Secretly Canadian HHV Records 152 Artikel

Der Sound des sich-Verliebens ist genauso abstrakt, subjektiv und verrückt wie das Konzept der Liebe selbst. Ýoko Ono und John Lennon sind zwei der größten Liebenden der Geschichte und „Two Virgins“ ist das „Musique Concrète“-Fiebertraum-Dokument eines Paares, das sich in Echtzeit verliebt. Das Album ist eine kuriose und einmalige Aufnahme, die innerhalb eines Wochenendes im Frühjahr 1968 in Lennons Haus in Kenwood aufgenommen wurde. Ferne Unterhaltungen, komödiantische Rollenspiele und Schritte; Gelächter, Vogelgezwitscher und klimpernde Pianolinien; alberne Songs und Raum; durch Tape-Delay gestreckte Schreie, Bassgepolter, Mondgesänge und das ganze nochmal von vorne. Es sind zwei junge Menschen, die versuchen einander gegenseitig zu befremden, zum Lachen zu bringen und sich schwer verlieben. John Lennon spielt mit Delays und Loops, während Yoko Ono ihre expressionistischen Vokalisierungen übt. Der Rauch und der Wein sind fast hörbar. Der Bonus Track „Remember Love“, nun ein Teil des Reissues im CD und Download Format, war auf dem Originalrelease nicht enthalten.

Die Songs von Faye Webster sind ein direkter Draht zum menschlichen Unbewussten, und "Underdressed at the Symphony" dokumentiert, was passiert, wenn man beginnt, aus den Trümmern der alten Routinen ein neues Selbst aufzubauen. Schon ihre zuvor veröffentlichten Songs "But Not Kiss" und "Lifetime" zeigen das selten erforschte Gebiet emotionaler Intimität, in dem Verlangen und Leidenschaft im Konflikt mit Trost, Verständnis und sogar platonischer Liebe stehen. Diese Themen finden sich in “Underdressed at the Symphony” wieder, zusammen mit hyper-spezifischen Symbolen, die ein Bild von Websters Leben zeichnen, wie z.B. "eBay Purchase History" oder die Objekte, die sie bei "Lego Ring"begehrt.

“Underdressed at the Symphony” wurde mit ihrer langjährigen Band in den Sonic Ranch Studios in Texas aufgenommen und schwelgt in Experimentierfreudigkeit, Verspieltheit und Abenteuerlust. Vocoder-Momente, Schnörkel eines Orchesters, gruselige Harmonien und Synthesizer kommen zum Vorschein, ohne die räumliche Qualität von Websters früherer Musik zu beeinträchtigen, sodass ihre Texte nach wie vor genügend Raum haben, mit zusätzlichen Bedeutungsebenen an die Oberfläche sprudeln. Matt „Pistol“ Stoessels Pedal Steel-Klänge sorgen für genau den richtigen Schimmer, während Nels Cline von Wilco seine unbestreitbar gefühlvollen Fingerfertigkeiten zu einer Reihe von Songs beisteuert. Das Zusammenkauern an der buchstäblichen Grenze zwischen den USA und Mexiko bot den Musiker*innen Raum zum Isolieren, Konzentrieren und Experimentieren. Alle Songs auf diesem Album sind Live-Aufnahmen, von denen einige bereits beim ersten oder zweiten Take aufgenommen wurden und Websters Talent zeigen, aus einem ganz bestimmten, scheinbar kleinen Moment eine universelle Erfahrung zu ziehen.

Niemals war der Entstehungsprozeß eines SONGS:OHIA Albums so wesentlich in seinem Gesamtgefühl wie bei "Didn't It Rain", dem mittlerweile sechsten Album der Band, das von Edan Cohen aufgenommen wurde. Das gesamte Album wurde live ohne Overdubs eingespielt, die gesamte Band spielte in einem Raum. Kaum eine Armlänge voneinander entfernt, teilten sich die Sänger Jason Molina, Jennie Benford und Jim Krewson ein einziges Mikrophon. Das Resultat ist ein Sound voller Wärme und Persönlichkeit, der an Aufnahmen aus den frühen und Mitte der 70er Jahre erinnert. Von einem gleichnamigen Song von Mahalia Jackson inspiriert, kommt der Titeltrack als wunderschöner Song über die Höhen und Tiefen des Lebens. Jason Molina hat eine Platte geschaffen, die noch persönlicher und heilender ist, als seine vorangegangenen Arbeiten; was für Neil Young "After The Goldrush" war, ist für Molina "Didn't It Rain".

