Tapete HHV Records 149 Artikel

Östro 430 waren schon immer eine sehr besondere Band. Eine kurze Zeitreise: Es sind die späten 70er- und frühen 80er-Jahre, und in Düsseldorf proben Dutzende junger Gruppen die Revolution: Male, Mittagspause (später Fehlfarben), ZK (später Tote Hosen), S.Y.P.H., Der Plan, DAF. Ihre Barrikade, Bühne und Biertresen ist der Ratinger Hof, der schnell zum deutschen "Mekka des Punk" wird. Doch selbst hier verstoßen Östro 430 gegen jedes Gesetz. Ihre Musik ist aufgedreht, melodiös, brachial und Do-it-Yourself. Die Krönung sind die Songtexte: Lieder wie "Sexueller Notstand", "S-Bahn" und "Zu cool" werden zu Klassikern. Sie schaffen es ins Fernsehen, den britischen NME und sogar in die Bravo. Die Welt braucht die Östros, aber sie verpasst ihre Chance: 1984 lösen sich Östro 430. 39 Jahre später bekommt die Welt eine zweite Chance. Östro 430 können nicht anders, als anders zu sein als alle anderen. Punkrock, aber nach Hausfrauenart: keine Gitarren - und trotzdem straight. Dazu Texte, die das Reimlexikon neu erfinden: Sie dichten "Diktator" auf "Vibrator" und "Hintern" auf "Pimpern". Sie teilen aus gegen jede Art von Spießertum: machtgeile Populisten, konservative Alt-Punks, ignorante Umweltschweine und politisch Überkorrekte, die Shitstorms diktieren. Und die Östros können sogar anders als anders, nämlich verletzlich sein. In "Bleib hier" heißt es: "Du sagst, ich lieb aus Angst vor dem Alleinesein und jedes Wort tritt meine Zukunft ein". Östro 430, die ungewollten Role-Models der Ü50-PunkerInnen, teilen wieder aus & prangern an - schmackhaft, nachhaltig & wohl bekömmlich. Auf "Punkrock nach Hausfrauenart" sagen nun auch Bela B. von den Ärzten, Bärchen & die Milchbubis und Stefan Stoppok mit ihren musikalischen Gastbeiträgen als Kronzeugen für die Gruppe aus. Einst waren Östro 430 Vorbilder, als es Bezeichnungen wie Rrriot Girls und Role Models noch nicht gab. Und auch heute sind sie wieder Wegbereiter. Wegbereiter wofür? Bis die Welt das passende Wort gefunden hat, nennen wir"s einfach "Punkrock nach Hausfrauenart".

Ein Album in zwei Etappen: "Leichte Teile, Kleiner Rock" (1996 "Leichte Teile" / 1998 "Kleiner Rock"). Dafür ist es aber auch richtig gut. 25 Jahre später kommt es zurück: das Schrammelrockfeeling. Die Frage nach Band und Songs stellt sich nach wie vor. Hamburger Schule? Finally redundant. Diesmal haut das Timing hin! Zum 25. Jubiläum des Albums, wird es erstmals auf Vinyl veröffentlicht.

Backwater Collage ist das erste Soloalbum von James Hoare, das er unter dem Namen Penny Arcade veröffentlicht. Dem ein oder anderen wird er als Musiker/Songwriter bei Bands wie Veronica Falls, The Proper Ornaments oder Ultimate Painting bereits über den Weg gelaufen sein. Backwater Collage ist in der Tat ein Album bei dem die Gesamtheit der Songs als Ganzes wirken und nicht einzelne Songs die anderen überstrahlen oder ausblenden. Vom ersten bis zum letzten Ton hält die Stimmung und begleitet den Hörer auf seiner ganz persönlichen Reise. Die elf vertraut klingenden Songs, die das Album ausmachen, sind in bester Homerecording-Tradition entstanden, aber dennoch (behutsam) produziert. James entwickelt und entfaltet reine, unaufgeregte Melodien, in denen sich seine sanfte, melancholische Stimme mit dem weichen, warmen Gesang von Nathalia Bruno vermischt. Angedeutete Gitarrensoli unterbrechen manchmal die klare, ungeschliffene musikalische Linie. Der langjährige Freund Max Claps hat Keyboard-Parts beigesteuert, die die minimale Nostalgie der Tracks aufgreift und dabei jeglichem tränenreichen Pathos entgegenwirken. Um diesen homogenen Sound, diese Sounddichte zu erreichen hat James sich Zeit gelassen. Das er seine Songs aus verschiedenen Aufnahmesessions retten musste, die von einer Reihe von Missgeschicken geprägt waren, an die er, wie er amüsiert zugibt, gewöhnt ist: kaputte Multitracks, versagende Tonbandmaschinen oder selten verfügbare Schlagzeuger, die in der Hauptstadt leben, kam ihm dabei sicherlich zu Hilfe. Ähnlich wie Jack Name oder Syd Barrett - nur weniger psychedelisch - sitzt Hoare auf dem schwarz-weißen Sofa von Velvet Underground und verleiht seinem Album eine unterirdische Note. Zeitweise unruhig, aber leichtfüßig, ohne unnötige Effekte, tritt die Platte in die Fußstapfen einer weniger lauten, aber ebenso rohen und schmucklosen Jesus and Mary Chain. Mit Backwater Collage, allein am Ruder unter einem stürmischen Himmel, lädt James Hoare seine Hörer ein, es sich bei einer Tasse Tee gemütlich zu machen.

