Dead Oceans HHV Records 181 Artikel

Nachpressung! Schwarze Vinylversion! Das Japanese Breakfast Debüt "Psychopomp" erschien 2016 und stieg auf zu einem der heißgeliebtesten Indie-Pop-Alben des Jahres. Das Album ist äußerst taktil und rau. Eine Fähigkeit, die Michelle Zauner sich während ihrer Zeit in verschiedenen Bands aneignete und dann für ihr Soloprojekt Japanese Breakfast ausgereift hat. Vielleicht liegt es an der Verwurzelung aller Arten der Pop-Musik oder vielleicht ist es der Fakt, dass das Album unglaublich persönlich ist (es handelt vom Tod ihrer Mutter - die Frau, die auf dem Albumcover abgebildet ist) und die zum Leben gehörenden Paradoxe thematisiert - Leben und Tod; Liebe und Schmerz; Gegenwart und Jenseits - und dabei feststellt, dass diese Dinge gar keine Gegensätze sind."Psychopomp" ist ein jungianischer Ausdruck und bedeutet so viel wie ,der Mediator zwischen dem Bewusst- und dem Unterbewusstsein. Ein mythologischer Führer zum Jenseits, der auf Beurteilungen des Lebens verzichtet". Das Album ist eine spirituelle Reise, die einiges vertieft, aber vielleicht auch dazu führt, dass man einiges weniger fatalistisch sieht, als man es ursprünglich über das Leben und was es bedeutet zu leben gelernt hat.Michelle Zauner sagt über das Album und die Reaktionen darauf: ,It's been really overwhelming the amount of support, the people that have come up to me saying they've lost a parent, or how many mixed race girls that come up to me and feel so connected to what I do. Honestly that makes me feel like my work is worthwhile."

Indiepop aus England und eine tolle Entdeckung für die Leute, die Bands wie Daughter oder Porridge Radio mögen.

Dies ist Kevins Magnum Opus, ein Konzeptalbum über Spiritualität und
Religion. Nach seinen vier vorherigen Soloalben und unzähligen Platten in
verschiedenen Band-Konstellationen und Zusammenarbeiten ist Kevin
Morby zu einem wahren musikalischen Autor geworden. Jetzt, mit der
üppigen Doppel-LP "Oh My God", liefert Morby einen grandiosen
Director's Cut seiner bisher größten Aussage, sowohl episch im Umfang
als auch im Sound, ab. Ein Werk, das mit Fug und Recht als bisheriger
Höhepunkt seines Schaffens bezeichnet werden darf. In seiner
bisherigen Arbeit hat Morby die Allgegenwart eines offensichtlichen
religiösen Themas bemerkt. Obwohl Morby sich nicht im Geringsten als
"religiös" identifiziert, erkennt er in sich selbst ein spirituelles Wesen mit
einer weltlichen Einstellung zum Seelenvollen. Und so setzte er sich in
dem Bestreben, diesen Gedanken frontal und ein für alle Mal anzugehen,
in seinen persönlichen Kirchen - Flugzeuge und Betten - hin und schrieb,
was sein erstes wahres Konzeptalbum werden sollte. Wenn "Singing
Saw" Kevins L.A.-Platte war und "City Music" seine Ode an New York,
dann lebt "Oh My God" im Himmel, über dem Wetter, nirgendwo und
überall gleichzeitig.

