Secretly Canadian HHV Records 152 Artikel

William Eggleston ist ein berühmter Fotograf, der für ikonische Albumcover wie "Transference" von Spoon und "Bleed American" von Jimmy Eat World bekannt ist. Als Musiker hat er 2017 sein Debütalbum „Musik“ veröffentlicht. Sein neues, zweites Album „512“ wurde in den Parkview Apartments in Memphis, Tennessee, aufgenommen, wo Eggleston fast zehn Jahre lang lebte. Die Wohnung war voller Kunst und Inspiration: Kameras natürlich, aber auch High-End-Stereo-Röhrenverstärker und Objekte, die man auf dem örtlichen Flohmarkt mit Geld in der Hand anpreisen würde. Aber auch ein gigantischer, neun Fuß hoher Bosendorfer-Flügel und ein riesiges, altes JBL-Theater-Lautsprecherpult. Sein Haus war von Musik beseelt. Durch die Aufnahmen dort fängt das Album nicht nur seine Darbietungen ein, sondern auch die Stimmung des Ortes; oft hatte man das Gefühl, dass Künstler im Äther lauerten und zuhörten. Seine Besucher im Laufe der Jahre waren keine Seltenheit: Lee Friedlander, Carl Sagan, Dennis Hopper, Paul McCartney und viele andere kamen, um ihn zu sehen und seine hypnotische Musik zu hören. Man hört den Straßenverkehr, das Bellen eines Hundes, das Wetter, also die Realität. Aber es gab noch eine weitere Ebene, eine Art Surrealität, in der seine Musik widerhallte, und man kann sich vorstellen, dass anwesende Musiker zuhörten, und sich ihm gerne anschließen wollten. So entstand „512“ mit dem legendären Brian Eno an den Glocken, mit Sam Amidon an Geige, Banjo und Gitarre, und der Produktion von Leo Abrahams (Regina Spektor, Paul Simon, Jon Hopkins).

William Eggleston ist ein berühmter Fotograf, der für ikonische Albumcover wie "Transference" von Spoon und "Bleed American" von Jimmy Eat World bekannt ist. Als Musiker hat er 2017 sein Debütalbum „Musik“ veröffentlicht. Sein neues, zweites Album „512“ wurde in den Parkview Apartments in Memphis, Tennessee, aufgenommen, wo Eggleston fast zehn Jahre lang lebte. Die Wohnung war voller Kunst und Inspiration: Kameras natürlich, aber auch High-End-Stereo-Röhrenverstärker und Objekte, die man auf dem örtlichen Flohmarkt mit Geld in der Hand anpreisen würde. Aber auch ein gigantischer, neun Fuß hoher Bosendorfer-Flügel und ein riesiges, altes JBL-Theater-Lautsprecherpult. Sein Haus war von Musik beseelt. Durch die Aufnahmen dort fängt das Album nicht nur seine Darbietungen ein, sondern auch die Stimmung des Ortes; oft hatte man das Gefühl, dass Künstler im Äther lauerten und zuhörten. Seine Besucher im Laufe der Jahre waren keine Seltenheit: Lee Friedlander, Carl Sagan, Dennis Hopper, Paul McCartney und viele andere kamen, um ihn zu sehen und seine hypnotische Musik zu hören. Man hört den Straßenverkehr, das Bellen eines Hundes, das Wetter, also die Realität. Aber es gab noch eine weitere Ebene, eine Art Surrealität, in der seine Musik widerhallte, und man kann sich vorstellen, dass anwesende Musiker zuhörten, und sich ihm gerne anschließen wollten. So entstand „512“ mit dem legendären Brian Eno an den Glocken, mit Sam Amidon an Geige, Banjo und Gitarre, und der Produktion von Leo Abrahams (Regina Spektor, Paul Simon, Jon Hopkins).

