Tapete HHV Records 149 Artikel

It has been nine years since Urlaub in Polen announced they were disbanding with the release of their fifth album Boldstriker. However, drummer Jan Philipp Janzen and multi-instrumentalist and singer Georg Brenner have always made up one of those rare and highly unlikely bands who, despite market laws to the contrary, have put the context of their own work above fads and opportunity without ever denying that they inhabit a particular historical moment. On All, their unexpected sixth album, it becomes immediately clear that the term »reunion«, at least in the sense we’ve gotten used to, does not do justice to this particular ocurance. All is light years away from offering a lukewarm rehashing of ancient recipes for success - the album is highly ambitious and sounds fresh in its concentrated performance—not unlike a debut. This is because the considerable advantages of a long-term musical relationship are at display throughout the record. Not only with regards to the tightness of performance, which was and is every bit as unbelievable as everyone says, particularly those who have been privy to their ecstatic live performances, but also regarding a level of musical familiarity withone another; a rare feat that has always carried the band’s musical explorations, and which balances the dynamics and structures of All as a whole. This interplay is accentuated by the record’s production, for which Janzen (among others a founding member part of Von Spar, current drummer of Die Sterne and producer of Die Sterne, The Field, PTTRNS, Albrecht Schrader etc.) and Brenner are also responsible.

Urlaub in Polen have also always been a band that defies categorization. All is probably their most formally coherent album so far, but it is nevertheless anything but a work of genre: What the songs on All have in common is an architecture evoking Krautrock, developing sprawling synthesizer and guitar workouts on the foundations of finely woven rhythm arrangements. The echoes of West Coast Pop (the harmonies and the bass!), of Rhineland Tech House and of early Dire Straits (the vocals and the guitar production!) make All a characteristically versatile and international affair. The album shares with their previous efforts the interest and attention for sonic textures and contrasts, but showcases more constraint and focus. In place of noise, details and the enormous joy of playing between Brenner and Janzen come to the fore, equally in the stoic Desert Kraut hits »Impulse Response« and »THDT,« the polyrhythmic »Overall«, or the discoid »Proxy Music.« All as a musical statement thus bears witness to the fact that Urlaub in Polen’s artistic vision is not centred by musical niche or content, but by formal considerations and the ever new presence of playing together: All, in this sense, stands for nothing more and nothing less than the latest expansion of their oeuvre.

Die Liga der gewöhnlichen Gentlemen ... sind sie Troglodyten, welche mit heiligem Ernst über Hemden, Speiseeis und Ferien singen? Sind sie vollkommen aus der Zeit gefallen, mit ihrem aus zerkratzen alten Madness-, 60s-Pop-, A&m-, Northern-Soul- Platten destillierten DIY-Sound? Oder gerade deshalb modern? Schaffen sie nicht gerade aufgrund ihrer Sturheit stets etwas Eigenes, etwas Neues, ja etwas Modernes? Ja, Ja und nochmals Ja! möchte man nach Hören der "Gschichterln aus dem Park Café" ausrufen. Die Liga der gewöhnlichen Gentlemen ist die größte kleine Popband der Welt! Zumindest aber die größte kleine Popband West-Hamburgs.