William Eggleston ist ein berühmter Fotograf, der für ikonische Albumcover wie "Transference" von Spoon und "Bleed American" von Jimmy Eat World bekannt ist. Als Musiker hat er 2017 sein Debütalbum „Musik“ veröffentlicht. Sein neues, zweites Album „512“ wurde in den Parkview Apartments in Memphis, Tennessee, aufgenommen, wo Eggleston fast zehn Jahre lang lebte. Die Wohnung war voller Kunst und Inspiration: Kameras natürlich, aber auch High-End-Stereo-Röhrenverstärker und Objekte, die man auf dem örtlichen Flohmarkt mit Geld in der Hand anpreisen würde. Aber auch ein gigantischer, neun Fuß hoher Bosendorfer-Flügel und ein riesiges, altes JBL-Theater-Lautsprecherpult. Sein Haus war von Musik beseelt. Durch die Aufnahmen dort fängt das Album nicht nur seine Darbietungen ein, sondern auch die Stimmung des Ortes; oft hatte man das Gefühl, dass Künstler im Äther lauerten und zuhörten. Seine Besucher im Laufe der Jahre waren keine Seltenheit: Lee Friedlander, Carl Sagan, Dennis Hopper, Paul McCartney und viele andere kamen, um ihn zu sehen und seine hypnotische Musik zu hören. Man hört den Straßenverkehr, das Bellen eines Hundes, das Wetter, also die Realität. Aber es gab noch eine weitere Ebene, eine Art Surrealität, in der seine Musik widerhallte, und man kann sich vorstellen, dass anwesende Musiker zuhörten, und sich ihm gerne anschließen wollten. So entstand „512“ mit dem legendären Brian Eno an den Glocken, mit Sam Amidon an Geige, Banjo und Gitarre, und der Produktion von Leo Abrahams (Regina Spektor, Paul Simon, Jon Hopkins).

William Eggleston ist ein berühmter Fotograf, der für ikonische Albumcover wie "Transference" von Spoon und "Bleed American" von Jimmy Eat World bekannt ist. Als Musiker hat er 2017 sein Debütalbum „Musik“ veröffentlicht. Sein neues, zweites Album „512“ wurde in den Parkview Apartments in Memphis, Tennessee, aufgenommen, wo Eggleston fast zehn Jahre lang lebte. Die Wohnung war voller Kunst und Inspiration: Kameras natürlich, aber auch High-End-Stereo-Röhrenverstärker und Objekte, die man auf dem örtlichen Flohmarkt mit Geld in der Hand anpreisen würde. Aber auch ein gigantischer, neun Fuß hoher Bosendorfer-Flügel und ein riesiges, altes JBL-Theater-Lautsprecherpult. Sein Haus war von Musik beseelt. Durch die Aufnahmen dort fängt das Album nicht nur seine Darbietungen ein, sondern auch die Stimmung des Ortes; oft hatte man das Gefühl, dass Künstler im Äther lauerten und zuhörten. Seine Besucher im Laufe der Jahre waren keine Seltenheit: Lee Friedlander, Carl Sagan, Dennis Hopper, Paul McCartney und viele andere kamen, um ihn zu sehen und seine hypnotische Musik zu hören. Man hört den Straßenverkehr, das Bellen eines Hundes, das Wetter, also die Realität. Aber es gab noch eine weitere Ebene, eine Art Surrealität, in der seine Musik widerhallte, und man kann sich vorstellen, dass anwesende Musiker zuhörten, und sich ihm gerne anschließen wollten. So entstand „512“ mit dem legendären Brian Eno an den Glocken, mit Sam Amidon an Geige, Banjo und Gitarre, und der Produktion von Leo Abrahams (Regina Spektor, Paul Simon, Jon Hopkins).

