Rough Trade Rock & Indie 78 Artikel

Wen es schon mal auf einem der verschwitzt-hitzigen Shows von Amyl And The Sniffers durch den Moshpit getrieben hat, hat eine Vorstellung davon, wieviel Energie sich bei der australischen Band um den Derwisch Amy Taylor in einem Corona-Jahr ohne Konzerte aufgestaut hat. Diese geballte Ladung Rock'n Rock entlädt sich nun auf ihrem neuen Album "Comfort to Me"Ende 2020 zog es Amyl And The Sniffers mit dem Produzenten Dan Luscombe ins Studio, wo sie das zuvor über ein Jahr zuhause entwickelte Album aufnahmen. Die Einflüsse sind dabei weitreichend: angefangen von Old-School Rock'n'Roll (AC/DC, Rose Tattoo, Motörhead und Wendy O Williams), über modernen Hardcore (Warthog und Power Trip) bis hin zu den lokalen Helden (Coloured Balls und Cosmic Psychos). Für die Lyrics ließ sich Frontfrau Taylor hingegen von ihren Rap Idolen und unzähligen Garage Bands inspirieren. Aus 17 aufgenommenen Songs, fanden letztlich 13 ihren Weg auf das Album, das von Nick Launay (Nick Cave, IDLES, Yeah Yeah Yeahs) gemixt und von Bernie Grundman (Michael Jackson, Prince, Dr. Der) gemastert wurde.Amy Taylor sagt über das Album: "If you have to explain what this record is like, I reckon it's like watching an episode of The Nanny but the setting is an Australian car show and the Nanny cares about social issues and she's read a couple of books, and Mr Sheffield is drinking beer in the sun. It's a Mitsubishi Lancer going slightly over the speed limit in a school zone. It's realising how good it is to wear track pants in bed. It's having someone who wants to cook you dinner when you're really shattered. It's me shadow-boxing on stage, covered in sweat, instead of sitting quietly in the corner"

Anfang 2021 standen die Bandmitglieder von Lankum hoch über Dublin, den Winden der irischen Ostküste zugewandt, mit einem wundervollen Blick auf die Stadt, in der sie über 10 Jahre lang gemeinsam Musik gemacht hatten und dennoch spürten sie ein Gefühl der Unverbundenheit. Sie hatten die Stadt noch nie aus diesem Blickwinkel betrachtet, da sie immer fest in ihr verwurzelt waren und die Schönheit von Dublin immer aus dem Blickwinkel ihres Alltags sahen. Der kleine Perspektivwechsel half der Band bei den Aufnahmen in den Hellfire-Studios, wo sie nach der langen Stille der Pandemie begierig mit den Aufnahmen zu ihrem vierten Studioalbum "False Lankum" begannen. Wer jemals bei einem Lankum-Gig war, kennt die Energie, die diese Band erzeugen kann. Der unverwechselbare Drone-Sound, der sich durch ihre Arbeit zieht, wie bei ihren bekanntesten Stücken "The Wild Rover" (von "The Livelong Day", 2019) und "What Will We Do When We Have No Money" ("Between the Earth and Sky", 2017) hat die Kraft, einem den Boden unter den Füssen wegzuziehen und erzeugt dabei einen einmaligen Klang. "The Livelong Day" war das Album, mit dem Lankum aus der Schublade der "irisch traditionellen" oder "Folk"-Musik herausbrachen. Es ebnete ihnen den Weg zu medialem wie kommerziellem Erfolg, der ihnen 2019 den RTE Choice Music Prize einbrachte und dazu führte, dass sich ihre Shows in der traditionsreichen Konzerthalle Vicar Street in Dublin in nur 20 Minuten ausverkauften. Die neue Musik bringt auch neue Stimmen und so ist es das erste Mal, dass Cormac Dermody einen kompletten Song auf einem Lankum-Album singt. In Kombination mit seiner besonderen Tonlage erzeugt er eine poetische Kraft, die den Sound von Lankum bereichert. Mit "False Lankum" bewegt sich die Bands ins Unbekannte, ein Album getrieben von der wilden und oftmals seltsamen Schönheit des Schmerzes und der Freude, von Himmel und Hölle. Es ist gleichermaßen ein Album der Widersprüche und des Einklangs und sicherlich eine der spannendsten Produktionen, die in letzter Zeit aus Irland kamen. Nur wer mutig wagt, wird Herzen gewinnen - "False Lankum" ist der Schlüssel dazu.

