Secretly Canadian HHV Records 152 Artikel

Nachdem das Album lange Zeit vergriffen war, gibt es nun das Sojourner Box Set von Magnolia Electric Co. erstmalig auf Vinyl in Form einer 4xLP-Kollektion. Das Box Set ist das Ergebnis der Arbeit von dreizehn Musikern, fünf Locations, vier Toningenieuren und einem Songwriter. Die vier LPs, aus denen sich das Set zusammensetzt, stammen aus vier verschiedenen Aufnahmesessions, die Magnolia Electric Co. nach der Veröffentlichung ihres Debütalbums "What Comes After the Blues" durchführten. Aus diesen Aufnahmesessions ging das zweite Album der Band, Fading Trails, hervor. Aber die vier Sessions in ihrer Gesamtheit kartieren die Himmelskarte von Magnolia Electric Co.: ihre Sternbilder und Sternschnuppen, ihre Americana-Stampfer und mageren Folk-Klagelieder. Und natürlich das Gravitationszentrum, das Jason Molinas schwermütige, unvergleichliche Stimme ist. Die als "Nashville Moon" bekannte Session wurde von Steve Albini in seinen Electrical Audio Studios in Chicago, Illinois, aufgenommen. Die "Sun Session" genannten Aufnahmen wurden in den legendären Sun Studios in Memphis, Tennessee, gemacht. Die Session "Black Ram" wurde von David Lowery in seinen Sound Of Music Studios in Richmond, Virginia, aufgenommen und enthält eine völlig andere Besetzung: Lowery, Rick Alverson, Andrew Bird, Molly Blackbird, Miguel Urbiztondo und Alan Weatherhead. Die als "Shohola" bekannte Session wurde von Jason Molina allein mit Gitarre und Mikrofon aufgenommen. Mit den LP-Covern, die den Original-Illustrationen der Box nachempfunden sind, und mit dem Poster der Originalbox ist diese Vinyl-Ausgabe des Sojourner Box Sets die bisher ehrgeizigste und robusteste Veröffentlichung von Magnolia Electric Co.

Nach dem ausgiebig gefeierten Meisterwerk ,Slave Ambient" (2011) erscheint nun zwei Jahre später - im März 2014 - das dritte Album der aus Philadelphia stammenden Band THE WAR ON DRUGS. "Lost in the Dreams" heißt das neue Glanzstück der Band um Adam Granduciel, deren Gründungsmitglied Kurt Vile mittlerweile solo unterwegs ist. Mit der Veröffentlichung des letzten Albums ,Slave Ambient" gelang der Band der langersehnte und verdiente Durchbruch. Daraufhin tourte die Band zwei Jahre lang von North Carolina bis New York City durch alle Rockclubs, spielte auf unzähligen Festivals und in Late Night-TV-Shows, die Amerika so zu bieten hat. Mit dieser Erfahrung im Gepäck tüftelte Granduciel gemeinsam mit dem Produzenten Jeff Zeigler (Lymbyc Systym, Kurt Vile u.a.) am neuen, dritten Album. Die Band komplett machen außerdem Dave Hartley (Bass) und Robbie Bennet (Piano u.a.), die auch im privatem Leben zu Granduciels engstem Umfeld gehören.Er sagt selbst zu seinem neuen Werk: ,Ich wollte, dass es ein Projekt unter Freunden wird. Jeder einzelne in der Band nimmt unser Projekt ernst. Davon handelt auch unser Album - Freundschaft, Erwachsen werden, das Leben leben und einander zu helfen."Diese persönliche und berufliche Weiterentwicklung ist auch im Sound der Band zu hören. Nicht zuletzt ist Granduciel nicht nur Kopf einer Indie-Rockband, sondern hat auch eine unverkennbare Stimme, um sich der Welt mitzuteilen.