Zwei Tapete Records Acts, die sich kennen und schätzen, veröffentlichen eine gemeinsame Split-7", auf welcher sie sich gegenseitig covern: Pete Astor und Die Liga der gewöhnlichen Gentlemen. Während Pete Astor aus dem Liga-Hit "Alle Ampeln auf Gelb" ein zu Herzen gehendes psychedelisches Moritat namens "Amber Lights" zaubert, verwandelt die Liga die Ballade "Like Frankie Lymon" von Astors ehemaliger Band The Weather Prophets in einen Modern Lovers-esken Uptempo-Song inkl. Saxophon-Solo ("Wie Frankie Lymon). Fun Fact: Pete Astor verbrachte die Sommerferien oft bei seiner Tante in Pinneberg bei Hamburg. Nur ein paar Kilometer entfernt hockte, vermutlich zeitgleich (!) einer von der Liga der gewöhnlichen Gentlemen in seinem Jugendzimmer und lauschte der Original-Version auf der Creation Records-Compilation "Purveyors Of Taste" und hatte natürlich keine Ahnung, dass der Interpret und Autor des The Weather Prophets-Songs, mithin ein waschechter britischer (Indie-)Pop-Star, quasi in der Nachbarschaft zur Sommerfrische weilte. Man kann also sagen, dass sich mit vorliegender Split-7" ein Kreis schließt.

"Der Meister des weniger ist mehr" - The Guardian Pete Astor ist Musiker, Schriftsteller und PaIêdagoge. Er war Kopf der Creation-Records-Bands The Loft und The Weather Prophets und hat Songs geschrieben und Alben veroIêffentlicht, die dazu beigetragen haben, den Sound des Labels und des aufkommenden Indie-Genres zu definieren. Im Laufe seiner langen Solo-Karriere hat er seine Musik auf Labels wie Matador, Heavenly, Warp, EMI und Fortuna Pop veroIêffentlicht. Er ist Dozent fuIêr Musik an der University of Westminster. Er tourt nicht nur ausgiebig, sondern macht auch Platten mit David Sheppard unter dem Namen Ellis Island Sound und veroIêffentlicht als The Attendant mit der Hilfe von Ian Button Spoken-Word-Aufnahmen auf seinem Label Faux Lux. Seit 2017 ist Astor bei Tapete Records, wo neben vielen weiteren namhaften KuIênstler*innen auch Robert Forster, Lloyd Cole und Comet Gain unter Vertrag stehen.

"Der Meister des weniger ist mehr" - The Guardian Pete Astor ist Musiker, Schriftsteller und PaIêdagoge. Er war Kopf der Creation-Records-Bands The Loft und The Weather Prophets und hat Songs geschrieben und Alben veroIêffentlicht, die dazu beigetragen haben, den Sound des Labels und des aufkommenden Indie-Genres zu definieren. Im Laufe seiner langen Solo-Karriere hat er seine Musik auf Labels wie Matador, Heavenly, Warp, EMI und Fortuna Pop veroIêffentlicht. Er ist Dozent fuIêr Musik an der University of Westminster. Er tourt nicht nur ausgiebig, sondern macht auch Platten mit David Sheppard unter dem Namen Ellis Island Sound und veroIêffentlicht als The Attendant mit der Hilfe von Ian Button Spoken-Word-Aufnahmen auf seinem Label Faux Lux. Seit 2017 ist Astor bei Tapete Records, wo neben vielen weiteren namhaften KuIênstler*innen auch Robert Forster, Lloyd Cole und Comet Gain unter Vertrag stehen.

Limitiert auf 600 Stück als Coke Bottle colored vinyl. Auf der Rückseite ist eine Limitierung von 700 angeben. Da wurden diese 600 und die 100 in clear für HHV zusammengezählt.