Falls das allumgreifende Horror-Szenario 2021 bei jungen Newcomer-Bands dafür sorgen sollte, dass sie sich mit Existenzängsten und dem Lecken ihrer zahlreichen Wunden beschäftigen, haben black midi wohl das Memo nicht bekommen. Denn weder Covid-19, noch das zweite-Album-Syndrom oder sonstige Hindernisse konnten der vielleicht spannendsten neuen britischen Rock-Hoffnung den Wind aus den Segeln nehmen. Dementsprechend ist der Nachfolger „Cavalcade“ zum gefeierten Debüt „Schlagenheim“ ein dynamischer, wie innovativer Höllenritt. Und eine weitere Standortbestimmung einer immer getriebenen jungen Band, die sich nicht auf dem bisher erreichten ausruhen will.
Die Bedeutung des Titels beschreibt eine feierliche Prozession, wie eine königliche Parade und black midi sehen ihr neues Album als Ansammlung aus übermenschlichen Persönlichkeiten an: vom gefallenen Kult-Führer, über einen antiken Leichnam, der in einer Diamanten-Mine gefunden wurde, bis zur legendären Sängerin Marlene Dietrich streift die Band diese. Geordie Greep, Gitarrist und Haupt-Sänger der Band erklärt die fundamentalen Pfeiler von „Cavalcade“:

Lankum gelten in der irischen Folkmusik-Szene als die Erneuerer des traditionellen Sounds. Mit ihren ersten beiden Alben und ihren fantastischen Liveshows erspielte sich die Band um die Brüder Ian und Daragh Lynch, Cormac MacDiarmada und Radie Peat bereits eine begeisterte Fangemeinde.Mit dem am 25.10. erscheinenden Album "The Livelong Day" lotet die Band nun die Grenzen zwischen alternativem Irish-Folk und psychedelischen Sounds neu aus. Aufgenommen und produziert wurde das Album von John "Spud" Murphy in den Meadow and Guerrilla Sounds Studio zwischen März und Mai dieses Jahres. Mit dem nunmehr dritten Studioalbum wird die Band wieder einmal zum Szenegespräch, denn Lankum versteht es wie keine andere Band der Zeit, die verschiedenen Stilrichtungen und Facetten des Irish-Folks elegant miteinander verschmelzen zu lassen.

black midi, das sind Geordie Greep (Gitarre, Gesang), Cameron Picton (Bass, Gesang) und Morgan Simpson (Schlagzeug), ihr 3. Album „Hellfire“ erscheint am 15. Juli auf Rough Trade Records.

Die erste Single daraus hat den wohligen Titel "Welcome To Hell". "Hellfire" wurde nach der Veröffentlichung des Vorgängers „Cavalcade“ in London in Abgeschiedenheit geschrieben und baut auf den melodischen und harmonischen Elementen des Vorgängers auf, während es die Brutalität und Intensität des Debüts „Schlagenheim“ ausbaut. Wie Greep es beschreibt: "Wenn Cavalcade ein Drama war, ist „Hellfire“ wie ein epischer Action-Film", der sich mit überlappenden Themen wie Schmerz, Verlust und Angst beschäftigt. Es ist ihr bisher thematisch kohärentestes und durchdachtestes Album“.