Sahne-farbenes Vinyl in limitierter Auflage! ,Don't You Think You've Had Enough?" Das fragte sich Jennifer Clavin, als sie einen Wendepunkt in ihrem Leben erreichte. Es ist auch der Titel des neuen Bleached-Albums, Jessie und Jennifer Clavins erste LP, die von einem Ort der Besonnenheit in völliger Nüchternheit geschrieben wurde. Diese neu entdeckte Perspektive dient als Leitmotiv in jeder Ecke des Sounds und ergibt ein mutiges, ehrliches und klanglich anspruchsvolles Album. Durchweg strahlen die Clavins die Kraft und den Mut aus, sich der Sucht zu stellen, die Vergangenheit loszulassen und sich für eine radikal andere Zukunft der Selbstliebe, Akzeptanz und neu gefundenen Ehrlichkeit zu öffnen. ,Don't You Think You've Had Enough?" folgt dem 2016er Album ,Welcome The Worms" und der 2017er ,Can You Deal?"-EP. Die Clavin-Schwestern begannen Anfang 2018, das Album in einem Übungsraum in Los Angeles und mit Freunden und Co-Autoren in Nashville zu schreiben. ,Writing these songs while sober became somewhat of a spiritual experience," sagt Jennifer. ,I had to let go, trust the process, and allow an energy beyond my control to be present." Beim Schreiben und Aufnehmen kümmerte sich Jessie um den Großteil der Instrumentierung und Jennifer um die Texte und Melodien - es war den Clavins wichtig, dass die gesamte Platte zu ihrer Dynamik als Schwestern zurückkehrt. Produzent Shane Stoneback (VAMPIRE WEEKEND, SLEIGH BELLS) half ihnen Türen zum Experimentieren zu öffnen, das Ganze forschend rüberkommen zu lassen, aber den Sound dabei eben eindeutig Bleached zuordnen zu können. Die daraus resultierende LP ist explosiv und setzt sich mit der Vergangenheit auseinander; ihre zwölf Tracks repräsentieren das instinktiv roheste Songwriting der Schwestern bis heute - und ihr bestes. Das Album schimmert vor Inspiration, die man auf Tourneen mit Künstlern wie The Damned und Paramore gefunden hat, deren Arena-tauglicher, prägnanter Pop ein spürbarer Einfluss war, der dazu beitrug, den Sound von Bleached in eine neue Sphäre zu bringen. [ENG] Don't You Think You've Had Enough? is what Jennifer Clavin asked herself when she hit a turning point in her life. It's also the title of the new record from Bleached, Jessie and Jennifer Clavin's first LP written from a place of sobriety. That newfound perspective serves as the guiding force, yielding a courageous, honest, and sonically ambitious album. It's a record about fighting both literally and figuratively for your life -- and the clarity born from that struggle. Writing began in early 2018, both in a Los Angeles practice space, and with friends and co-writers in Nashville. Producer Shane Stoneback (Vampire Weekend, Sleigh Bells) helped open every door to experimentation, wanting to be exploratory while keeping the sound singularly Bleached. The resulting LP is explosive, grappling with the past; its twelve tracks mark some of the sisters' most visceral, rawest songwriting to date -- and some of their best. The work glimmers with inspiration found in touring with the likes of The Damned and Paramore. That arenaready pop, incisively catchy, was a palpable influence helping to push Bleached's sound in a new direction. "Writing these songs while sober became somewhat of a spiritual experience," Jennifer says. "Like I was connecting with a power greater than myself. I had to let go, trust the process, and allow an energy beyond my control to be present."

Der Chicagoer Experimentalist Ryley Walker interpretiert das offiziell nie veröffentlichte 2001er-Album ,The Lillywhite Sessions" der Dave Matthews Band für eine neue Ära um. Walker liefert mit seiner Neubearbeitung des Materials eine kraftvolle und innige Meditation über die Drehungen und Wendungen einer
musikalischen Reise durch ein Leben voller enthusiastischer und neugieriger Zuhörer. Seiner reflektierten Performance ist es zu verdanken, dass die Dave Matthews Band im aktuellen Pop Zeitgeist langsam aber stetig einer Neubewertung unterzogen wird. Zusammen mit seinen Mitstreitern Andrew Scott Young
und Ryan Jewell verwandelt Walker den eher albernen Opner ,Busted Stuff" aus Matthews ,The Lillywhite Sessions" in seiner Version in einen lebhaften und jazzig angehauchten Post-Rock, der an die alten Chicagoer Helden The Sea & Cake bzw. Jim O'Rourkes goldene Drag City Tage erinnert. Aus einer Wand der
Verzerrung auftauchend, erklingt "Diggin' a Ditch" mit einem Power-Trio-Schlagzeug à la Dinosaur Jr. und schüttelt existenzielles Unbehagen ab, wie etwa Jungs in ihren Zwanzigern, die Rock-Songs in der Garage schreiben. Als Kind in den Vororten des Chicagoer Rust Belts aufgewachsen, also weit
abseits von kulturellen Hochburgen, lehrte ihn dort die Dave Matthews Band, wie man Musik spielt und liebt. Walkers Version von "Grace is Gone" ist ein Beweis für diese Liebe, die ihn zum
Musiker gemacht hat. Walker ist mit den ,Lillywhite Sessions" durch eine Tür gegangen, die vor langer Zeit von der Dave Matthews Band aufgestoßen wurde, um eine Welt voller musikalischer Möglichkeiten dahinter zu finden. Mit ,The Lillywhite Sessions" hat er wiederum seine eigene geschaffen.