"Freunde kommt alle und bringt eure grauen Wolken mit!" PeterLicht Beton UND Ibuprofen - das neunte Album von PeterLicht Er hat das Ende des Kapitalismus besungen, sein iphone an der Biegung des Flusses begraben und das absolute Glück gesucht. Er hat Worte geworfen und das Geworfene gelesen. Er hat die Gegenwart umkreist, beschworen, geatmet und intoniert. Seit acht Alben sucht und findet PeterLicht Worte und Klänge. Worte und Klänge für uns. Für unser Taumeln zwischen Wachstum und Erschöpfung, zwischen Systemkritik und Schnäppchenmarkt. Jetzt und hier, Ende 2020, hat der Zustand der Welt PeterLicht eingeholt: " ... yeah yeah yeah, mmhh, je mehr ich daru¦êber nachdenke, merke ich: ich habe eine schlechte Zeit und ich habe den Eindruck, dass auch die Gesellschaft eine schlechte Zeit hat. Oder die Welt. Sie ist erkrankt an einer Krankheit, mit dem Namen Krankheit. Und es ist einerlei, ob diese Krankheit "Depression" heißt oder "Leistungsgesellschaft" oder "Erschöpfung" oder "Klima" oder "Rassismus" oder "Nationalismus" oder "Mauer". " Melancholie ist nicht länger privat, Melancholie ist der Zustand der Welt. Der Prophet ist zum Zeitdiagnostiker geworden. In "Beton UND Ibuprofen" reicht er uns zärtlich die Hand und zeigt uns die Wege durch seine Realität, die nun die unsere ist: "Wenn Du was hast, muss du was nehmen." "Wenn die Dämonen kommen, ist jeder der ein Mensch ist ein Freund." Beton UND Ibuprofen: Ein Album, das um den dunklen Grund kreist, die Katastrophe besingt. Und das mit jedem Song die Welt rettet. Und sich selbst. Und uns. Weil PeterLicht davon singt. Von den Zuständen, in denen wir leben. Mit seinem Gesang drehen wir uns hinaus und schweben. Und wenn es nur fu¦êr einen Song ist. Fu¦êr die Dauer eines Songs rettet uns das Vinyl. Oder Spotify. Oder die Liebe. Oder PeterLicht. Tapete Records proudly presents: "Peterlicht - Beton UND Ibuprofen", ein dunkelschillerndes Meisterwerk

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Robocop Kraus sind zurück! „Smile“ heißt das erste neue Album der „Robos“ seit unglaublichen 15 Jahren. Produziert wurde das Ganze von Jan Philipp Janzen (Die Sterne, von Spar etc.) und es klingt wie ... tja … unverkennbar nach Robocop Kraus! Können wir das ein für alle Mal festhalten, dass die Band, die wahlweise als deutsche „The Make Up / Franz Ferdinand / Talking Heads / The Rapture / Devo“ bezeichnet wurden, einfach einen ganz eigenen Sound haben? Das muss man erstmal schaffen. Apropos Schaffen? Wie haben wir das eigentlich so lange ohne Robocop Kraus ausgehalten? Und wie kann es sein, dass die Band 25 Jahre nach ihrer ersten Show in einem Hersbrucker Jugendzentrum nun das beste Alben ihrer Karriere veröffentlicht? Ein Album, das an einer komplett erfolgsoptimierten, blutleeren Indieszene vorbei auch eines der erfrischendsten Alben des Jahres 2023 sein wird? Auf „Smile“ ist der Name Programm, die Robos gallopieren ungestüm und furchtlos durch verschiedenste Themen und Musikstile. Ohne falsche Bescheidenheit, ohne Arglist und nur getrieben von „Innocent Fun“. Ein Affront? Mitnichten, in Zeiten von allzu durchdachten, durchgestylten Lebens- und Musikentwürfen wirkt die naive Freude und der Ideenreichtum der Band nicht nur charmant, sondern wirklich subversiv. „Smile“ versprüht die ungestüme Energie und die Gelassenheit einer Band, die Menschen auf über 800 Konzerten weltweit mitgerissen hat und dennoch alle Songs immer auf den Punkt bringt, als würde es dabei um alles gehen.

Robocop Kraus sind zurück! „Smile“ heißt das erste neue Album der „Robos“ seit unglaublichen 15 Jahren. Produziert wurde das Ganze von Jan Philipp Janzen (Die Sterne, von Spar etc.) und es klingt wie ... tja … unverkennbar nach Robocop Kraus! Können wir das ein für alle Mal festhalten, dass die Band, die wahlweise als deutsche „The Make Up / Franz Ferdinand / Talking Heads / The Rapture / Devo“ bezeichnet wurden, einfach einen ganz eigenen Sound haben? Das muss man erstmal schaffen. Apropos Schaffen? Wie haben wir das eigentlich so lange ohne Robocop Kraus ausgehalten? Und wie kann es sein, dass die Band 25 Jahre nach ihrer ersten Show in einem Hersbrucker Jugendzentrum nun das beste Alben ihrer Karriere veröffentlicht? Ein Album, das an einer komplett erfolgsoptimierten, blutleeren Indieszene vorbei auch eines der erfrischendsten Alben des Jahres 2023 sein wird? Auf „Smile“ ist der Name Programm, die Robos gallopieren ungestüm und furchtlos durch verschiedenste Themen und Musikstile. Ohne falsche Bescheidenheit, ohne Arglist und nur getrieben von „Innocent Fun“. Ein Affront? Mitnichten, in Zeiten von allzu durchdachten, durchgestylten Lebens- und Musikentwürfen wirkt die naive Freude und der Ideenreichtum der Band nicht nur charmant, sondern wirklich subversiv. „Smile“ versprüht die ungestüme Energie und die Gelassenheit einer Band, die Menschen auf über 800 Konzerten weltweit mitgerissen hat und dennoch alle Songs immer auf den Punkt bringt, als würde es dabei um alles gehen.