Während die Geschichten von „Cavalcade“ in der dritten Person geschildert wurden, erzählt „Hellfire“ seine Geschichten aus der Ich-Perspektive eines moralisch fragwürdigen Charakters. Es gibt direkte dramatische Monologe, die an unser verkommenes Gefühl für Recht und Unrecht appellieren. Man ist sich nie so ganz sicher, ob man lachen oder entsetzt sein soll. "Welcome To Hell" erzählt die Geschichte der Exzesse eines ausschweifenden Soldaten und seiner Entlassung aus dem Militärdienst, untermalt von funkigen Gitarrensätzen, treibenden Bläsern und einem knorrigen Gesang. Das Video wurde von Gustaf Holtenäs gedreht, der auch schon beim Video zu "Slow" Regie führte.

Die Entstehung von „Hellfire“ dauerte nur sechs Monate und begann mit einem Riff bei einem Jam der Gruppe, das sich zu dem futuristischen Boxdrama „Sugar/Tzu" entwickelte. Die Bandbreite und die Kraft sowie die starke Produktion der Musik von black midi war noch nie so groß wie auf dem neuen Album, was zum Teil der Produzentin Marta Salogni zu verdanken ist, die mit der Band bereits am „Cavalcade“-Opener "John L" gearbeitet hat. Aber wie immer ist die Art der Musik, die black midi spielen, nicht so wichtig wie ihre Qualität. Und was auch immer du über die Musik von black midi denkst, ist es wichtig, was du dabei fühlst, wenn du sie wirklich hörst.

Der Londoner Dean Blunt veröffentlicht am 22.10. sein neues Album "BLACK METAL 2". Es ist der spirituelle Nachfolger zu seinem 2014 erschienenen Werk "BLACK METAL".

Wenn eine Band in den letzten 10 Jahren von ihrer immensen Kreativität und ihrer Rastlosigkeit getrieben war, dann ja wohl die Parquet Courts! Die Discographie des Brooklyner Quartetts ist so vielseitig, wie hochkarätig – und dem steht auch ihr neues, am 22. Oktober via Rough Trade Records erscheinendes Album „Sympathy For Life“ in Nichts nach! Denn hier tanzt der sich immer im Wandel befindliche Rock-Bastard zu einem neuen Beat! Das Album entstand dabei hauptsächlich durch improvisierte Jam-Sessions, die wiederum von der New Yorker-Club-Szene, Primal Scream wie Pink Floyd inspiriert wurden und dann mit den beiden Produzenten-Schwergewichten Rodaidh MacDonald (The xx, Hot Chip, David Byrne) und John Parish (PJ Harvey, Aldous Harding, Dry Cleaning) in die finale Form geschliffen wurde. Im Gegensatz zum international gefeierten (und von Danger Mouse produzierten) Vorgänger „Wide Awake!“ (2018) fokussierte sich die Band beim neuen Album eher auf die Grooves als auf den Rhythmus. “Wide Awake! was a record you could put on at a party,” sagt Co-Frontmann Austin Brown darüber. “Sympathy For Life is influenced by the party itself. Historically, some amazing rock records have been made from mingling in dance music culture – from Talking Heads to Screamadelica. Our goal was to bring that into our own music. Each of us, in our personal lives, has been going to more dance parties. Or rather, we were pre-pandemic, which is when this record was made.” Mit dem neuen Album kündigen die Parquet Courts mit „The Power of Eleven“ auch ganze 11 globale Happenings um die Veröffentlichung von „Sympathy For Life“ an – jedes Event ist dazu auch noch mit einem exklusiven Merch-Produkt verbunden, das es nur bei dem jeweiligen Event gibt. Beispiel gefällig? Letzte Woche zog die Gay & Lesbian Big Apple Corp Marching Band durch Downtown Manhatten und präsentierte die erste Single „Walking At A Downtown Pace“ – vor Ort konnten Fans exklusive Parquet Courts Drum Sticks erstehen. Zur Single „Walking At A Downtown Place” erscheint gleichzeitig ein Video vom renommierten New Yorker Straßen-Fotografen Daniel Arnold – Co-Frontmann A Savage sagt darüber: „We see New York City from the vantage point of someone busily hurrying through it… That’s what life can be like here; a world of constant motion surrounds you while you’re just walking toward where you need to be. There’s a lot of beauty that can be missed, and it wasn’t until the streets were virtually empty that I did miss it. The song was written before all quarantine, but eerily enough the lyrics echo that longing. Now the city is back and, so it seems, are Parquet Courts."