Julien Ehrlich und Max Kakacek konnten die erstaunlichen Unterschiede in den Songs hören, die sie für ihr drittes Album als Whitney, Spark schrieben - die beschwingten Drumloops, die mühelosen Falsett-Hooks, die überschwänglichen Keyboardlinien. Plötzlich klangen sie wie eine neu erfundene Band, deren einstmals klappriger Folk-Pop nun mit nie dagewesenem Schwung und Glanz erstrahlte. Aber konnten sie das auch sehen? Also beschlossen Julien und Max, es in dem Ad-hoc-Studio herauszufinden, das sie sich im Wohnzimmer ihres gemieteten Bungalows in Portland eingerichtet hatten - ein gemeinsamer Ausweg aus dem Jahr 2020 inmitten von Trennungen und Schließungen. Irgendwo zwischen Mitternacht und Morgengrauen spielten sie jede Nacht ihre neuesten Kreationen, während sich eine Baumarkt-Diskokugel über ihnen drehte und verlangsamte Musikvideos von Megastars leise auf YouTube abgespielt wurden. Passten ihre eigenen Popsongs - die so viel unmittelbarer und moderner waren als ihre verschwommenen Ursprünge - zu solchen Big-Budget-Rollen? "Wir kamen zu dem Schluss, dass wir zu diesem Zeug keine Super-8-Videos mehr drehen wollten", erinnert sich Julien mit einem Grinsen. "Wie wäre es mit etwas, das mehr Hi-Fi und Kinoqualität hat?" Als das Filmmaterial und die Melodien zusammenkamen, wussten Julien und Max, dass sie es geschafft hatten, dass sie endlich Whitneys Sound gefunden hatten. Spark macht Whitney wieder zu einem zeitgemäßen Syndikat des klassischen Pops. Ein Dutzend fantasievoller und liebenswerter Tracks umhüllen einnehmende Melodien mit Dilla-Beats im Paisley-Stil und üppiger Elektronik. Darüber hinaus reduziert Whitney drei Jahre extremer emotionaler Höhen und Tiefen auf 38 flotte, aber tiefgründige Minuten. Jeder dieser 12 Tracks ist eine singbare Lektion darüber, was sie (und eigentlich wir) alle überlebt haben. Die widerspenstige Langeweile des Openers "nothing REMAINS", der verheerende Verlust von "TERMINAL", die sonnendurchflutete Erneuerung von "real Love": So überraschend es auch klingen mag, Spark ist für Whitney weniger eine radikale Neuerfindung als vielmehr eine ehrliche Abrechnung damit, wie es sich anfühlt, wenn du dich aus deiner Vergangenheit in deine Gegenwart bewegst, wenn du die nächsten Schritte in deinem Leben und in deiner Karriere auf einmal und ohne Entschuldigung machst. Spark hat sich die Wärme und Leichtigkeit von Whitneys früherem Werk bewahrt; diese Lieder leuchten mit der Neuheit des Jetzt. Wenn du genau hinhörst, wirst du feststellen, dass in "Spark" häufig von Rauch und Feuer die Rede ist - eine doppelte Bedeutung für die Inspiration von etwas Neuem oder das Niederbrennen von Altem. Max und Julien waren tatsächlich im Herbst 2020 in Portland, als der Rauch der nahegelegenen Brände die Stadt in Rekordhöhe erstickte. Es war schrecklich und tragisch, aber sie machten weiter. "We found a way to live while the world was burning/Real life was caving in", singt Julien fast fröhlich in "back THEN", einer Hymne auf die Suche nach dem, was auf der anderen Seite des Elends liegt. In diesen düsteren Tagen sprechen Wissenschaftlerinnen und Wissenschaftler immer öfter von "scrutiny", einem evolutionären Wunder, das manche Bäume dazu bringt, nur in der Zeit des Feuers Samen zu bilden. So fühlt sich Spark oft an _ Whitneys Umstände waren auf so vielen Ebenen so belastend, dass sie "die Vergangenheit zum Trocknen aufhängten" und neu begannen, um nach dem Brand eine neue Version von sich, ihrer Beziehung und ihrer Band zu finden. Max und Julien sind jetzt wieder in Chicago und teilen sich eine gemütliche Wohnung mit einem kleinen Studio, in dem sie bereits an den Songs für das nächste Whitney-Album arbeiten. Sie haben auch beide eine glückliche Beziehung. Jetzt, wo sie die Vergangenheit ruhen lassen, ist für Max und Julien alles neu. Spark ist nicht nur Whitneys bestes Album, es ist auch ein inspirierendes Zeugnis für Durchhaltevermögen und Erneuerung, für beste Freunde, die einander genug vertrauen, um sich gegenseitig auf die andere Seite dieser Leidenszeit zu tragen.