Östro 430 waren schon immer eine sehr besondere Band. Eine kurze Zeitreise: Es sind die späten 70er- und frühen 80er-Jahre, und in Düsseldorf proben Dutzende junger Gruppen die Revolution: Male, Mittagspause (später Fehlfarben), ZK (später Tote Hosen), S.Y.P.H., Der Plan, DAF. Ihre Barrikade, Bühne und Biertresen ist der Ratinger Hof, der schnell zum deutschen "Mekka des Punk" wird. Doch selbst hier verstoßen Östro 430 gegen jedes Gesetz. Ihre Musik ist aufgedreht, melodiös, brachial und Do-it-Yourself. Die Krönung sind die Songtexte: Lieder wie "Sexueller Notstand", "S-Bahn" und "Zu cool" werden zu Klassikern. Sie schaffen es ins Fernsehen, den britischen NME und sogar in die Bravo. Die Welt braucht die Östros, aber sie verpasst ihre Chance: 1984 lösen sich Östro 430. 39 Jahre später bekommt die Welt eine zweite Chance. Östro 430 können nicht anders, als anders zu sein als alle anderen. Punkrock, aber nach Hausfrauenart: keine Gitarren - und trotzdem straight. Dazu Texte, die das Reimlexikon neu erfinden: Sie dichten "Diktator" auf "Vibrator" und "Hintern" auf "Pimpern". Sie teilen aus gegen jede Art von Spießertum: machtgeile Populisten, konservative Alt-Punks, ignorante Umweltschweine und politisch Überkorrekte, die Shitstorms diktieren. Und die Östros können sogar anders als anders, nämlich verletzlich sein. In "Bleib hier" heißt es: "Du sagst, ich lieb aus Angst vor dem Alleinesein und jedes Wort tritt meine Zukunft ein". Östro 430, die ungewollten Role-Models der Ü50-PunkerInnen, teilen wieder aus & prangern an - schmackhaft, nachhaltig & wohl bekömmlich. Auf "Punkrock nach Hausfrauenart" sagen nun auch Bela B. von den Ärzten, Bärchen & die Milchbubis und Stefan Stoppok mit ihren musikalischen Gastbeiträgen als Kronzeugen für die Gruppe aus. Einst waren Östro 430 Vorbilder, als es Bezeichnungen wie Rrriot Girls und Role Models noch nicht gab. Und auch heute sind sie wieder Wegbereiter. Wegbereiter wofür? Bis die Welt das passende Wort gefunden hat, nennen wir"s einfach "Punkrock nach Hausfrauenart".

Wir schreiben das Jahr 1978: Eine vierköpfige Bande - zwei junge Frauen, zwei junge Männer - Bettina, Renate, Jens und Micha - gründet eine Gruppe und benennt sich nach besagtem Pflaster. Schon bald kleben sich ihre Fans Pflaster auf die Lederjacken, aber ein Sänger fehlt noch. Mit Annette Benjamin, zu deren Vorbildern die Slits, Poly Styrene und X-Ray Spex gehören, ist die Gruppe nun komplett. Sie spielen Gigs, wann und wo sie können Ein antifaschistisches Festival in Berlin, die Wuppertaler Schuppen Börse, das Hamburger "Into The Future"-Festival, und schon bald sind sie bereit, in ihrer Heimatstadt Hannover ein ganzes Dutzend Songs aufzunehmen. Als die Musikindustrie auf den Plan tritt, halten Hans-A-Plast sie mit unverschämten Forderungen in Schach. Veröffentlicht in echter DIY-Manier auf dem von der Band eigens gegründeten Label No Fun". Während Zehntausende immer noch im Sound des Debütalbums schwelgen, geht die 1981 erschienene zweite Scheibe "2" vom 1-2-3-4-Punk zu dissonanten Gitarren, radikalen Rhythmuswechseln und zunehmend avantgardistischen Arrangements über. Anfang 1983 erscheint das dritte und letzte Album "Ausradiert", auf dem Hans-A-Plast noch einmal das tun, was sie am besten können: ignorieren, was vorher war, und eine neue Richtung einschlagen. Die plötzlichen Brüche und nervösen Schauer des zweiten Albums sind verschwunden und weichen einer konventionelleren Songstruktur und einer schärferen Produktion. Wir schreiben das Jahr 2023: Zeit, diese drei Alben wieder zugänglich zu machen!

Wir schreiben das Jahr 1978: Eine vierköpfige Bande - zwei junge Frauen, zwei junge Männer - Bettina, Renate, Jens und Micha - gründet eine Gruppe und benennt sich nach besagtem Pflaster. Schon bald kleben sich ihre Fans Pflaster auf die Lederjacken, aber ein Sänger fehlt noch. Mit Annette Benjamin, zu deren Vorbildern die Slits, Poly Styrene und X-Ray Spex gehören, ist die Gruppe nun komplett. Sie spielen Gigs, wann und wo sie können Ein antifaschistisches Festival in Berlin, die Wuppertaler Schuppen Börse, das Hamburger "Into The Future"-Festival, und schon bald sind sie bereit, in ihrer Heimatstadt Hannover ein ganzes Dutzend Songs aufzunehmen. Als die Musikindustrie auf den Plan tritt, halten Hans-A-Plast sie mit unverschämten Forderungen in Schach. Veröffentlicht in echter DIY-Manier auf dem von der Band eigens gegründeten Label No Fun". Während Zehntausende immer noch im Sound des Debütalbums schwelgen, geht die 1981 erschienene zweite Scheibe "2" vom 1-2-3-4-Punk zu dissonanten Gitarren, radikalen Rhythmuswechseln und zunehmend avantgardistischen Arrangements über. Anfang 1983 erscheint das dritte und letzte Album "Ausradiert", auf dem Hans-A-Plast noch einmal das tun, was sie am besten können: ignorieren, was vorher war, und eine neue Richtung einschlagen. Die plötzlichen Brüche und nervösen Schauer des zweiten Albums sind verschwunden und weichen einer konventionelleren Songstruktur und einer schärferen Produktion. Wir schreiben das Jahr 2023: Zeit, diese drei Alben wieder zugänglich zu machen!