Mit dem am 15. Mai erscheinenden "All That Glue" tischen Jason Williamson und Andrew Robert Lindsay Fearn ein wütendes Potpourri von Songs aus den letzten 7 Jahren ihres Schaffens auf - und halten damit wieder mal der gehobenen britischen Gesellschaft sowohl den Spiegel als auch den Mittelfinger entgegen. We call it: 22 Banger für ein Halleluja! Genauer: Langjährige Favoriten, B-Seiten, unveröffentlichte Tracks und Raritäten - alles natürlich handverlesen von der Band! Und um die Nummer noch geiler zu machen, kann jetzt jeder die beiden mit Fragen löchern! Um Jason und Andrew eine Frage zu stellen, kann man via WhatsApp eine (Voice-)Nachricht an 00447958180599 (nicht vergessen den eigenen Namen in der Nachricht zu nennen) schicken, eine Frage mit dem Hashtag #AskModsAnything posten oder die Frage unter den Ask Mods Anything-Postings auf dem Facebook oder Instagram-Profil der Band stellen. Drum: Willkommen zurück Jungs und wohl bekomm’s!

Das enigmatische Londoner Quartett black midi wurde erst vor weniger als zwei Jahren gegründet.àSeitdem hat es seinen Ruf als die heißeste neue Underground-Band des Landes schnell gefestigt mit einer Reihe von ausverkauften Live-Dates in London und Überraschungsshows, die von einer überwältigenden Musikalität geprägt waren. In Deutschland sorgten sie im letzten September beim Reeperbahnfestival für erste Schockwellen im Publikum. Die minimale Online- und Pressepräsenz von black midi, gepaart mit der jugendlichen Kompromisslosigkeit hat die Musikwelt zu ihnen und ihrem extraordinären Sound hingezogen. Dabei ist der wirklich schwer einzuordnen - vielleicht irgendwo zwischen Shellac, den Swans, Talking Heads und Miles Davis. "the originality, virtuosity and sheer, impossible-to-categorise oddness of Black Midi is a breath of fresh air" befand denn auch The Times. Black Midi sind Geordie Greep (Gesang/Gitarre), Cameron Picton (Bässe/Gesang), Matt Kelvin (Gitarre) und Morgan Simpson (Schlagzeug

Lankum sind nicht nur nach Meinung des Guardian die neuen Lieblinge in Dublins 300 Jahre alter Folkszene.
Die Musiker beeindrucken mit ihrem vierstimmigen Harmonie-Gesang und ihren höchst innovativen
Arrangements, die sie aus einem irisch-traditionellen Instrumentarium heraus kreieren. Ihre Lieder sind
klassische Traveller-Songs, die den Irish-Folk mit einer Prise Americana vermischen - perfekte Songs für
unterwegs. Die Band besteht aus den Brüdern Ian und Daragh Lynch sowie Cormac MacDiarmada und
Radie Peat. Wenn sie nicht gerade auf Tour sind, unterrichtet Ian traditionelle Musik am University College in
Dublin, während MacDiarmada und Peat andere Musiker an Konzertina und Geige ausbilden. Als Band
sehen sich Lankum nicht als Puristen, vielmehr wollen sie in dem uralten Genre neue Grenzen ausloten und
ecken dabei auch mal bewusst an. Mit ihrem Debüt-Album "Between The Earth And Sky” lassen die Vier nun
neues Licht durch alte Fenster strahlen. Ihre von vielfältigen anderen Stilen inspirierte Musik dürfte dabei die
irische Szene mächtig durchlüften.