Die letzten fünf Jahre von Matthew Houck aka
Phosphorescent waren eine lebensverändernde Zeit, in der
er sich verliebte, eine Familie gründete, New York in Richtung
Nashville verließ und ein Studio von Grund aufbaute. Mit dem
Fokus, diese Erfahrungen so intuitiv wie möglich in Musik
umzusetzen, geht Houck mit seinem neuen Album an die
Grenzen dessen, wie eine Phosphorescent-Platte klingen
kann, indem er das Erdige und das Glühende, das Unruhige und
das Gelassene ausbalanciert und dabei seinen eigenen
musikalischen Kosmos erschafft. ,C'est La Vie" wurde von Houck
produziert und in seinem Spirit Sounds Studio in Nashville
aufgenommen, das speziell für diese Sessions neu gebaut wurde.
Das Album wurde von Matthew Houck und Vance Powell (Jack
White, Chris Stapleton, Arctic Monkeys) gemischt.
,C'est La Vie" folgt auf das 2013er Phosphorescent-Album
,Muchacho", Houcks hochgelobtes und bisher meistverkauftes
Album, sowie auf die 2015 in Brooklyn aufgenommene
karriereumspannende 3er-LP ,Live At The Music Hall".

Das hoch gelobte selbstbetitelte Debüt Album von Durand Jones
& The Indications aus Indiana. Das Album, das ursprünglich 2016
veröffentlicht wurde, erhielt viel Aufmerksamkeit in der
Amerikanischen Presse. So skandierte The Philadelphia Inquirer:
„Smartly restrained music steeped in the Deep South”, Paste
Magazine meinte über das Album: „With a tingling rasp that
screams James Brown and coos Otis Redding, Jones simply has to
be heard to be believed on these vintage R&B pleas.” und Detroit
Metro Times schlussfolgerte: „Modern soul that pulls with as
much power as Lee Fields and Charles Bradley.”
Ursprünglich aus Hillaryville in Louisiana, war Durand Jones in
seiner Kindheit sehr introvertiert und kam erst aus sich heraus,
nachdem ihm seine Oma ein Alt-Saxophon schenkte, auf welchem
er sein komplettes Studium der „Generellen Musiklehre“ an der
South Eastern Louisiana University und dem anschließenden
Studium an der Jacobs School of Music der Indiana University
spielte. Einmal in Bloomington, schloss sich Jones dem Saxophon
Quartett Kinari an, das komplexe Kammermusik spielte und
internationale Auszeichnungen errang. Zunächst wurde Jones
rekrutiert, um die Bläser Sequenzen für die IU Soul Revue zu
schreiben und zu arrangieren. Aber sehr bald mangelte es an
Sängern und so wurde er gefragt, ob er nicht lieber am
Mikrophon stehen möchte. Als Frontman der Revue lernte er den
The Indications Schlagzeuger und Sänger Aaron Frazer und den
Gitarristen Blake Rhein kennen. Als Kyle Houpt noch am Bass
dazu stieß, fing die Gruppe an auf einem vierspurigen Tascam
Songs zu schreiben und aufzunehmen. Vier Jahre zusammen auf
der Bühne schulte die Musiker live und laut zu spielen, während
das Eintauchen in den Classic Soul Jones, Frazer und Rhein die
Fähigkeit lehrte Songs zu schreiben und zu arrangieren.

In der Heimat der Wettbüros wird zurzeit ein Name groß gehandelt:
Shame. Die Band lebt von Konfrontation. Sei es die brodelnde
Intensität, die auf ihrem Debüt "Songs of Praise" knistert, oder das
Adrenalin-pumpende Chaos, das sich bei ihren aufregenden von großen
Emotionen angetriebenen Shows entfaltet. Bestehend aus dem Sänger
Charlie Steen, den Gitarristen Sean Coyle-Smith und Eddie Green, dem
Bassisten John Finerty und dem Schlagzeuger Charlie Forbes, begann das
in London lebende Quintett bereits im Schuljungenalter. Mit einem
gesunden DIY-Ethos als Grundlage und mit The Fall und Wire als
musikalische Einflüsse schafften sich Shame eine Nische in der
Musikszene Südlondons und entwickelten furchtlos ihren aufrichtigen,
eckigen, peitschenden Post-Punk. Die zehn Songs von "Songs of Praise"
lassen keine Fragen offen. Ob "Gold Hole", ein augenzwinkernder
Takedown von Rock-Narzissmus, oder die Single "Concrete", die den
überwältigenden Moment der Erkenntnis einer zum Scheitern
verurteilten Beziehung beschreibt, oder das frustrierte "Tasteless", das
die Monotonie des Alltags beschreibt. "Songs of Praise" bietet keine
Atempause.