serpentwithfeet, der in Baltimore geborene Sänger und Songwriter, geht als vielseitiges Talent mit natürlichen Schritten von Kapitel zu Kapitel in seiner Karriere. Sein drittes Album Grip ist auf der Tanzfläche schwarzer Schwulenclubs beheimatet und handelt von den intimen Momenten, die sich dort und danach ereignen, ganz gleich, an welchem Ort. Es erforscht die kleinen Momente der körperlichen Berührung und wie sie entstehen. Ob es ein Griff um die Taille oder das Gesicht ist, serpentwithfeet schafft es, alle Blickwinkel zu erkunden. Grip und der Black-Gay-Club stehen in einem interessanten Verhältnis zueinander: Der Club ist öffentlich; die Tanzfläche ist offensichtlich ein Ort, an dem sich die Menschen gegenseitig anschauen und beobachten. Gleichzeitig ist der Black Gay Club ein sicherer Gemeinschaftsraum, er ist "für uns" und in dieser Hinsicht sehr privat, sehr intim. Diese Clubs boten ihm eine andere Atmosphäre, einen anderen Komfort und ein anderes Gefühl des Willkommenseins, das ihn auf eine neue Weise förderte. Von Anfang bis Ende durchlebt Grip klanglich die Höhen und Tiefen nicht nur einer Clubnacht, sondern auch einer Romanze. "Damn Gloves (ft. Ty Dolla $ign and Yanga YaYa)" fängt den Adrenalinrausch eines nächtlichen Höhepunkts mit einem wummernden Bass ein, der in eine Dance-Produktion eingebettet ist, die die Geschwindigkeit des Herzschlags nachahmt, wenn die Intimität zwischen zwei Liebenden hoch kocht. "Spades" nutzt eine süße, gitarrenbetonte Melodie, um einen zärtlichen Moment zu schaffen, wie es ein Slow-Dance tun würde. "Lucky Me" ist süß und ehrlich, ohne irgendetwas, das vom eigentlichen Moment ablenkt. Seine Stimme, eine glitzernde Gitarrenmelodie und bezaubernde Synthies dienen als treibende Kraft, um eine neue Romanze zu fördern. Es ist ein Werk, das die Momente hervorhebt, die dem Herzen am nächsten sind. Im Laufe seiner siebenjährigen Karriere hat er seine Vielseitigkeit durch R&B-Musik bewiesen, die sowohl düster als auch spirituell und fröhlich ist. serpentwithfeet geht immer wieder an die Grenzen seiner Kunst.

serpentwithfeet, der in Baltimore geborene Sänger und Songwriter, geht als vielseitiges Talent mit natürlichen Schritten von Kapitel zu Kapitel in seiner Karriere. Sein drittes Album Grip ist auf der Tanzfläche schwarzer Schwulenclubs beheimatet und handelt von den intimen Momenten, die sich dort und danach ereignen, ganz gleich, an welchem Ort. Es erforscht die kleinen Momente der körperlichen Berührung und wie sie entstehen. Ob es ein Griff um die Taille oder das Gesicht ist, serpentwithfeet schafft es, alle Blickwinkel zu erkunden. Grip und der Black-Gay-Club stehen in einem interessanten Verhältnis zueinander: Der Club ist öffentlich; die Tanzfläche ist offensichtlich ein Ort, an dem sich die Menschen gegenseitig anschauen und beobachten. Gleichzeitig ist der Black Gay Club ein sicherer Gemeinschaftsraum, er ist "für uns" und in dieser Hinsicht sehr privat, sehr intim. Diese Clubs boten ihm eine andere Atmosphäre, einen anderen Komfort und ein anderes Gefühl des Willkommenseins, das ihn auf eine neue Weise förderte. Von Anfang bis Ende durchlebt Grip klanglich die Höhen und Tiefen nicht nur einer Clubnacht, sondern auch einer Romanze. "Damn Gloves (ft. Ty Dolla $ign and Yanga YaYa)" fängt den Adrenalinrausch eines nächtlichen Höhepunkts mit einem wummernden Bass ein, der in eine Dance-Produktion eingebettet ist, die die Geschwindigkeit des Herzschlags nachahmt, wenn die Intimität zwischen zwei Liebenden hoch kocht. "Spades" nutzt eine süße, gitarrenbetonte Melodie, um einen zärtlichen Moment zu schaffen, wie es ein Slow-Dance tun würde. "Lucky Me" ist süß und ehrlich, ohne irgendetwas, das vom eigentlichen Moment ablenkt. Seine Stimme, eine glitzernde Gitarrenmelodie und bezaubernde Synthies dienen als treibende Kraft, um eine neue Romanze zu fördern. Es ist ein Werk, das die Momente hervorhebt, die dem Herzen am nächsten sind. Im Laufe seiner siebenjährigen Karriere hat er seine Vielseitigkeit durch R&B-Musik bewiesen, die sowohl düster als auch spirituell und fröhlich ist. serpentwithfeet geht immer wieder an die Grenzen seiner Kunst.