Mit ihrem vierten Album, das Gastauftritte der malischen Künstlerin Fatoumata Diawara und der kanadischen Sängerin Charlotte Cardin enthält, liefert die Band eine raffinierte und umfassende Interpretation ihrer einzigartigen Klangvision.
Auf ihrem Independent-Debüt „Living In A Haze“ schreiben Milky Chance tanzbare Alternative-Pop-Songs und bringen ihren unverkennbaren Sound ins Jahr 2023. Aufgenommen in den Jazzanova Recording Studios in Berlin mit namhaften Produzenten wie DECCO, Jonas Holle, Tobias Kuhn und Dennis Neuer transportiert das neue Album die musikalische Neugier des Duos und liefert gleichzeitig meisterhafte Song-Kunst.

"All This Is Chance" ist das erste Album von Lisa O"Neill auf Rough Trade Records. Der Vorgänger, laut The Guardian das Folk Album of Year 2019, erschien noch beim Imprint River Lea. In ihrer Karriere konnte Lisa bereits fünf BBC Folk Award Nominierungen einheimsen, richtigen Schub erlangte sie aber in diesem Jahr dank eines großartigen Bob Dylan Cover, das im epischen Finale der Serie "Peaky Blinders" zur Geltung kam. Für ihr neues Album beginnt beginnt O"Neill als Erzählerin ihre Reise auf irischem Grund, lässt sich vom Autoren Patrick Kavanagh und dessen Erzählungen über die Große Hungersnot in Irland inspirieren, um daraufhin über die Verbindung zur Natur, zu Vögeln, Beeren, Bienen und Blut zu meditieren. Die Musik dazu ist orchestral, dramatisch, geradezu cinematisch - wie zum Beispiel bei der ersten Single "Old Note", die sich als trauriges Wiegenlied über den Verlust der Verbindung zur Natur entfaltet. Der Song ist dabei eine Reaktion auf ein Interview mit dem traditionellen Musiker Tony McMahon und zwischen den Noten spürt man geradezu die enge Verbindung und Liebe O"Neills zur Tierwelt und der Natur um uns herum. Beim Album wirkten viele etablierter (Folk)-Musiker mit. Angefangen von Joseph Doyle am Bass, Cormac Begley, Colm Mac Con Iomaire, Kate Ellis (Crash Ensemble), der Pianistin Ruth O"Mahony Brady, Lorcan Byrne an den Drums, Produzent Dave Odlum an der Gitarre, Colm O"Hara an der Posaune, Brian Leach am Hackbrett, Mic Geraghty am Harmonium und David Coulter an der Säge. O"Neills Nichte Sadie-Mae O"Neill ist dazu noch als zweite Stimme auf "Old Note" zu hören.

"All This Is Chance" ist das erste Album von Lisa O"Neill auf Rough Trade Records. Der Vorgänger, laut The Guardian das Folk Album of Year 2019, erschien noch beim Imprint River Lea.In ihrer Karriere konnte Lisa bereits fünf BBC Folk Award Nominierungen einheimsen, richtigen Schub erlangte sie aber in diesem Jahr dank eines großartigen Bob Dylan Cover, das im epischen Finale der Serie "Peaky Blinders" zur Geltung kam.Für ihr neues Album beginnt beginnt O"Neill als Erzählerin ihre Reise auf irischem Grund, lässt sich vom Autoren Patrick Kavanagh und dessen Erzählungen über die Große Hungersnot in Irland inspirieren, um daraufhin über die Verbindung zur Natur, zu Vögeln, Beeren, Bienen und Blut zu meditieren. Die Musik dazu ist orchestral, dramatisch, geradezu cinematisch - wie zum Beispiel bei der ersten Single "Old Note", die sich als trauriges Wiegenlied über den Verlust der Verbindung zur Natur entfaltet. Der Song ist dabei eine Reaktion auf ein Interview mit dem traditionellen Musiker Tony McMahon und zwischen den Noten spürt man geradezu die enge Verbindung und Liebe O"Neills zur Tierwelt und der Natur um uns herum.Beim Album wirkten viele etablierter (Folk)-Musiker mit. Angefangen von Joseph Doyle am Bass, Cormac Begley, Colm Mac Con Iomaire, Kate Ellis (Crash Ensemble), der Pianistin Ruth O"Mahony Brady, Lorcan Byrne an den Drums, Produzent Dave Odlum an der Gitarre, Colm O"Hara an der Posaune, Brian Leach am Hackbrett, Mic Geraghty am Harmonium und David Coulter an der Säge. O"Neills Nichte Sadie-Mae O"Neill ist dazu noch als zweite Stimme auf "Old Note" zu hören.