Die aus Chicago stammende Band Whitney um Sänger und Schlagzeuger Julien Ehrlich und Gitarrist Max Kakacek haben ihr zweites Album Forever Turned Around für den 30. August via US-Indielabel Secretly Canadian angekündigt. Auf ihrem neuen Album, welches auf ihr gefeiertes Debüt Light Upon the Lake aus dem Jahr 2016 folgt, setzen sich Ehrlich und Kakacek mit der Angst aber auch Akzeptanz auseinander, dass unsere Zeit begrenzt ist; mit Fragen nach Vergänglichkeit, Zweifel, Liebe und Freundschaft. Es ist ein Album über Beziehungen und Partnerschaft im romantischen, familiären und gemeinschaftlichen Sinne - aber vor allem ist es ein Album über die Liebe in der Freundschaft. Die innige Verbindung zweier bester Freunde und kreativer Partner und all der Freude und aber auch des Stresses, die diese mit sich bringt. Die erste Single `Giving Up' ist ein großartiger Opener - herzergreifend und absolut nachempfindbar thematisiert die Band in diesem Song die Höhen und Tiefen einer Langzeitbeziehung. Forever Turned Around wurde von Brad Cook (Bon Iver, Hand Habits) und Jonathan Rado (Weyes Blood, Father John Misty) koproduziert. Entstanden ist es über mehrere Sessions sowie auf Tour, allerdings kamen die neuen Songs vor allem beim Wiedertreffen mit ihrem ursprünglichen Rhythmusgitarristen Ziyad Asrar in dessen Kellerstudio in Chicago zusammen - derselbe Ort an dem auch der Großteil des Vorgängeralbums Light Upon the Lake entstand. Während der Aufnahmen fanden sich zudem die Musikerinnen Lia Kohl und OHMMEs Macie Stewart ein, deren Streicherarrangements sich imposant und farbenfreudig durch das gesamte Album ziehen.

Nach dem ausgiebig gefeierten Meisterwerk ,Slave Ambient" (2011) erscheint nun zwei Jahre später - im März 2014 - das dritte Album der aus Philadelphia stammenden Band THE WAR ON DRUGS. "Lost in the Dreams" heißt das neue Glanzstück der Band um Adam Granduciel, deren Gründungsmitglied Kurt Vile mittlerweile solo unterwegs ist. Mit der Veröffentlichung des letzten Albums ,Slave Ambient" gelang der Band der langersehnte und verdiente Durchbruch. Daraufhin tourte die Band zwei Jahre lang von North Carolina bis New York City durch alle Rockclubs, spielte auf unzähligen Festivals und in Late Night-TV-Shows, die Amerika so zu bieten hat. Mit dieser Erfahrung im Gepäck tüftelte Granduciel gemeinsam mit dem Produzenten Jeff Zeigler (Lymbyc Systym, Kurt Vile u.a.) am neuen, dritten Album. Die Band komplett machen außerdem Dave Hartley (Bass) und Robbie Bennet (Piano u.a.), die auch im privatem Leben zu Granduciels engstem Umfeld gehören.Er sagt selbst zu seinem neuen Werk: ,Ich wollte, dass es ein Projekt unter Freunden wird. Jeder einzelne in der Band nimmt unser Projekt ernst. Davon handelt auch unser Album - Freundschaft, Erwachsen werden, das Leben leben und einander zu helfen."Diese persönliche und berufliche Weiterentwicklung ist auch im Sound der Band zu hören. Nicht zuletzt ist Granduciel nicht nur Kopf einer Indie-Rockband, sondern hat auch eine unverkennbare Stimme, um sich der Welt mitzuteilen.