William Eggleston ist ein berühmter Fotograf, der für ikonische Albumcover wie "Transference" von Spoon und "Bleed American" von Jimmy Eat World bekannt ist. Als Musiker hat er 2017 sein Debütalbum „Musik“ veröffentlicht. Sein neues, zweites Album „512“ wurde in den Parkview Apartments in Memphis, Tennessee, aufgenommen, wo Eggleston fast zehn Jahre lang lebte. Die Wohnung war voller Kunst und Inspiration: Kameras natürlich, aber auch High-End-Stereo-Röhrenverstärker und Objekte, die man auf dem örtlichen Flohmarkt mit Geld in der Hand anpreisen würde. Aber auch ein gigantischer, neun Fuß hoher Bosendorfer-Flügel und ein riesiges, altes JBL-Theater-Lautsprecherpult. Sein Haus war von Musik beseelt. Durch die Aufnahmen dort fängt das Album nicht nur seine Darbietungen ein, sondern auch die Stimmung des Ortes; oft hatte man das Gefühl, dass Künstler im Äther lauerten und zuhörten. Seine Besucher im Laufe der Jahre waren keine Seltenheit: Lee Friedlander, Carl Sagan, Dennis Hopper, Paul McCartney und viele andere kamen, um ihn zu sehen und seine hypnotische Musik zu hören. Man hört den Straßenverkehr, das Bellen eines Hundes, das Wetter, also die Realität. Aber es gab noch eine weitere Ebene, eine Art Surrealität, in der seine Musik widerhallte, und man kann sich vorstellen, dass anwesende Musiker zuhörten, und sich ihm gerne anschließen wollten. So entstand „512“ mit dem legendären Brian Eno an den Glocken, mit Sam Amidon an Geige, Banjo und Gitarre, und der Produktion von Leo Abrahams (Regina Spektor, Paul Simon, Jon Hopkins).

William Eggleston ist ein berühmter Fotograf, der für ikonische Albumcover wie "Transference" von Spoon und "Bleed American" von Jimmy Eat World bekannt ist. Als Musiker hat er 2017 sein Debütalbum „Musik“ veröffentlicht. Sein neues, zweites Album „512“ wurde in den Parkview Apartments in Memphis, Tennessee, aufgenommen, wo Eggleston fast zehn Jahre lang lebte. Die Wohnung war voller Kunst und Inspiration: Kameras natürlich, aber auch High-End-Stereo-Röhrenverstärker und Objekte, die man auf dem örtlichen Flohmarkt mit Geld in der Hand anpreisen würde. Aber auch ein gigantischer, neun Fuß hoher Bosendorfer-Flügel und ein riesiges, altes JBL-Theater-Lautsprecherpult. Sein Haus war von Musik beseelt. Durch die Aufnahmen dort fängt das Album nicht nur seine Darbietungen ein, sondern auch die Stimmung des Ortes; oft hatte man das Gefühl, dass Künstler im Äther lauerten und zuhörten. Seine Besucher im Laufe der Jahre waren keine Seltenheit: Lee Friedlander, Carl Sagan, Dennis Hopper, Paul McCartney und viele andere kamen, um ihn zu sehen und seine hypnotische Musik zu hören. Man hört den Straßenverkehr, das Bellen eines Hundes, das Wetter, also die Realität. Aber es gab noch eine weitere Ebene, eine Art Surrealität, in der seine Musik widerhallte, und man kann sich vorstellen, dass anwesende Musiker zuhörten, und sich ihm gerne anschließen wollten. So entstand „512“ mit dem legendären Brian Eno an den Glocken, mit Sam Amidon an Geige, Banjo und Gitarre, und der Produktion von Leo Abrahams (Regina Spektor, Paul Simon, Jon Hopkins).