Der King is back! King Rocko Schamon! Mit einem Album vollgepackt mit eigenen Liedern, selbst geschrieben, selbst gesungen. Dabei wollte er das eigentlich nicht mehr machen, Soloalben aufnehmen. Aber das hat auch keinen Spaß gemacht, es sein zu lassen. Neben den Tätigkeiten am Theater, mit Studio Braun, als Autor ("Dorfpunks" u.a.), Keramiker und Schauspieler, ist Rocko nun also auch wieder das, was er schon immer war, womit es doch anfing, Mitte der 80er, ein Barde. Er kann einfach alles! Er ist eben der King!

Dies ist die Standard-Version des Albums. Wir haben auch eine exklusive Doppel-LP-Version im Angebot!

Nach zwölf Jahren ohne Plattenveröffentlichung unter eigenem Namen und mit eigenen Songs (also abgesehen von dem Tribute-Machwerk "Die Vergessenen" und einigen Fraktus-Tonträgern) veröffentlicht Rocko Schamoni im Herbst 2019 sein achtes reguläres Album: Musik für Jugendliche. Übrigens gerade rechtzeitig zu seinem 35-jährigen Bühnenjubiläum, denn im Jahr 1984 begann seine lange, schlingernde und Haken schlagende Bühnenkarriere. Zwar schwor Schamoni bei seinem letzten regulären und titellosen Album im Jahr 2007 der Musikproduktion und dem ewigen ermüdenden Veröffentlichungsreigen ab, aber nach zwölf Jahren hat der Delinquent schlichtweg vergessen, warum er eigentlich im Gefängnis sitzt. Dieser Abschied sollte übrigens nie ein Abschied von der Musik sein, im Gegenteil, er sollte die Musik von ihrer Zweckorientiertheit in Schamonis Leben befreien, was - nach eigenem Bekunden - durchaus gelungen ist. Nun hat sich allerdings wieder genug angesammelt: Töne, Noten, Stimmungen, Akkorde, Worte, Melodien, Sentimentalitäten, Liebesbekundungen, Referenzen, schlicht: Musik.
Aus hunderten von auralen Skizzen und Fragmenten entstanden neun Songs und eine Reprise, die sich stimmungsvoll aufgespannt wissen wollen zwischen dem 70er-Jahre-Italo-Pop eines Lucio Battisti, Filmscore-Zitaten des Schamoni-Idols Morricone oder aber der soulesken Trockenheit eines Michael Kiwanuka. Die Produktion der Platte ging einher mit der Krankheit und dem Tod von Schamonis Vater und so finden sich in der Musik und in den Texten immer wieder Versatzstücke dieses Verlustes, vom Abschiednehmen von geliebten Menschen (Wiederholung: Schamonis Mutter starb kurz vor der Veröffentlichung seines letzten regulären Albums), gewohnten Lebenssituationen oder gleich ganzen Kulturzusammenhängen; Texte, in denen Schamoni das Ende der menschlichen Welt trocken und abgeklärt berechnet.
Mit dem Vorrücken in die direkte Todeszone - denn nach dem Tod der Eltern ist die nächste Generation, die gehen muss, immer die eigene - mit den aufgewirbelten Erinnerungen, die so ein Abschied auslöst, erscheint die eigene Jugend wieder stärker im Fokus. Ein Prozess des Reflektierens und Abgleichens, des Verstehens für Entscheidungen der Vorangegangenen und für das eigene Werden und Vergehen beginnt. Irgendwann begreift man: die eigene Jugend vergeht nie. Sie steht für immer in ihrem ganzen Glanz fest in der Zeit und der Erinnerung. Und man kann sie doch nie wieder berühren.

Mintgrüne LP und 12" mit Bonus Remixen. Exklusiv bei Tapete und HHV. Limitiert auf 500 Stück.

Der King is back! King Rocko Schamon! Mit einem Album vollgepackt mit eigenen Liedern, selbst geschrieben, selbst gesungen. Dabei wollte er das eigentlich nicht mehr machen, Soloalben aufnehmen. Aber das hat auch keinen Spaß gemacht, es sein zu lassen. Neben den Tätigkeiten am Theater, mit Studio Braun, als Autor ("Dorfpunks" u.a.), Keramiker und Schauspieler, ist Rocko nun also auch wieder das, was er schon immer war, womit es doch anfing, Mitte der 80er, ein Barde. Er kann einfach alles! Er ist eben der King!

Nach zwölf Jahren ohne Plattenveröffentlichung unter eigenem Namen und mit eigenen Songs (also abgesehen von dem Tribute-Machwerk „Die Vergessenen“ und mit einigen Fraktus-Tonträgern) veröffentlicht Rocko Schamoni im Herbst 2019 sein achtes reguläres Album: Musik für Jugendliche. Übrigens gerade rechtzeitig zu seinem 35-jährigen Bühnenjubiläum, denn im Jahr 1984 begann seine lange, schlingernde und Haken schlagende Bühnenkarriere. Zwar schwor Schamoni bei seinem letzten regulären und titellosen Album im Jahr 2007 der Musikproduktion und dem ewigen ermüdenden Veröffentlichungsreigen ab, aber nach zwölf Jahren hat der Delinquent schlichtweg vergessen, warum er eigentlich im Gefängnis sitzt. Dieser Abschied sollte übrigens nie ein Abschied von der Musik sein, im Gegenteil, er sollte die Musik von ihrer Zweckorientiertheit in Schamonis Leben befreien, was – nach eigenem Bekunden – durchaus gelungen ist. Nun hat sich allerdings wieder genug angesammelt: Töne, Noten, Stimmungen, Akkorde, Worte, Melodien, Sentimentalitäten, Liebesbekundungen, Referenzen, schlicht: Musik. Die Deluxe-Edition enthält:
- Das Album als limitierte Deluxe LP (colored Vinyl - mintgrün) mit Klappcover
- Bonus-12“ mit 6 Bonustracks (colored Vinyl - mintgrün)