Wir schreiben das Jahr 1978: Eine vierköpfige Bande - zwei junge Frauen, zwei junge Männer - Bettina, Renate, Jens und Micha - gründet eine Gruppe und benennt sich nach besagtem Pflaster. Schon bald kleben sich ihre Fans Pflaster auf die Lederjacken, aber ein Sänger fehlt noch. Mit Annette Benjamin, zu deren Vorbildern die Slits, Poly Styrene und X-Ray Spex gehören, ist die Gruppe nun komplett. Sie spielen Gigs, wann und wo sie können Ein antifaschistisches Festival in Berlin, die Wuppertaler Schuppen Börse, das Hamburger "Into The Future"-Festival, und schon bald sind sie bereit, in ihrer Heimatstadt Hannover ein ganzes Dutzend Songs aufzunehmen. Als die Musikindustrie auf den Plan tritt, halten Hans-A-Plast sie mit unverschämten Forderungen in Schach. Veröffentlicht in echter DIY-Manier auf dem von der Band eigens gegründeten Label No Fun". Während Zehntausende immer noch im Sound des Debütalbums schwelgen, geht die 1981 erschienene zweite Scheibe "2" vom 1-2-3-4-Punk zu dissonanten Gitarren, radikalen Rhythmuswechseln und zunehmend avantgardistischen Arrangements über. Anfang 1983 erscheint das dritte und letzte Album "Ausradiert", auf dem Hans-A-Plast noch einmal das tun, was sie am besten können: ignorieren, was vorher war, und eine neue Richtung einschlagen. Die plötzlichen Brüche und nervösen Schauer des zweiten Albums sind verschwunden und weichen einer konventionelleren Songstruktur und einer schärferen Produktion. Wir schreiben das Jahr 2023: Zeit, diese drei Alben wieder zugänglich zu machen!

"Der Meister des weniger ist mehr" - The Guardian Pete Astor ist Musiker, Schriftsteller und PaIêdagoge. Er war Kopf der Creation-Records-Bands The Loft und The Weather Prophets und hat Songs geschrieben und Alben veroIêffentlicht, die dazu beigetragen haben, den Sound des Labels und des aufkommenden Indie-Genres zu definieren. Im Laufe seiner langen Solo-Karriere hat er seine Musik auf Labels wie Matador, Heavenly, Warp, EMI und Fortuna Pop veroIêffentlicht. Er ist Dozent fuIêr Musik an der University of Westminster. Er tourt nicht nur ausgiebig, sondern macht auch Platten mit David Sheppard unter dem Namen Ellis Island Sound und veroIêffentlicht als The Attendant mit der Hilfe von Ian Button Spoken-Word-Aufnahmen auf seinem Label Faux Lux. Seit 2017 ist Astor bei Tapete Records, wo neben vielen weiteren namhaften KuIênstler*innen auch Robert Forster, Lloyd Cole und Comet Gain unter Vertrag stehen.

Robocop Kraus sind zurück! „Smile“ heißt das erste neue Album der „Robos“ seit unglaublichen 15 Jahren. Produziert wurde das Ganze von Jan Philipp Janzen (Die Sterne, von Spar etc.) und es klingt wie ... tja … unverkennbar nach Robocop Kraus! Können wir das ein für alle Mal festhalten, dass die Band, die wahlweise als deutsche „The Make Up / Franz Ferdinand / Talking Heads / The Rapture / Devo“ bezeichnet wurden, einfach einen ganz eigenen Sound haben? Das muss man erstmal schaffen. Apropos Schaffen? Wie haben wir das eigentlich so lange ohne Robocop Kraus ausgehalten? Und wie kann es sein, dass die Band 25 Jahre nach ihrer ersten Show in einem Hersbrucker Jugendzentrum nun das beste Alben ihrer Karriere veröffentlicht? Ein Album, das an einer komplett erfolgsoptimierten, blutleeren Indieszene vorbei auch eines der erfrischendsten Alben des Jahres 2023 sein wird? Auf „Smile“ ist der Name Programm, die Robos gallopieren ungestüm und furchtlos durch verschiedenste Themen und Musikstile. Ohne falsche Bescheidenheit, ohne Arglist und nur getrieben von „Innocent Fun“. Ein Affront? Mitnichten, in Zeiten von allzu durchdachten, durchgestylten Lebens- und Musikentwürfen wirkt die naive Freude und der Ideenreichtum der Band nicht nur charmant, sondern wirklich subversiv. „Smile“ versprüht die ungestüme Energie und die Gelassenheit einer Band, die Menschen auf über 800 Konzerten weltweit mitgerissen hat und dennoch alle Songs immer auf den Punkt bringt, als würde es dabei um alles gehen.