Weniger als ein Jahr nach ihrem Album "Through and Through" kehrt Baby Rose mit "Slow Burn" zurück, einer Sammlung von Songs, die ihre Klangpalette von progressivem R&B zu einer raueren, reichhaltigeren und weitläufigeren Linse amerikanischer Musik erweitern. Hier behauptet sich Rose nicht nur als einmalige Sängerin, sondern auch als formidable Songwriterin, die die Punkte verbindet, an denen Muscle Shoals auf Psych trifft, Psych auf Jazz, Jazz auf Americana, und die richtigen Musiker bringen alles zusammen. Produziert von BADBADNOTGOOD, fanden Rose und die Band eine sofortige und scheinbar endlose Quelle der Inspiration; was als Einleitung begann, wurde zu einem Tag, zu einem Song, zu einer Nacht, zu "Slow Burn". Baby Rose war bereits eine kraftvolle Performerin - sie kann die Bühne mit Robert Glasper teilen, ohne in Schweiß auszubrechen, oder einen epischen Film wie Creed III, für den sie den Abschlusssong sang, mit stählerner Zuversicht beenden. Als Rose sich das erste Mal mit BADBADNOTGOOD traf, war sofort eine Verbindung da, und gemeinsam nahmen sie die Leadsingle "One Last Dance" gleich bei diesem ersten Treffen auf. Es war Roses erster Freestyle-Song, und er brachte entscheidende Teile ihrer Vision auf den Punkt. "Ich wusste schon immer, dass es neue Räume und Sounds gibt, in die ich vordringen kann", erklärt Rose. "Ich war schon immer an verschiedenen Sounds interessiert, die diese raueren Texturen einbringen."Während die Geschwindigkeit ihrer Zusammenarbeit Rose begeisterte und überraschte, waren das Potenzial und die Endergebnisse es nicht. "Wir haben uns schnell bewegt", sagt sie, "und es war wirklich wie ein Wasserhahn. Sobald wir "One Last Dance" hatten, wurde klar, dass alles fließen würde." Die Songs auf "Slow Burn" wurden zum Teil von Roses Erfahrungen inspiriert, die sie auf den Fahrten zwischen den Wohnorten ihrer Familie machte: dem Lärm und Chaos von DC und der ruhigen Landschaft von Carolina. Rose drehte die Musik auf und ließ ihre Gedanken schweifen, um Raum für innere Monologe u...

Die Songs von Faye Webster sind ein direkter Draht zum menschlichen Unbewussten, und "Underdressed at the Symphony" dokumentiert, was passiert, wenn man beginnt, aus den Trümmern der alten Routinen ein neues Selbst aufzubauen. Schon ihre zuvor veröffentlichten Songs "But Not Kiss" und "Lifetime" zeigen das selten erforschte Gebiet emotionaler Intimität, in dem Verlangen und Leidenschaft im Konflikt mit Trost, Verständnis und sogar platonischer Liebe stehen. Diese Themen finden sich in “Underdressed at the Symphony” wieder, zusammen mit hyper-spezifischen Symbolen, die ein Bild von Websters Leben zeichnen, wie z.B. "eBay Purchase History" oder die Objekte, die sie bei "Lego Ring"begehrt.

“Underdressed at the Symphony” wurde mit ihrer langjährigen Band in den Sonic Ranch Studios in Texas aufgenommen und schwelgt in Experimentierfreudigkeit, Verspieltheit und Abenteuerlust. Vocoder-Momente, Schnörkel eines Orchesters, gruselige Harmonien und Synthesizer kommen zum Vorschein, ohne die räumliche Qualität von Websters früherer Musik zu beeinträchtigen, sodass ihre Texte nach wie vor genügend Raum haben, mit zusätzlichen Bedeutungsebenen an die Oberfläche sprudeln. Matt „Pistol“ Stoessels Pedal Steel-Klänge sorgen für genau den richtigen Schimmer, während Nels Cline von Wilco seine unbestreitbar gefühlvollen Fingerfertigkeiten zu einer Reihe von Songs beisteuert. Das Zusammenkauern an der buchstäblichen Grenze zwischen den USA und Mexiko bot den Musiker*innen Raum zum Isolieren, Konzentrieren und Experimentieren. Alle Songs auf diesem Album sind Live-Aufnahmen, von denen einige bereits beim ersten oder zweiten Take aufgenommen wurden und Websters Talent zeigen, aus einem ganz bestimmten, scheinbar kleinen Moment eine universelle Erfahrung zu ziehen.

Die Songs von Faye Webster sind ein direkter Draht zum menschlichen Unbewussten, und "Underdressed at the Symphony" dokumentiert, was passiert, wenn man beginnt, aus den Trümmern der alten Routinen ein neues Selbst aufzubauen. Schon ihre zuvor veröffentlichten Songs "But Not Kiss" und "Lifetime" zeigen das selten erforschte Gebiet emotionaler Intimität, in dem Verlangen und Leidenschaft im Konflikt mit Trost, Verständnis und sogar platonischer Liebe stehen. Diese Themen finden sich in “Underdressed at the Symphony” wieder, zusammen mit hyper-spezifischen Symbolen, die ein Bild von Websters Leben zeichnen, wie z.B. "eBay Purchase History" oder die Objekte, die sie bei "Lego Ring"begehrt.