Zum 15jährigen Jubiläum erscheint der Schrottgrenze-Klassiker als Picture Vinyl. Limitiert auf 500 Stück. Mit einem Bonustrack. Fünfzehn Jahre sind immerhin nichtmal ein Sechsteljahrhundert. Dennoch ist es nicht wirklich einfach, sich gewisser Sentimentalitäten zu erwehren, wenn zu diesem Jubiläum das für die Entwicklungsgeschichte dieser Band zweifelsohne wichtigste Album zur Wiederveröffentlichung auf ansehnlicher Picture-Disc schreitet. "Château Schrottgrenze" erschien demnach im Jahre 2006 und stellte für die Band den endgültigen Kipp-Punkt aus der Adoleszenz heraus dar. Gegründet als Punkband, vollzogen Schrottgrenze über die Jahre den Aus- und Aufstieg zur Gitarrenpopgruppe mit international anerkannten Anhaltspunkten. Wesentlich näher an REM, The Clean als an Terrorgruppe oder gar den Foo Fighters, vermitteln die zur Sparsamkeit angehalten Arrangements und eine derart punktgenau und akzentuiert vorgehende Rhythmusgruppe eine Aufgeräumtheit und Klarheit, die damals ihresgleichen gesucht haben und die fünfzehn Jahre später die vom damaligen Infozettelschreiber vorausgesehene hohe Halbwertszeit unter Beweis stellen. Dank eines klug bestückten Referenzsetzkastens (durch Zitate und Coverversion offensichtlich in der Manege: The Cure, Guided By Voices und die Berliner Halsstarrigkeit Mutter) und der präzisen Produktion von Tobias Levin vermag "Château Schrottgrenze" auch in diesem furchtbar beschissen begonnen habenden Jahrzehnt eine Sonderstellung zu behaupten. Die von einer gewissen Uneindeutigkeit und sanften Melancholie geprägten Texte haben die Zeit ebenso gut überdauert - und dass mit "Zu Staub" ein auf der ursprünglichen LP vom damaligen Label aus gelinde gesagt erratischen Gründen eliminiertes Stück nun enthalten und sicherlich eines der wichtigsten Lieder des Albums geworden ist: das macht diese Auflage erfreulich, begrüßenswert und unumgänglich.

Dies ist die reguläre, einfache LP mit 14 Stücken. Bei uns gibt es auch die limitierte Doppel-LP mit 20 Stücken.

Ein Plattentitel mit zwei Ausrufezeichen, der soviel bedeutet wie "was für ein Theater" und den Hörer und die Hörerin einstimmt auf Lieder wie "Cinemascope". Im Breitwandformat werden auf dieser gelegentlich sehr unterhaltsamen Platte Themen wie persönliche Verletzungen ("Ich bin cool"), Verrat ("Mes copines"), Persönlichkeitsdefizite durch Drogenmissbrauch ("Methedrine"), Wut ("Hass-Satellit"), Selbstüberschätzung ("Brezel says"), Selbstmord ("Le Spleen"), Trauer ("Dancing with a memory") und seelische Qual ("Elektroschocktherapie") zu Gehör gebracht.

"Ich bin eine Sprachkünstlerin, die den Humor in Kauf nimmt", soll Françoise Cactus einmal über sich selbst gesagt haben. Dem ist nichts hinzuzufügen, allerdings hat sie den gewohnten Stereo Total-Wortwitz nicht in allen Texten dieser Platte zum Zuge kommen lassen. Viele Stücke erinnern an ernste und verzweifelte Lieder, die sie in der Zeit ihrer ersten Band "Les Lolitas" geschrieben hat. Trotzdem schimmert in "Keine Musik" oder "Einfach" noch der anarchische Humor, der Stereo Total auszeichnet.

Musikalisch orientiert sich diese inzwischen zwölfte Stereo Total-Schallplatte an überhaupt nichts mehr. Konnte man auf früheren Alben noch von Einflüssen (Chanson, Trash, Disco, R'n'R, Punk, NDW) und musikalischen Stilmitteln sprechen, so sind Stereo Total jetzt in einem Universum angekommen, das nur ihnen allein zu gehören scheint und das an nichts Bekanntes mehr erinnert. Die gekonnte Produktion von Françoise Cactus auf 8-Spur-Kassetten-Technik trägt zum außergewöhnlichen Klangerlebnis bei. Brezel Göring spielt wie immer auf Musikinstrumenten, die wohl Kinder in gutbürgerlichen Haushalten niemals zu Gesicht bekommen haben: Plastikbabyorgeln und schauderhafte Mäuseklaviere, dazu Selbstbaugitarren, die von einem handwerklich unbegabten Schreiner zusammengeleimt worden zu sein scheinen.