Erstmals als Einzel-LP mit Original-Artwork erhältlich. Zuvor nur als Doppel-LP als "Unter Geiern" gepresst. Dazu mit der ersten EP von 1992, "Fickt Das System".
Das hatte man so bis dato nicht gehört: Die Band als Sampler, die Songs als Collage. Eine Indie-Band mit Funk, eine deutschsprachige Band, die Parliament genauso viel schuldet wie Ton, Steine, Scherben. Rhythmus ist genauso wichtig wie die Gitarre und dann auch noch mit Orgel anstatt mit zweiter Gitarre. Man kann und soll sogar zu der Musik tanzen, die Texte eher Hip Hop und fluide. Köpfe explodieren, Aufruhr in Indiehausen!
So war das 1993. Jetzt, 30 Jahre später veröffentlichen wir das bahnbrechende Sterne-Album "Wichtig" neu - inklusive der Tracks der nicht minder legendären "Fickt das System"-EP von 1992. Seither sind Die Sterne zu Recht eine der einflussreichsten und interessantesten Bands hierzulande. Checkt aus, wie alles begann. Hört, kauft und streamt "Wichtig" und "Fickt das System"!

Der King is back! King Rocko Schamon! Mit einem Album vollgepackt mit eigenen Liedern, selbst geschrieben, selbst gesungen. Dabei wollte er das eigentlich nicht mehr machen, Soloalben aufnehmen. Aber das hat auch keinen Spaß gemacht, es sein zu lassen. Neben den Tätigkeiten am Theater, mit Studio Braun, als Autor ("Dorfpunks" u.a.), Keramiker und Schauspieler, ist Rocko nun also auch wieder das, was er schon immer war, womit es doch anfing, Mitte der 80er, ein Barde. Er kann einfach alles! Er ist eben der King!

Dies ist die Standard-Version des Albums. Wir haben auch eine exklusive Doppel-LP-Version im Angebot!

Nach zwölf Jahren ohne Plattenveröffentlichung unter eigenem Namen und mit eigenen Songs (also abgesehen von dem Tribute-Machwerk "Die Vergessenen" und einigen Fraktus-Tonträgern) veröffentlicht Rocko Schamoni im Herbst 2019 sein achtes reguläres Album: Musik für Jugendliche. Übrigens gerade rechtzeitig zu seinem 35-jährigen Bühnenjubiläum, denn im Jahr 1984 begann seine lange, schlingernde und Haken schlagende Bühnenkarriere. Zwar schwor Schamoni bei seinem letzten regulären und titellosen Album im Jahr 2007 der Musikproduktion und dem ewigen ermüdenden Veröffentlichungsreigen ab, aber nach zwölf Jahren hat der Delinquent schlichtweg vergessen, warum er eigentlich im Gefängnis sitzt. Dieser Abschied sollte übrigens nie ein Abschied von der Musik sein, im Gegenteil, er sollte die Musik von ihrer Zweckorientiertheit in Schamonis Leben befreien, was - nach eigenem Bekunden - durchaus gelungen ist. Nun hat sich allerdings wieder genug angesammelt: Töne, Noten, Stimmungen, Akkorde, Worte, Melodien, Sentimentalitäten, Liebesbekundungen, Referenzen, schlicht: Musik.
Aus hunderten von auralen Skizzen und Fragmenten entstanden neun Songs und eine Reprise, die sich stimmungsvoll aufgespannt wissen wollen zwischen dem 70er-Jahre-Italo-Pop eines Lucio Battisti, Filmscore-Zitaten des Schamoni-Idols Morricone oder aber der soulesken Trockenheit eines Michael Kiwanuka. Die Produktion der Platte ging einher mit der Krankheit und dem Tod von Schamonis Vater und so finden sich in der Musik und in den Texten immer wieder Versatzstücke dieses Verlustes, vom Abschiednehmen von geliebten Menschen (Wiederholung: Schamonis Mutter starb kurz vor der Veröffentlichung seines letzten regulären Albums), gewohnten Lebenssituationen oder gleich ganzen Kulturzusammenhängen; Texte, in denen Schamoni das Ende der menschlichen Welt trocken und abgeklärt berechnet.
Mit dem Vorrücken in die direkte Todeszone - denn nach dem Tod der Eltern ist die nächste Generation, die gehen muss, immer die eigene - mit den aufgewirbelten Erinnerungen, die so ein Abschied auslöst, erscheint die eigene Jugend wieder stärker im Fokus. Ein Prozess des Reflektierens und Abgleichens, des Verstehens für Entscheidungen der Vorangegangenen und für das eigene Werden und Vergehen beginnt. Irgendwann begreift man: die eigene Jugend vergeht nie. Sie steht für immer in ihrem ganzen Glanz fest in der Zeit und der Erinnerung. Und man kann sie doch nie wieder berühren.