“Underdressed at the Symphony” wurde mit ihrer langjährigen Band in den Sonic Ranch Studios in Texas aufgenommen und schwelgt in Experimentierfreudigkeit, Verspieltheit und Abenteuerlust. Vocoder-Momente, Schnörkel eines Orchesters, gruselige Harmonien und Synthesizer kommen zum Vorschein, ohne die räumliche Qualität von Websters früherer Musik zu beeinträchtigen, sodass ihre Texte nach wie vor genügend Raum haben, mit zusätzlichen Bedeutungsebenen an die Oberfläche sprudeln. Matt „Pistol“ Stoessels Pedal Steel-Klänge sorgen für genau den richtigen Schimmer, während Nels Cline von Wilco seine unbestreitbar gefühlvollen Fingerfertigkeiten zu einer Reihe von Songs beisteuert. Das Zusammenkauern an der buchstäblichen Grenze zwischen den USA und Mexiko bot den Musiker*innen Raum zum Isolieren, Konzentrieren und Experimentieren. Alle Songs auf diesem Album sind Live-Aufnahmen, von denen einige bereits beim ersten oder zweiten Take aufgenommen wurden und Websters Talent zeigen, aus einem ganz bestimmten, scheinbar kleinen Moment eine universelle Erfahrung zu ziehen.

Nominiert für den 2020 Mercury Prize! Die 2LP Deluxe Version des Debütalbums von Porridge Radio enthält fünf Bonus Tracks und erscheint auf limitiertem "Purple & Blue Nebula" Vinyl. Sängerin Dana Margolin gründete ihr zunächst solo gestartetes Projekt nach zahllosen Open-Mic-Nächten in der verschlafenen Küstenstadt Brighton, das nicht selten von der schieren Intensität ihrer Auftritte überrascht war. So keimte in ihr der Gedanke eine Band zu gründen, durch die sie ihre neue Liebe zum Performen und Songschreiben kanalisieren konnte. Porridge Radio waren geboren. Mit ihren Bandkollegen (Bassistin Maddie Ryall, Keyboarderin Georgie Stott und Schlagzeuger Sam Yardley) kristallisierte sich bald Margolins unverwechselbarer, existentialistischer Alternative-Indie-Pop heraus. Bereits 2016 veröffentlichten Porridge Radio zahlreiche Demos und ein erstes selbstaufgenommenes Album ("Rice, Pasta and Other Fillers") auf ihrem eigenen Label Memorials of Distinction. Doch erst mit "Every Bad" ist ihnen die Platte gelungen, die sie seit geraumer Zeit im Kopf hatten. Es kommt voller großartiger, mitreißender Songs daher, die vor Ambitionen nur so strotzen - und Margolins eindringlichem Gesang, der die Rohheit der frühen Karen O besitzt und stellenweise an Charli XCX oder The Cranberries erinnert. " Obwohl die hochemotionalen Songs auf "Every Bad" von zutiefst persönlichen Erkundungen handeln, die durch Porridge Radios seltsam, schöne musikalische Handschrift geprägt sind, reichen sie jedem Hörer/jeder Hörerin bereitwillig die Hand. "Every Bad" ist ein trost- und kraftspendendes Album geworden. Gewidmet denjenigen, die sich im Konflikt befinden, zwei Gefühle gleichzeitig im Herzen tragen oder in den Untiefen mit ihren eigenen Entscheidungen und Beziehungen ringen

Der Sound des sich-Verliebens ist genauso abstrakt, subjektiv und verrückt wie das Konzept der Liebe selbst. Ýoko Ono und John Lennon sind zwei der größten Liebenden der Geschichte und „Two Virgins“ ist das „Musique Concrète“-Fiebertraum-Dokument eines Paares, das sich in Echtzeit verliebt. Das Album ist eine kuriose und einmalige Aufnahme, die innerhalb eines Wochenendes im Frühjahr 1968 in Lennons Haus in Kenwood aufgenommen wurde. Ferne Unterhaltungen, komödiantische Rollenspiele und Schritte; Gelächter, Vogelgezwitscher und klimpernde Pianolinien; alberne Songs und Raum; durch Tape-Delay gestreckte Schreie, Bassgepolter, Mondgesänge und das ganze nochmal von vorne. Es sind zwei junge Menschen, die versuchen einander gegenseitig zu befremden, zum Lachen zu bringen und sich schwer verlieben. John Lennon spielt mit Delays und Loops, während Yoko Ono ihre expressionistischen Vokalisierungen übt. Der Rauch und der Wein sind fast hörbar. Der Bonus Track „Remember Love“, nun ein Teil des Reissues im CD und Download Format, war auf dem Originalrelease nicht enthalten.