1. Stereo Total machen nach wie vor elektronische Musik, mit Flohmarkt-Casio-Klängen, die als direkte Kritik an dem was man unter elektronischer Musik versteht gelesen werden kann. Wahrscheinlich läßt sich jedes Musikinstrument in gesellschaftliche Koordinaten übersetzen, und in diesem Sinne sprechen die Arbeitmittel von Stereo Total eine deutliche Sprache.

2. Stereo Total machen weiterhin auch immer noch LoFi-Garage-Rockmusik, die alle männlichen Klischees, die man mit Gitarrenmusik verbindet, lächerlich macht mit einem Gegenentwurf, der in Françoise Cactus' Schlagzeugspiel als Feminismus, Anti-Professionalismus und subversivem Dilettantismus mitschwingt.

Es fällt schwer, Stereo Total irgendwohin einzuordnen, wahrscheinlich muss man einfach mit Flann O'Brien sagen: "Wann wird es je wieder ihresgleichen geben?"

Ach so, für die jüngeren unter euch: Stereo Total haben zu einer Zeit angefangen Musik zu machen, als es noch kein Internet, keinen Euro, kein wiedervereinigtes Deutschland und bevor es überhaupt Bands und Musik gegeben hat, und sie werden vermutlich auch noch spielen, wenn das hier alles bereits Geschichte ist. Die Gruppe besteht aus Françoise Cactus, die sich die Zeit zwischen den Bandproben als Radiomoderatorin, Autorin und bildende Künstlerin vertreibt und Brezel Göring, dem Mann, der schon bei der Wahl seines Künstlernamens versucht hat, von Musikkritikern und Feuilletonisten nicht ernstgenommen zu werden.

Sie haben begonnen gemeinsam Musik zu machen mit dem festen Vorsatz, Regeln und Vorstellungen über den Haufen zu werfen. Zwar haben sie nicht die europäische Funktionsharmonik und die 4/4 Metrik abgeschafft, aber jeden anderen Aspekt bezüglich Texten und musikalischer Umsetzung in Frage gestellt. Mit Texten wie "Du bist schön von hinten", "Liebe zu dritt", "Ich bin nackt", "Ich bin der Stricherjunge mit der Raucherlunge" oder "Komplex mit dem Sex" haben sie versucht, sich bei ernsten Musikfreunden unmöglich zu machen, andererseits mit einer Tontechnik weit unterhalb des Qualitätsstandards Mainstreamhörer zu erschrecken.

Seit ihrer ersten Veröffentlichung im Jahr 1995 verwöhnten uns Stereo Total mit überdrehter Unterhaltungsmusik jenseits des Massengeschmacks. Die gerne als Anti-Diva bezeichnete Françoise Cactus und der Multi-Nicht-Instrumentalist Brezel Göring haben – inklusive Soundtrack- und Theater-Arbeiten – insgesamt 16 Alben veröffentlicht.

Die Werkschau „Chanson Hystérique“ stellt die ersten zehn Schaffensjahre vor und ist leider durch den Tod von Françoise Cactus am 17. Februar 2021 die letzte Stereo Total - Veröffentlichung an der diese außergewöhnliche Künstlerin mitgewirkt hat.

Brezel Göring schreibt: „Statt eine Platte zu kaufen, haben wir selbst eine aufgenommen ... Diese Box enthält die Aufnahmen aus den ersten 10 Jahren von Stereo Total – die regulären Alben (mit Originalcover!) sowie seltene Stücke. Außerdem gibt es ein Buch – nicht über Stereo Total – sondern ein Katalog mit den Bildern von Françoise Cactus. Zwar verkörpern diese Zeichnungen und Gemälde die neuesten Trends in Sachen Kunst, Sex, psychotischen Störungen und Borderlinekitsch, aber eigentlich hatte Françoise mit diesen Bildern keine Karriere als Künstlerin angestrebt. Vielleicht wollte vielmehr die leeren Wände unserer Wohnung dekorieren ... Einen ähnlichen Impuls hatten wir auch bei unserer Musik: Wir haben mit Stereo Total die Lieder gespielt, die wir selbst gerne hören wollten. Unterhaltsam, jenseits der Zumutung des Massengeschmacks, naiv, pervers und immer ein bisschen daneben. Vor Konzerten hat mich Françoise oft ermahnt, nicht zu genau zu spielen. Das Publikum würde sonst denken, da liefe eine Platte. Das ist mir nicht schwergefallen, wo ich selbst teure Instrumente wie eine 50-€-Gitarre klingen lassen kann und so gut wie alles, was wir spielen, auf Fehlern beruht.