Krieg, steigende Energiekosten, Inflation. Eine politische Klasse und ein gespaltenes Land. Das Unbehagen nach dem Brexit, Akte nationaler Selbstbeschädigung und verhängnisvolle Realitätsfluchten. Verzweiflung, Wut und Entfremdung. War es jemals schlimmer da draußen? Willkommen bei "UK Grim". Das zwölfte Album der Sleaford Mods baut auf den einzigartigen, aufrührerischen Stärken früherer Alben auf und verfeinert sie gleichzeitig auf eine neue Weise. Es handelt sich um nichts Geringeres als eine Band und eine Stimme ihrer Generation, so wie es The Jam, The Clash oder Public Enemy zuvor waren. Begonnen haben die Arbeiten zum neuen Album in den Lockdowns von 2021. Schließlich setzte man die Arbeit im JT Soars fort, dem Arbeitsraum und der Kreativzelle der Band, und vollendet "UK Grim" dann im Heimstudio des musikalischen Kopfes Andrew Fearn. Das Album präsentiert die Band in ihrer makellosesten Wut, gepaart mit wilder Poesie. Nach "Spare Ribs" von 2021 (ihrem dritten UK-Top-Ten-Album seit 2019 und ihrem bisher erfolgreichsten) ist es, wie alle ihre Platten, eine Diagnose der Krankheiten der Gesellschaft. Obwohl "UK Grim" größtenteils vor den Turbulenzen des Jahres 2022 entstanden ist, nimmt es die Erschütterungen einer Gesellschaft, die den Verstand verliert, auf unheimliche Weise vorweg, erzählt von einem Mann, der entschlossen ist, sich mit Heucheleien auseinanderzusetzen, insbesondere mit seinen eigenen. Die 14 Tracks klingen nach knarzigem Punk, widerspenstiger Elektronik und Elementen von Hip-Hop. Sie beschreiben die Realität in zu brutaler Unverblümtheit, um nur einfache Protestsongs zu sein. Sie sind zu Vinyl gewordene Wut, aufgekocht von den Großmeistern des pointierten Zorns - den Sleaford Mods! Wie bei den "Spare Ribs" Kollaborationen mit Billy Nomates und Amy Taylor helfen auch bei "UK Grim" Freunde aus: Florence Shaw von Dry Cleaning ist auf dem schaurigen "Force 10 From Navarone" zu Gast. Williamson ist ein Fan der Band und sagt: "Sie erinnert mich wirklich an die frühen Sachen, die ich gemacht habe, einfach die Art und Weise, wie sie ein einziges Wort benutzt, um eine ganze Geschichte zu erzählen." Perry Farrell von Jane"s Addiction rappt auf dem bizarren "So Trendy", einem Song, von dem Williamson sagt, er sei "sehr vorsichtig... ein wirklich seltsamer Track". Seit ihrem Durchbruch-Album "Divide and Exit" von 2014 hatten die Sleaford Mods immer mehr Gelegenheit zum offenen Austausch, sowohl im In- als auch im Ausland. Sie sind eine unermüdlich arbeitende Band, die mit ihren minimalistischen Liveshows unter anderem 2021 in der 10.000 Zuschauer fassenden Nottingham Motorpoint Arena auftrat. Zu den weiteren Meilensteinen ihres Erfolgs gehören Auftritte im US-Late-Night-TV, Headliner-Auftritte auf Festivals und Chart-Platzierungen in ganz Europa mit "Spare Ribs". Ein großer Bewunderer ist Iggy Pop, der der Band mit einer persönlichen Version des Drogenrausch-Grand-Guignols "Chop Chop Chop" Tribut gezollt hat.