Suuns Sänger und Gitarrist, Ben Shemie: ,This record is definitely
looser than our last one [2016's ,Hold/Still"]. It's not as clinical. There's
more swagger." Diese Ungezwungenheit kann man hören und sie fließt
durch alle 11 Tracks auf ,Felt". Es ist sowohl eine Fortführung als auch
eine Wiedergeburt. Das Quartett aus Montreal kehrte zu dem geliebten
lokalen Breakglass Studios zurück; in dem sie auch schon die ersten
beiden Alben ,Zeroes QC" und ,Images Du Futur" mit Jace Lasek von
The Besnard Lakes aufgenommen hatten. Diesmal aber nahmen sie sich
selbst in ihrem eigenen Tempo in fünf ergiebigen Sessions über den
Zeitraum von einigen Monaten auf. Zeitgleich wurden die Aufnahmen
von St Vincents Produzenten John Congleton (saß auch schon bei
,Hold/Still" am Steuer) feingeschliffen und zur audiophilen Perfektion
abgemischt. Congleton flog extra aus Dallas rüber, um seine von Awards
gekrönten Fähigkeiten vor Ort entfalten zu können. Die erste Single von
Felt, ,Watch You, Watch Me" verfügt über ein organisch/synthetisches
Tempo, das sich über dem Rhythmus von Drummer Liam O'Neill immer
mehr aufbaut. O'Neill erklärt: ,It was different and exciting. In the past,
there was a more concerted effort on my part to drum in a controlled
and genre-specific way. Self-consciously approaching things stylistically.
Us doing it ourselves, that process was like a very receptive, limitless
workshop to just try out ideas." In perfekter Ergänzung zu O'Neill gibt es
die ekstatischen Harmonia-meets-Game Boy-Muster, die von ElektronikMastermind
Max Henry entfesselt wurden. Vorprogrammierte
Einstellungen vermeidend entwickelte Henry für jeden Song auf "Felt"
frische Sounds und wurde gleichzeitig zum Musikdirektor. Begeistert von
"freaky Post-Techno" und der Art und Weise wie Frank Ocean bei
seinen Produktionen Raum nutzt, gehört er zu den bescheideneren
Studio Desk Jockeys: ""Yeah, I sat in the control room while the others
played - hitting 'record' and 'stop'. It also gave me the flexibility to move
parts around and play with effects. I do have a sweet tooth for pop
music."

Seit 2017 war Donnelly viel auf Tour. Während eines kalten Winters in Westaustralien, kehrte sie im Juni 2018 zurück nach Hause, um ihr Debüt aufzunehmen. Um das Album noch weiter zu verfeinern, rekrutierte sie eine komplette Band bestehend aus ihren besten Freunden - die Bassistin Jennifer Aslett, den Schlagzeuger Talya Valenti und den Gitarristen George Foster - und arbeitete mit dem Produzenten Dean Tuza zusammen, der die Songs auf abenteuerliche Art und Weise unterstützt, ohne ihnen dabei etwas von der Intimität und Herzlichkeit zu nehmen."Beware of the Dogs" ist von einem sarkastischem Augenzwinkern und vollem Herzen durchzogen, auf dem Stella Donnelly in 13 lebenserhaltenden Liedern die Kraft beweist, für sich selbst, ihre Freunde und ihre Rechte einzustehen.Ihr Debüt ist ein Porträt, in dem sie sich Donnelly als Künstlerin zeigt, die ihre Stimme vollkommen beherrscht und ihren einladenden Charme und ihren messerscharfen Witz in authentisch rohen Songs einsetzen kann.