Beinhaltet das Originalalbum mit bedruckter Innenhülle, eine Bonus 10" mit 4 exklusiven Akustik-Versionen, die CD in Stecktasche und eine Jutetasche! Deutsches Pop-Singer-Songwriting das Harmonie, Melancholie und tänzelnder Leichtigkeit vereint.
Ganz großartig!
Poppig leichtes Singer-Songwriting, Harmonie und Melodie - Die Höchste Eisenbahn klingen wieder ganz wunderbar. Nachdem die Band 2011 zunächst als reines Liveprojekt gegründet worden war - man trat mit wechselnden Gästen auf, unter denen zum Beispiel Judith Holofernes und Gisbert zu Knyphausen waren - machte man 2012 Nägel mit Köpfen und gründete die heute bestehende, vierköpfigen Band. In den kommenden Jahren folgten zwei Alben, die beide noch selbstproduziert waren. Nun endlich folgt mit "Ich glaub dir alles" das dritte Album und dieses Mal holten sich die Berliner als Produzenten Moses Schneider (u.a. Tocotronic, Dendemann) ins Studio. Zum ersten Mal klingt ein Eisenbahn-Album so energetisch, frisch und unverkleidet als stünde man live mit ihnen auf der Bühne. Bernd Begemann schrieb über die Band einmal von _ÇÜPop-Finesse und Indierock-Lässigkeit' - die beweisen sie wieder. Mit deutschen Pop-Songs die sowohl Alltags-Geschichten wie auch lakonische Lebensphilosophie sind. Das ist einfach (und) schön: beschwingte Melancholie.

Limitiert auf 500 Stück.

CD1: Wichtig (plus 4 Bonus Tracks)
CD2: In Echt
CD3: Posen
CD4: Von allen Gedanken schätze ich doch am meisten die interessanten
CD5: Wo ist hier?
CD6: Klammer zu (Raritäten und B-Seiten)
CD7: Live in der Markthalle, 1996

1989 – Die sogenannte Neue Deutsche Welle ist schon lange durch, Punk hatte schon zwei Jahre zuvor das 10-jährige Dienstjubiläum und dann fällt zu allem Überfluss auch noch die Mauer. Das kann ja heiter werden! Ebenfalls 1989: Frank Spilker zieht vom kleinen Kaff (Bad Salzuflen) ins große Kaff (Hamburg). Angeödet vom (Indie-)Rock jener Tage ist er auf der Suche nach etwas Neuem. Auf der Suche nach einem neuen Sound, auf der Suche nach einer eigenen Sprache, auf der Suche nach Mitstreitern für eine neue Soul Vision im Sinne des großen Kevin Rowland. Und im Hafen und im Club und in der Kneipe finden sich Frank Spilker, Thomas Wenzel, Christoph Leich und Frank Will. Das war Ende 1990. „1990“ wie das schon klang: Nach Neuanfang, es klang modern, es klang nach Science Fiction. Wie passend dann auch der unbescheidene Name „Die Sterne“. Aber welche Band, die was auf sich hält, will schon bescheiden sein? Nur die öden und die unpoppigen, die Deutschen aus dem Radio.