Es ist vier Jahre her, dass Cherry Glazerr ihr glänzendes drittes Album "Stuffed and Ready" veröffentlicht haben, aber Clementine Creevy hatte es nicht eilig. "Ich habe diese Jahre damit verbracht, mich selbst und meine Beziehungen unter die Lupe zu nehmen und darüber zu schreiben", sagt sie. "Ich schätze, ich komme mit einer Menge Mist klar." Cherry Glazerr ist seit Creevys Highschoolzeit viel unterwegs, und als die Pandemie ausbrach, tauchte sie in eine statische Existenz ein. Creevy beschreibt Cherry Glazerrs ehrgeiziges neues Album "I Don't Want You Anymore" als ihre bisher persönlichste und roheste Musik, eine Sammlung von Songs, die diese Zeit der Selbstaufgabe verarbeiten. Es ist das erste Album, das sie seit Cherry Glazerrs Garage-Rock-Debüt "Haxel Princess" selbst produziert hat, das vor fast einem Jahrzehnt erschien, als Creevy noch ein Teenager war. Creevy beschreibt "I Don't Want You Anymore" als ein "reifes" Album, was mehr mit ihrer persönlichen Entwicklung zu tun hat, als mit dem Album selbst, das in wahrer Cherry Glazerr-Manier am besten als Extremely Fun beschrieben werden kann. Für die Produktion des Albums hat sich Creevy mit dem Produzenten Yves Rothman zusammengetan, der vor allem für seine Arbeit mit Yves Tumor bekannt ist. Die Leadsingle "Soft Like a Flower" ist ein Beispiel für diese Entwicklung. Ein düsteres Gitarrenriff leitet den Track ein, bevor Creevys unverhüllter Gesang einsetzt. Sie singt von einer verzehrenden Besessenheit und wird im Refrain von ihrer langjährigen Bandkollegin Sami Perez unterstützt. Es ist ein stolzes, gefühlvolles Stück, das Creevy einen "Evanescence-Moment" nennt. "Es ist ein echter `losing your fucking shit'-Style", sagt sie. "Ich wollte, dass dieses Album nur aus Herz und Seele besteht. Völlig offen." "I Don't Want You Anymore" nutzt das Element der Überraschung zu seinem Vorteil; jeder Track ist eine radikale Neuinterpretation dessen, was Cherry Glazerr ist und sein kann. "Bad Habit" beginnt mit einer spiralförmigen Gesangsschleife, die Creevy zu Hause aufgenommen hat, und entwickelt sich zu einem delirierenden Downtempo-Dance-Track, ohne dass jemals eine Gitarre zum Einsatz kommt. Der darauf folgende Track "Ready for You" wird im funkigen Stakkato gesungen, und die anfänglich sparsame Bassline in der ersten Strophe wird schließlich von einem massiven, statischen Gitarrenriff überholt, das einen daran erinnert, dass es sich hier im Kern um ein Rockalbum handelt. Dies sind Songs, die das Leben des Hörers untermalen, eine Partitur, die zu jeder Gelegenheit passt. Das titelgebende Stück ist ein Versprechen an eine namenlose Person, aber der sich wiederholende Text in der Bridge könnte genauso gut als Liebesbrief an den Hörer dienen: "In the end, you're always holding me."

JASON MOLINA ist kein Mann, der gerne lange am gleichen Ort verweilt. Im Laufe seiner mittlerweile 12 Jahre umspannenden Karriere unter seinem eigenen Namen oder mit SONGS:OHIA und der MAGNOLIA ELECTRIC CO. hat er an neun verschiedenen Orten gelebt, mit einem Dutzend verschiedener Begleitbands gearbeitet und in mindestens genauso vielen verschiedenen Umfeldern aufgenommen. "Fading Trails" fasst drei dieser Inkarnationen und vier der Umfelder zusammen: die Aufnahmesessions mit Steve Albini in seinen Electric Audio Studios, die mit David Lowery im Sound Of Music Studio, die Aufnahmen in Memphis und Songs aus den Shohola-Sessions, die bei MOLINA zu Hause aufgenommen wurden. Ziel der Aufnahmen war es, ein homogenes Wesen zu schaffen und zu definieren, was MAGNOLIA ELECTRIC CO. wirklich ist. Die Definition ist nicht einfach. Im genauen Gegensatz zur Hydra hat die MAGNOLIA ELECTRIC CO. einen Kopf...