Victoria Bergsman hatte es nicht geplant "Another Year" zu machen. Die Taken By Trees-Sängerin war mit der Arbeit an ihrem eigenen Material beschäftigt, als der Vorschlag aufkam, Coverversionen von Songs des Zombies-Frontmanns Colin Blunstone aufzunehmen. Das Projekt sollte den 50. Jahrestag seines ersten Soloalbums "One Year", eines häufig unterschätzten Klassikers, feiern. Am Ende wurde es einer emotionalen Hommage an einen der Lieblingssänger von Bergsman. Victoria Bergsman ist es nicht fremd, Coversongs aufzunehmen. Ihre einzigartige, bezaubernde Version von Guns N" Roses "Sweet Child O" Mine" wurde 2009 sogar zum Soundtrack der John Lewis-Weihnachtswerbung. Ihre Stimme war schon immer eine der großen im Indie-Pop-Genre. Viele kennen ihren Gesang von Peter, Bjorn and Johns Klassiker "Young Folks" oder als Sängerin der schwedischen Band The Concretes. 2008 begann sie eine Solokarriere unter dem Namen Taken By Trees. Ihre Liebe zu Blunstone ist noch älter. Als sie in den späten 1990er Jahren mit ihren Concretes-Bandkollegen durch die Plattenläden stöberte, entdeckte Bergsman Colin Blunstone erstmals als Künstler. Seitdem hat er ihre Musik beeinflusst und ist seit langem ein fester Bestandteil ihrer privaten Plattensammlung.

Special Interest sind in jeder Hinsicht kompromisslos: in ihrem wilden und aufregenden Sound, ihren energiegeladenen Live-Auftritten und ihren Überzeugungen. Dance-Musik und Punkkultur haben schon früher miteinander geflirtet - Special Interest demontieren das Genre mit ihrer Musik, die von ihrer abolitionistischen Weltanschauung geprägt ist und sich Zwängen, Kategorien und jeglicher Konformität widersetzt. Ihr ungestümer Sound ist ein Soundtrack zur Revolution und defragmentiert damit jeden Club.

Special Interest, die sich in der kreativen DIY-Szene von New Orleans zusammengefunden haben, definieren den Begriff "Rockband" auf neue Art und Weise. Sie sind eine kollektive Einheit, bei der jedes Mitglied Songs schreibt. Ihr Sound ist fließend und entwickelt sich ständig weiter. Special Interest begann eigentlich als Duo bestehend aus Alli Logout und Maria Elena mit Gitarre, Drum Machine und einer Bohrmaschine, bevor Nathan Cassiani und Ruth Mascelli dazustießen.

Das 2018er Album „Spiraling“ und das 2020er Album „The Passion Of“ haben den Stil der Gruppe, der von Dance-Grooves und elektronischen Texturen ebenso angetrieben wird wie von Hardcore-Riffs, weiter ausgeprägt. Mit ihrem neuen Album „Endure“ erweitern Special Interest nun die Vision ihres Sounds. Das Schreiben ihres neuesten Albums wurde nicht nur von der Dunkelheit der Pandemie beeinflusst, sondern auch von der Energie, die aus dem gerechten Zorn der Aufstände im Sommer 2020 entstand. „Endure“ ist das intensive Ergebnis dieser Momente.