Lang erhofftes Reissue des von Kritikern hochgelobten dritten Albums von Califone inklsuive einer Bonus-LP mit unveröfentlichen Songs.

Deluxe LP: Auf blickdichtes gelbes Vinyl gepresst plus Bonus 7" auf schwarzem Vinyl mit Solo-Akustik-Versionen der Album-Tracks "A Light Travels Down The Catwalk" und "Stay Lost" mit einem Lyrics-Heft als Beilage.

,ken" von Destroyer wurde von Josh Wells von Black Mountain produziert, der seit 2012 auch Schlagzeuger bei Destroyer ist.

Aufgenommen wurde es im Jam Room/Studio Space, den die Band selbst The Balloon Factory nennt.

Im Gegensatz zum Vorgänger ,Poison Season" wurde ken nicht als gemeinsame "Band" aufgenommen, obwohl jedes Bandmitglied an der Produktion beteiligt ist.

"Sometime last year, I discovered that the original name for "The Wild Ones" (one of the great English-language ballads of the last 100 years or so) was "Ken." I had an epiphany, I was physically struck by this information.

In an attempt to hold on to this feeling, I decided to lift the original title of that song and use it for my own purposes.

It's unclear to me what that purpose is, or what the connection is. I was not thinking about Suede when making this record.

I was thinking about the last few years of the Thatcher era. Those were the years when music first really came at me like a sickness, I had it bad.

Maybe "The Wild Ones" speaks to that feeling, probably why Suede made no sense in America.

I think "ken" also means "to know." - Dan Bejar

“Soft Sounds From Another Planet” von Japanese Breakfast
ist weniger ein Konzeptalbum über die Entdeckung des
Weltraums denn ein zum Leben erwecktes Moodboard. Über
zwölf Songs hinweg begibt sich Michelle Zauner in eine
Soundlandschaft, die sie selbst erstellt und deren
Quadratmeterzahl ausreicht, um sämtliche ihrer Einflüsse
abzubilden. Es gibt Songs auf „Soft Sounds From Another Planet“,
die an den Pathos der Balladen von Roy Orbison erinnern,
während andere problemlos als kinematische Verarbeitung einer
Totale aus „Blade Runner“ sein könnten. Die Stimme von Zauner
ist raumgreifend: In einer Sekunde singt sie eine Ode an die
Vergangenheit, in der nächsten erzählt sie fast roboterhaft eine
Liebesgeschichte mit Texten, die persönlicher und mehr auf den
Punkt sind als je zuvor. Wenn „Psychopomp“ eine Genre-
übergreifende Einführung in die Welt von Japanese
Breakfast war, dann katapultiert dieses visionäre zweite
Album des Projekt in ungeahnte Höhen.

City Music", das vierte Album von Kevin Morby, ist eine
Sammlung, die von den Erfahrungen in Amerikas Großstädten
inspiriert ist. Oder wie Morby sagt: “It is a mix-tape, a fever
dream, a love letter dedicated to those cities that I cannot get rid
of, to those cities that are all inside of me." Auf der ersten Single
„Come To Me Now" ließ er all diejenigen aufhorchen, die mit
Morbys Werk bereits vertraut sind, denn ein Harmonium
kündigte darin den neuen Sound des Songwriters an. „City Music"
funktioniert als Gegenstück zu seinem letzten Album „Singing
Saw". Diesmal geht es zwar auch um verschiedene Formen der
Einsamkeit, allerdings in einem urbanen Umfeld. „Here, Lou
Reed and Patti Smith stare out at the listener," erklärt
Morby. “Stretched out on a living room floor they are
somewhere in mid-70s Manhattan, also smoking cigarettes."