Diese Box war das letzte Projekt, an dem Françoise gearbeitet hat. Durch ihren traurigen Tod ist diese Veröffentlichung nun der Abschluss von Stereo Total und der Abschied von der großartigen und einzigartigen Françoise Cactus: Genau beschreiben lässt sie sich nicht – und erklären schon gar nicht. Aber hören Sie selbst ...“

Das fing mit Superpunk Mitte der 90er vollkommen ambitionslos an. Plan war es, eine Band zu gründen, um auf Partys Kracher aus den Sixties zu spielen. Leider scheiterte die Band bereits an relativ simplen Garage-Rock-Klassikern wie "I need you" von den Kinks. Und wer hätte gedacht, dass "Friday on my mind" derart viele Akkorde hat? Das kann sich doch nun wirklich kein Mensch merken. Da erschien es erheblich einfacher, sich eigene Songs auszudenken, konnten andere schließlich auch. Aber erst mal musste ein Name her. Zur Auswahl standen "Fifi", "Schnellbus", "Hamburg Spinners", "Superminister Riesenhuber" und "Superpunk". Mit einfacher Mehrheit und wie immer ohne viel nachzudenken, entschied man sich für letzteres. Mit den ersten eigenen Songs wurden dann richtige Konzerte gespielt, die zum Teil gut ankamen. Bei einem dieser Auftritte war auch Thies. Dem gefiel, dass die Band, jetzt aus dem Stegreif memoriert, "wie eine total zerkratzte Ray-Charles-Platte auf falscher Geschwindigkeit" klang. So gut gefiel das dem Thies, dass er fortan als Keyboarder dabei war. Und das ist auch wirklich eine treffende Beschreibung für den frühen Superpunk-Sound. So, jetzt aber: Es wurden fleißig eigene Songs gemacht und als genügend da waren, dachte sich die Band:"Die könnten wir eigentlich mal aufnehmen." Auf der Straße, irgendwo zwischen "Eis-Gerd" und "Pudel" trafen sie Bernd Begemann, der sagte: "Ich habe einen 4-Spur-Kassettenrekorder, ich nehme euch auf!". "Toll, danke, Bernd!" Und so brachte Bernd seinen Kassettenrekorder, mehrere Kassetten (die teuren, Chrome II), Mikrophone und eine seltsame Apparatur (ein Stimmgerät) mit in den Übungsraum im Bunker bei der Apostelkirche und nahm mit einer Engelsgeduld das Album auf.Auf der Straße, irgendwo zwischen "Heinz Karmer"s" und "Komet" traf die Band dann Bernd Kroschewski, der sagte: "Ich habe ein Label, ich bring euer Album raus!" "Toll, danke, Bernd", hieß es erneut. Und so erschien ziemlich genau vor 25 Jahren "A bisserl was geht immer" auf Fidel Bastro. Da waren...

wieder lieferbarRocko Schamoni über "Einmal Superpunk, bitte!"Genauso war dieses Kraftgefühl als Dexys "Too Rye Ay" über den verwunderten norddeutschen Punkhimmel flog und wir dachten: "Aha - das geht also auch - ich darf Punk bleiben und mich trotzdem von dieser aufgeladenen Melodiewelle davontragen lassen, hinaus auf die Ostsee zwischen all die "A-Flock-of-Seagulls-Poppersurfer".Auf "Einmal Superpunk, bitte!" (mein erstes eigenes Punk Fanzine 1983 hieß "Bitte einmal Pissscheiße", ...sonderbar...) begegnen uns hochgeliftete Soulpower-Feelings mit unprätentiöser Modpunkgeste, keine Angeberei und trotzdem ein Leben in Jeans, in Polohemden, für Seelenmusik und ohne Anbiederung an neuen rockigen Lifestyle mit Trucker Schirmmützen und DJ Beeps & Clonx To Go.Der Soundtrack für ein Leben mit dem Spackofanten. Die Aphex Twin des Northern Soul haben wieder zugeschlagen. Der strenge, dünne Herr "Mädchen Karsten" und seine Top old Boys schaffen es tatsächlich, ohne Alkohol und Zigaretten eine Illusion von einer Welt mit Alkohol und Zigaretten zu erzeugen. Diese Musik muss man inhalieren. Rauch zieht direkt in die Seele. Smoke some Soul. Fettburner.Extrakritik Musik Fachblatt: Diese Platte ist in sehr hoher Qualität aufgenommen, die Sounds sind amtlich, die Musiker beherrschen ihr Handwerk aus dem Handumdrehen.

wieder lieferbarSo wie es nach einem glanzvollen Heimsieg des HSV auf die Frage "Was machst Du gleich?" nur die Antwort gibt "Ab zu Eis-Gerd. Und dann: Wasser Marsch", so muß die Antwort auf eine Frage nach der neuen Superpunk-LP wie zum Beispiel "Und, wie ist die neue?" eindeutig heißen: "Alter, ich sage nur: Wasser Marsch!"Nach dem Debüt-Album der fünf jungen Männer aus Hamburg und München - "A bisserl was geht immer" - das 1999 noch mit einem zaghaften Understatement im Titel daherkam, geben sich Superpunk nun selbstbewußt und energisch. Ganz so wie der melancholische Held aus ihrem aktuellen Album-Opener, der die Lebensphilosophie aller unkaputtbaren Charaktermenschen auf den Punkt bringt : "Denn man kann einen ehrlichen Mann nicht auf seine Knie zwingen." In diesem Sinne: "Da wiehert der Amtsschimmel!" oder auch: "Der Wahnsinn hat Methode" oder eben: "Wasser Marsch!".Superpunk sind:Lars Bulnheim (ex-Sand 11, ex-Boy Division, ex-Die Fünf Freunde) - GitarreCarsten Friedrichs (ex-Die Fünf Freunde) - Gesang und GitarreTim Jürgens (ex-The Subway Surfers, ex-Boy Division) - Bass und GesangThies Mynther (ex- Die Regierung, ex-Allwissende Billardkugel, Stella) - TasteninstrumenteThorsten Wegner (ex-Huah, ex-3000 Yen, ex-Dammbruch) - Schlagzeug