Und so schufen Spilker, Wenzel, Leich und Will etwas Anderes, etwas bis dato nicht Gehörtes. Ein Amalgam aus Punk & Parliament, ein Amalgam aus DIY und Diskurs. Ohne fette Gitarren, aber dafür mit Orgel. Und, jetzt wird es noch interessanter: Sie hatten damit Erfolg. Sie traten im Fernsehen auf (MTV, Viva), sie füllten Hallen, sie hatten Hits. Mit einem eigenen Sound, mit einer eigenen Idee, mit intelligenten Texten, mit Hemden aus dem Second-Hand-Laden …mit Orgel! Nenne eine andere Band die so war/ist?

2020 – Die Sterne waren so erfolgreich, dass ihre frühen Alben inzwischen vergriffen sind. Umso mehr freut sich Tapete Records das frühe Werk dieser Ausnahmeband mit dieser Box wieder verfügbar zu machen.

Das Boxset enthält die ersten 5 Studioalben, Raritäten, unveröffentlichte Live-Aufnahmen und ein ausführliches Booklet mit vielen Fotos und Linernotes von Tino Hanekamp, Christoph Jacke, Chris v. Rautenkranz.

2020, wie das schon klingt.

"Der Meister des weniger ist mehr" - The Guardian Pete Astor ist Musiker, Schriftsteller und PaIêdagoge. Er war Kopf der Creation-Records-Bands The Loft und The Weather Prophets und hat Songs geschrieben und Alben veroIêffentlicht, die dazu beigetragen haben, den Sound des Labels und des aufkommenden Indie-Genres zu definieren. Im Laufe seiner langen Solo-Karriere hat er seine Musik auf Labels wie Matador, Heavenly, Warp, EMI und Fortuna Pop veroIêffentlicht. Er ist Dozent fuIêr Musik an der University of Westminster. Er tourt nicht nur ausgiebig, sondern macht auch Platten mit David Sheppard unter dem Namen Ellis Island Sound und veroIêffentlicht als The Attendant mit der Hilfe von Ian Button Spoken-Word-Aufnahmen auf seinem Label Faux Lux. Seit 2017 ist Astor bei Tapete Records, wo neben vielen weiteren namhaften KuIênstler*innen auch Robert Forster, Lloyd Cole und Comet Gain unter Vertrag stehen.

Mach dich auf den Weg, Den Weg, den keiner sonst geht Geh ihn nicht allein. Allein kommst du nicht heim Heim in jene Zeit, Die Zeit, die dir noch bleibt Bleib nicht zu oft stehen Im Stehen wirst du bequem Mit diesen überraschenden Zeilen beginnt die neue Platte der Fehlfarben. Aufforderungen, die sich durch sämtliche 12 Songtexte hindurch ziehen, die uns die Fehlfarben auf diesem akuten Album mit den 3 Fragezeichen, die gleichzeitig die Verunsicherung des Veröffentlichungsjahres kennzeichnen, hier zu Gehirn bringen. 12 Songs also: Einen für jeden Monat des Jahres. “?0??“ entpuppt sich nebenbei als der nächste Meilenstein auf einer musikalischen Reise, welche mit dem gefeierten Jugend Debut „Monarchie und Alltag“ 1980 so unvermittelt begann, sich in der Mitte des Lebens mit „Knietief im Dispo“ 2002 fortsetzte und die jetzt mit „?0??“ ihren weiteren Höhepunkt erreicht. Ein Album, welches, in einer schwierigen Zeit entstanden, die bestehenden Ängste und Widersprüche unserer Gesellschaft musikalisch und sprachlich so intensiv und mit solch spielerischer Wucht behandelt, dass man komplett vergisst, wie viel Zeit mit insgesamt 5 weiteren Studio Alben mit Sänger Peter Hein zwischen Heute und Einst liegt.

