, und sie werden vermutlich auch noch spielen, wenn das hier alles bereits Geschichte ist. Die Gruppe besteht aus Françoise Cactus, die sich die Zeit zwischen den Bandproben als Radiomoderatorin, Autorin und bildende Künstlerin vertreibt und Brezel Göring, dem Mann, der schon bei der Wahl seines Künstlernamens versucht hat, von Musikkritikern und Feuilletonisten nicht ernstgenommen zu werden.

Sie haben begonnen gemeinsam Musik zu machen mit dem festen Vorsatz, Regeln und Vorstellungen über den Haufen zu werfen. Zwar haben sie nicht die europäische Funktionsharmonik und die 4/4 Metrik abgeschafft, aber jeden anderen Aspekt bezüglich Texten und musikalischer Umsetzung in Frage gestellt. Mit Texten wie "Du bist schön von hinten", "Liebe zu dritt", "Ich bin nackt", "Ich bin der Stricherjunge mit der Raucherlunge" oder "Komplex mit dem Sex" haben sie versucht, sich bei ernsten Musikfreunden unmöglich zu machen, andererseits mit einer Tontechnik weit unterhalb des Qualitätsstandards Mainstreamhörer zu erschrecken.

Der nordische Pop-Humorist Andreas Dorau lässt einfach alles weg und präsentiert das Wesentliche: 15 aberwitzige Songs reduziert auf ihre Ohrwurm-Zeilen in heiter-poppigem Gewand. "Das Wesentliche" heißt das neue Album von Andreas Dorau. Das ist derjenige Deutsch-Pop-Poet, der anno dazumal den Neue Deutsche Welle Hit "Fred vom Jupiter" landete. Seither hat er sich gewandelt, verändert, ist gewachsen... das Gespür für Witz und die gesungene Absurdität hat er sich erhalten. Auf "Das Wesentliche" begegnet uns eine bunte Mischung aus Bubblegum, Dance, HI-NRG, Leftfield-Elektronik, Junkshop-Glam und Yacht-Rock. Vor allem aber eben nur das eine - das Wesentliche - nämlich die Refrains. Andreas Dorau wagt ein simples wie geniales, vor allem aber längst überfälliges, Experiment: jeden Song reduzieren auf das, was alle hören wollen, die Zeilen zum Mitsingen, die uns tanzen lassen, die Hookline, den Ohrwurm; das Dazwischen, die Strophen, hat er einfach weggelassen. Die 15 Songs auf "Das Wesentliche" sind ziemlich kurz und wirken dabei interessanter Weise umso opulenter. Wir hören Streicher und balladeskes Klavier zu poppigen Melodien, Akustikgitarre und dem unverwechselbaren Gesang von Andreas Dorau, in dem immer auch ein Hauch von ironischem Amüsement mitschwingt. Das ist witzig aber nicht albern, dezent abgedrehter, zeitlos guter Deutsch-Pop.

Limitiert auf 200 Exemplare in violett. Limitierte Doppel-Vinyl-Edition, von der es insgesamt 500 gibt. Mit signiertem Kunstdruck.

Bis heute hat es Andreas Dorau nicht so recht eingesehen: Wozu braucht man Strophen?
Auf den berechtigten Einwand hin, dass er schließlich auf seinen zahlreichen Alben selber dauernd Strophen gesungen und geschrieben hat, entgegnet der Künstler: “Da haben mich die Plattenfirmen zu gezwungen!“ Wie konnten sie nur!

Zum Glück ist er jetzt bei Tapete Records gelandet, einem Label, welches dafür bekannt ist, den Freigeistern auch mal die ganz lange Leine zu lassen. Die Songs auf „Das Wesentliche“ wirken durch das Weglassen interessanterweise umso opulenter. Und sie sind schön kurz. Genialer Schachzug, wenn man bedenkt, dass die Aufmerksamkeitsspanne durch Internet und so ja eher ab- als zunimmt. Eh genial, einfach alles, was langweilt oder nervt, wegzulassen.
Ist im Leben schwierig, aber in der Kunst geht es...

In der Deluxe LP-Version:
– Das reguläre Album auf LP
– Bonus LP
– Farbige Vinyl (violet)
– Vom Künstler signierter Coverprint

Aus der Hüfte kommt die Power!

Zehn Jahre nach den millionenfach geklickten Skandalvideos „Hauptschuhle“ und „Tutenchamun“ veröffentlichen HGich.T ihr fünftes Album „Jeder ist eine Schmetterlingin“. Stichwort: „Hilf mir Shiva, hilf mir Goa, ja?“ – „Ja.“

Drei Monate hatte sich das Künstlerkollektiv in Indien von der Außenwelt abgeschottet und an neuen Songs getüftelt. Dabei wurde sich noch einmal ausgiebig im Spirit der vorangegangenen Alben „Mein Hobby: Arschloch“ (2010), „Lecko Grande“ (2012), „Megabobo“ (2014) und „Therapie wirkt“ (2017) geaalt – bis die Erkenntnis einschlug wie eine Atombombe: „Jeder ist eine Schmetterlingin!“ Der Beginn einer neuen Bewegung.

Das fünfte HGich.T-Album wurde von ausgewählten Probehörern bereits euphorisch als ihren bisher größten Geniestreich seit „Hauptschuhle“ ausgelobt, da so „ganzheitlich befriedigend“. Stichwort: Party-Life-Balance. „Platte einlegen, in den herabschauenden Hund gehen, Chakren neu sortieren, abgehen“, empfiehlt der tageslichtscheue Produzent DJ Hundefriedhof. Das Motto lautet ab sofort: Your body is your temple. Oder wie Bandmaskottchen Opa16 es neulich formulierte: „Ihr kleinen Scheißer vergesst ständig, dass ihr euren Körper noch 60 Jahre braucht.“

„Jeder hat die Chance als Raupe zu unseren Konzerten zu kommen und als Schmetterling wieder weg zu fliegen“, erklärt Jacky Herzblut, während sie entspannt in der „halben Taube“ verharrt. HGich.T-Vortänzer und Mofa-Fan Tutenchamun ergänzt: „Jeder darf auf seine eigene Schönheit abheben.“

Das neue Album liefert mit Songs wie „Kinder der Raver“ oder „Bullenwache“ haufenweise Lebenstipps für die strauchelnde „Generation: Y“. Schließlich sind es seit jeher dieselben Fragen, die die Menschen beschäftigen – und HGich.T brüllen sie schamlos heraus: „Kannst du mir Geld schenken?“, „Ohne Fahrschein – ja was machen wir denn da?“ oder „Wo ist meine Mutter?“ Die prompt gelieferten Antworten dürften sensiblen Zuhörern Tränen in die Augen treiben: „Krishna, der Fisch ist da!“, „Der Anwalt ist kein Raver!“ oder „Ich hab zwei Osterei!“

Düstere Kracher wie „dj18“ und „Hackertools“ kommen härter und kompromissloser daher als alles, was man bisher von HGich.T kannte. So auch die schmissige „Far out“-Hymne „Engelsdusche“, in der Sänger und „Vater“ Vhagvan Svami seine Zeit in einer Bhagwan-Sekte verarbeitet. Dazu schreitet er bei Auftritten scheinbar schwerelos über die Köpfe seiner Jünger hinweg. Wie einst Jesus. „HGich.T dürfen 2019 nicht mehr nur als Band sondern als Hilfe zur Selbsthilfe begriffen werden“, sind sich führende Soziologen einig. „Das sind moderne Gurus!“