wieder lieferbarVoilà, les SUPERPUNK nouveaux.C"est magnifique.Wirklich, Sie müssen das hier nicht ernst nehmen.Ein Fan schreibt."Why Not?" ist die vierte lange CD von Superpunk und es ist die verdammt nochmal Beste weit und breit, eine Steigerung, eindeutig, und ich kann es begründen.Es ist Spaß, wo kein Spaß ist, es sind Perlen vor die Säue einer Kultur, die gesungene Diddelmausgrußkarten für Pop hält.Zum Beispiel: "Ich funktioniere nicht mehr" oder "Ja, ich bereue alles" sind so ungefähr die düstersten Dinge, die man sagen kann. Aber wenn Superpunk sie sagen, grinst man automatisch breiter als ein Safeknacker beim Anblick der Goldbarren. Und, ähm, Carsten Friedrichs, das ist der Sänger, singt jetzt sogar sexy! Man lausche bloß seiner gequälten Behaglichkeit bei "Baby, ich bin zu alt"... pure Pop-Magie! Überhaupt dieser Carsten, welch Enigma, welch widersprüchlich-faszinierende Erscheinung! Ein fanatischer HSV-Fan, der München mag ("Parties in München"). Ein Soulmusik liebender Punk, der eine Schwäche für Musicals hat (das hat er mir selbst gestanden, spät nachts, entsetzt von sich selbst). Wenn er sich dann mal einen Blick auf die Sonnenseite gestattet ("Ich find alles gut", "Hamburg ist der Platz für dich"), ist sowieso alles fein. Auch, und das ist diesmal das Besondere, für Leute, die bisher nichts mit Superpunk anfangen konnten. Denn die 2008er-Ausgabe klingt einfach fantastisch, eine Top-Produktion, die den rabaukigen Funken der Band eingefangen hat und trotzdem angenehm flott ins Ohr geht.Immer wenn man denkt, diesen feinen jungen Männern auf die musikalische Schliche gekommen zu sein - früher Bowie, SoulSoulSoul, was auch immer - gibt es einen unerwarteten Dreh, eine frische Wendung. Kastagnetten, Ambient-Anklänge ... die Sache bleibt immer am Köcheln. Manchmal dachte ich: "Man, das hier ist die einzige ernst zu nehmende Band ÜBERHAUPT." Aber sie stapeln tief. Ein Lied wie "Ich trinke" z.B. gibt nicht vor, mehr zu sein als ein guter Witz. Ein Mann hat eine Tende...

It's not often that an artist gets to do a Bowie by consciously carving their personal epitaph into the grooves of their final LP. The Highest in the Land is that rarity of an album, and it could not have been made by a more brilliantly poetic and fearlessly sarcastic writer than Pat Fish, also known as The Jazz Butcher. 'My hair's all wrong / My time ain't long / Fishy go to Heaven, get along, get along,' he sings, to a ticking-clock beat in 'Time', rhyming its title with 'a one-way ticket to a pit of Council lime' in just one of many existentially charged moments on a record whose songs were written throughout the last seven years of Fish's life before his untimely passing in October 2021, aged only 63.

Neun Monate nach der Veröffentlichung ihres Albums "Six Lenins" lassen THE PROPER ORNAMENTS wieder von sich hören.
Was bei "Mission Bells" auffällt ist akribische Sorgfalt, der Blick fürs Detail, der nie Selbstzweck ist, sondern immer den Song und den Sound im Blick behält. Durchaus denkbar, dass, wer "Mission Bells" hört, sich an Aufnahmen der Velvet Underground, der Swell Maps, Spiritualized oder Cluster erinnert fühlt. Aber in Wahrheit ist es gar nicht so einfach, auf diesem insgesamt fünften Album der Proper Ornaments unterschiedliche Einflüsse auszumachen. Schließlich hat die Band im Lauf der Jahre immer mehr zu sich selbst gefunden und benötigt schon lange keine Inspiration mehr von außen. Die PROPER ORNAMENTS sind natürlich keine Retro-Band, trotz ihres Faibles für Gitarren. Es ist eben so, dass dieses Instrument zumindest James Hoare und Max Oscarnold seit ihrem neunten Lebensjahr immer begleitet hat.
"Mission Bells" ist ein herausragendes Album geworden, ein musikalischer Malstrom, dessen Harmonien die geneigte Hörerschaft unwiderstehlich in einen somnambulen Zustand versetzen, gefangen zwischen Traum und Wirklichkeit. Die Schönheit liegt darin, dass man ihm gar nicht entfliehen möchte, selbst wenn das postmoderne Leben uns nach draußen locken will.