wieder lieferbarRocko Schamoni über "Einmal Superpunk, bitte!"Genauso war dieses Kraftgefühl als Dexys "Too Rye Ay" über den verwunderten norddeutschen Punkhimmel flog und wir dachten: "Aha - das geht also auch - ich darf Punk bleiben und mich trotzdem von dieser aufgeladenen Melodiewelle davontragen lassen, hinaus auf die Ostsee zwischen all die "A-Flock-of-Seagulls-Poppersurfer".Auf "Einmal Superpunk, bitte!" (mein erstes eigenes Punk Fanzine 1983 hieß "Bitte einmal Pissscheiße", ...sonderbar...) begegnen uns hochgeliftete Soulpower-Feelings mit unprätentiöser Modpunkgeste, keine Angeberei und trotzdem ein Leben in Jeans, in Polohemden, für Seelenmusik und ohne Anbiederung an neuen rockigen Lifestyle mit Trucker Schirmmützen und DJ Beeps & Clonx To Go.Der Soundtrack für ein Leben mit dem Spackofanten. Die Aphex Twin des Northern Soul haben wieder zugeschlagen. Der strenge, dünne Herr "Mädchen Karsten" und seine Top old Boys schaffen es tatsächlich, ohne Alkohol und Zigaretten eine Illusion von einer Welt mit Alkohol und Zigaretten zu erzeugen. Diese Musik muss man inhalieren. Rauch zieht direkt in die Seele. Smoke some Soul. Fettburner.Extrakritik Musik Fachblatt: Diese Platte ist in sehr hoher Qualität aufgenommen, die Sounds sind amtlich, die Musiker beherrschen ihr Handwerk aus dem Handumdrehen.

Seit ihrer ersten Veröffentlichung im Jahr 1995 verwöhnten uns Stereo Total mit überdrehter Unterhaltungsmusik jenseits des Massengeschmacks. Die gerne als Anti-Diva bezeichnete Françoise Cactus und der Multi-Nicht-Instrumentalist Brezel Göring haben – inklusive Soundtrack- und Theater-Arbeiten – insgesamt 16 Alben veröffentlicht.

Die Werkschau „Chanson Hystérique“ stellt die ersten zehn Schaffensjahre vor und ist leider durch den Tod von Françoise Cactus am 17. Februar 2021 die letzte Stereo Total - Veröffentlichung an der diese außergewöhnliche Künstlerin mitgewirkt hat.

Brezel Göring schreibt: „Statt eine Platte zu kaufen, haben wir selbst eine aufgenommen ... Diese Box enthält die Aufnahmen aus den ersten 10 Jahren von Stereo Total – die regulären Alben (mit Originalcover!) sowie seltene Stücke. Außerdem gibt es ein Buch – nicht über Stereo Total – sondern ein Katalog mit den Bildern von Françoise Cactus. Zwar verkörpern diese Zeichnungen und Gemälde die neuesten Trends in Sachen Kunst, Sex, psychotischen Störungen und Borderlinekitsch, aber eigentlich hatte Françoise mit diesen Bildern keine Karriere als Künstlerin angestrebt. Vielleicht wollte vielmehr die leeren Wände unserer Wohnung dekorieren ... Einen ähnlichen Impuls hatten wir auch bei unserer Musik: Wir haben mit Stereo Total die Lieder gespielt, die wir selbst gerne hören wollten. Unterhaltsam, jenseits der Zumutung des Massengeschmacks, naiv, pervers und immer ein bisschen daneben. Vor Konzerten hat mich Françoise oft ermahnt, nicht zu genau zu spielen. Das Publikum würde sonst denken, da liefe eine Platte. Das ist mir nicht schwergefallen, wo ich selbst teure Instrumente wie eine 50-€-Gitarre klingen lassen kann und so gut wie alles, was wir spielen, auf Fehlern beruht.

Diese Box war das letzte Projekt, an dem Françoise gearbeitet hat. Durch ihren traurigen Tod ist diese Veröffentlichung nun der Abschluss von Stereo Total und der Abschied von der großartigen und einzigartigen Françoise Cactus: Genau beschreiben lässt sie sich nicht – und erklären schon gar nicht. Aber hören Sie selbst ...“

Achtung: Jede Platte ist ein Unikat. Die Platte, die Du bekommst, sieht anders aus, als die, die hier zu sehen ist - und da sie nummeriert sind, erhält jeder Kunde auch eine andere Nummer.

1000 Robota im Jahr 2022 sind, soviel sei verraten, immer noch Sebastian Muxfeldt, Jonas Hinnerkort und Anton Spielmann. Und was macht eine Band, die schon immer den Zeitgeist angeschrien hat, mit der hochfrequenten Gegenwart? Sie durch den Fleischwolf drehen und ihr die eigene Reflexion vorlegen, genauer: Ein neues Album. Es klingt gewaltig, intensiv und intim zugleich und strahlt eine utopisch finstere Wärme aus. 1000 Robota über das Artwork: Jede Platte ist physisch (per Hand) individuell von uns gestaltet worden. Kein Artwork sieht gleich aus. Durch Heißluft werden handelsübliche Supermarkttüten um die Albumhülle geschmolzen. Faktisch gibt es kein "grafisches Artwork", es ist physischer Natur und schafft sich seine ganz eigene Form, die zu immer wieder neuen, unberechenbaren Oberflächen, Kerben und Strukturen führt, zu einer zusammengeschmolzenen und übersehenen Welt. Wahrscheinlich unsere Welt.