Es ist vier Jahre her, dass Cherry Glazerr ihr glänzendes drittes Album "Stuffed and Ready" veröffentlicht haben, aber Clementine Creevy hatte es nicht eilig. "Ich habe diese Jahre damit verbracht, mich selbst und meine Beziehungen unter die Lupe zu nehmen und darüber zu schreiben", sagt sie. "Ich schätze, ich komme mit einer Menge Mist klar." Cherry Glazerr ist seit Creevys Highschoolzeit viel unterwegs, und als die Pandemie ausbrach, tauchte sie in eine statische Existenz ein. Creevy beschreibt Cherry Glazerrs ehrgeiziges neues Album "I Don't Want You Anymore" als ihre bisher persönlichste und roheste Musik, eine Sammlung von Songs, die diese Zeit der Selbstaufgabe verarbeiten. Es ist das erste Album, das sie seit Cherry Glazerrs Garage-Rock-Debüt "Haxel Princess" selbst produziert hat, das vor fast einem Jahrzehnt erschien, als Creevy noch ein Teenager war. Creevy beschreibt "I Don't Want You Anymore" als ein "reifes" Album, was mehr mit ihrer persönlichen Entwicklung zu tun hat, als mit dem Album selbst, das in wahrer Cherry Glazerr-Manier am besten als Extremely Fun beschrieben werden kann. Für die Produktion des Albums hat sich Creevy mit dem Produzenten Yves Rothman zusammengetan, der vor allem für seine Arbeit mit Yves Tumor bekannt ist. Die Leadsingle "Soft Like a Flower" ist ein Beispiel für diese Entwicklung. Ein düsteres Gitarrenriff leitet den Track ein, bevor Creevys unverhüllter Gesang einsetzt. Sie singt von einer verzehrenden Besessenheit und wird im Refrain von ihrer langjährigen Bandkollegin Sami Perez unterstützt. Es ist ein stolzes, gefühlvolles Stück, das Creevy einen "Evanescence-Moment" nennt. "Es ist ein echter `losing your fucking shit'-Style", sagt sie. "Ich wollte, dass dieses Album nur aus Herz und Seele besteht. Völlig offen." "I Don't Want You Anymore" nutzt das Element der Überraschung zu seinem Vorteil; jeder Track ist eine radikale Neuinterpretation dessen, was Cherry Glazerr ist und sein kann. "Bad Habit" beginnt mit einer spiralförmigen Gesangsschleife, die Creevy zu Hause aufgenommen hat, und entwickelt sich zu einem delirierenden Downtempo-Dance-Track, ohne dass jemals eine Gitarre zum Einsatz kommt. Der darauf folgende Track "Ready for You" wird im funkigen Stakkato gesungen, und die anfänglich sparsame Bassline in der ersten Strophe wird schließlich von einem massiven, statischen Gitarrenriff überholt, das einen daran erinnert, dass es sich hier im Kern um ein Rockalbum handelt. Dies sind Songs, die das Leben des Hörers untermalen, eine Partitur, die zu jeder Gelegenheit passt. Das titelgebende Stück ist ein Versprechen an eine namenlose Person, aber der sich wiederholende Text in der Bridge könnte genauso gut als Liebesbrief an den Hörer dienen: "In the end, you're always holding me."

Es ist vier Jahre her, dass Cherry Glazerr ihr glänzendes drittes Album "Stuffed and Ready" veröffentlicht haben, aber Clementine Creevy hatte es nicht eilig. "Ich habe diese Jahre damit verbracht, mich selbst und meine Beziehungen unter die Lupe zu nehmen und darüber zu schreiben", sagt sie. "Ich schätze, ich komme mit einer Menge Mist klar." Cherry Glazerr ist seit Creevys Highschoolzeit viel unterwegs, und als die Pandemie ausbrach, tauchte sie in eine statische Existenz ein. Creevy beschreibt Cherry Glazerrs ehrgeiziges neues Album "I Don't Want You Anymore" als ihre bisher persönlichste und roheste Musik, eine Sammlung von Songs, die diese Zeit der Selbstaufgabe verarbeiten. Es ist das erste Album, das sie seit Cherry Glazerrs Garage-Rock-Debüt "Haxel Princess" selbst produziert hat, das vor fast einem Jahrzehnt erschien, als Creevy noch ein Teenager war. Creevy beschreibt "I Don't Want You Anymore" als ein "reifes" Album, was mehr mit ihrer persönlichen Entwicklung zu tun hat, als mit dem Album selbst, das in wahrer Cherry Glazerr-Manier am besten als Extremely Fun beschrieben werden kann. Für die Produktion des Albums hat sich Creevy mit dem Produzenten Yves Rothman zusammengetan, der vor allem für seine Arbeit mit Yves Tumor bekannt ist. Die Leadsingle "Soft Like a Flower" ist ein Beispiel für diese Entwicklung. Ein düsteres Gitarrenriff leitet den Track ein, bevor Creevys unverhüllter Gesang einsetzt. Sie singt von einer verzehrenden Besessenheit und wird im Refrain von ihrer langjährigen Bandkollegin Sami Perez unterstützt. Es ist ein stolzes, gefühlvolles Stück, das Creevy einen "Evanescence-Moment" nennt. "Es ist ein echter `losing your fucking shit'-Style", sagt sie. "Ich wollte, dass dieses Album nur aus Herz und Seele besteht. Völlig offen." "I Don't Want You Anymore" nutzt das Element der Überraschung zu seinem Vorteil; jeder Track ist eine radikale Neuinterpretation dessen, was Cherry Glazerr ist und sein kann. "Bad Habit" beginnt mit einer spiralförmigen Gesangsschleife, die Creevy zu Hause aufgenommen hat, und entwickelt sich zu einem delirierenden Downtempo-Dance-Track, ohne dass jemals eine Gitarre zum Einsatz kommt. Der darauf folgende Track "Ready for You" wird im funkigen Stakkato gesungen, und die anfänglich sparsame Bassline in der ersten Strophe wird schließlich von einem massiven, statischen Gitarrenriff überholt, das einen daran erinnert, dass es sich hier im Kern um ein Rockalbum handelt. Dies sind Songs, die das Leben des Hörers untermalen, eine Partitur, die zu jeder Gelegenheit passt. Das titelgebende Stück ist ein Versprechen an eine namenlose Person, aber der sich wiederholende Text in der Bridge könnte genauso gut als Liebesbrief an den Hörer dienen: "In the end, you're always holding me."