Special Interest beschreiben die Erfahrung der Aufnahme von „Endure“ als invertiert. Die Band konnte während der Pandemie keine Livekonzerte spielen konnte, was zu neuen klanglichen Experimenten führte und wodurch die alten Regeln über Bord geworfen wurden. Die Basis ist ihrer Musik ist zumeist ein knallharter Drum-Machine-Beat. Ruth Mascellis Arbeit an Drumcomputern und Synthesizern bildet das Fundament, während die variierenden Beats die Gruppe in verschiedene Richtungen führen. Rave-tauglicher Drum and Bass trifft auf House, der sich wiederum an No Wave anschmiegt – ein wahrer Schmelztiegel von Genres. Neue Songs wie "(Herman's) House" erinnern an den Art-Rock der Sparks oder The B-52s ebenso wie an klassischen Punk. Die Band spielt mit Dissonanzen und entwickelt so ihren ganzen eigenen Signature-Sound. Ihre im Kollektiv entstehenden Songs sind lebende Organismen, offen für Experimente und Interpretationen sind und Grenzen ausloten.

Special Interest sind in jeder Hinsicht kompromisslos: in ihrem wilden und aufregenden Sound, ihren energiegeladenen Live-Auftritten und ihren Überzeugungen. Dance-Musik und Punkkultur haben schon früher miteinander geflirtet - Special Interest demontieren das Genre mit ihrer Musik, die von ihrer abolitionistischen Weltanschauung geprägt ist und sich Zwängen, Kategorien und jeglicher Konformität widersetzt. Ihr ungestümer Sound ist ein Soundtrack zur Revolution und defragmentiert damit jeden Club.

Special Interest, die sich in der kreativen DIY-Szene von New Orleans zusammengefunden haben, definieren den Begriff "Rockband" auf neue Art und Weise. Sie sind eine kollektive Einheit, bei der jedes Mitglied Songs schreibt. Ihr Sound ist fließend und entwickelt sich ständig weiter. Special Interest begann eigentlich als Duo bestehend aus Alli Logout und Maria Elena mit Gitarre, Drum Machine und einer Bohrmaschine, bevor Nathan Cassiani und Ruth Mascelli dazustießen.

Das 2018er Album „Spiraling“ und das 2020er Album „The Passion Of“ haben den Stil der Gruppe, der von Dance-Grooves und elektronischen Texturen ebenso angetrieben wird wie von Hardcore-Riffs, weiter ausgeprägt. Mit ihrem neuen Album „Endure“ erweitern Special Interest nun die Vision ihres Sounds. Das Schreiben ihres neuesten Albums wurde nicht nur von der Dunkelheit der Pandemie beeinflusst, sondern auch von der Energie, die aus dem gerechten Zorn der Aufstände im Sommer 2020 entstand. „Endure“ ist das intensive Ergebnis dieser Momente.

Special Interest beschreiben die Erfahrung der Aufnahme von „Endure“ als invertiert. Die Band konnte während der Pandemie keine Livekonzerte spielen konnte, was zu neuen klanglichen Experimenten führte und wodurch die alten Regeln über Bord geworfen wurden. Die Basis ist ihrer Musik ist zumeist ein knallharter Drum-Machine-Beat. Ruth Mascellis Arbeit an Drumcomputern und Synthesizern bildet das Fundament, während die variierenden Beats die Gruppe in verschiedene Richtungen führen. Rave-tauglicher Drum and Bass trifft auf House, der sich wiederum an No Wave anschmiegt – ein wahrer Schmelztiegel von Genres. Neue Songs wie "(Herman's) House" erinnern an den Art-Rock der Sparks oder The B-52s ebenso wie an klassischen Punk. Die Band spielt mit Dissonanzen und entwickelt so ihren ganzen eigenen Signature-Sound. Ihre im Kollektiv entstehenden Songs sind lebende Organismen, offen für Experimente und Interpretationen sind und Grenzen ausloten.