1000 Robota im Jahr 2022 sind, soviel sei verraten, immer noch Sebastian Muxfeldt, Jonas Hinnerkort und Anton Spielmann. Und was macht eine Band, die schon immer den Zeitgeist angeschrien hat, mit der hochfrequenten Gegenwart? Sie durch den Fleischwolf drehen und ihr die eigene Reflexion vorlegen, genauer: Ein neues Album. Es klingt gewaltig, intensiv und intim zugleich und strahlt eine utopisch finstere Wärme aus.

So unbestritten die wunderbar kreative Kraft der Destruktion im Fall von z.B. Keith Moons Sprengsatzlegungen, Niki de Saint Phalles Schießbildern oder Pogo in der Straßenbahn ist, so unbesonnen wird leider auch schnell dahergeplappert, dass jede Zerstörung immer auch ein Anfang ist. DIE Offenbacher Küchenzerstörung zumindest ist einer, nämlich der Opening Track des neuen LUNSENTRIO-Albums 69 Arten DEN Pubrock Zu Spielen und somit auch der Startschuss beim neuen Label (tapete).

Das Lunsentrio sind: An Klavier und Synthesizern Nick McCarthy (bis vor kurzem Gitarist und Keyboarder bei den Rockbands Franz Ferdinand und Ffs) und am Schlagzeug Sebastian „Seb-I“ Kellig (Dub-Produzent in London im East Londoner Sausage Studio, das er gemeinsam mit Nick betreibt), sowie drittens der in Berlin lebende Künstler und Lyriker Hank Schmidt in der Beek, aus dessen Feder die Texte kommen. Viertens spielt Martin Tagar (Friends of Gas, Das Weiße Pferd) die Lunsengitarre und schließlich am Bass Albert Pöschl (Suzie Trio, Das Weiße Pferd, Murena Murena, Grexits, The Sound of Money, King of Japan, Jason Arigato, u.v.a.), in dessen Münchner Echokammer alles vom aktuellen Album aufgenommen wurde, was nicht in Nicks Sausage-Studio-Dependance auf dem bayrischen Land aufgenommen wurde.

Wenn Tür und Angel sich in diesen flachen Zeiten gute Nacht sagen, ist eigentlich schon alles gesagt: „Egal, was kommt / egal, was ist.“ Um die Müdigkeit nicht überhand nehmen zu lassen, sondern ihr gepflegt ein Bein zu stellen, haben Strizi Streuner und Kevin „Click“ Hamann sich zusammengefunden, wo und als man sich nicht treffen durfte. Elf Lieder später ist heute und das „Museum der eigenen Irrtümer“ hat seine Flügeltüren weit geöffnet. Ob Du es nun tatsächlich mit deinen Sandalen betreten darfst oder ob Du nur eine virtuelle Führung durch einen übellaunigen Protoroboter erhältst, ist vollkommen gleich. Schließlich sind wir doch alle nur „zu blöd für die Reparatur“. Keine großen Gesten unter der Mütze und doch viel mehr als nur Skizzen. Bei den Zutaten kann ja nur was Gutes rauskommen: wenn sich zwei der umtriebigsten und spannendsten Pop-Künstler hierzulande wieder zusammentun. Endlich wieder mal ein Album, dass die Menschheit eben als Album hören sollte, unaufgeregt und ohne Single-Hit-Zwang, eindeutig in Heimarbeit entstanden, ohne dass sich je der Eindruck von Bauernmalerei einstellt. Melodien und Zeilen, die durch ihre Direktheit niemanden unberührt lassen. „Wenn einer nirgends hinwill“, kann er immer noch ein Hummelhotel konstruieren oder mit einer Flasche Bier auf der Holzbank am Ende der Welt sitzen und somit weitaus vernünftiger handeln als achtundneunzigkommasieben Prozent seiner Artgenossen, so viel ist sicher. R. Engler